Return of the Prodigal Son (Rembrandt)

Rembrandt
Den förlorade sonens återkomst . OK. 1666-1669
De return van de verloren zoo
duk, olja. 260×203 cm
Hermitage , Sankt Petersburg
( Inv. GE-742 )
 Mediafiler på Wikimedia Commons

Den förlorade sonens återkomst  är en målning av Rembrandt baserad på handlingen i Nya testamentets liknelse om den förlorade sonen , utställd i Eremitaget .

Plot

Målningen skildrar det sista avsnittet av liknelsen, när den förlorade sonen återvänder hem, ”och medan han ännu var långt borta såg hans far honom och förbarmade sig; och sprang, föll honom om halsen och kysste honom", och hans äldre rättfärdige bror, som blev kvar hos sin far, "blev arg och ville inte gå in."

Handlingen väckte uppmärksamhet från Rembrandts berömda föregångare: Dürer , Bosch , Luke of Leiden , Rubens .

Beskrivning

Detta är den största målningen av Rembrandt på ett religiöst tema.

Flera personer samlades på ett litet område framför huset. Till vänster i bilden avbildas en knästående förlorad son med ryggen mot betraktaren. Hans ansikte är inte synligt, hans huvud är skrivet i profil perdu . Fadern rör försiktigt vid sonens axlar och omfamnar honom. Målningen är ett klassiskt exempel på komposition, där det viktigaste är starkt förskjutet från målningens centrala axel för den mest exakta avslöjandet av verkets huvudidé. "Rembrandt lyfter fram det viktigaste i bilden med ljus och fokuserar vår uppmärksamhet på det. Kompositionscentrumet ligger nästan i kanten av bilden. Konstnären balanserar kompositionen med figuren av den äldste sonen som står till höger. Att placera det semantiska huvudcentret på en tredjedel av avståndet i höjd motsvarar lagen om det gyllene snittet , som sedan urminnes tider har använts av konstnärer för att uppnå största möjliga uttrycksfullhet i sina skapelser” [1] .

Rakad som en straffånge vittnar den förlorade sonens huvud och hans sjaskiga kläder om fallet. Kragen behåller en antydan till tidigare lyx. Skorna är utslitna, och en rörande detalj – en föll när sonen knäböjde. I djupet gissar man en veranda och bakom den faderns hus. Mästaren placerade huvudfigurerna i korsningen mellan bild- och verkliga utrymmen (senare placerades duken i botten [2] , men enligt författarens avsikt passerade dess nedre kant i nivå med den knästående sonens tår). "Rymdens djup förmedlas av en konsekvent försvagning av ljus och skugga och färgkontraster, med början från förgrunden. I själva verket är det byggt av figurer av vittnen till scenen av förlåtelse, som gradvis upplöses i skymningen” [1] . ”Vi har en decentraliserad sammansättning med huvudgruppen (händelsenoden) till vänster och en caesura som skiljer den från gruppen händelsevittnen till höger. Händelsen får deltagarna i scenen att reagera olika. Tomten är byggd enligt kompositionsschemat ”respons” [3] .

Mindre tecken

Förutom fadern och sonen finns ytterligare 4 karaktärer avbildade på bilden. Det är mörka silhuetter som knappast går att urskilja mot en mörk bakgrund, men vilka de är förblir ett mysterium. Vissa kallade dem "bröder och systrar" till huvudpersonen. Det är karakteristiskt att Rembrandt undviker konflikt: liknelsen talar om en lydig sons svartsjuka, och bildens harmoni bryts inte på något sätt.

Eremitagemedarbetaren Irina Linnik menar att Rembrandts målning har en prototyp i träsnittet av Cornelis Antonissen (1541), där även den knästående sonen och fadern är avbildade omgivna av figurer. Men på gravyren är dessa figurer inskrivna - Tro, hopp, kärlek , omvändelse och sanning. I himlen står en gravyr på grekiska, hebreiska och latin "Gud". Röntgenbilden av Eremitageduken visade Rembrandtmålningens initiala likhet med detaljerna i den nämnda gravyren. En direkt analogi kan dock inte dras - målningen har bara en vag likhet med en av Antonissens allegorier (den längsta och nästan försvinner i mörkret), som liknar en allegori om kärlek, och dessutom har en röd hjärtformad medaljong. Kanske är detta en bild av den förlorade sonens mor.

De två figurerna i bakgrunden, placerade i mitten (uppenbarligen kvinna, möjligen en tjänare eller annan personifierad allegori; och manlig), är svårare att gissa. En sittande ung man med mustasch, om du följer liknelsens handling, kan vara en andra, lydig broder. Det finns spekulationer om att den andra brodern faktiskt är den tidigare "kvinnliga" figuren som kramar kolumnen. Och kanske är detta inte bara en kolumn - till formen liknar den en pelare i templet i Jerusalem och kan mycket väl symbolisera en pelare i lagen, och det faktum att en rättfärdig broder gömmer sig bakom den får ett symboliskt ljud.

Forskarnas uppmärksamhet fångas av figuren av det sista vittnet, som ligger till höger i bilden. Hon spelar en viktig roll i kompositionen och är skriven nästan lika levande som huvudpersonerna. Hans ansikte uttrycker sympati, och den resande manteln på honom och staven i hans händer tyder på att han, liksom den förlorade sonen, är en ensam vandrare. Den israeliska forskaren Galina Lyuban [4] tror att denna bild är förknippad med figuren av den vandrande juden . Enligt andra antaganden är det han som är äldste sonen, vilket inte överensstämmer med åldersegenskaperna hos Nya testamentets karaktär, även om han också är skäggig och klädd som en far. Men denna rika klädsel är också en vederläggning av versionen, för enligt evangeliet, efter att ha hört talas om sin brors återkomst, sprang han direkt från fältet, där han troligen var i arbetskläder. Vissa forskare ser i denna figur ett självporträtt av Rembrandt själv.

Det finns också en version att de två figurerna på höger sida av bilden: en ung man i basker och en stående man är samma far och son som är avbildade på den andra halvan, men bara innan den förlorade sonen lämnar huset att möta fester. Därmed kombinerar duken så att säga två kronologiska planer. Åsikten uttrycktes att dessa två figurer är bilden av publikanen och fariséen från evangeliets liknelse [5] .

I profil, i form av en basrelief på höger sida av det stående vittnet, avbildas en musiker som spelar flöjt. Hans gestalt påminner kanske om musik, som om några ögonblick kommer att fylla faderns hus med ljud av glädje.

Historik

Omständigheter för skapandet

Detta är inte konstnärens enda verk i detta ämne. År 1635 målade han målningen " Den förlorade sonen i en krog (självporträtt med Saskia på knä)", som återspeglar en episod av legenden om den förlorade sonen som slösar bort sin fars arv [6] . År 1636 skapade Rembrandt en etsning och 1642 en teckning ( Taylor Museum i Haarlem).

Omständigheterna för att skriva duken är mystiska. Man tror att den skrevs under de sista åren av konstnärens liv. Ändringar och korrigeringar av målningens ursprungliga avsikt, synliga på röntgen, vittnar om dukens äkthet.

Dateringen 1666-1669 anses av vissa vara omtvistad. Konsthistorikerna G. Gerson och I. Linnik föreslog att målningen skulle dateras 1661 eller 1663.

Judiskt tema

Rembrandt bodde i Amsterdam, centrum för judisk handel, och kommunicerade aktivt med lokala judar. Många av hans målningar är tillägnade judar, han använde judar som sittande för sina bibliska målningar.

Den judiska boken " Kol-Bo ", en gammal samling av ritualer och regler, avsnittet " Teshuva ", med en allegori om mötet mellan en far och son som hade förlorat tron ​​på Gud (en variant av liknelsen), dök upp i Amsterdam på 1600-talet. Tydligen trycktes den av stadens första utgivare - Menashe ben Israel , en vän och granne till Rembrandt, som illustrerade hans publikationer. För judarna som levde i det toleranta Holland efter hårda katolska länder blev Teshuvah, återgången till judendomen, ett massfenomen. Märkligt nog valde Menashe ben Israel den vandrande juden som sitt emblem.

Målningens historia

Gick in i Eremitaget från Paris-samlingen av André d'Ansezen , den siste hertigen de Cadrus 1766 (ett år före hans död) - på uppdrag av Catherine köptes den av prins Dmitrij Alekseevich Golitsyn . Ansezen ärvde sin samling från sin fru, som kom från familjen Colbert . Hennes farfar Charles Colbert utförde viktiga diplomatiska uppdrag för Ludvig XIV i Holland, där han kan ha förvärvat målningen.

Måleriets roll i världskulturen

Anteckningar

  1. ↑ 1 2 Sammansättningens grunder . Hämtad 21 mars 2010. Arkiverad från originalet 30 november 2009.
  2. ↑ Return of the Prodigal Son Arkiverad 30 oktober 2014 på Wayback Machine
  3. ↑ N. Volkov. "Komposition i måleriet". M., 1977
  4. ↑ Luban, G. Den förlorade sonens återkomst. Mer än ögat ser. M., 2007. S. 25
  5. ↑ Den förlorade sonens återkomst . Hämtad 21 mars 2010. Arkiverad från originalet 30 oktober 2014.
  6. ↑ Den högsta mognad av skicklighet. Resultat. Del 4 . Hämtad 21 mars 2010. Arkiverad från originalet 30 oktober 2014.
  7. ↑ Den förlorade sonens återkomst, Henry Nowen . Hämtad 21 mars 2010. Arkiverad från originalet 18 april 2008.

Litteratur

Länkar