| William Holman Hunt | |
| Väckt skam . 1853 | |
| engelsk Det uppvaknande samvetet | |
| duk, olja. 76,2 × 55,9 cm | |
| Tate British Gallery , rum 14, London , Storbritannien | |
| ( Inv. T02075 ) | |
| Mediafiler på Wikimedia Commons |
The Awakening Conscience ( eng. The Awakening Conscience , lit. "The Awakened Conscience") är en målning målad 1853 av den engelske prerafaelitiska konstnären William Holman Hunt , en av grundarna av det prerafaelitiska brödraskapet . Målningen föreställer en fallen kvinna som reser sig från en mans knän i ett ögonblick av omvändelse.
Under arbetet med duken ägnade konstnären stor uppmärksamhet åt detaljer. Härifrån bär nästan alla objekt som visas på duken en semantisk belastning och fungerar som ledtrådar för bildens handling. John Ruskin uppskattade mycket konstnärens talang, och målningen blev ett av Hunts mest kända verk. Konstnären själv gjorde ändringar på duken två gånger: första gången, på begäran av ägaren av målningen, ändrade han ansiktet på en kvinna, andra gången fick han möjlighet att förbättra detaljerna.
Shame Awakened finns nu i rum 14 på Tate British Gallery efter att det donerades till galleriet av ägarna 1976.
Inledningsvis kan det tyckas att bilden skildrar tillfälliga meningsskiljaktigheter mellan man och hustru, men bildens namn och symbolerna som finns i den gör det tydligt att detta är en älskare och älskare. Kvinnan har ingen vigselring på vänster hand. Utspridda i rummet finns påminnelser om ett förlorat liv: en katt under bordet leker med en fången fågel; klockan är gömd under glas; gobelängen som hänger på pianot är inte färdig; trådar som ligger utspridda på golvet; en målning av Frank Stone hänger på väggen; texten i Edward Lears musikarrangemang av Alfred Tennysons lyriska dikt " Tears, Idle Tears " kastas på golvet , och på pianot finns Thomas Moores "Often in a Silent Night" , som berättar om missade möjligheter och sorgliga minnen från ett lyckligt förflutet.
Konstkritikern Elizabeth Prettejohn noterar att även om målningens interiör nu betraktas som "viktoriansk", utstrålar den fortfarande en vulgaritet i nouveau riche som skulle vara osmaklig för en samtida betraktare 1] . En vers från Salomos Ordspråksbok (25:20) står skriven på bildens ram: "Som den som tar av sig kläderna en kall dag, som vinäger på ett sår, han sjunger sånger för ett sorgset hjärta" [2] .
På sätt och vis är denna målning ett tillägg till Hunts religiösa målning " Världens ljus " , som föreställer Kristus som håller i en lykta och knackar på en dörr som är övervuxen med ogräs, vilket symboliserar ett "slutet hjärta" [3] . Den hållna kvinnan i målningen "Awakened Shame" kan vara svaret på denna bild, hennes samvete "öppnar hjärtat" från insidan. Hunt såg i bilden av en kvinna ett exempel på hur den himmelska kärlekens ande kallar själen att överge det lägre livet [4] . I sin bok Pre-Raphaelism and the Pre-Raphaelite Brotherhood skrev Hunt att romanen " David Copperfield " gav honom idén till kompositionen av målningen, och konstnären började besöka "olika tillhåll för fallna flickor" i jakt på en lämplig plats för en ny målning. Hunt planerade inte att återskapa någon speciell scen från romanen, men ville först fånga något gemensamt: "en fallen tjej som letar efter kärlek hittar äntligen föremålet för sitt sökande" [4] . Han ändrade sig senare och bestämde sig för att ett sådant möte skulle väcka andra känslor hos flickan, men knappast den ånger han ville visa. Som ett resultat slog artisten fast vid idén att en man skulle spela en låt som plötsligt skulle påminna en fallen kvinna om ett tidigare liv och detta ögonblick skulle bli en vändpunkt för henne [5] .
Den kvinnliga modellen var Annie Miller , som ofta poserade för prerafaeliterna och även var förlovad med Hunt fram till 1859. Den manliga figuren kan vara baserad på Thomas Seddon eller Augustus Egg , som var vänner till Hunt.
Uttrycket i ansiktet på flickan i målningen är inte uttrycket av smärta och fasa som publiken såg när målningen ställdes ut första gången, vilket chockerade många kritiker. Målningen beställdes av Thomas Fairbairn , en industriman i Manchester och prerafaelitisk beskyddare av konsterna. Egg diskuterade Hunts idéer med honom och kan ha visat honom några inledande skisser [2] . Fairbairn betalade Hunt 350 guineas för målningen. Målningen ställdes ut på Royal Academy of Arts 1854 tillsammans med The Light of the World. Fairbairn kunde inte stå ut med uttrycket i den bevarade kvinnans ansikte när han tittade på målningen dag efter dag, så han övertalade Hunt att mjuka upp ansiktet i målningen. Konstnären började arbeta, men blev snart sjuk och målningen, nästan intakt, visades på en utställning på Birmingham Society of Artists 1856 innan den målades om. Senare lyckades Hunt arbeta med sin skapelse igen och enligt Edward Lear förbättrade konstnären bilden avsevärt [6] . Som noterats i Antrevolterna , retuscherade Hunt målningen 1864 och igen 1886 när han restaurerade verket efter restaurering under tiden [2] .
Den viktorianska konstteoretikern och prerafaelitiska beskyddaren John Ruskin hyllade Shame Awakened som ett exempel på en ny rörelse inom brittisk konst, driven av konstnärens fantasi snarare än en krönika av händelser. I sitt brev från 1854 till tidningen The Times hävdar Ruskin, som försvarar verket, att målningen får en tragisk betydelse när den läses korrekt från föremålen i rummet [7] . Han slogs också av rummets hårda realism, och noterade att avslöjandet av karaktärer genom interiören skiljer bilden från det fashionabla äktenskapet av William Hogarth [7] . Den "allmänna, moderna, vulgära" interiören är överbelastad med blanka, oanvända möbler som aldrig kommer att bli en del av hemmet. För Ruskin uppmärksammade denna utsökta detalj i målningen det oundvikliga brottet i parets relation [8] . Idén att visuellt skildra en vändpunkt i en persons liv visades senare 1858 i triptyken Past and Present av August Egg .
Målningen ärvdes av Fairbairns son, Sir Arthur Henderson Fairbairn, 3:e baronet. I januari 1946 såldes tavlan anonymt på Christie's och köptes av Colin Anderson 1947. 1976 donerades målningen till British Tate Gallery [2] .