Roussel, Albert

Albert Roussel
Albert Charles Paul Marie Roussel
grundläggande information
Namn vid födseln engelsk  Albert Charles Paul Marie Roussel
Födelsedatum 5 april 1869( 1869-04-05 ) [1] [2] [3] […]
Födelseort Tourcoing (Department of Nord , Frankrike )
Dödsdatum 23 augusti 1937( 23-08-1937 ) [4] [1] [2] […] (68 år)
En plats för döden Royan (departementet Charente-Maritime , Frankrike)
begravd
Land  Frankrike
Yrken kompositör , musikpedagog
Verktyg piano
Genrer opera och symfoni
 Mediafiler på Wikimedia Commons

Albert Charles Paul Marie Roussel ( fr.  Albert Charles Paul Marie Roussel ; 5 april 1869  - 23 augusti 1937 ) var en berömd fransk kompositör från den första tredjedelen av 1900-talet .

Efter att ha börjat sitt liv som midskepp på långväga krigsfartyg, blev han en professionell musiker mycket sent (först vid fyrtio års ålder). Det finns väldigt få konstnärer i konsthistorien vars livs- och arbetsetik skulle närma sig en så hård kod för moral och heder , som Roussel ständigt följde hela sitt liv. Erkännande gick honom långt, men i hela sitt liv tog han inte ett enda steg som skulle släppa hans egen värdighet för att påskynda denna väg.

Albert Roussels kreativa väg kännetecknades av ett ständigt sökande efter sin egen stil i den invecklade labyrinten av konstnärliga trender i det musikaliska Frankrike i början av 1900-talet . Efter att successivt ha gått igenom Wagners och Francks inflytande , sedan genom fascinationen av Debussys impressionism , exotiska orientalism och senare - Stravinskys hårda avantgarde och Milhauds polytonalitet , imponerade Albert Roussel av exemplet med Eric Satie s sena kompositioner, avslutade hans resa som den mest framstående nyklassikern inom musik.

På trettiotalet av XX-talet tog Albert Roussel platsen för en allmänt erkänd och respekterad ledare bland franska kompositörer.

Biografi ännu inte en kompositör

Albert Charles Paul Marie Roussel föddes den 5 april 1869 i staden Tourcoing (den norra delen av Frankrike, som gränsar till Flandern ) i en familj av rika franska tillverkare , textilhandlare . Roussel-efternamnet var lika länge känt som det var rikt: generation efter generation var roussarna utbildade, kultiverade borgare, som aktivt deltog i det sociala och politiska livet i sin provins och till och med Frankrike som helhet. Således var farfars farfars farfar till Albert Roussel en suppleant från det tredje ståndet i Generalständerna 1789 och röstade för avrättningen av Ludvig XVI . Senare, redan under konventionen , tjänstgjorde han som krigsminister, och efter 18 Brumaire  övergav han politisk verksamhet och återvände till sin provins, vilket kanske räddade hans liv [5] . Albert Roussels farfar, den respekterade chefen och ägaren till en textilfabrik, var permanent borgmästare i Tourcoings hemstad under de sista 30 åren av sitt liv .

Men trots sin familjs rikedom och starka ställning hade lille Albert Roussel en svår barndom. Han blev föräldralös mycket tidigt , efter att ha förlorat sin far i spädbarnsåldern och sin mor vid sju års ålder. I ytterligare fyra år bodde han i familjen till sin farfar, som under dessa år hade posten som borgmästare i sin hemstad Tourcoing. Men när Albert var elva år dog även hans farfar [6] . Albert tillbringade fyra år till i familjen till sin moster  , sin avlidna mors syster. Trots den omtänksamma och uppmärksamma attityden från sina släktingar kände sig pojken ensam och ägnade all sin lediga tid åt läsning och fantasier. Hans favoritförfattare är Jules Verne , som väckte hans nyfikenhet och lust att resa. Dessutom tillbringade han nästan varje sommar på en badort i Belgien . Kanske väckte allt detta tillsammans gradvis en kärlek till havet i honom och väckte till slut lusten att bli militär sjöman. Samtidigt var Roussel förtjust i matematik och andra exakta vetenskaper. Förutom sina collegestudier studerade Roussel piano hemma , vilket alltid framkallade glädjen hos en äldre lärare, organist i den lokala kyrkan Notre Dame, med sin musikalitet och mottaglighet.

Ensam, överfylld av förlusten av nära och kära barndom, men lamslå inte Albert Roussels psyke , snarare, tvärtom. Han utvecklades i sig själv och behöll ända till slutet av sitt liv höga och tuffa moraliska principer , såväl som extraordinär uthållighet, självdisciplin och återhållsamhet, vilket gynnsamt skilde honom från de flesta samtida konstnärer och väckte orubblig respekt hos omgivningen.

Vid femton års ålder åkte Roussel till Paris för att slutföra sin gymnasieutbildning vid Lycée Stanislas. Bland hans lärare finns den berömde franska litteraturhistorikern René Dumik , och bland hans klasskamrater finns Edmond Rostand , den blivande poeten och dramatikern [5] .

År 1887 , efter att ha fått ett studentbevis, tar Roussel en examen vid Högre sjöfartsskolan. Bland sexhundra kandidater antogs han genom tävling - den sextonde . Den framtida sjöofficeren försöker dock att inte glömma musiken. Medan han tjänar sin övning i att segla över Atlanten på seglingsfregatten " Melpomene " ( ett ganska symptomatiskt namn) organiserar Roussel en liten orkester och en amatörkör från midskeppsmän , som ackompanjerar söndagsmässor med sin egen, lite speciella musik. Det är märkligt att Roussel, för en viss "variation"s skull, i mässens ackompanjemang infogar några av de melodier han mindes från sitt parisiska liv, till exempel den kungliga marschen från Offenbachs "La Belle Helena" [5 ] .

Efter att ha blivit befordrad till officer tilldelades Albert Roussel först kryssaren Pobedel och sedan till kanonbåten Styx , på vilken han gjorde en lång resa genom de södra haven i Fjärran Östern. 1889-90 var Roussel medlem av besättningen på fregatten Iphigenia och deltog i en jorden runt expedition. Roussels första kompositioner härstammar från just denna tid: " Fantasi " för violin och piano , och sedan " Andante " för violin, viola , cello och orgel . Under arbetet med dessa stycken hade Roussel möjlighet att övertygas om bristen på kunskap om de mest grundläggande reglerna för musikalisk komposition . Trots självstudier av Durands harmonilärobok kände sig Roussel som en komplett dilettant i musik .

Han knuffades till en yrkeskarriär av en olycka eller ett spratt av en vän i sjötjänsten. En gång, när Roussel spelade sina stycken på piano i avdelningsrummet , anmälde sig en av hans kollegor, bror till en berömd operasångare, som var på gott humör, frivilligt att visa sina kompositioner för sin bror och andra proffs. Sex månader senare, när han återvände från semestern, berättade en kollega för Roussel att hans pjäser hade gjort ett stort intryck och att den ärevördiga brodern rådde Roussel att på allvar ägna sig åt musik ... Många år senare, när Albert Roussel redan hade blivit en berömd kompositör , den här historien utspelade sig plötsligt. En gammal vän erkände att han under semestern helt enkelt glömde sitt löfte, utan att visa sin bror Roussels pjäser. Men då var dåden redan gjord. Roussel blev en känd och respekterad professionell musiker , kompositör och professor i polyfoni .

År 1894 , när han återvände till Frankrike från en lång resa, fick Albert Roussel en lång semester, som han tillbringade med sina släktingar i Roubaix . Han bestämde sig för att ägna hela sin semester åt att studera grunderna i musikteori . Med en begäran om att ge honom privatlektioner vände han sig till chefen för konservatoriet i Roubaix, Julien Coszul , en erfaren och berömd organist vid Niedermeier- skolan . Efter att ha bläddrat igenom den unge officerens första kreativa erfarenheter uppmanade Koszul honom att åka till Paris och visa kompositionerna för Eugène Gigue , professor i polyfoni och komposition vid Niedermeier-skolan. Utan att tänka två gånger följde Roussel Koszuls råd och fick en mycket positiv recension av den parisiske professorn. Efter att ha tro på Koszuls och Gigues höga betyg och rekommendationer för att ta upp musiken på allvar, bestämde sig Roussel till slut för att lämna tjänsten i flottan . Roussel gick i pension i september 1894. Eugène Gigoux sa senare om sin en av de bästa eleverna, Roussel, att "han är begåvad med ett riktigt fugageni" [5] .

Albert Roussel bestämde sig ovanligt sent för att välja en karriär som professionell musiker. Fram till 25 års ålder var hans studier mycket långt ifrån konst . Liksom Rimsky-Korsakov tillbringade han hela sin tidiga ungdom som midskeppsman på kampanjer i avlägsna hav. Men senare, även när han undervisade eller komponerade musik, behöll och överförde Roussel till sitt verk en förkärlek för havet, resor och det exotiska i avlägsna länder till slutet av sina dagar. Och även om inget av hans musikaliska verk innehåller några havsbilder, eller ens själva temat havet, lämnade ändå avlägsna länder, fältobservationer och exotiska folk sina djupa avtryck, synliga för alla som kommer i kontakt med Roussels verk.

Biografi om kompositören

I oktober 1894 bosatte sig Albert Roussel i Paris och började aktivt studera harmoni , kontrapunkt och fuga under sin nya lärare, Eugène Gigoud . Den strikta skolan i Niedermeier, baserad på motpolen till strikt skrivande, och de höga standarder som Roussel studerade musikteori på ( Bach , Handel , Mozart och Beethoven ) från allra första början, bidrar till bildandet av hans klassiskt transparenta och klara tänkande. Till slutet av sina dagar behöll Albert Roussel tacksamhet och den djupaste respekten för sin lärare. I sina memoarer ägnar han mycket mer än en sida åt Eugene Gigue, bland vilka du kan hitta följande ord:

... Vidsynt, fri från varje skolastisk partiskhet, noggrann i sina iakttagelser, sätter rent musikaliska överväganden över alla skolregler och estetiska överväganden över inbördes gräl, lever han i mitt minne som ett perfekt exempel på en lärare från vilken en ung musiker kunde lära sig sin konst.

- [5]

Tydligen var det på denna modell som Roussel själv några år senare byggde upp sitt eget undervisningsarbete. Roussels ord om sin lärare, Eugène Gigoux, gäller honom i utmärkt utsträckning.

Totalt tar studietiden Roussel 15 år  - faktiskt inte så lång tid som det kan tyckas vid en första anblick. Så länge varar en vanlig högre musikalisk utbildning (enligt modern standard). Han börjar dock studera inte från fem eller sju års ålder, som vanligen är brukligt, utan först från 25 år, så att han slutligen upphör att vara student  - först vid fyrtio års ålder. Här är vad du ska tänka på när du tittar på Roussels ganska sena musikaliska karriär. År 1898 , utmärkt förberedd efter fyra års studier hos Gigoux, gick Roussel in i den nyöppnade " Skolan Cantorum " i klassen polyfoni , orkestrering och fri komposition av Vincent d'Andy , samtidigt en ärevördig kompositör av Wagners regi, en framstående dirigent och organisatör av det franska musiklivet. I sin monografi , tillägnad Roussels liv och verk, karakteriserar Andre Oere uttömmande åren av sin undervisning och ursprunget till bildandet av en individuell stil:

... i lediga dispyter om huruvida Roussel tillhör debussism eller d'andism , i kontrast till Schola och konservatoriets utbildningssystem , glömmer de på något sätt den avgörande betydelsen i hans bildande som tonsättare, principerna för Niedermeier-skolan, i första hand tack vare Koszul och Gigue. Principerna för just den skola som Saint-Saens , Gabriel Fauré och Messager kom ifrån .

— Hoeree A. Albert Roussel. - P. , 1938. - P. 21 [5] .

Vincent d'Andy, mycket snart övertygad om den nya studentens exceptionella kunskaper inom polyfoniområdet, utnämnde honom nästan omedelbart till sin assistent och erbjöd honom sedan, efter att ha avslutat kursen vid Schola cantorum , att leda kontrapunkten och fugan. klass . Således, efter att ha tagit examen fem år senare från skolan i polyfoniklassen, började Roussel från 1902 själv undervisa i polyfoni, samtidigt som han fortsatte att studera med Vincent d'Andy i andra ämnen fram till 1908 .

Schola cantorum , en nästan religiös utbildningsinstitution för musik under beskydd av det katolska institutet, var ett speciellt fenomen på den musikaliska kartan över Frankrike i början av 1900-talet . Å ena sidan hade den ett rykte som ett högborg för konservatism . Utbildningen i den var nästan helt baserad på studiet av forntida kyrkomusik, gregoriansk sång , tekniken för gammal polyfoni (på exemplet med verk av Palestrina , Schutz , Bach , Händel , såväl som några "speciellt erkända" franska mästare, Lully, Rameau och Couperin . En av huvudpelarna i Kantorskolans musiksystem var förstås läraren och idolen för dess långvariga permanenta chef Vincent d'Andy, den ärevördiga franske organisten och kompositören. , Cesar Franck ... Det är tydligt att professorn i polyfoni, som var Albert Roussel, tilldelades hedersrollen som en ledare för idéer av strikt stil och kyrkliga kanoner av den gamla skriften.Det verkar som vad som kunde vara mer konservativt och torrare än det skisserade programmet? Men det strikta och nästan kyrkliga Schola cantorum i början av 1900 -talet blir plötsligt en motvikt till den nästan ruttna byråkratiska Musikhögskolan och det döda, retrograda utbildningssystemet vid Pariskonservatoriet Från skolans väggar av Cantors, redan under de första tio åren av dess existens både djärva experimentella musiker som har fått en stark professionell bas, och vågade avantgardekonstnärer i första linjen som sprängde grunden för modern konst, som Eric Satie eller Edgard Varese [7] . Förresten, båda de nyutnämnda musikerna studerade kursen för kontrapunkt och polyfoni i klassen av professor Albert Roussel, och behöll det vänligaste minnet av honom och en utmärkt attityd i många år.

Albert Roussels jämna, återhållsamma och alltid uppmärksamma karaktär var den mest lämpade för undervisningsarbete med ljusa kreativa personligheter. I tolv år var han en eftertänksam och grundlig lärare vid Schola cantorum i den polyfoniska konstens historia och teori. Från Albert Roussels kontrapunktklass kom så ovanliga och betydelsefulla kompositörer som Eric Satie, Paul Le Flem , Edgar Varèse, Alexis Roland Manuel , Guy de Lioncourt , Marcel Orban , såväl som många utländska musiker, inklusive den berömda tjeckiske kompositören Boguslav Martinu , en rumänsk kompositör Stan Golestan , uruguayanske Alfonso Broca , italienska Cesare Brero och tjeckiska Yulia Reiserova [5] .

Till och med den evigt sarkastiske Eric Satie (en fyrtioårig elev som var tre år äldre än sin lärare) fann i sin själ bara vänliga ord om sin professor. Då och då gillade han att säga och imitera tonen i Roussel, hans favoritfras - under läxkontrollen: "En kompositör, som en kirurg , måste alltid ha ett instrument för precis harmoni med sig." [8] :195 Men även tio år efter att ha avslutat kontrapunktskursen, i sina artiklar och anteckningar, fann Eric Satie mer än en gång anledning inte utan glädje att notera att "... i tre år arbetade jag (på mig själv) med Albert Roussel , vars vän, jag vågar säga, jag är fortfarande kvar” [9] . Naturligtvis var Roussel, när det gäller hans andliga och viljestarka egenskaper, påfallande annorlunda än de vanliga parisiska bohemerna och konstnärliga kretsarna.

Hösten 1909 förverkligar Roussel sin gamla dröm - en resa till Indien . Som ung officer träffade han några hamnstäder . Nu är han och hans unga fru på en noga genomtänkt och förutbestämd resa genom gamla städer i inlandet. När de återvände till Frankrike resulterade intrycken från Indien i flera kompositioner som är mycket anmärkningsvärda för all europeisk musik [10] . Den första av dessa är den symfoniska triptyken "The Challenge of Visions" ( fr.  Evocations ) för solister , kör och orkester . Den framfördes för första gången i Paris den 18 maj 1912 och imponerade på lyssnare och kritiker med sin ljusa exotiska ovanlighet i kombination med en impressionistisk stil. Roussel fångade i denna triptyk Elloras underjordiska tempel , skönheten i de soldränkta vita marmorpalatsen i Jaipur och hälsningssången till himlen av en ung fakir på stranden av Ganges i Benares . Framgången med premiären var fantastisk. Roussel blev omedelbart och oåterkalleligt erkänd som en av ledarna för modern fransk musik.

Nästa rungande framgång var hans enakters pantomimbalett Spindelfesten ( franska:  Le festin de l'araignée ), uppförd på Théâtre des Arts i Paris den 3 april 1913 . Istället för de planerade åtta föreställningarna visades baletten 22 gånger innan säsongens slut. På popularitetsvågen skapade Roussel en symfonisk svit från sin balett, som fick stor popularitet och fortfarande intar en hedersplats på världens konsertscener tillsammans med Debussy 's Faun , Duke 's The Sorcerer's Apprentice och Ravel 's Vals [10] . Det är tack vare "Spindelfesten" och "The Challenge of Visions" under förkrigsåren som Roussel äntligen rankas bland de mest framstående impressionistiska kompositörerna. En stor parisisk musikförläggare , Jacques Durand , som specialiserat sig på att arbeta med impressionisterna , publicerar villigt sina verk tillsammans med musiken av Ravel , d'Andy , Debussy och Schmitt [11] . I slutet av 1913 fick Roussel en order från Grand Opera på en opera baserad på ett libretto som var intressant för honom . Och Roussel väljer återigen ett indiskt tema som intrig - legenden från 1300-talet om Padmavati , Ratan-sens trogna hustru . Han hann dock bara jobba på sin nya opera i ett halvår .

Första världskriget satte en djärv linje i både komponerande och undervisningsarbete av Roussel. Han är fyrtiofem år gammal. Utkastet accepterar inte honom i den aktiva armén på grund av hans hälsotillstånd. Roussel är dock fortfarande volontär för Röda Korset och har arbetat som ambulansförare i frontlinjen i nästan två år. Även i det här fallet, långt ifrån musiken, blir de åter nära kollegor med Maurice Ravel: redan i slutet av oktober 1914 anmälde sig Maurice Ravel, även han avvisad av läkare, frivilligt att gå in i ett bilregemente och tjänstgöra som lastbilschaufför fram till 1918 [12 ] . Efter ett och ett halvt års tjänst i Röda Korset lyckades Albert Roussel dock förflytta sig närmare fronten och gå in i transporttjänstofficeren - i det aktiva artilleriet . I graden av löjtnant deltog Roussel i militära operationer i Champagne , på Somme och nära Verdun 1916-1917 . Lite mindre än ett år före krigsslutet, i januari 1918, skrevs Albert Roussel slutligen ut från armén – precis som Ravel, på grund av sjukdom. Efter demobilisering återställer han sin hälsa, som undergrävdes av kriget, under lång tid. Först sommaren 1918 kunde Roussel återgå till det normala livet och åter ta upp den avbrutna kompositionen av operan Padmavati. Roussel återvände aldrig till att undervisa vid Schola cantorum, men han fortsatte med villigt stöd inom polyfoni och komposition till unga musiker som vände sig till honom.

Till och med vid fronten var Roussel mycket oroad över ödet för kompositionen av operan Padmavati som han lämnat. Kommer någon att behöva denna gamla berättelse om kärlek och död efter krigets hårda år? ..

... Allt detta kommer säkert att bli "något förkrigstiden", det vill säga skilt från vår idag av en mur, en riktig mur ... Det kommer trots allt att bli nödvändigt att börja leva på nytt, med en ny inställning till livet , detta betyder inte att allt som händer före kriget kommer att glömmas, men allt som kommer att göras efter kriget kommer att vara annorlunda. <...> Min Padmavati är fortfarande stark nog att utstå ytterligare två eller tre års väntan (och vilka år!) innan hon möter allmänheten

— Albert Roussel . Brev till hans hustru daterat den 9 april 1916 [5]

Roussel hade lite fel. "Padmavati" fick vänta på detta möte inte två eller tre, utan ytterligare sju år. Men å andra sidan var premiären den 1 juni 1923 Roussels grundläggande framgång. Några kritiska röster hördes dock bland entusiasmen. Mycket vägledande i denna mening var Paul Ducs recension av premiären av Roussels stora opera. För att hylla musikens höga förtjänster och produktionens extraordinära (verkligen orientaliska) lyx, ansåg Dukas det ändå nödvändigt att påpeka ett visst missbruk av yttre effekter med otillräckligt präglade studier av karaktärerna hos pjäsens huvudkaraktärer [13 ] . Men den kraftfulla styrkan och originaliteten hos Padmavati figurativa struktur övervann alla tvivel. Med den extrema komplexiteten och höga kostnaden för hennes produktion dök hon upp på scenen 1925, 1927 och 1931 , och vann för Roussel ett ökande antal beundrare av hans talang. År 1938 klagade den redan nämnda Arthur Hoere i sin bok om Roussel med rätta över den låga populariteten för detta färgstarka partitur utanför Frankrike.

Inte bara för att hon, tillsammans med Antigone av Honegger och Christopher Columbus av Milhaud, är en av vår teaters mest betydelsefulla skapelser efter kriget, utan viktigast av allt för att hon i högsta grad besitter de egenskaper som, enligt vad - något dålig tradition, känner inte igen fransk musik: den kännetecknas av sin styrka och djup.

— Hoeree A. Albert Roussel. - P. , 1938. - S. 59 [5] .

Efter krigets slut, 1920, köpte Albert Roussel ett hus på landet i Normandie , inte långt från havet, där han tillbringade de flesta sjutton år av aktivt liv som tilldelats honom. De sista ett och ett halvt decennierna av Roussels liv kännetecknas av en speciell intensitet av både kreativitet och social aktivitet. Tillsammans med Ravel på 1920 -talet är Roussel den erkände ledaren för fransk musik. Med början av Ravels långa sjukdom, när han gradvis drar sig tillbaka från deltagandet i kulturlivet i Paris, förblir Roussel nästan den enda ledaren . På trettiotalet ledde Roussel den franska sektionen av International Society for Contemporary Music och satt tillsammans med André Caplet i juryn för den årliga festivalen . Till slutet av sitt liv tappar inte Roussel sin livliga karaktär och förblir öppen för allt nytt. Han stöder unga franska kompositörers arbete, många av de senaste avantgardetendenserna tränger in i hans verk. Men även unga tonsättare från början av 20-talet tittar allt mer på hans verk. Efter Eric Saties död är nästan hela den franska " Sexan " influerad av Roussels personlighet och arbete, särskilt Arthur Honegger .

Roussel gör sin sista resa inte österut , som hänt tidigare, utan till Amerika , med triumferande turnerande konserter. År 1930, på uppdrag av Sergei Koussevitzky , skrev Roussel sin tredje symfoni för att fira årsdagen av Boston Orchestra . Detta är ett av hans starkaste verk, fullt av styrka, energi, skärpa och dramatik.

Under de sista och ett halvt åren av sitt liv mår Roussel sämre, hans hjärtsjukdom förvärras, och våren 1937, på läkares insisterande, åker han till badorten Royan i sydvästra Frankrike för att vila och läka . Men hjärtinfarkter blir allt vanligare och starkare. Den 13 augusti tvingas Roussel avbryta kompositionen av sin blåstrio för oboe , klarinett och fagott . Modigt och extremt lugnt, som allt annat i sitt liv, uthärdar Roussel att lida av frekventa hjärtinfarkter .

Albert Roussel, 68-årig fransk kompositör, dog av ytterligare en hjärtinfarkt vid 16-tiden den 23 augusti 1937 i staden Royan i sydvästra Frankrike. Han dog samma år 1937 som hans närmaste kollegor och nära kamrater på den kreativa vägen reste: Maurice Ravel och Gabriel Piernet .

"En kompositör, som en kirurg, måste alltid ha instrumenten för precis harmoni med sig" - detta är vad man inte får glömma [8] . :195

Uppsats om kreativitet

Den kompletta listan över verk av Albert Roussel inkluderar 59 publicerade opus och ytterligare ett dussin manuskript . Det mycket breda stilistiska utbudet av Roussels verk kan antyda en viss estetisk allätare hos kompositören. Samtidigt är detta helt fel. En uppriktigt reflekterande konstnär , som ständigt upplever ökat ansvar för sig själv och konsten , förklarade Roussel själv sitt ständiga sökande med en obönhörlig önskan att hitta den maximala uttrycksfullheten hos det musikaliska språket. I detta sökande kom utan tvivel hans slutna romantiska natur och kärlek till att förstå sakens natur uttryck. Men det fanns en annan konstant källa som drev Roussel under hela sitt liv att uppdatera sättet för musikaliskt tal. Detta är öst , vars färgstarka och eklektiska kultur han träffade under flera resor. I verk från olika år infogar Roussel karakteristiska modala vändningar från indisk , kambodjansk och indonesisk folkmusik. Detta är dock inte för honom en metod att introducera "lokal färg ", utan bara ett sätt att berika det musikaliska språket.

I sina bästa verk, som inkluderar den tredje och fjärde symfonin , operabaletten Padmavati , baletterna Bacchus och Ariadne och Spindelfesten, samt den flamländska rapsodin för orkester , visar Roussel tydligt sitt eget, igenkännbara och originella kreativa stil [13] . Hans melodiska gåva är dock liten. Ändå har många teman "karaktär", ljus intonation och uttrycksfullhet.

Roussels teaterverk , samt fyra symfonier och en symfoniett, vars närvaro i fransk musik från tidigt 1900-tal kan erkännas som ett nästan unikt fenomen , är av största värde i Roussels verk . Enligt många musikforskare är det så kallade symfoniska tänkandet i princip främmande för franska kompositörer . "Absolut musik", som inte är kopplad till ordet, den litterära grunden, programmet , bilderna av naturen eller scenografin , kom mycket sällan ut ur franska författares penna. Albert Roussels fyra symfonier vände denna trend till viss del. Dessutom gjorde han detta, förblev en verkligt fransk konstnär, utan någon förskjutning till området för "tysk disciplin" , som Debussy och Ravel ständigt motsatte sig . Men framför allt är Roussels förtjänst att hans personliga erfarenhet satte fart på en ny trend bland unga franska kompositörer som med förnyad kraft övergick till ren symfonisk musik. I detta avseende räcker det att nämna namnen på Arthur Honegger , Darius Milhaud, Henri Dutilleux och Henri Sauguet [13] .

Bildandet av Roussels stil påverkades utan tvekan av studieåren vid Schola Cantorum . Myndigheter som Palestrina och Bach satte sin prägel på Roussels mogna stil, rik på kontrapunkt och komplexa polyfona röster. Jämfört med de subtila nyanserna hos de franska kompositörerna nära honom, som Fauré och Debussy , är Roussels orkester olik någon mer tät och tung, även i de av hans kompositioner som traditionellt kallas impressionistiska . Under alla perioder av sitt arbete, oavsett hur det såg ut till det yttre, i hans temperament och sätt att tänka, stod Roussel närmast klassicismen .

I flera kompositioner hyllade Roussel också ett så nytt och växande fenomen på sin tid som amerikansk jazz . En av hans kompositioner för röst och piano heter "Nattjazz" ( 1929 ) och ekar tydligt sådana verk av hans samtida som violinsonaten av Maurice Ravel , eller baletten "Världens skapelse" av Darius Milhaud.

I sin bok Reminiscences räddade Albert Roussel senare forskare från att behöva dra sina egna slutsatser. Han själv, som en ärevördig lärare i Schola cantorum, analyserade ganska övertygande sitt eget arbete och pekade ut tre tydligt definierade stilperioder från det:

Den första perioden, från 1898 till 1913 , som villkorligt kan kallas impressionistisk . I grund och botten inkluderar det år av studier. När författaren i boken "Memoarer" talar om sitt arbete mjukar författaren upp formuleringarna på vissa ställen. Så, enligt Roussel, var hans musik under dessa år " lätt, mycket litet influerad av Debussy, vilket först och främst betyder tendensen till en stel form, som min lärare, Vincent d'Andy , ingjutit i mig ." Om vi ​​bedömer Roussels ord och musik utifrån kan vi säga att även om denna period av kreativitet med rätta kallas " impressionistisk ", innehåller hans musik från denna tid inte mindre antal orientaliska influenser. Detta var vad Albert Roussel var påfallande olik sina kollegor inom musikalisk impressionism.

Roussels första orkesterupplevelse var det symfoniska förspelet "Resurrection" baserat på Leo Tolstojs roman ( 1903 ). Den framfördes den 17 maj 1904 på en konsert av National Musical Society under ledning av Alfred Cortot , som alltid visade intresse för Roussels verk. Musikspråkets ovanliga täthet, den allmänna dystra smaken (förspelet avslutades med en koral på ett vardagligt gregorianskt tema), samt en märkbar överbelastning av det lägre registret i orkestern, orsakade en hård tillrättavisning från kritiken för nybörjarkompositören , som fortfarande var under tydligt inflytande av Franks symfoniska stil [14] . Roussel accepterade tyst och lugnt kritiken, lämnade partituret i manuskriptet och återvände aldrig till det igen.

Följande orkesterkompositioner, präglade av Claude Debussys ständigt ökande inflytande, upprätthålls i en helt annan anda. Den mjuka och poetiska "Sommarafton" ( 1904 ) och den mycket färgstarka "Druvaskörden" ( 1905 ) baserad på dikten av Leconte de Lille framfördes också av Cortot för första gången. Trots ganska gynnsamma pressrecensioner förstörde Roussel partituret för "The Grape Harvest" omedelbart efter dess framförande, eftersom han ansåg att både formen och orkestreringen av hans verk var misslyckad [14] . Sedan tar Roussel med förnyad kraft an den redan ett år tidigare påbörjade fyrstämmiga symfonin som han kallar "Skogens dikt" (1904-1906). De klassiska formerna av den symfoniska cykeln kombineras i den med bilder av naturen, uppdelade i fyra årstider. Satserna har undertiteln "Skogen om vintern", "Vårförnyelsen", "Sommarafton" (tidigare skriven som ett separat orkesterstycke) och " Faun och dryaderna ". Flera gånger framfördes delar av symfonin separat på konserter, och först den 7 februari 1909, i Lamoureux-orkesterns konsert , ägde den fullständiga premiären av symfonin under ledning av Vincent d'Andy rum . De auktoritativa kritikerna Jean Marnol och Gaston Carro uppskattade "Skogens dikt" högt, eftersom de i dess författare såg en lovande symfonist.

... i den generation av kompositörer som omedelbart följer Paul Dukas och Alberic Magnard , kanske det är han, Roussel, som visar det största löftet. Ju mer han skapar, desto mer märkbar hos Monsieur Albert Roussel är en anmärkningsvärd individualitet : både i vad han talar om och i hur han uttrycker sina tankar. Hans själs individualitet bestämmer den individuella originaliteten i hans stil.

- Karrot G. "Liberte", 9 februari 1909 [14] .

Nästan samtidigt med symfonin fullbordar Roussel kammaren Divertimento för piano och fem blåsinstrument . Denna glada och humoristiska musik är känd för varje instruments virtuositet och den underbara ensemblen som helhet. De musikaliska teman i den är präglade och konvexa, och formens linjer och kanter är tydliga. Alla dessa särdrag, tydligt i motsats till impressionismens allmänna estetik , förutser de nyklassiska tendenserna hos efterkrigstidens kreativitet. Vissa kritiker noterade i musiken av "Divertissement" funktioner som för Roussels verk närmare den då växande styrkan - Fauvism i måleriet.

Sammanfattningsvis är de mest kända verken från den första perioden: "Divertimento" op.6 för träblåskvintett och piano (1906), symfoni nr 1 "The Poem of the Forest" op.7 (1904-1906), föreställning för barn (1908), "The Challenge of Visions" op.15 triptyk för kör, orkester och baryton (1910-1911) och balett-pantomim "Feast of the Spider" op.17 (1912). De två senaste har redan nämnts.

Roussel räknar själv den andra perioden av kreativitet från 1918 , när han återvände från kriget, och slutar 1925 , när hans övergång till nyklassicism slutligen formaliseras . I huvudsak kan denna period kallas övergångsperiod eller blandad, under vilken Roussel experimenterade och gradvis bildade särdragen i hans mogna stil. Den förbindande länken mellan gammal och ny musik för Roussel var partituret till operan Padmavati, som arbetet fortsatte med ett uppehåll för kriget - nästan åtta år. Men i resten av den här tidens verk är den impressionistiska vagheten överallt sämre än klara linjer, musiken får visshet, en hårdare rytm , dessutom ökar antalet dissonanser avsevärt . Det överlägset mest komplexa och överbelastade verket under denna period är den andra symfonin, skriven 1919-1921 , varefter Roussel började gå mot enklare och mer precisa former av musikaliskt språk. När han återvände från fronten har Roussel förändrats mycket. Han kunde inte längre skriva som förut och balanserade på gränsen till impressionistisk skönhet och orientalisk språkprakt. Roussel själv förklarade de allvarliga förändringarna i hans stil och attityd till kreativitet på följande sätt:

... Fyra år av krig var inte förgäves för mig som musiker. Jag använde dem för att reflektera över min konst. Jag lärde mig mycket av denna påtvingade revidering av vägen jag hade färdats. Som många fascinerades jag av nya metoder för musikaliskt tänkande. Impressionismen fängslade mig först; min musik, kanske, drogs för starkt mot fenomenens yttre sida, mot den pittoreska början, som, som jag började tänka lite senare, berövade musiken någon del av dess inneboende sanning . Sedan dess bestämde jag mig för att utöka den harmoniska början av mitt skrivande, jag försökte närma mig idén om att skapa musik där idén och dess genomförande skulle flöda från sig själv och också rymmas i sig själv.

- Roussel A. Memoarer [15] .

Det var den andra symfonin, skriven under det andra året efter återkomsten , som blev den sista vändpunkten genom vilken Roussel offentligt skiljde sig från impressionismen. Roussels "nya stil" uruppfördes den 4 mars 1922 i konserterna Padélou (Vargens steg) . Med det hårda och fula i sitt musikaliska språk gjorde den andra symfonin ett oväntat och ogynnsamt intryck på alla: både traditionalister , älskare av konsonans och anhängare av impressionism, som redan var vana vid att se Roussel i de trogna "debussisternas" led. .

”... Ack, Albert Roussel lämnar oss. Han lämnar oss utan att säga hejdå, tyst, blygsamt, återhållsamt, som alltid ... Du förstår, han kommer att gå, han kommer att gå, han kommer att gå ... Men vart? [femton]

— (Vuillermoz Emile, "Excelsior", 6 mars 1922.)

En lång och ovanligt uppriktig tirad till Roussels andra symfoni besvarades också av hans tidigare elev, Eric Satie , i det ögonblicket lika långt från impressionismen, som han själv var grundaren till för trettio år sedan, och från Albert Roussels rent musikaliska sökande. Den andra symfonin blev inte bara en milstolpe i det franska musiklivet efter kriget , utan Satie fann personligen i den ytterligare en anledning att återigen motsätta sig akademiker och musikproffs med verklig levande konst.

Framförandet av Albert Roussels vackra symfoni vid en av Walking Wolf - konserterna var en utmärkt och nobel händelse som rörde upp vårt leriga musikaliska vatten. Åh skräck, åh rädsla!  - ytterligare en del av verklig ljudanarki strömmade in i dem  - ett spöke, mer känt som kakofoni . <...> Bland de många förebråelser som ständigt riktas till Albert Roussel finns det en som fastnar i mitt minne bäst (kanske för att den var direkt relaterad till Rompriset ). Vad är han anklagad för? – Ja, i och med att han är en amatör ..., en amatör.

I sig själv uppstår frågan: men hur känns denna "älskare" igen? .. Du kan inte racka dina hjärnor förgäves, svaret är mycket enkelt. En amatör är en som inte har fått det stora romerska priset, naturligtvis. Låt mig ställa följande fråga med största artighet och vänlighet: vad är priset som nämns ovan? Stigmat av någon högre varelse, enastående, av högsta kvalitet, icke-seriell, slutsåld och sällsynt. Om man tittar på Albert Roussel står det utan tvekan omedelbart klart att han inte är utmärkt, inte utöver det vanliga, inte av högsta kvalitet, inte slutsåld, helt seriell och inte alls sällsynt – det måste man tycka. Jag är väldigt ledsen för detta, men jag älskar honom lika mycket för det, och han vet det väl, hoppas jag.— Erik Satie Upplysningens ursprung. - Feuilles Libres, iuni 1922. [8] :501-502

Efter den andra symfonin och slutförandet av arbetet med operan Padmavati fortsätter neoklassiska tendenser att växa i Roussels verk. Bara fyra år efter premiären av Sokrates av Satie, som blev upptäckten av en ny stil, skrev Roussel 1922-24 sin lyriska berättelse "The Birth of Lyra" efter Sophocles , i ett försök att komma så nära den antika teatern som möjligt. Detta partitur av Roussel spelades på Grand Opera den 1 juli 1925 och föregick Stravinskys Oidipus och Honeggers Antigone med två år .

De mest kända verken från den andra övergångsperioden av Roussels verk inkluderar följande verk: opera-balett "Padmavati" op.18 (1914-1922 ) , "För vårlovet" symfonisk pjäs op.22 (1920), symfoni nr. (1919-1921), "The Birth of Lyra" lyrisk berättelse op.24 (1923-1924), "Flöjtspel" för flöjt och piano op.27 (1924) och "Serenad" för flöjt, stråktrio och harpa op. .30 (1925).

Roussel börjar sin tredje period av sitt arbete 1926 , och det var inte längre han själv som satte gränsen i boken "Memoarer", utan hans död sommaren 1937 . Under dessa sista 11 år av sitt liv hittade Roussel sin "slutliga stil" - nyklassicism . I allmänhet förblir han en avantgardistisk kompositör, även om ljudet av hans verk gradvis blir mer transparent och tydligare. Naturligtvis har Roussels nyklassicism sina egna särdrag som skiljer den från andra författare som började arbeta i denna stil samtidigt (eller nästan samtidigt) med honom. Först och främst är detta skrivandets tidigare polyfoni , en tendens till polytonalitet och polymodalitet, den traditionella klassiska formen och tydlig funktionell orkestrering . Dessutom undvek Roussel (till skillnad från till exempel Satie och Stravinsky) i sin nyklassicism aldrig att uttrycka levande och starka känslor . I denna mening kunde hans nyklassicism delvis kallas Beethovensk .

Huvuddragen i Roussels nya stil fick sin fullbordade gestaltning i hans "Svit i F" från 1926 , med vilken han faktiskt börjar nedräkningen av sin tredje period. Sviten består av tre danser : Prelude , Sarabande och Gigue . Det första framträdandet ägde rum på konserter av Boston Symphony Orchestra den 21 januari 1927, under ledning av Sergei Koussevitzky . Strax efter premiären blev "Suite in Fa" ett av de mest framförda konsertverken av Albert Roussel. Författaren själv, som insåg vikten av detta lilla verk för sitt eget kreativa sökande, ett och ett halvt år efter Boston- premiären , gav en detaljerad analys av det innan den första föreställningen i Paris :

… ur den yttre formsynpunkten valde kompositören den klassiska konstruktionen av en gammal svit som modell för sig själv, även om han avsevärt föryngrade den.<…> Det tematiska materialet i den består av korta segment, varav olika ljudkombinationer bilda utvecklingen. Och dessa utvecklande episoder klamrar sig fast vid varandra utan minsta stopp och utgör ett enda sammanhängande musikaliskt tyg. Sådana metoder användes lätt av Bach och några av hans efterföljare.

- Roussel A. "Guide de Concert". — 23 nov. 1928 [15] .

Således kallade Roussel själv huvuddraget i sin nyklassicism: det var inte arkaiskt eller en återgång till "den vackra antiken", utan en föryngring av stilen . Klassiska former och utvecklingsmetoder tillämpades av honom på det moderna musikspråket. Efter "Suite in Fa", ett slags manifest av Roussels nyklassicism, fortsätter kompositören under resten av sitt aktiva kreativa liv att gå i linje med att polera och utveckla de musikaliska former han hittat och anammat för sig själv.

Den tredje symfonin i g-moll (1929-1930 ) och den fjärde symfonin i A-dur ( 1934 ) representerar nya höjder i tolkningen av den traditionella symfoniska cykeln med fyra satser. Samtidigt arbetar Roussel aktivt med ytterligare "upplysning" och rening av sin stil från den "kakofoni" som Eric Satie en gång milt förebråade honom, samtidigt som han försöker att inte tappa moderniteten i det musikaliska språket. Åtskilliga kammar- och konsertsymfoniska verk som dök upp i slutet av 1920-talet, däribland Konsert för liten orkester (1926-27), Pianokonsert (1927) och Lilla svit för orkester (1929) kan urskiljas som ett slags testområde för denna rörelse ).

Den tredje symfonin, skriven för 50-årsjubileet av Boston Symphony Orchestra , är tillägnad dess dirigent Sergei Koussevitzky och framfördes först av honom i Boston den 17 oktober 1930 . Kritiska recensioner var nästan enhälliga: Roussel bjöd på ett verkligt innovativt och samtidigt klassiskt harmoniskt verk. Den tredje symfonin förvånar bokstavligen med dynamik, viljestark kraft och konvex relief av det tematiska materialet. Samtidigt är den verkligen klassiskt komprimerad och balanserad i alla dess delar.

Skapandet av den fjärde symfonin föregicks omedelbart av Sinfonietta för stråkorkester i tre delar, skriven av Roussel i ett andetag, på bara tre veckor (12 juli - 6 augusti 1934 ). Denna kvicka och ljusa konsertkomposition var avsedd för den då sensationella damstråkorkestern under ledning av Jeanne Evrard och framfördes med stor framgång den 19 oktober 1934 i Salle Gaveau . Vad som också är mycket betydelsefullt är att det i alla de nämnda verken absolut inte finns ens den minsta antydan till någon form av programmatisk eller teatralisk ; närmare bestämt är det här exempel på just den där "rena symfonismen" som vanligtvis ansågs vara helt okaraktäristisk för fransk musik.

År 1930 (från juni till december) skapar Roussel ett av sina mest kända teaterverk - baletten " Bachus och Ariadne ". Trots den ganska " ravelska " titeln, där man kan känna ekot av " Daphnis och Chloe ", är baletten helt klassisk både i form och musikaliskt språk. Partituren till "Bacchus och Ariadne" är helt i linje med den tredje och fjärde symfonin, men är inte ren och skild från framförandet. Roussel ansåg att hans huvudsakliga uppgift inom teatermusik var att underordna partituret till den huvudsakliga dramatiska utvecklingen och handlingen . Baletten hade premiär den 22 maj 1931 med koreografi av Serge Lifar och blev en stor succé.

Roussels sista vädjan till antiken och teatern (våren 1935 ) var hans balett med körerna Aeneas (baserad på Vergilius Aeneides ) . Genom att försöka återge de huvudsakliga syntetiska dragen i den antika tragedin i sin balett skapar Roussel i själva verket en ny form av föreställning som kombinerar egenskaperna hos pantomimbalett med individuella inslag av oratorium och kantat . För första gången framfördes "Aeneas" 1935 i Bryssel på Konstpalatsets scen. Den stora framgången med premiären väckte ett internationellt ramaskri, och samma år sattes Aeneas även upp på Milanos teater La Scala . Paris såg efter viss tvekan Aeneas på Grand Opera redan efter Roussels död, 1938 .

Roussels sista stora verk var "Flemish Rhapsody" (skriven i april-juni 1936 ), där han återvände och hyllade folkmusiken i sitt lilla hemland. Tourcoing , där Roussel tillbringade sin barndom och där hans förfäder bodde i många århundraden, ligger i den franska regionen Flandern , varav de flesta blev en del av Belgiens territorium . Roussel gillade ofta att betona sitt flamländska ursprung och noterade, inte utan nöje, många nationella drag i sin egen karaktär. "Flemish Rhapsody" är skriven på materialet av fem autentiska flamländska melodier , som Roussel hämtade från samlingen av den belgiske folkloristen Ernest Claesson  - "Folk sånger i de belgiska provinserna". Roussel kände de flesta av dessa sånger från barndomen. Rapsodin börjar med en högtidlig recitation av låten "The Siege of Burg-op-Zom", sedan ingår "Fighting Song of the Geuzes " i utvecklingen, texten " Vuggevisa " bildar ett separat avsnitt, följt av dansen låten "Careltier". Jämfört med Roussels andra symfoniska verk är den musikaliska strukturen i Flemish Rhapsody mycket enkel, men klangen och polyfoniska uppfinningsrikedomen gör den till ett smittande muntert och kvickt konsertstycke, där den store kompositören tycks föra sin musik närmare den bredaste publiken. Tydligen var detta Roussels direkta svar på den svåra politiska situationen före kriget i mitten av 1930-talet . Det räcker med att säga att omedelbart före skapandet av sin rapsodi valdes Albert Roussel till president för den franska populärmusikfederationen, vars huvuduppgift var att föra den akademiska konsten närmare masspubliken. Första gången i Bryssel den 12 december 1936 och i Paris den 21 januari 1937 (dirigerad av Charles Munche ), blev Flemish Rhapsody mycket snabbt ett av Roussels mest populära och ofta framförda verk.

Sammanfattningsvis återstår det att bara lista de mest betydande verken från den tredje perioden av Albert Roussels verk: dessa är först och främst "Suite in Fa" op.33 för orkester (1926), Concerto för liten orkester op.34 ( 1926-1927), Symfoni nr 3 i g-moll op.42 (1929-1930), Bacchus och Ariadne-balett op.43 (1930), Sinfonietta för stråkorkester op.52 (1934), Symfoni nr 4 i A-dur op.53 (1934), Aeneas-balett med körer op.54 (1934), Flemish Rhapsody för orkester op.56 (1936), Concertino för cello och orkester op.57 (1936) och stråktrio op.58 (1937).

Verk av Albert Roussel

operor

Padmavati, opera-balett i 2 akter, op. 18 (1913-18), post. Parisoperan, 1 juni 1923

Lyrans födelse, opera (lyrisk berättelse) i 1 akt, Op. 24 (1923-24), post. Parisoperan, 1 juli 1925

Testamente av moster Caroline, komisk opera i 3 akter (1932-1933), post. 14 november 1936

baletter

Spider's Feast, balett i en akt, Op. 17 (1912), post. Paris den 3 april 1913

Sarabande, nummer till den kollektiva barnbaletten "Jeannes fan" (1927), post. Paris den 16 juni 1927

Bacchus och Ariadne, balett i två akter, Op. 43 (1930), post. Parisoperan, 22 maj 1931

Aeneas, balett för kör och orkester, Op. 54 (1935), post. Bryssel den 31 juli 1935

Musik för teatern

The Sand Seller, musik till en pjäs baserad på sagan av Georges Jean-Aubry, Op. 13 (1908), post. Le Havre, 16 december 1908

Inledning till 2:a akten av pjäsen "Den fjortonde juli" av Romain Rolland (1936), post. Paris den 14 juli 1936

Elpenor, radiofonisk dikt för flöjt och stråkkvartett, Op. 59 (1937), post. Bryssel, 1947

Kompositioner för orkester

Resurrection, Preludium för orkester, op. 4 (1903)

Symfoni nr 1 i d-moll "Skogens dikt", op. 7 (1904-1906)

Trollformler för solister, kör och orkester, Op. 15 (1910-11)

Padmavati, Sviter från Opera nr 1 & 2, Op. 18 (1918)

Till vårlovet, symfonisk dikt, Op. 22 (1920)

Symfoni nr 2 i B-dur, op. 23 (1919-1921)

Svit för orkester i F-dur, op. 33 (1926)

Konsert för liten orkester (1926-1927)

Little Suite, Op. 39 (1929)

Symfoni nr 3 i g-moll, op. 42 (1929-30)

Sinfonietta för stråkorkester, Op. 52 (1934)

Symfoni nr 4 i A-dur, op. 53 (1934)

Flemish Rhapsody, Op. 56 (1936)

Konserter

Pianokonsert i G-dur, op. 36 (1926-27)

Concertino för cello och orkester, op. 57 (1936)

Sång och orkesterkompositioner

Battle Song of the Franks för manskör, mässing och slagverk ad libitum (1926)

Psalm 80 för tenor, kör och orkester, Op. 37 (1928)

För blåsband

Stor dag Op. 48 (1932)

Kammarmusik

Pianotrio i Ess-dur, op.2 (1902)

Divertimento för piano och blåskvintett, Op.6 (1906)

Sonata nr 1 för violin och piano, op.11 (1907-08)

Impromptu för harpsolo, Op.21 (1919)

Flöjtspelare för flöjt och piano, Op.27 (1924)

Sonata nr 2 för violin och piano, op.28 (1924)

Segovia för gitarr (eller piano), Op.29 (1925)

Serenad för flöjt, stråktrio och harpa, Op.30 (1925)

Duett för fagott och kontrabas (1925)

Aria för oboe och piano (1927-28)

Trio för flöjt, viola och cello, op.40 (1929)

Stråkkvartett, op. 45 (1931-32)

Andante och Scherzo, för flöjt och piano, Op.51 (1934)

Pipa, för piccolo och piano (1934)

Trio för stråkar, op.58 (1937)

Andante från en ofullbordad trio för oboe, klarinett och fagott (1937)

pianomusik

The Past Hours, op.1 (1898)

Doll Story (1904)

Country Dances, op. 5 (1906)

Svit i Fis, op.14 (1910)

Little canon perpetuum (1913)

Sonatina, op. 16 (1914)

Tvivlar (1919)

Vid en mottagning på muserna (Debussy Dedication) (1920)

Preludium och fuga (Homage to Bach), op.46 (1932)

Three Pieces, op.49 (1933)

Orgelstycken

Preludium och Fughetta, Op. 41 (1929)

Vokal fungerar

Fyra dikter av Henri de Regnier, op.3 (1903)

Fyra dikter av Henri de Regnier, Op.8 (1907)

Hot, op. 9 (1907-1908)

Flame Op. 10 (1908)

Två kinesiska dikter op.12 (1908)

Two Romances Op.19 (1918, orkester. 1928)

Two Romances Op.20 (1919)

Två dikter av Ronsard för flöjt och sopran, Op.26 (1924)

Anacreontic Odes op.31 (1926)

Anacreontic Odes op.32 (1926)

Två kinesiska dikter op.35 (1927)

Vocalise (1927)

Night Jazz Op. 38 (1928)

Vocalise (1928)

Blomma till min dotter, romantik på st. D. Joyce (1931)

Two Idylls Op.44 (1932)

Två kinesiska dikter op.47 (1932)

Two Romances Op.50 (1934)

Two Romances Op.55 (1935)

För kör a cappella

Två madrigaler för 4 röster (1897)

Madrigal for Muses för 3 kvinnliga röster (1923)

Källor

  1. ↑ 1 2 Albert Roussel // Encyclopædia Britannica 
  2. ↑ 1 2 Albert Charles Paul Marie Roussel // Brockhaus Encyclopedia  (tyskt) / Hrsg.: Bibliographisches Institut & FA Brockhaus , Wissen Media Verlag
  3. ↑ Albert Roussel // Gran Enciclopèdia Catalana  (kat.) - Grup Enciclopedia Catalana , 1968.
  4. ↑ Roussel Albert // Great Soviet Encyclopedia : [i 30 volymer] / ed. A. M. Prokhorov - 3:e uppl. — M .: Soviet Encyclopedia , 1969.
  5. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 Filenko G. Fransk musik från första hälften av 1900-talet. - L . : Musik, 1983. - S. 16-19.
  6. ↑ Schneerson G. Fransk musik från XX-talet. - M . : Musik, 1964. - S. 150.
  7. ↑ Schneerson G. Fransk musik från XX-talet. - M . : Musik, 1964. - S. 50-51.
  8. ↑ 1 2 3 Sati E., Hanon Y. "Remembering in aftersight". - St Petersburg. : Centrum för mellanmusik, 2009. - 682 sid.
  9. ↑ Erik Satie . Ecrits. - P. : Editions Gerard Lebovici, 1990. - P. 55.
  10. ↑ 1 2 Filenko G. Fransk musik från första hälften av 1900-talet. - L . : Musik, 1983. - S. 25-31.
  11. ↑ Ravel i spegeln av hans brev / Sammanställd av M. Gerard och R. Chalu. - L . : Musik, 1988. - S. 188.
  12. ↑ Ravel i spegeln av hans brev / Sammanställd av M. Gerard och R. Chalu. - L . : Musik, 1988. - S. 106.
  13. ↑ 1 2 3 Schneerson G. Fransk musik från XX-talet. - M . : Musik, 1964. - S. 151-155.
  14. ↑ 1 2 3 Filenko G. Fransk musik från första hälften av 1900-talet. - L . : Musik, 1983. - S. 23-24.
  15. ↑ 1 2 3 Filenko G. Fransk musik från första hälften av 1900-talet. - L . : Musik, 1983. - S. 33-37.

Länkar

  Gå till Wikidata-objektet  Foto, video och ljud
Tematiska platser
Ordböcker och uppslagsverk
Släktforskning och nekropol