| Stanislav Sychev | |
|---|---|
| Namn vid födseln | Stanislav Ivanovich Sychev |
| Födelsedatum | 19 december 1937 |
| Födelseort | Odessa , Sovjetunionen |
| Dödsdatum | 2 september 2003 (65 år) |
| En plats för döden | Odessa , Ukraina |
| Medborgarskap | Sovjetunionen → Ukraina |
| Studier | Odessa konstskola |
Stanislav Ivanovich Sychev ( ukr. Stanislav Ivanovich Sichov ) (19 december 1937, Odessa - 2 september 2003, Odessa ) - ukrainsk konstnär , en av grundarna av Odessa-skolan för inofficiell konst.
Stanislav Sychev föddes den 19 december 1937 i Odessa [1] .
1960 tog han examen från Odessa Art College . Grekova (lärare Frumina, Dina Mikhailovna ).
1961-1963 bodde och arbetade han i Uzbekistan .
Många kritiker tror att Uggla + Chrusjtjik, organiserad den 8 maj 1967 på " Fence Exhibition " av unga konstnärer Stanislav Sychev och Valentin Chrushch , på staketet till Odessas operahus, blev startpunkten för "Odessa nonconformism" [2 ] . Denna utställning varade bara i tre timmar [2] .
På 1970- talet deltog han i inofficiella utställningar i Odessa och Moskva. 1989 deltog han i den internationella utställningen "Impreza" i Ivano-Frankivsk . 1989 och 1994 hölls hans separatutställningar på Odessa Museum of Western and Oriental Art [3] .
Stanislav Sychev dog den 2 september 2003 i Odessa [4] .
Sychevs verk är idag utspridda över länder och kontinenter. Hans målningar, akvareller och teckningar förvaras i offentliga och privata samlingar, många i slumpmässiga ägare som inte vet vad de har.
Det är sällsynt att någon idag har en sådan universalism av bildtänkande. Kanske skulle det vara mer korrekt att kalla denna egenskap hos Sychevs talang för en storskalig multivarians. Han arbetade passionerat på monumentala väggmålningar - en fresk i lokalerna för Odessa Art School (den förstördes snart på order av administrationen, som var rädd för för fri kreativitet hos sina mest begåvade elever). Han arbetade på en fresk i Uzbekistan , genomsyrad av glada och raffinerade nationella motiv. Han arbetade med andra monumentala saker, vars öde ofta visade sig vara lika dramatiskt som en skolfresk. Det fanns en hel period av storskaliga målningar i hans liv: tragiskt, frenetiskt, där den röda färgen pulserade och bröt igenom duken med kraftfulla drag. Dessa var stafflimålningar av enorm storlek: 3x4 meter, 5x5 meter - sådan är skalan på den målningen, som snart gick i brand. En skala som står i proportion till den tragiska intensiteten i konstnärens personlighet. Men bredvid dessa dukar, en gång brända med sina egna händer på gården till hans eget hus och bevarade endast i minnet av nära och kära, finns hans överlevande gravyrer. De kommer att diskuteras. Gravyr är en aristokratisk konst i sin återhållsamhet: en svart linje, en fläck, ett vitt ark. Ingen fri rörlighet för borsten, fritt stänk av färg. Noggrant verifierad rörelse av gravyrnålen, skäraren, gravören. Bevarad och noggrant bevarad av konstnärens familj, hans gravyrer är magiskt miniatyrer, deras genomsnittliga storlek är 2x3 centimeter. Här är "torra nålen" - den numera nästan bortglömda tekniken att skrapa en spegelbild på en metallplatta, som sedan hamnar i trycket. Dessa små mästerverk visar hur han med all iver behärskade den utmattande gravyrtekniken. Etsning etsning, torrnålsetsning, linosnitt , träsnitt (träsnitt) . Är det verkligen samma hand, samma öga, samma själ som skapade den kraftfulla vreden i Sychevs tragiska dukar och den lilla virtuositeten i hans gravyrer? Tack vare datorn kan vi oändligt bläddra igenom dem, förstora och flytta ifrån oss själva, samtidigt som vi inte glömmer att, i motsats till traditionen med tryckt grafik, finns dessa saker var och en i ett enda exemplar. De replikerades inte, bevarade endast i det första trycket. De hade tur - de, små och ömtåliga, överlevde ändå.
Det finns få teckningar av Stanislav Sychev och de är ojämnt fördelade över tiden. Studentuppsatser 1956-1958 dominerar tydligt , 1961 och 1965 presenteras , endast några få blad återstår av de övriga. Från dem kan man bara gissa hur konstnären växte upp i den krävande teckningskonsten: från de klassiska studierna av naturen gick han till en allt mer fri besittning av en ren linje och släppte formen från arkets plan (ritningar " uzbekiska”, ”katter”) och till härligt avslappnat, ironiskt linjespel med ett plan ("get").
Att teckna , konstigt nog kan det tyckas för betraktaren, är i allmänhet det "fattigaste" samlarobjektet. Samlare vet att konstmarknaden är minst benägen att stöta på teckningar. Konstnärerna själva behandlar dem ofta utan vördnad, som ett rent hjälpmaterial för den framtida bilden, så teckningarna sparas sällan. Men åren går och en oavsiktligt bevarad skiss får ett dokuments äkthet och trovärdighet. Detta är också fallet med Sychevs ritningar som presenteras i detta avsnitt.
Sychevs akvareller är en speciell sfär av hans bildmässiga tillvaro. I akvarell syns arket alltid genom färgen, vilket ger den den ljusstyrka som är bekant med denna teknik. Men i Stanislav Sychevs ark är ljusstyrka och luftighet på intet sätt dominerande. Hans akvarellark är strukturerat med linjer som rycker en form från icke-existens och fixerar den i rymden. Själva utrymmet skapas av en raffinerad teknik: konstnären litar helt på den fria rörelsen av färgade fläckar på planet. Genom att interagera med arkets linjära struktur skapar de en fläkt av volym i den. Den store ryske konstkritikern Pavel Florensky hävdade att en linje i ett verk förkroppsligar tankar och färg förkroppsligar känslor. Sychevs akvareller är just det. De kräver eftertänksam peering, intellektuell "känsla". Titta på vilket Sychev-ark som helst, åtminstone "Hundar flyger" (7x10 cm, 1979 ) med sitt rött rop. Färg här tas i själva verket ur motivet, den existerar som en självständig känsla, som ett själsrop som inte materialiseras i en sak. Dessa akvareller är inte så mycket milda och lysande som dolda, och ofta uppriktigt sagt tragiska och gripande, tätt blandade med bitterheten i världens sensation. Här ligger de framför dig i en fil som helt enkelt heter "Akvarell". Men det här är en akvarell av Stanislav Sychev.
Många tidiga porträttverk och porträtt från konstnärens sista decennium finns tillgängliga. Sychevs verk från 1950 -talet är formellt pedagogiska. Men de är inte på något sätt student eller ungdomliga. När vi tittar in i dessa ansikten ser vi människor och ser en person: vi ser människorna avbildade på duken och vi ser personen som avbildade dem - en ung man, nästan en pojke, som har förmågan att se på hjälten lika objektivt som möjlig. Det är något speciellt i den här looken: penselns känslighet, så sällan inneboende i ungdomen.
Den unge Sychev har en strikt målning, genomsyrad av respekt för den avbildade personen - en skolmodell, en attraktiv tjej, en far i en porträttbild. Några år kommer att gå och en genomträngande känsla av ångest kommer att dyka upp i porträtten (till exempel "Självporträtt", byggt på rött och många andra). Denna känsla korroderar bokstavligen den harmoni av realism som uppnåddes i tidiga porträtt. Förstörelsen av den akademiska formen genom uttrycket av världsbilden blev en av de avgörande faktorerna i konstnärens vidareutveckling. Denna process är oförutsägbar, eftersom det visade sig vara en dialog.
Sychevskys dialog med sig själv ledde till hans uppfattning om ett kvinnoporträtt på 1990 -talet , vilket verkade oväntat för många. Vi pratar om sådana verk som "Patricia Valeria", "Melody for Hellas", "Dance of Salome", "Helgas vår". De frågade: vad är det? Belle Epoque- styling , en försenad hyllning till salongen eller något annat? – Jag tror att det är den sista. Sådana kvinnliga porträtt av Sychev är ett misslyckat möte mellan hjältinnorna med sig själva. Vem i själva verket, "i livet" dessa hjältinnor, spelar ingen roll för artisten. Trots allt skrev han i sina dikter: Jag bryr mig inte om vem du är - en prinsessa eller en prostituerad, en hjältinna och vad som hände att uppleva på livets väg ... Sannerligen, vi vet alla vilka vi är, men nej man vet vilka vi kan vara. Med dessa porträtt visar konstnären kvinnor vilka de skulle kunna vara. Att vara där, "i några avlägsna århundraden", som poeten ( Anna Akhmatova ) sa. Konstnären ledde sina hjältinnor in i det rum av vara och tillvarotid som han skapat. Han tog bort dem och lämnade dem där, på bilderna. Sådan är vägen för porträtt av Stanislav Sychev från 1950 -talet till slutet av 1990 -talet , som betraktaren kommer att se i det här avsnittet.
Allt skrivet av Sychev projiceras på en person - vare sig det är ett inre, ett stilleben eller ett landskap (i själva verket förekommer de praktiskt taget inte i hans rena form). När han bodde vid havet förblev han främling för marinan som sådan, men han utvecklade sin egen författargenre, som jag skulle vilja kalla "människan och elementen". Ta en titt på akvarellen "Vind", där handlingen är kampen för en flickkropp med lufttryck. Men en sådan fysisk kamp av en person med elementen är snarare ett undantag för honom. Han, en stadsbor och en sydlänning, förvandlar en persons interaktion med elementen vatten, sol och luft till ett uttalande om deras samhörighet, till samspelet mellan besläktade angelägenheter. Sychev såg människokroppen som något naturligt för vattenelementet, som värmdes upp av solen och blev dess partikel, som något som naturligt ingår i havsstrandens plastiska rytmer. Påfallande vackra är hans kvinnors kroppar, som ligger på stranden och sköljs av vågorna. De är besläktade med de naturliga elementen, de är en del av denna rytmiska varelse och genereras av den. Människans osynliga närvaro i Centralasiens landskap ("Kittab", "Mulberry Tree") är snarare ett undantag från författarens koncept. Vanligtvis ingår hans person i landskapet som en synlig gestaltning av karaktärens individuella tillstånd. Därför, genom att bläddra igenom reproduktionerna av Stanislav Sychovs landskapsgenre, fångar betraktaren i dem inte så mycket ett "själens landskap" som ett landskap som domineras av ett separat element - ett oemotståndligt element, vars namn är ödet.
Definitionen av "genremålning", välkänd för alla älskare av konst , förstås ofta som en synonym för termen "vardagsgenre" , det vill säga en bild där något händer. Detta "något" i den europeiska konsthistorien förstods av konstnärer på olika sätt: från samvetsgrann anpassning av karaktärer på en enorm duk av akademiker till att "rycka" ett tillstånd från strömmen av ögonblick av impressionisterna. Men, som en strikt och observant kritiker noterade, gjorde impressionisterna alltså allt till ett landskap, till och med ett mänskligt ansikte (för att inte tala om händelsen). För att inte drunkna i djupet av teorin om genrer, låt oss ställa oss frågan: var fick konstnären Stanislav Sychev sina ämnen ifrån? Var letade du efter den, var hittade du den? Ramen som innehåller tomten, han visar sig ofta vara fönstren i bostaden (slumpmässigt tittar ut genom fönstret), rutorna i bilen, spårvagnen, den halvöppna dörren. Sålunda förbehåller sig konstnären rätten att inte komponera karaktärerna på en tom duk, att inte blanda sig i deras förhållande, utan att fixa kompositionen som redan komponerats av Their Majesty Chance. Naturligtvis är detta en medveten teknik - men vilket mått av konstnärlig takt, delikat respekt för framtidsbildens hjältar! Vad som händer berättas på det enda sättet: hur det avbildas. Duken "På hamnen" kan formellt sett kallas för ett landskap - men det är absolut omöjligt att kalla det så, eftersom bilden handlar om något annat. Den handlar om en persons ensamhet i en grym kall värld, där den enda levande själen är en hund. Den genomträngande gula färgen, de skramlande konturerna av karaktärernas gestalter skapar en genrescen tillägnad verkligt hopplös ensamhet och kvar i åskådarens minne som ett exempel på Sychevs " hårda genre ". Väldigt många verk av Stanislav Sychev, som formellt gränsar till ett porträtt eller en skiss, är till sin natur just en "hård genre". Hur förklarar man denna tillfälliga (det vill säga komponerade för ett specifikt tillfälle) term? Låt oss leta efter en metafor. Jazzälskare är väl medvetna om den fantastiska definitionen: "Blues är när en bra person mår dåligt." Handlar det inte om Stanislav Sychevs målningar, som formellt sett kan definieras som plot- eller porträttmåleri, men i huvudsak är de rent Sychevs "hårda genre"? Bilder om hur dåliga bra människor är. De är framför dig. Var lyhörd! Han var så hoppfull .