Ugolino di Nerio

Ugolino di Nerio
Namn vid födseln Ugolino di Nerio
Födelsedatum omkring 1280
Födelseort
Dödsdatum 1339 - 1349 _
En plats för döden Sienna
Genre målare
 Mediafiler på Wikimedia Commons

Ugolino di Nerio ( italienska  Ugolino di Nerio ; verkade i Siena från 1317  - d. 1339 - 1349 , Siena) - italiensk konstnär, även känd som Ugolino da Siena . Siena skola .

Biografi

Ugolino di Nerio var en av Duccios mest trogna anhängare och elever . Hans namn nämns flera gånger i arkivdokument från 5 september 1317 till 6 februari 1327, och Giorgio Vasari sammanställde sin korta biografi. Trots detta finns det mycket lite information om konstnären: datum och plats för hans födelse är okända (det antas att han föddes omkring 1280 i Siena ), och hans verk, med undantag av polyptiken från Santa Church Croce, har ingen signatur och tillverkningsdatum. I samband med allt detta är rekonstruktionen av konstnärens verk gissningsmässig till sin natur och varierar från en författare till en annan.

Enligt tillgängliga dokument är Ugolino född och uppvuxen i en konstnärlig familj - hans far Nerio och två bröder, Guido och Muccio, var konstnärer. Från de överlevande dokumenten är det känt att familjen bodde på sluttningen av en låg kulle, känd i Siena som Terzo di Camoglia. Med all sannolikhet utbildades Ugolino i hantverkets färdigheter i sin fars verkstad, och fortsatte att förbättras ytterligare medan han arbetade med Duccio. Vid sekelskiftet XIII-XIV var Duccio di Buoninsegna den viktigaste Sienesiska målaren. Ugolinos verk visar ett överväldigande beroende av denna mästares arbete, i samband med vilket forskarna tror att Ugolino, tillsammans med Segna di Bonaventura , arbetade länge i sin studio. Ett antal experter stöder James Stubblebines uppfattning att Ugolino deltog i skapandet av den berömda altartavlan " Maesta " (1308-1311), då han såg sin hand i de halvlånga bilderna av apostlarna i den övre delen (trots att att kontraktet undertecknat av Duccio förpliktade honom att skriva hela altaret med sin egen hand).

Omkring 1315 utvecklade Ugolino di Nerio sin egen kreativa stil, som skilde sig från Duccios på ett antal sätt. Ett utmärkande drag för de helgon som avbildades av honom var en mer noggrann överlagring av färger för att ge större relief till bilden. I komplexa flerfigurskompositioner minskade han antalet karaktärer och undvek detaljer för att förmedla essensen av ett dramatiskt ögonblick. I Ugolinos senare verk intensifieras det gotiska inflytandet och ersätter gradvis de "bysantinska" färdigheter som förvärvats i Duccios verkstad. År 1319 dog Duccio, och Simone Martini flyttade till platsen för den ledande konstnären i Siena . Inflytandet från denna speciella mästare förklarar forskarna förändringarna i Ugolinos arbete. Ovanstående rekonstruktion har dock inga dokumentära bevis, utan baseras endast på försök att beskriva mästarens utveckling och bygga de verk som tillskrivs honom i en viss ordning.

Namnet Ugolino di Nerio fick berömmelse främst för att han färdigställde två polyptyker för florentinska kyrkor. Det är sällsynt att en Sienesisk konstnär lyckades få ett kontrakt i konkurrerande Florens (det lokala konstnärsgillet följde vaksamt fördelningen av beställningar och uppdelningen av konstmarknaden i Florens). Forskare anser att dessa två ordnar är triumfen för den Sienesiska målarskolan, som upplevde sin "guldålder" i början av 1300-talet. I Florens, på uppdrag av franciskanerorden , skapade Ugolino en polyptyk för kyrkan Santa Croce (delvis bevarad), och på uppdrag av dominikanerna målade han en polyptyk för kyrkan Santa Maria Novella (ej bevarad, men det är möjligt att två av dess detaljer var "St. Andrew" från samlingen av Paul Getty , Los Angeles , och "John the Baptist" från National Museum, Poznań ).

Berlin-Dahlem , Londons National Gallery och New Yorks Metropolitan Museum of Art rymmer nu helgon och passionsscener från det. Ugolinos penslar tillskrivs också: "Polyptich" och "Crucifixion" i Pinacoteca of Siena , en predella som föreställer "Crucifixion and two donors" ( London , Courtauld Institute of Art ), och flera fler "Crucifixions" och polyptyker föreställande "Madonna och Barn" och halvfigurer av helgon.

Datumet för konstnärens död är okänt. Giorgio Vasari nämner i sin biografi om Ugolino två olika figurer: 1339 (i 1550 års upplaga) och 1349 (i 1568 års upplaga). Forskare tror att Ugolino överlevde sin lärare Duccio, som dog 1319, inte särskilt länge. Vissa författare skriver till och med att hans sista verk går tillbaka senast 1325. På ett eller annat sätt, men i mitten av 1330-talet var troligen Ugolino di Nerio inte längre vid liv.

Det konstnärliga arvet efter Ugolino di Nerio är ganska talrikt. Hans konst var dock mer traditionell än nyskapande och hade därför inte en tydlig grupp av anhängare. Bland hans lärjungar finns mästarna från Chianciano.

Altare av Santa Croce

En polyptyk från kyrkan Santa Croce spelade en stor roll i återkomsten av Ugolino di Nerios verk från glömskan, vilket gjorde det möjligt att definiera konstnärens stil; det blev huvudkärnan kring vilken resten av mästarens verk byggdes, men dokumenten som rör kontraktet för utförandet av denna polyptyk har inte bevarats.

Santa Croce är den främsta och största franciskanska kyrkan i Florens. Dess konstruktion började 1294. Polyptiken, beställd av Ugolino i mitten av 1320-talet, var det första stora altaret i denna kyrka. Efter färdigställandet av målningen och installationen stod polyptyken i huvudaltaret fram till 1566, då den flyttades till kyrkans övre sovsal för att ge plats åt Vasaris ciborium . Innan polyptyken upplöstes och såldes i delar, Giovanni Baccanelli (1647), som lyckades skissa tre franciskanerhelgon från detta verk, och Padre Della Valle (1784), som kort beskrev polyptiken och rapporterade att dess centrala panel med bilden av Madonnan signerades av författaren UGOLINO DE SENIS ME PINXIT (Ugolino från Siena porträtterade mig). Mellan 1785 och 1789 beställde den välkände kännaren och kännaren av antik konst, Serhou d'Agincourt, en ritning av Santa Croce-altartavlan medan den nästan var färdig. När man jämförde teckningen med delar av arbetet som har överlevt till denna dag, kom forskarna till slutsatsen att teckningen ganska exakt förmedlar alla dess egenskaper. Polyptyken togs isär och såldes i bitar på två auktioner 1847 och 1850; som ett resultat gick några målningar förlorade. De flesta av målningarna i polyptyken förvärvades av William Young Ottley, en framstående engelsk samlare av italienska målningar (den centrala panelen som föreställer Madonnan och barnet gick förlorad redan innan Ottley köpte upp delar av altartavlan). Något senare förvärvade den tyske forskaren Gustav Friedrich Waagen (1794-1868), som var den första chefen för Preussian Royal Art Gallery, flera målningar från Ottli-samlingen.

Polyptyken innehöll sju sammankopplade vertikala strukturer , som var och en i sin tur bestod av en stor bild av huvudskiktet, en bild av det övre skiktet och en bild av en höjdpunkt , fästa ihop med en stång längs vertikalen. Predella skrevs på en lång tavla. Uppenbarligen tillverkade konstnären altaret i sin verkstad i Siena, transporterade det sedan i delar till Florens och satte ihop det på plats (120 år senare skulle Sassetta göra detsamma när han skapade St. Franciskus altare för Borgo San Sepolcro).

Polyptikens huvudskikt bestod av en stor målning "Madonna och barn" (nu förlorad), till vänster om vilken aposteln Paulus, Johannes Döparen och St. Anthony; till höger är aposteln Petrus, St. Francis och St. Louis av Toulouse. Av alla målningar i denna nivå har bara apostlarna Petrus och Paulus, liksom Johannes Döparen, överlevt (alla förvaras i Berlin, statliga museer).

Av de sju målningarna i den övre nivån har fem överlevt: "St. Mattias och St. Elisabeth av Ungern(?)"; "St. Matthew och St. Jakob den yngre"; "St. James den äldre och St. Philip" - allt i Berlin, statliga museer; två målningar av denna nivå finns i National Gallery of London - "Saints Simon and Thaddeus"; och de heliga Bartolomeus och Andreas. Från helgonen avbildade i höjdpunkter fanns profeterna Jesaja, David, Moses (alla i National Gallery, London) och profeten Daniel (Konstmuseet, Philadelphia) kvar.

Predella var täckt med scener av Kristi lidande. Det började med "The Last Supper" (nu på Metropolitan Museum of Art, New York), följt av "The Betrayal of Judas" (National Gallery, London), "The Flagellation of Christ" (Berlin, State Museums), " The Way to Calvary" och "The Removal of from the Cross (båda i National Gallery, London), Entombment (Berlin, State Museums) och Resurrection (National Gallery, London).

Intressant nog låg "Vägen till Golgata" direkt under bilden av "Madonnan och barnet", det vill säga där "Korsfästelsen" vanligtvis skrevs. Samma scen av "Korsfästelsen" (ej bevarad) överfördes av konstnären till den övre nivån och placerade den ovanför "Madonnan och barnet". Forskare tror att dessa förändringar gjordes för att betona att templet är tillägnat det heliga korset (Santa Croce - italienska. Heligt kors). Dessutom var korset av särskild betydelse för franciskanerna som byggde detta tempel, eftersom grundaren av deras orden, St. Franciskus fick stigmata, vilket återspeglar de sår som Kristus fick som ett resultat av korsfästelsen på korset. Hårkorset i form av bokstaven X, bildat av korset som bars av Jesus, föll exakt på den centrala axeln av hela polyptyken och var altarets andliga och sammansatta centrum. Ett annat viktigt budskap i denna centrala scen av predella är den ödmjukhet med vilken Kristus bär korset.

Ugolino lånade alla kompositionsscheman för Kristi passion från Duccios Maesta, som han arbetade tillsammans med under lång tid. Han förenklade scenerna och ökade samtidigt deras dramatiska effekt. Till exempel, i scenen "Berayal of Judas" reducerade konstnären antalet apostlar, med fokus på huvudhändelsen. På samma sätt, i scenen "Vägen till Golgata" minskade han antalet karaktärer, vilket lyfte fram Kristi ödmjukhet och sorgen för Guds Moder.

I allmänhet skrevs polyptiken under starkt inflytande av Duccios kreativa stil. Följande faktum är dock konstigt: där Duccio använder rik och dyr ultramarin , använder Ugolino di Nerio billigare, grönaktig azurit . När det gäller polyptiken från Santa Croce, som för konstnären var ett prestigefyllt, stort uppdrag, är det omöjligt att en sådan ersättning skulle kunna göras av sparsamhet; det var en följd av konstnärens färgpreferenser.

Polyptyker

Ugolino tillskrivs flera intakta polyptyker. Alla dessa verk innehåller helgonbilder från midjan och uppåt; enligt kyrkoklassificeringen kallas de dossal ( dossal  - en bild bortom altaret).

Den tidigaste polyptiken, i skapandet av vilken Ugolino di Nerio deltog, anses vara "Madonna och barn med heliga Augustinus, Paulus, Peter och Dominic" (Siena, Pinacoteca, inv. nr 28; storlek 139x242cm)); den är daterad 1305-1308 eller 1300-1320. De flesta forskare anser att denna polyptyk är ett verk av "Duccios verkstad". Den har överlevt till denna dag i dåligt skick. Duccio utförde förmodligen den centrala bilden - "Madonna och barn", och en av hans assistenter målade sidoflikarna och bilderna på höjderna. Det är troligt att det var Ugolino.

En annan polyptyk från Siena Pinakothek "Madonna och barn med de heliga Clara, Lawrence, Francis och Johannes evangelisten" (Inv. nr 39) dateras av vissa experter till ungefär samma period (1310-15), andra till 1325-1330 , och trodde att han gjordes efter jobbet för den florentinska kyrkan Santa Croce. Den är något mindre än den första (84x189cm) och upprepar sin formel. Varken polyptikens ursprungliga ram eller dess toppar har överlevt. Verket beställdes av Sienesiska Franciskanerkonventionen i Santa Chiara (St. Clara). Närvaro på altaret i St. Clara och St. Francis är ytterligare ett argument för att Clarissa nunnor skulle kunna vara hans kunder.

Polyptiken "Madonna och barn med de heliga Franciskus, Johannes Döparen, Jakob och Maria Magdalena" (122x192 cm; Museum of Art, Cleveland), enligt experter, skapades "före 1317", det vill säga när, som de säger, Ugolino han arbetade också i Duccios studio och var starkt influerad av hans konst. Dess egenhet är att i den övre delen ovanför Madonnan och barnet finns en scen av korsfästelsen, och höjdpunkterna visar inte de vanliga profeterna, utan apostlarna Petrus (med en nyckel i handen) och Paulus (med ett svärd), samt två helgon som inte har en entydig identifiering . Kristusbarnet leker försiktigt med sin mamma och upprepar en gest som kan ses i Duccios verk. Guds moder vände själv sin sorgsna blick som inåt och förutsåg hennes gudomliga sons öde. Forskare tror att platsen för korsfästelsen var belägen ovanför Madonnan och barnet för att betona den vid den tiden utbredda tron ​​att Guds moder visste vilket öde som väntade hennes son. Kyrkan som verket var avsett för är okänd, men närvaron av St. Francis säger att hon var släkt med franciskanerorden.

En liknande typ av polyptyk "Madonna och barn med helgon", bestående av fem delar, förvaras i samlingen av Ricasoli (Brolio di Chianti); tidigare var det i kyrkan San Paolo in Rosso. Detta verk är ganska stort - 97x195 cm och går tillbaka till 1320-1330-talet. Den vanliga bilden av Madonnan och barnet åtföljs av apostlarna Petrus och Paulus, samt Johannes Döparen med Johannes teologen. Topparna visar välsignelse Kristus och änglar.

Polyptyken från Clark Art Institute (Williamstown, Massachusetts) är den största som någonsin tillskrivits Ugolino. Dess imponerande mått, 163,7x341,4 cm, indikerar att den en gång installerades i templets huvudaltar, men kyrkan som den var avsedd för är okänd. Konstnären avbildade på den Madonnan och barnet och helgonen (från vänster till höger) Francis, Andrew, Paul, Peter, Stephen och Louis av Toulouse. Välsignelse Kristus och profeterna finns i höjderna. Denna polyptyk har överlevt till denna dag i gott skick: dess ursprungliga ram har bevarats, efter restaurering lyste färgerna med sin tidigare fräschör. Detta arbete kännetecknas också av skillnader i datering: enligt en, mer försiktig data, skapades det 1310-1330, enligt andra 1317-21.

Triptyker

Flera triptyker tillskrivs Ugolino, av vilka de mest kända finns i Uffizierna i Florens och i museet för helig konst i den lilla staden Tavarnelle Val di Pesa. Dessa verk har inte författarens signatur och exakta datering.

Triptyk Madonna och barn med St. Paul och St. Peter" beställdes av familjen Pannilini och låg ursprungligen i församlingskyrkan San Pietro a Villore i San Giovanni d'Asso (Siena), och hamnade sedan i engelsmannen Huttons samling, från vilken han förvärvades av italienaren samlare Alessandro Contini Bonacossi. Efter Alessandros död sålde änkan verket till den italienska regeringen, och sedan dess har triptyken förvarats i Uffizierna. Detta verk tillskrivs Bernard Bernson , som 1932 identifierade det som ett verk av Ugolino di Nerio. Triptyken mäter 150 x 146 cm och är från omkring 1320-1325. Förutom Madonnan och de två apostlarna avbildade konstnären i höjdpunkter Välsignelsen Kristus och två helgon, troligen St. Stefanus och evangelisten Johannes. Forskare ser inflytandet från Simone Martini i detta arbete.

Den medelstora triptyken från Museum Tavarnelle Val di Pesa (109x119cm) kommer från ca. San Pietro a Olena. Konstnären avbildade på den Madonnan och barnet av St. Petrus och evangelisten Johannes. I höjdpunkterna finns en välsignelse Kristus och två änglar, med andra ord följer denna triptyk det vanliga schemat genom vilket sådana triptyker skapades för församlingskyrkor. Tillskrivningen av verket tillhör återigen Bernard Bernson, som 1936 rankade det bland "Ugolinos verkstad". Denna tillskrivning bekräftades ytterligare av majoriteten av experterna. Verket är daterat ungefär samtidigt som den tidigare triptyken - 1320-talet.

Tidigare tillskrevs Ugolino en annan berömd triptyk från Museum of Sacred Art i staden Certaldo, den så kallade. Triptyk från Bagnano. Men under loppet av en nyligen genomförd restaurering och den noggranna forskning som följde med den, fastställde experter att det var målaren Cenny di Francesco di Ser Cennys verk.

Målade kors

Ugolino di Nerio krediteras med ett målat kors skapat för kyrkan Santa Maria dei Servi i Siena. Detta är ett stort invändigt krucifix som mäter 401x244,5 cm, experter daterar det "cirka 1330". Idag förvaras korset i Sienas katedralmuseum. Den gjordes enligt tekniken för att måla kors som fanns på den tiden - tempera och guld på en träbas (poppel), på vilken ett lager av gesso lades över . Den korsfäste Kristus är avbildad på korset i form av Christus patiens (Kristus lidande), hans magra kropp sticker ut på den prydda ytan av tabellen. Ett märkligt inslag i korset är en liten figur av en karaktär klädd i en klosterklänning nära den korsfäste Jesu fötter. Det skapade en livlig diskussion bland experter. Enligt vissa är detta en bild av Filippo Benizzi, som levde på 1200-talet, den femte priorgeneralen av tjänarnas orden (Jungfru Marias tjänare), som gjorde mycket i början av bildandet av denna orden. , och vars kult var utbredd i kloster långt före hans helgonförklaring, vilket skedde 1671. Enligt andra är detta den salige Joachim Piccolomini, som bodde i Siena, en inte mindre känd figur av samma ordning, som dog 1305. I vilket fall som helst indikerar själva faktumet av närvaron av denna karaktär att korset uteslutande skapades för serviternas klosterbroderskap. Sedan det skapades har korset bytt plats i templet flera gånger. Detta arbete tillskrivs Ugolino av den berömda italienska 1800-talsforskaren Giovanni Battista Cavalcasella redan 1864; forskare från 1900-talet, som noggrant studerade alla dess egenskaper, håller i allmänhet med om denna tillskrivning.

Ett annat målat kors som tillskrivs Ugolino förvaras i Siena Pinacothek. Det är känt under sitt katalognummer som "Cross No. 34". Detta är ett litet verk, 68x45 cm i storlek, dess skapelse tillskrivs åren 1310-30.

Krucifix

Flera scener som skildrar korsfästelsen från olika museer och privata samlingar tillskrivs Ugolino. Två av dem är extremt lika i sin ikonografi - "Crucifixion" från Thyssen Bornemisza-museet och "Crucifixion" från en privat samling, Florens. Dessa är medelstora ikoner (den första är 135x89 cm; den andra är 105x48 cm), som tidigare tjänade som föremål för tillbedjan i tempel, vars specifika namn är svåra att fastställa idag. Kanske var de en gång i centrum för triptyker eller mer utarbetade altartavlor. Två scener av "Korsfästelsen" kännetecknas av närvaron av änglar i versionen från Thyssen Bornemisz-museet, och även av det faktum att detta verk av okänd anledning sågades av underifrån, så att endast en del av figurerna av Vår Fru och Johannes evangelisten överlevde. Båda verken tillhör ungefär samma tid, 1330-35.

En tidigare "Crucifixion", vars skapelse hänförs till åren 1315-20, lagras i Siena Pinakothek. Den är mer blygsam i storlek (67,5x44,4 cm); dess särdrag är närvaron i scenen av St. Franciskus böjer sig för Kristi fötter. Detta är ett bevis på att verket skrevs för franciskanerorden och tidigare befann sig i ett av franciskanerklostren eller templen.

En liten panel som föreställer "Korsfästelsen och två donatorer" (24x46,6 cm) från Courtauld Institute , London, var med all sannolikhet en del av det nu okända altarets predella. Vissa forskare trodde att detta verk tillhör den berömda Santa Croce-altartavlan, men den moderna rekonstruktionen av detta verk tyder inte på närvaron av denna panel i den.

Madonnor

Som de flesta Sienesiska konstnärer målade Ugolino di Nerio många madonnor. Vår Fru-kulten i Siena gick utöver det vanliga, hon var inte bara stadens beskyddare, som andra helgon, utan dess älskarinna, och den Sienesiska ledningen genomförde ceremonin att placera nycklarna till staden framför hennes ansikte i katedralen. Som alla större konstnärer på sin tid, avbildade Ugolino Guds moder både i form av en älskarinna som sitter på en tron ​​och i form av en gudomlig mor som smeker Kristus. De första manifestationerna av Jungfrun var högtidliga och offentliga till sin natur, den andra var mer intima bilder. Den första typen inkluderar "Madonna och barn med en donator" från kyrkan Santa Maria del Prato i staden San Casciano val di Pesa (ca 1335, 138x71 cm), den andra - ett antal ganska liknande ikoner av "Madonna and Child" från olika museer och tempel: Louvren, Paris (1315-20), Metropolitan Museum, New York (ca 1325), Museum of Fine Arts, Boston (1325-30), District Museum of Pienza, Servitkyrkan i Montepulciano, kyrkan San Bartolomeo a Scampata, Figline Valdarno (Toscana), etc. Det är dock möjligt att inte alla dessa "Madonnor" var enstaka verk, och några av dem fungerade en gång som som en central panel för triptyker eller polyptyker.

Den lilla "Maesta" från Art Institute of Chicago (37,2x23,2 cm; 1325-35) står något isär. På den, förutom Madonnan och barnet som sitter på tronen, St. Petrus, Paulus, Johannes Döparen och St. Dominic. Böjd vid foten av tronen var en donator i dominikanernas klosterkläder. En sådan ikon kan vara den centrala delen av en liten hemtriptyk, eller en oberoende bild för att be.

Individuella helgon

Ugolino är också krediterad för en serie träpaneler med bilder av olika helgon, som tidigare var delar av några mer komplexa altarstrukturer. På grund av bristen på detaljerad arkiv- och dokumentär bevakning av konstnärens verksamhet är det svårt att avgöra vilka dessa verk var och vilken plats varje enskild målning med bilden av helgonet som upptar idag. Till exempel är det känt från arkivkällor att "Saint Margaret with a Cross in Her Hand" från Kress samling (nu Portland, Museum of Art), tidigare var en del av en polyptyk, där förutom henne St. . Lucia, St. Augustine och St. Ambrosius. S:t Ambrosius och Augustinus är sedan länge förlorade, bilden av St. Lucia förvaras idag i Konstmuseet i Budapest; ursprunget till detta spridda altare är fortfarande okänt.

Vid ett annat tillfälle, flera separata paneler från amerikanska museer, "St. Louis av Toulouse" och "Mary Magdalene" från Museum of the Hall of the Legion of Honor, San Francisco kombinerades med "St. Catherine" från Krannert Museum (Urbana, Illinois). Madonnan och barnet från Princeton University Art Museum föreslogs som den centrala panelen. Eftersom kompositionen visade sig vara asymmetrisk föreslog Federico Zeri att man skulle lägga till en panel som föreställde "St. Michael" från Czartoryski-museet i Krakow, men övergav senare denna idé. Frågan om en sådan designs trovärdighet är fortfarande öppen.

Bland de enskilda panelerna med helgon är ikonen som föreställer St. Anna med barnet Maria i famnen ganska intressant. Den skrevs när St. Annes ikonografi ännu inte hade utvecklats fullt ut, och därför hade forskarna tvivel om riktigheten av definitionen av handlingen. Senare, när ikonografin för denna tomt etablerades, St. Anna avbildades som regel med Maria som håller Kristus i famnen, den sk. "St. Anna trekant.

Bibliografi

  Gå till Wikidata-objektet  Tematiska platser