Wearable art eller eller art-a-porter (eng. Wearable art , fr. Art-a-porter) är en av de typer av konst och hantverk som syftar till att skapa ett plagg eller accessoar som har konstnärlig betydelse. Bärbar konst är mycket svår att kalla kläder, även om dess föremål ser ut som bekanta saker. Med andra ord, förutom den estetiska komponenten, bör ett verk av "bärbart konstverk" betraktas som ett seriöst och unikt konstverk.
När han skapar en art-a-porter använder konstnären en mängd olika material ( läder , plast , metall , tyg , papper , levande växter, etc.), vilket ger dem den önskade formen och färgen.
Från slutet av 1800-talet till nutid har människor ofta valt att bära plagg som medvetet skiljer sig från, eller utmanar , haute couture- konventioner. I slutet av 1800-talet, på tröskeln till den modernistiska eran , var den så kallade konstnärliga eller estetiska dräkten (inte konstnärernas dräkt) resultatet av en reformrörelse inom mode, i huvudsak anti-mode. Ursprungligen förknippad med feminism , blev denna trend senare egenskapen för allmän smak, de nämnda kläderna bars främst av representanter för den borgerliga intelligentsia i konstnärliga och litterära kretsar (liksom av konstnärer och författare själva). Detta mode fann brett stöd inte bara i Storbritannien , utan också i USA , i Europa och, i mindre utsträckning, i de brittiska kolonierna, som Australien . Det baserades på idén om skillnaden mellan handgjord och massproduktion, och det var mer av en idealists kläder, inte en fashionistas.
På 1920-1930-talen. mode sågs som en del av motkulturen. Sådana kläder och smycken (ofta handgjorda) fungerade som ett alternativ till massproduktion. Populära, som regel, var de ovanliga bleka färgerna som var karakteristiska för kvinnors klänning från förra seklet. I Australien under samma decennier experimenterade designers med modernistisk design på halsdukar och textilier, med hjälp av australiska motiv (ofta växter). Uppenbarligen var handgjorda kläder i detta fall emot massproducerade kläder. Lucy Dalgarno (1874–1945), designer från Sydney, målade tyger och broscher på 1920-talet med hjälp av lokala motiv. Ironiskt nog målade hon också batikkläder för David Jones exklusiva modebutik .
Men det var bara 1960 -talets nonkonformistiska , antimassmotkulturestetik som väckte liv till konceptet bärbar konst. Inte bara konstnärer, designers eller intellektuella, utan även män och kvinnor som leder alternativa livsstilar, omprövade de välbekanta kopplingarna mellan textilier, kvinnors arbete och hantverk. Denna mycket oppositionella klädstil, drömmande, med en dominans av blommönster, är allmänt känd som " hippie ". Han vittnade om förkastandet av konsumtionsförenade kläder, såväl som populistisk politik. Dekoration med handgjorda detaljer och skyltar, som ursprungligen var en individuell sysselsättning, blev populär och började användas i standardkläder. Dessa avfallna designers skapade bricolages av begagnade och handgjorda tyger och kläder i originalfärger, och hämtade inspiration från traditionerna i icke-europeiska kulturer: Asien , Indien , Mellanöstern . Art-a-porter-stilen var vanlig på USA:s västkust (särskilt i San Francisco ), Storbritannien, Australien och Nya Zeeland.
På 1960-talet och början av 1970-talet började kläder med "självbiografiskt innehåll" dyka upp på modemarknaden. 1970-talet kan beskrivas som ett tumultartat decennium där grova, retro- och etniska motiv, rester av den sena kontrakulturella hippiestilen, assimilerades av konsumenten, som kulminerade i stilarnas förgrovning under andra hälften av 1970-talet. Konceptet med bärbar konst börjar idag få frånstötande kitschiga konnotationer och tappar gradvis i relevans. [ett]
Den amerikanska konstnären Darla Theagarden skapade en klänning av papper cupcake liners med fotografier av ögon inuti. Skapelsen heter suggestivt - Lovers Eye Archived September 20, 2015 at the Wayback Machine . Amerikanska Eloise Corr Danch skapade en fantastisk klänning i stil med spanskt mode på 1500-talet från papper. Och Jolis Paons lanserade en cocktailklänning med en tutu-kjol, som var gjord av en massa instruktioner för mobiltelefoner [2] .
2015 presenterade de holländska formgivarna Viktor Horsting och Rolf Snoeren [3] kollektionen "Wearable Art" på Haute Couture-mässan i Paris. Ursprungligen prydde pittoreska reproduktioner dekorerade i en dyr baguette kostymerna för kvinnliga modeller, men med utseendet av två modedesigners på scenen ändrade de omedelbart sitt syfte. Viktor och Rolf tog bort "bilderna" från modemodellerna direkt under showen och förvandlade dem till en del av scenens dekorativa dekoration. På så sätt förvandlades modemodeller lätt till rörliga konstverk, och de överdimensionerade silhuetterna av klänningar, med sina kantiga detaljer, liknade surrealistiska arkitektoniska fantasier.
I Nya Zeeland inrättades en årlig tävling kallad New Zealand Wearable Art Awards 1987. År 2001 döptes evenemanget om till World of Wearable Art, eller WoW [4] . Tävlingen är en serie tematiska spektakulära catwalkshower med en demonstration av extremt originella kostymer och accessoarer, förenade av ett gemensamt koncept, tillsammans med koreografi , med ljud , ljus och specialeffekter . Evenemanget besöks av lokala och utländska konstnärer och designers.
Sedan 1993 har det funnits en ny Stillahavsavdelning, senare kallad "Oceania", där det finns en kategori av "bärbar konst". Gatumodeshowen är en del av en offentlig festival etablerad som ett försök att uttrycka den radikaliserade delen av befolkningens politiska åsikter om tillståndet i Stilla havet. Det utvecklades till en fristående händelse, Style Pasifika [5] , som fokuserade mindre på bärbar konst än på kreativa modestilar och kroppskonst .
1998 började den australiensiska staden Broome stå värd för ett årligt underhållningsevenemang med konstverk designade för att bäras i en mängd olika material.
2002 höll Port Moody Art Center Society i British Columbia sina första årliga Wearable Art Awards, och samma år delade Sandy Bay , Tasmanien , Australien, ut sina första årliga utmärkelser "Fashion Fantasy" (Fashion Fantasia), som proklamerade kropp som en duk för de mest ovanliga och originella kläderna. [6]
Vissa konstexperter tror att mode inte är konst. Bakom all provokativitet med vilken outfits skapas och modevisningar arrangeras finns en vinsttörst och en vilja att provocera . För sina visuella referenser påverkas mode av bildkonst , fotografi och film . För att underbygga var och en av de många samlingar hon skapar varje år, utnyttjar hon dessa bilder så skoningslöst att deras teman snabbt förlorar sin mening. [7]
I allmänhet har termen "bärbar konst" under övervägande fått nedsättande associationer, och själva konceptet har fallit ur modet. Det anses vara populistiskt och förknippas ofta med lokala konstevenemang och marknadsföring. Men många småföretag säljer fortfarande denna typ av personliga, konst-låtsaskläder och smycken över Internet. [6]