Teaterchefen är ledaren för den kreativa processen i teatern och sätter upp ett dramatiskt eller musikdramatiskt ( opera , operett , musikaliskt ) verk [1] . En teaterchef kan ibland kombinera positionerna som en konstnärlig ledare och en teaterchef, det vill säga han kan leda inte bara den kreativa processen utan också företagets administrativa och ekonomiska verksamhet.
Dramateaterchef , som utifrån sin egen tolkning av den litterära källan leder lagets arbete, bestämmer den allmänna uppgiften för vilken verket sätts upp på scen, förenar insatserna från skådespelare, dekoratör , kompositör och andra deltagare i föreställningen , är en produktionsregissör (ibland hänvisad till helt enkelt som en regissör) [1] .
Regissören kallas även närmaste kreativa assistent till produktionsledaren, som inom ramen för den av honom framtagna produktionsplanen bedriver dagligt repetitionsarbete [1] .
Mindre ansvarsfulla uppgifter för regissören och producenten i processen att förbereda föreställningen utförs av regissörsassistenten eller regissörsassistenten [1] .
Rollen som regissör på opera, som i balett, är vanligtvis mycket mer blygsam än i dramateatern, eftersom dirigenten är tolkaren av operan, som ett musikaliskt och dramatiskt verk, [2] , och baletten , där innehållet förkroppsligas i koreografiska bilder, framförs i första hand en koreograf [3] .
Regi i modern mening utvecklades under andra hälften av 1800-talet ; ordet "direktör" dök dock upp mycket tidigare: i Ryssland kom det i bruk redan på Elizabeths tid - med den franska truppens ankomst 1742 (i den ryska teatern truppens chef eller föreställningens chef kallades "direktör") [4] .
I en eller annan form fanns regi, som en iscensatt konst, i antiken [5] . I den antika grekiska teatern spelades rollen som didascal (från grekiskans διδάσκαλος, didaskalos - "lärare"), arrangören av en teateruppsättning, ofta av en dramatiker , vilket inte minst berodde på traditionen att förena författare och artist i en person [6] .
Under renässansen var det inte ovanligt att en dramatiker var både skådespelare och truppledare (eller, vice versa, en skådespelare som ledde en trupp blev dramatiker), som Angelo Beolco i Italien, Lope de Rueda i Spanien, eller Hans Sachs i Tyskland. Den aristokratisering av teatern, som började under andra hälften av 1500-talet och i Italien redan i slutet av 1400-talet, stärkte den spektakulära början i den; den komplexa utsmyckningen och användningen av teatraliska mekanismer, som möjliggjorde flygningar, förvandlingar och andra teatraliska effekter, lyfte fram dekoratör-maskinistens och arkitektens konst , - de blev respektive regissörer för produktionen. I Milano , vid hovet i Lodovico Moro, i slutet av 1400-talet, var Leonardo da Vinci arrangör av scenföreställningar , inte bara som konstnär, utan också en förstklassig mekaniker som skapade sofistikerade mekaniska strukturer för hovteatern [7] . Och under de följande århundradena ökade ständigt dekoratörernas roll där teatern förvandlades till ett magnifikt spektakel [6] .
I klassicismens teater ( XVII - XVIII århundraden ), med dess betingade kulisser, enhetliga estetik och reglerade skådespeleritekniker, återgick rollen som regissören för produktionen till dramatikern, som likt Molière t.ex. både ledaren för truppen och skådespelaren. Han satte själv upp sina tragedier och Racine i den parisiska teatern på Burgundy-hotellet.
Under andra hälften av 1700-talet blev den ledande skådespelaren, som inte kombinerade sin verksamhet med litterärt arbete, alltmer truppens ledare. Chefen för Hamburgs teater, Friedrich Schroeder , var den förste som introducerade praxis med preliminära uppläsningar av pjäser och regelbundna repetitioner. Teaterreformatorn i slutet av 1700-talet var den store franske skådespelaren Francois-Joseph Talma , som ledde "revolutionens teater" i Paris [6] .
I Ryssland, när den första "för presentationen av tragedier och komedier teater" inrättades den 30 augusti 1756, anförtroddes direktionen dramatikern A.P. Sumarokov , som till en början var både arrangören av den ryska dramateatern och chefen för föreställningar [4] . Samtidigt utförde de ledande skådespelarna Fjodor Volkov och Ivan Dmitrevsky också regissörsuppdrag för den ryska truppen [4] . Efter Sumarokovs avgång, utsågs Volkov i dekreten till "den första skådespelaren", "den första komikern", och denna titel tilldelade honom ansvaret att leda truppen [4] .
Sedan början av 1800-talet ingick direktörstjänsten i bemanningen av dramatruppen, men hans arbetsuppgifter var främst administrativa och tekniska [8] . Samtidigt, stora dramatiker, i synnerhet, N. V. Gogol , A. N. Ostrovsky , ibland konstnärer, såsom M. A. Shishkov , och mycket ofta promptrar [9]
Under hela 1800-talet regerade urpremiärer och primadonnor på dramateatern , liksom på operascenen , framförallt uppfördes föreställningar för dem, inte bara roller, utan pjäsen som helhet kunde ritas om för truppens ledande skådespelare , demonstrationen av deras skådespelarskicklighet förvandlades till ett mål i sig, allt annat visade sig vara oviktigt och övervuxet med klichéer, olika pjäser kunde spelas i samma villkorade kulisser [10] .
Charles Keane i England och Heinrich Laube i Tyskland anses vara de första professionella regissörerna , som redan på 50-talet av 1800-talet på olika sätt försökte effektivisera förhållandet mellan dramatik, å ena sidan, och skådespeleri, scenografi, kostymer, osv, å andra sidan.. Medan Keane i sina monumentala produktioner utvecklade metoderna för "spektakulär regi": de kännetecknades av den historiska omgivningens prakt och den skickliga organiseringen av massscener, bekände Laube att han regisserade "konverserande": i sina mycket mer blygsamma föreställningar, samtida noterade det oöverträffade skådespeleriet och högkulturens scental [11] . Duke George II var också en professionell regissör, och från 1866 regisserade han Meiningen Theatre ; men George II, som ofta själv designade kostymer och kulisser, var främst intresserad av den konstnärliga och designdelen [11] [12] .
Den verkliga vändpunkten kom i slutet av 1800-talet: först Meiningen-teatern under ledning av Ludwig Kroneck , lite senare André Antoines Fria Teater i Paris och Otto Brahms Fria Scen i Berlin för första gången. vidarebefordra principerna för ensemble, underordning av alla komponenter i föreställningen till en enda plan, noggrann inställning till författarens text, tillförlitlighet i rekonstruktionen av historiska eller vardagliga omgivningar . Nya uppgifter krävde omvandlingen av ledningen av produktionen till ett speciellt yrke - en regissör i modern mening, som innehade hela skalan av kunskaper och färdigheter som krävs för att lösa dessa problem, och bidrog till etableringen av hans ledande roll i dramateatern [13] . Franska teaterhistoriker överväger födelsedatumet för regissören den dag då den första föreställningen av Free Theatre av A. Antoine ägde rum - 30 mars 1887 [5] . I Tyskland är uppkomsten av regi vanligtvis förknippad med aktiviteterna på teatrarna i Meiningen och Bayreuth och tillskrivs följaktligen slutet av 70-talet eller 80-talet av XIX-talet [5] .
Om det i Västeuropa i slutet av 1800-talet fördes diskussioner om vem som var viktigast inom dramateatern [14] , så gjorde Konstantin Stanislavsky och Vladimir Nemirovich-Danchenko i Ryssland den professionella regissören villkorslöst till huvudfiguren [15] . Dessutom blev Stanislavsky faktiskt en av grundarna, skaparen av regi som yrke. Reformen av regikonst, utförd av Stanislavsky i konstteatern, gav en ny riktning till teaterkonsten. I sin regipraxis använde K. S. Stanislavsky i stor utsträckning alla uttrycksmedel som stod till regissörens förfogande, och försökte alltid underordna dem ett enda mål - förkroppsligandet av pjäsens idé.
Konstantin Sergeevich skrev om det så här:
– Regissören är inte bara den som vet hur man förstår pjäsen, ger råd till skådespelarna hur man spelar den, som vet hur man placerar dem på scenen i sceneriet som artisten byggde åt honom. Regissören är den som vet hur man observerar livet och har den maximala mängden kunskap inom alla områden, utom för sin professionella teater. Ibland är denna kunskap resultatet av hans arbete med ett ämne, men det är bättre att samla det för framtida bruk. Observationer kan också samlas specifikt för en pjäs, för en bild, eller så kan man vänja sig vid att observera livet och tills vidare lägga observationerna på det undermedvetnas hylla. Då kommer de att tjäna direktören en stor tjänst" [16] .
Stanislavsky blev skaparen, man kan till och med säga uppfinnaren av en ny scenkonsts estetik, som bekräftade synen på föreställningen som ett integrerat konstverk, där alla komponenter, bilden skapad av skådespelaren, plastlösningen, kulisser, musikaliskt arrangemang, är föremål för en gemensam idé, en gemensam design och är samordnade med varandra. . De nya målen som satts upp för alla skapare av föreställningen förändrade i grunden var och en av dems roll i dess skapelse [17] .
I Ryssland godkändes regissörsteatern av många studenter av Stanislavsky och Nemirovich-Danchenko: Evgeny Vakhtangov , Vsevolod Meyerhold , Andrei Lavrentiev , Alexei Dikiy , Alexei Popov , Andrei Lobanov och många andra; i framtiden - studenter av studenter: Konstantin Tverskoy , Nikolai Okhlopkov , Georgy Tovstonogov ... [18]
Den västeuropeiska teatern hade sina egna framstående regissörer, främst Max Reinhardt och Erwin Piscator ; regissör och dramatiker förenade återigen i Bertolt Brechts person . Samtidigt var många framstående regissörer, inklusive B. Brecht och M. Wallentin i Tyskland, Louis Jouvet och Georges Pitoev i Frankrike, influerade av den ryska teatern [6] .
På 1900-talets teater, när man satte upp en föreställning, lydde allt redan regissörens plan, vilket innebär att tolka pjäsen som helhet och varje enskild karaktär, bestämma egenskaperna hos skådespelarens prestation som är nödvändiga för denna pjäs, lösa föreställningen i rymden (utveckling av mise -en-scener ) och tidsbestämning av dess rytm och tempo; ofta tog regissören på sig den konstnärliga gestaltningen av föreställningen, särskilt om han var konstnär i sitt andra yrke, som till exempel Nikolai Akimov ; i andra fall bestämde han principerna för konstnärlig gestaltning tillsammans med konstnären, musikalisk gestaltning - med kompositören [6] .
Deltagande i skapandet av föreställningen av en sponsor ( producent ) kan avsevärt begränsa regissörens frihet, särskilt i valet av skådespelare; i andra fall låg även utnämningen av utövande konstnärer inom produktionsdirektörens kompetens. Den teatrala revolutionen som ägde rum i slutet av 1800-talet lade fram, enligt Anatolij Smelyansky , "regissörens personlighet som en kreativ konstnär som markerade spektaklets alla komponenter" [19] .
Samtidigt kan förhållandet mellan regissören och skådespelarna inom ramen för regissörsteatern vara annorlunda [20] . När han talade om de största regissörerna för den sovjetiska teatern under storhetstiden (50-70-talet), noterade S. Bushueva att till exempel G. Tovstonogov, som en konstnär av den episka planen, i avsaknad av en uttalad regissörsröst, strängt regisserade föreställningen, som underordnar varje ensembles framförande, vilket ger skådespelaren "maximal självmanifestation som är möjligt inom ramen för den episka strukturen" [20] ; Oleg Efremov i Sovremennik , som alltid förblev en ledare, upplöstes i laget av sina skådespelare: "Det var en skådespelares brödraskap, ett kloster, en kommun, där till och med den personliga början av varje fungerade som en känsla av gemensamt engagemang i generationen." på ett sätt kunde Efremovs Sovremennik kallas en "självreglerande konstnärlig organism" [20] . Anatoly Efros var ledare för ett annat lager: "Han valde inte bara noggrant ut skådespelare som var i samklang med sig själv ... Han odlade målmedvetet vissa egenskaper hos varje konstnärlig personlighet och koncentrerade dem i en mask som absorberade den väsentliga början av skådespelarens individualitet ” [20] . Yuri Lyubimov , tvärtom, medan han helt och hållet förblev "föreställningens författare", gav sina skådespelare fullständig yttrandefrihet [20] , inom den exakta regissörens avsikt, gav dem vida möjligheter till improvisation [21] .
I slutet av 1800-talet dök det upp - i Ludwig Kroneks, Andre Antoine och Otto Brahms person - och på 1900-talet i den europeiska dramateatern ett sådant fenomen som regissören - den konstnärliga ledaren för teatern etablerades. Inte bara en föreställningschef, utan en person som bildar en trupp, väljer scenografer och kompositörer som arbetar i teatern på permanent basis, och, sist men inte minst, bestämmer teaterns repertoarpolitik i Sovjetunionen - till omfattningen av den frihet som censuren ger. Det är denna person som ger teatern dess originalitet, definierar dess ansikte: om det inte finns någon större konstnär i spetsen för kollektivet, finns det inget ansikte [22] .
Med tillkomsten och avgången av deras konstnärliga ledare, och ibland med dem, upplevde teatrar välstånd och förfall, avancerade till första raden eller gick in i skuggorna, ibland förändrades de helt enkelt markant [22] .
Under 1900-talet ökade även regissörens roll i operahuset; redan 1919, K. S. Stanislavsky och Vl. I. Nemirovich-Danchenko skapade operastudior - med syftet att överföra sin teaterreform till musikteatern [23] [24] . Från allra första början var Komische Oper- teatern som grundades i Berlin 1947 också en regissör , vars erfarenhet orsakade många imitationer i Europa [25] . Redan på 1950- och 1960-talen talade Västeuropa om "regiets dominans" inom operan, vilket orsakade missnöje bland både sångare och dirigenter.
Å andra sidan, med utvecklingen och förbättringen av ljudinspelning, förlitade sig operahus allt oftare, särskilt i frånvaro av "stjärnor" och framstående dirigenter, på oväntade regibeslut. Så i teatern " Helikon-Opera " är huvudpersonen regissören - Dmitry Bertman [26] .
Kommersialiseringen av teaterverksamheten, som sedan slutet av 1900-talet har omfattat Sovjetunionens tidigare rum, återför i stor utsträckning teatern till förregissörens tid. Som den franske teaterkritikern Patrice Pavy noterar i The Dictionary of the Theatre, ifrågasätts scenens behov av en regissör periodvis av andra deltagare i teaterprocessen: en skådespelare, om han är en "stjärna" och publiken går till honom, kräver frihet från regissörens tyranniska instruktioner; scenkonstnären vill involvera både skådespelarna och publiken i sitt spelrum utan mellanhand; det teatrala "kollektivet" vägrar erkänna rangordningen i truppen, tar hand om föreställningen och erbjuder kollektiv kreativitet; slutligen försöker entreprenören , producenten eller sponsorn att underordna valet av repertoar, tolkningen av verk och rollfördelningen till kommersiella intressen, vilket oundvikligen gör regissören till en beroende och i slutändan sekundär figur [14]