Musikalisk rörelse är en metod för musikalisk utbildning , personlig utveckling och undervisning i fri dans . Den är lika lämplig för både barn och vuxna (metoden är anpassad för olika åldersgrupper) och är främst avsedd för friska personer, även om det finns framgångsrika försök att applicera dess element på att arbeta med problembarn, som de med autism. Klasserna hålls i grupper, alltid med levande musik (instrumental eller sång). Som musikmaterial används särskilt utvalda fragment av klassiska verk och folkvisor (musiken kan vara annorlunda, men historiskt har metoden utvecklats på just sådant musikmaterial).
Utövaren måste bara röra sig med musiken: börja rörelsen med dess början och avsluta exakt med slutet. Satsen ska spegla det musikaliska fragmentets natur - kontrast, flyt, häftighet etc. - eleven ska med andra ord hitta rörelse i musiken som gissas där. Som praktiken visar kan nästan ingen av nybörjarna göra detta; För att lära ut förmågan att "röra sig i musik" utvecklade skaparna av metoden en speciell simulator: sådana musikfragment valdes ut där musikens motoriska karaktär manifesterar sig tydligast, och en plastisk form hittades som exakt återspeglar alla funktioner i detta musikstycke.
Det korrekta utförandet av övningen består inte i att kopiera den motoriska formen, utan i att återskapa den, för vilken eleven ska höra, känna och tillägna sig - "ta in" - ett musikstycke med alla dess drag. Först då kommer utövarens plastiska gest att sammanfalla med verkets musikaliska intonation och kommer att formas till en estetiskt perfekt och emotionellt övertygande musikalisk-motorisk form. Uppgiften att känslomässigt lyssna på musik och översätta den till den egna kroppens rörelser fungerar som en drivkraft för utvecklingen av musikalitet och personlig tillväxt.
Träningsövningar delas in i tre grupper efter svårighetsgrad – från de där sambandet mellan musik och rörelse ligger på ytan, till de där det inte är uppenbart. Genom att stiga från en nivå till en annan behärskar eleven samtidigt innehållet i fler och mer komplexa musikfragment och behärskar mer komplexa rörelser. En viktig del av metoden är de inblandades självständiga arbete – deras egen plastiska tolkning av de föreslagna musikverken. Den plasticitet som skapas av Heptachorus understryker musikens centrala egenskaper - andningsförmåga, flytande, fjädrande. Metoden, som ursprungligen skapades som en del av musikundervisningen, används även i dansövningar, särskilt för undervisning i motorisk improvisation och fri eller plastisk dans.
Musikrörelsen fyller snart 100 år. Inspiratören till denna tradition var Isadora Duncan , och skaparna var Stefanida Rudneva och hennes vänner från Bestuzhev-kurserna . Att se under det första decenniet av XX-talet. Duncans turnéframträdanden i Ryssland bestämde de sig, utan att bokstavligen imitera henne, för att göra något nära andan: att framföra musik på ett plastiskt sätt. Ackompanjemanget vid deras "vita möten" - enligt chitonernas färg - har alltid varit livespelande av musikinstrument eller sång. År 1918 gav antikens historiker F.F. Zelinsky, deras professor vid Bestuzhev-kurserna, gruppen namnet Geptakhor , eller "de sjus dans" - enligt antalet deltagare. Vid denna tidpunkt undervisade Rudneva och hennes likasinnade redan i gymnastiksalar och skolor enligt sin egen metod, som de kallade "musikalisk rörelse". Snart registrerade de officiellt Heptahor Studio och tvååriga kurser kopplade till den, och i början av 1920-talet. gav många konserter i Petrograd. Studion stängdes under Stalin-tidens angrepp, men Rudneva med likasinnade - L. S. Generalova, O. K. Popova, E. M. Fish och andra - lyckades bevara den musikaliska rörelsen och undervisade den (ibland under namnet rytm) i skolor , barnträdgårdar och kulturhus. Nu lärs och praktiseras den musikaliska rörelsen i ett antal centra för musikalisk och plastisk utveckling och plastiska dansstudior i Moskva och St. Petersburg.
Det finns en åsikt att "musikalitet ges från födseln" och är en ganska sällsynt egenskap (vissa[ vem? ] hävda att den är inneboende i endast ett barn av 10) och inte är beroende av den musikaliska utbildning som en person får. Ändå, om musikalitet inte förstås som analytisk, tonhöjdshörsel, utan som intonationshörsel - det vill säga förmågan att höra uttrycket av ett musikaliskt verk, såväl som motiverande komponenter - kärlek till musik, förmågan att reagera känslomässigt på den, lusten att lyssna och engagera sig i det, då är det omöjligt att förneka att det kan utvecklas. Metoden för musikalisk rörelse hjälper till att utveckla musikalitet genom en plastisk gest: att lära sig förstå musikens uttrycksfullhet och därigenom tränga in i dess djupaste väsen, som själv går tillbaka till rörelsen.
Musikalisk rörelse är ett sätt för sensorisk-kroppsuppfattning av musik, dess plastiska analys. Eleven tillägnar sig musikens språk direkt genom övning, utan att lära sig strukturen hos ett musikstycke eller tekniken att spela ett instrument. Han lär sig att tala det musikaliska språket på samma sätt som ett barn lär sig att tala sitt modersmål: inte genom att memorera grammatik, utan på ett naturligt sätt, i kommunikation och lek. Denna metod ger, med T. Adornos ord, en "bra lyssnare": en som förstår musik direkt, och inte bara cerebralt, utan med en intelligent kropp. Som ett resultat av en sådan förberedelse bildas förmågan att plastiskt uttrycka de mest komplexa parametrarna i ett musikaliskt verk: inte bara meter (som ofta är begränsad till dansare), utan också melodi (röst, melodiöshet), harmoni (rörelsens färg) , rytm , dur-moll (ljus, glad - mörk , sorgsen), accent (orgelpunkt, ljudstyrka, polyfoni).