Bilder av livlösa föremål har hittats i konsten sedan antiken . Under de följande århundradena fanns det element av stilleben inom andra genrer av målningar om mytologiska, religiösa och historiska ämnen. Men först under tiden efter renässansen, och framför allt i Holland på 1600-talet, började stilleben pekas ut som en separat genre av konst [1] .
Det holländska stillebenet hade ett stort antal sorter, bland vilka man kan urskilja ett blomsterstilleben, "vetenskapsman", "kök", såväl som de så kallade "dukade borden". Monokroma "frukostar" blev en typisk holländsk typ av stilleben, som kännetecknas av lakonism av innehåll, återhållsamhet i färg och ljus- och luftmiljöns förenande roll.
De flesta av stillebenmålarna tillhör de så kallade " Lilla holländarna ". Pieter Claesz , Willem Claesz Heda , Willem Kalf , Abraham van Beijeren , Baltasar van der Ast , Willem van Aelst , Jan van Huysum och andra har arbetat inom denna genre .
Nederländerna upplevde en oöverträffad ekonomisk och kulturell blomstring under första hälften av 1600-talet. De var Nordeuropas främsta handelscentrum, holländska fartyg trafikerade ständigt mellan holländska hamnar och kolonier i Asien och Afrika. En hög nivå uppnåddes inom samhällsvetenskap, mekanik, matematik, fysik och naturvetenskap. Tack vare alla dessa omständigheter försökte de holländska borgarna att föreviga sitt välbefinnande inom konsten [2] .
Nederländska konstnärer som svarade på detta krav förlitade sig på traditionerna från den holländska renässansen , i synnerhet på arbetet av Robert Campin , Rogier van der Weyden , Jan Gossaert och andra, som började använda stillebenelement i stor utsträckning i målningar på religiösa teman. På 1500-talet började Bartholomeus Brein den äldre , Dirk Bouts , Peter Aartsen , Joachim Beikelar , Bartholomeus van der Helst med flera skapa målningar där stillebensmotiv kom till förgrunden, och scener från Kristi liv flyttade in i djupet. [3] .
På 1600-talet var målningar som regel avsedda att dekorera interiörer och hade ett kammarformat. Deras intriger speglade de holländska borgarnas vardag, och konstnärerna registrerade noggrant den objektiva världen omkring dem. För första gången tog olika föremål sin plats i bilden, inte på grund av den symboliska betydelsen som är fäst vid dem, utan enbart på grund av deras egen skönhet och pittoreska [2] .
Stilleben som en separat gren stack ut omkring 1600 [4] . Den nya genren kallades " stilleven " (bokstavligen "tyst liv") i Holland, även om denna term började användas först i mitten av 1600-talet. Med stilleven menade holländarna bilden av naturen, orörlig vid tiden för bilden. Därför kan man, tillsammans med blommor, frukter, mat, fat, dödskallar, döda fiskar och döda vilt, i de holländska stillebenen på 1600-talet se bilder av insekter, ödlor och till och med fåglar och djur [5] .
I sin utveckling gick det holländska stillebenet igenom ett antal stadier, som var och en hade sina egna detaljer. I ett tidigt skede dominerade blomsterstilleben, vilket speglar den holländska fascinationen för blomsterodling. Nästa generations målare ( Klas , Kheda , etc.) gick vidare till blygsamma "frukostar" med metall- och glasföremål grupperade på en vit duk. Dessa stilleben kännetecknas av kortfattadhet och enkelhet; alla komponenter är designade i en enda gråskala. De så kallade "fisk"- och "köksstillebenen" speglade de blygsamma puritanska smakerna i de demokratiska skikten under första hälften av seklet [6] .
Senare, med borgarnas förstärkning och dess gradvisa aristokratisering, förändras också kraven på konsten. 1650-60, i Willem Kalfs och Abraham van Beyerens verk , förlorar stillebenet sin blygsamma, enkla karaktär, blir lyxigare och mer magnifik och slående i färgrikedomen. Dess ständiga komponenter är exotiska frukter, eleganta glas och värdefulla smycken, badade i varmt och mjukt ljus [7] . I Jan-Baptiste Veniks och Melchior de Hondekuters "jagande" stilleben finns också en märkbar ökning av dekorativitet och en önskan om yttre effekter.
Temat och utvecklingen av stilleben påverkades inte bara av tiden, utan också av de lokala dragen i en viss stad. Så, till exempel, i det snabbt växande Haarlem , med dess starka sammanslutningar av medborgare, utvecklades en typ av tonalt stilleben, och i centrum av det ekonomiska och kulturella livet i Holland - Amsterdam - uppstod lyxiga "efterrätter" Kalf och Streck . I Haag , centrum för den marina industrin, arbetade skaparna av "fisk" stilleben Pieter de Putter och Abraham van Beijeren, och i universitetsstaden Leiden , det "filosofiska" stilleben med bilden av en skalle och ett timglas, som påminner om den jordiska tillvarons bräcklighet, var populärt [8] [7] .
Ett kännetecken för det holländska måleriet på 1600-talet var den extremt snäva specialiseringen av konstnärer. Inom de huvudgenrer som dominerade denna periods måleri - landskap, stilleben och vardagsgenre - fanns det många undergenrer. Detta berodde på den höga konkurrensen på målarmarknaden: ju redan det fanns ett område där den eller den målaren specialiserade sig, desto mer skicklighet kunde han uppnå på det [9] .
En strikt uppdelning av stilleben i subgenrer är svår, eftersom ofta flera motiv kombinerades i en bild. Ändå är det vanligt att peka ut flera av de vanligaste varianterna av denna genre.
Blomsterstilleben ( holländska bloemsstilleven ) var en av de första som stod ut som en självständig subgenre. Liksom andra genrer från den eran återspeglade den de verkliga dragen i holländarnas liv på 1600-talet, i synnerhet deras passion för blomsterodling och trädgårdsskötsel. I blommiga stilleben avbildade konstnärerna tulpaner , rosor , gladioler , hyacinter , nejlikor , liljor , irisar , liljekonvaljer , förgätmigej , violer , tusenskönor , nigella , rosmarin , anemoner , mallevkolyula och andra blommor [10] .
När man valde blommor för stilleben var huvudkriterierna deras skönhet och sällsynthet. Som regel drogs blommor från naturen, eftersom bildens noggrannhet och tillförlitlighet värderades). Samtidigt kunde blommor som blommade vid olika tidpunkter avbildas i ett stilleben, så ibland försenades ritningen av en bukett i månader. Men ett så långt arbete lönade sig: blomsterstilleben värderades högt och kunde till och med användas som en dyr gåva på statlig nivå [11] .
Genrens pionjärer inkluderar den flamländska konstnären Jan Brueghel den äldre (1568-1625). Det tidigaste överlevande blommiga stilleben av Brueghel är från 1606/07 och beställdes av Albrecht VII [12] . Det är känt att för att skriva sina verk kom Jan Bruegel speciellt från Antwerpen till Bryssels botaniska trädgård för att kunna undersöka och skissa på olika blommor. Han gjorde preliminära skisser i akvarell och tusch, föreställande blommor från olika vinklar och under olika ljussättning [13] .
Bland de första holländska konstnärerna på 1600-talet som målade vaser med blommor var Jacob (Jacques) de Gijn den yngre (1565-1629). Hans verk kännetecknas av ett avlångt vertikalt format av målningar, ett flerskiktsarrangemang av blommor med omväxlande stora och små växter, samt användningen av tekniker som kommer att bli mycket populära bland konstnärer av denna genre: inbäddning av en bukett blommor i en nisch och föreställande smådjur bredvid en vas [14] .
Uppkomsten av insekter, djur och fåglar, snäckor i blommiga stilleben som hjälpdetaljer är en återspegling av traditionen att använda de dolda betydelserna av avbildade föremål som har symbolisk betydelse. Olika symboler förekommer i stillebenmålningar av alla genrer.
Jacob de Gein den yngres anhängare var Jan Baptist van Fornenburg (1585-1649) och Jacob Wauters Vosmar (1584-1641).
Fornenburg målade buketter av tulpaner, påskliljor, rosor, physalis , medan det i hans målningar finns motiv av " fåfängas fåfänga " och den klassiska " blenden " [15] .
Utmärkande för Vosmars målningar är också motivet "fåfängas fåfänga" i form av en hängande ros. Dessutom avbildade han ofta olika insekter i stilleben: flugor, fjärilar, trollsländor och bin.
Grundaren av en hel dynasti av mästare av stilleben med blommor och frukter var Ambrosius Bosschaert den äldre (1573-1621). Dynastin omfattade tre söner (Johannes, Abraham och Ambrosius), två svågrar (Johannes och Baltasar van der Asty) och en svärson (Jeronymus Swerts).
Ambrosius Bosschaert den äldres verk ligger nära Jan Brueghel den äldres verk när det gäller naturalistisk grundlighet. Det är känt att Bosshart även gjort beställningsskisser av exotiska växter från naturen [16] . Han målade mest små stilleben med en bukett i en vas (porslin eller glas) placerad i en nisch eller på en fönsterbräda. Ett sådant arrangemang av vasen betonade motståndet från vilda djur, synligt från fönstret, och plockade trädgårdsblommor placerade i en vas. Som entourage i hans målningar finns förutom smådjur snäckor.
Bland Bosschaerts söner visade sig konstnärens talang tydligast i Johannes Bosschaert (1610/11 - efter 1629). Utmärkande drag för hans arbete är arrangemanget av föremål längs bildens diagonal och den mattmetalliska färgningen.
Ambrosius Bosschaert den yngre (1609-1645) målade stilleben med dold symbolik; i senare arbeten använde han teknikerna för svartvit modellering av Utrecht-karavagisterna .
Abraham Bosschaert (1612/1613 - 1643) kopierade sina bröders tekniker.
Bröderna till Ambrosius Bosschaerts hustru, Johannes och Balthasar van der Asta, fortsatte Bosschaerts traditioner.
Johannes van der Asts arbete har studerats föga; endast en målning tillskrivs honom för närvarande [17] .
Av stor betydelse för utvecklingen av stilleben var arbetet av den äldste av bröderna - Balthasar van der Ast (1593/1594 - 1657), som lämnade ett rikt kreativt arv - mer än 125 målningar. Han gillade att avbilda en korg med blommor eller ett fat med frukt på bordet, och i förgrunden längs bordets kant ställde han snäckor, frukter och fjärilar. Konstnären lockades särskilt av ovanliga föremål: bisarra skal, exotiska blommor och frukter, ljusa insekter, papegojfåglar. Det var också karaktäristiskt för honom att föra in handling och rörelse till stillebenet [18] .
Roelant Saverey (1576-1639), även känd som en enastående landskapsmålare, tillhör Ambrosius Bosschaert den äldres skola . Hans stilleben är byggda på principen om en bukett blommor som ligger i en nisch. Han lade till motiv av "fåfängas fåfänga" till målningarna, eftersom ett följe, en gravbagge, en dyngfluga, en död huvudfjäril och andra insekter, samt ödlor användes.
Ambrosius Bosschaerts arbete påverkade konstnärer som Anthony Claes I (1592-1636), hans namne Anthony Claes II (1606/1608 - 1652) och Ambrosius Bosschaert den äldres svärson - Hieronymus Swerts .
I Hans Bollongiers verk (cirka 1600 - efter 1670) användes teknikerna för Utrecht karavaggism i stor utsträckning. Med hjälp av chiaroscuro pekade konstnären ut blommor mot bakgrund av skymningen.
Ytterligare utveckling av blomsterstilleben observerades i verk av Middelburgmästarna : Christoffel van den Berghe (cirka 1590 - efter 1642), som skildrade delar av "fåfängas fåfänga" i blomsterstilleben: en flaska vin, en snusdosa, en rökpipa, spelkort och en dödskalle; och Johannes Goodart , som i stor utsträckning använde insekter och fåglar som entourage [19] .
Skolan för Dordrechts mästare i blomsterstilleben inkluderar Bartholomeus Abrahams Asstein (1607 (?) - 1667 eller senare), Abraham van Calrath (1642-1722), far till den berömda landskaps- och djurmålaren Albert Cuyp , Jacob Gerrits Kuyp (1594- 1651/1652). Deras arbete kännetecknas av den utbredda användningen av chiaroscuro [20] .
Tillsammans med blomsterstilleben i Holland på 1600-talet utvecklas en annan typ av stilleben och blir allt mer populär - bilden av dukade bord (i sin tur uppdelat i de så kallade "banketterna" ( holländska. banketjes ) och "frukostar" ( holländska. ontbijtjes )) [21 ] [22] . Födelseplatsen och centrum för denna typ av stilleben var Haarlem . Förutsättningen för dess tillkomst var den omfattande spridningen av porträtt av medlemmar i skytteskrån under en bankett redan på 1500-talet. Efterhand blev bilden av det dukade en självständig genre [23] .
Uppsättningen av föremål som utgör ett stilleben inkluderade ursprungligen produkter som är traditionella för holländarna: ost, skinka, bullar, frukt, öl. Men senare i stilleben började det dyka upp fler och fler rätter typiska för högtidliga tillfällen eller bord av rika stadsbor: vilt, vin, pajer (den mest populära var björnbärspajen ) [24] . Förutom den traditionella sillen dök det upp hummer, räkor och ostron. Bland andra delikatesser som holländska konstnärer gillade att avbilda var vindruvor, oliver och kronärtskockor [22] .
Dyra fat av silver och kinesiskt porslin, kannor och tazzes började också användas . Glasögon var av särskilt intresse för konstnärer: römer , berkemeier , passglas, flöjtglas, venetianskt glas, akeleyglas . De mest utsökta var bägarna - " nautilus ", gjorda av skalet från blötdjuret med samma namn [25] .
Frekventa attribut av stilleben var en saltkar och en bordskniv. En halvskalad citron användes ofta som en färgglad plats.
Ett av de tidigaste stilleben som visar holländsk dukning är The Laid Table av Haarlem-konstnären Nicholas Gillis (cirka 1580 - efter 1632). I sina målningar använde han en förhöjd synvinkel, vilket gjorde att han kunde titta på hela bordet.
Stillebensmålningar av Floris Gerrits van Schoten (cirka 1590 - efter 1655) kännetecknas av komplexitet, ett överflöd av serveringsartiklar och detaljer. Men tack vare skickligt byggd komposition och skickligt användande av chiaroscuro ger hans stilleben inte intryck av att vara överbelastade. I ett antal fall använde konstnären tekniken att flytta accenten av stillebengruppen bort från bildens geometriska mitt [26] .
En betydande figur i denna typ av stillebenmålning var Floris van Dyck (1575-1651), också han från Haarlem. Fyra stilleben tillhörande hans pensel har bevarats, vilka är typiska "serverade bord". Centrum för van Dycks målningar var en pyramid av ostar, bakgrunden löstes upp i ett dis [27] .
Den flamländska målaren Clara Peters (1594-1657) specialiserade sig på denna typ av stilleben. Vid den tiden var hon den enda kvinnan som arbetade i stillebengenren [28] . Clara Peters skapade ett stort antal verk, kännetecknade av det noggranna utförandet. Hon skildrade ofta dyra gourmeträtter, hummer och ostron. I några av sina stilleben använde hon en sänkt synvinkel, nästan på bordets nivå.
Hans van Essen (1587/1589 - efter 1648), som föddes i Antwerpen och senare bodde i Amsterdam , skapade också kompositioner i genren "dukade bord" .
Roelof Coots (1592/1593 - 1655) från Haarlem använde metoden med avsiktlig vårdslöshet: tallriken eller kniven i hans målningar hängde halvvägs från bordskanten. Han var en av de första som skapade dukar som inte föreställde ett dukat bord, utan ett bord med spår av en över frukost, och introducerade motiv av "fåfängas fåfänga" i målningarna: klockor, böcker, fallna druvor.
Tonalt stillebenEn speciell sorts stilleben - det så kallade tonala, eller monokroma stillebenet - utvecklades i Haarlem 1620-30. I spetsen för den nya riktningen stod konstnärerna Pieter Claesz och Willem Claesz Heda. I deras arbete utvecklades stilleben från lyxiga "banketter" till blygsamma "frukostar", från festlig högtidlighet och strikt ordning till intimitet och pittoresk "röra" [29] .
Vid den tiden hade holländska landskapsmålare redan utvecklat den tonala riktningen: deras verk kännetecknades av subtila graderingar och tonövergångar, och föremål verkade lösas upp i en gråbrun dis [30] . Deras prestationer användes av författarna till stilleben: målare skapade målningar i dämpade färger, med huvudsakligen nyanser av grått och brunt. En viktig roll ges till ljus: det spelar på ytan av glas- och metallkärl och förenar föremål grupperade i olika planer [31] . Vi kan anta att det var monokroma "frukostar" som blev den första riktigt ursprungliga typen av holländskt stilleben [30] .
De första stillebenen av Pieter Claesz (1597/1598 - 1661) skrevs i traditionen av "dugna bord" (även om viss asymmetri och avsiktlig slarv redan märks i dem). Sedan gick han vidare till stillebens " fåfängas fåfänga ". Ett av huvudelementen i dessa stilleben var en rökpipa: i Holland var de vid den tiden förtjusta i att röka långa lerpipor, och modet för dem återspeglades både i litteraturen och inom den sköna konsten [32] . Efter hand blev dock temat "frukostar" huvudtemat i Klas arbete. Det var i "frukostarna" som konstnären utvecklade sin egen stil, som kännetecknas av en liten uppsättning avbildade föremål, färgning i en enda silvergrå ton med subtila chiaroscuro-graderingar och bländning av ljus på metall eller glasvaror [31] . Klas placerar föremål i olika plan och framhåller på alla sätt det avbildade rummets tredimensionalitet. I ett antal fall använde han ett vertikalt dukformat med en dominant uppsättning av en römer eller ett högt glas.
En stil som liknar Klas utvecklades av Willem Klaes Heda (1594-1680/1682), men i hans verk är den tonala början mer uttalad: Hedas kompositioner saknar praktiskt taget ljusa lokala färger [33] . I hans stilleben är bordet och serveringsartiklarna utformade i olivgrå toner, ofta i kontrast till dukens vithet; separata färgaccenter är citron, skinka eller pajskal.
Kheda bygger sammansättningen av sina "frukostar" med exceptionell skicklighet och placerar föremål antingen parallellt med dukens plan eller diagonalt [34] . Efter 1630-talet använde han allt mer det vertikala formatet på sina målningar. Den generaliserande början, liksom Klas, är ljuset som leker på föremålens yta.
Många föremål som avbildas i Khedas stilleben personifierar "fåfängas fåfänga": trasiga glas, välta tazzer , tomma ostronskal. Måltiden är över, och detta bör ses som en anspelning på allt jordiskts skröplighet [35] .
Den typ av monokrom "frukost" som skapades av Claes och Heda blev utbredd i Holland på 1630- och 1640-talen.
En av Claes anhängare var Franchuis Elaut , också en Haarlemian (1596-1641). Han var mycket populär under sin livstid, men få av hans målningar har överlevt till denna dag.
Kheda hade många studenter och anhängare, bland dem hans son Gerrit Willems Kheda (1620-1702). Hans verk kännetecknas av ett vertikalt format med dominansen av ett objekt som ligger i mitten, och användningen av chiaroscuro, som skarpt framhäver attributen hos ett stilleben mot bakgrund av rummets skymning.
En annan elev till Heda var Mårten Bullema , med smeknamnet "Den stumma" ( De Stomme ). Han byggde också sina stilleben runt en central axel och gick sedan vidare till friare komposition och skildring av redan avslutade frukostar [36] .
Jan Jans den Eyl (1595/1596 - 1640) stödde också Hedas traditioner . I sitt mogna arbete begränsade han sig till att avbilda 4-5 föremål, oftast med ett oumbärligt passglas, och föredrog ett vertikalt format. Den Eil påverkade sin svåger Jan Jans Trecks (1605/1606-1652) arbete, som också använde olivgrå toner och en liten uppsättning föremål dominerade av ett passglas.
Ännu enklare är kompositionerna av Jan Jans van de Velde (1619/1620 - efter 1663), som var influerad av Pieter Claesz stilleben och ofta avbildade långa rökande pipor. Hans stilleben skapar en atmosfär av naturlighet, intimitet och vardag.
Paulus van den Boss (cirka 1615 - efter 1655) verk kännetecknas av kompakthet, den yttersta enkelheten i kompositionen och sparsam färgsättning.
Philips Angel (1616 - efter 1683), Francis Geisbrechts och Joseph de Bray (? - 1664) skapade en speciell typ av "frukost" - bonde: de avbildade ost, sill, grönsaker och istället för glas - trämuggar [37] .
Det så kallade "köksstillebenet" fick stor spridning både i Holland och i Flandern. Målningarna av denna genre avbildade en mängd olika köksredskap och produkter avsedda för att förbereda middag. Delvis bevarade (efter 1500-talets konstnärer Peter Aartsen och Joachim Beikelar ) traditionen att avbilda husets älskarinna, kocken eller tjänstefolket, men allt oftare flyttade de till bakgrunden. I förgrunden stod köksredskap och kött, fisk och många grönsaker som kom till köket: pumpa, kålrot, rutabaga, kål, morötter, ärtor, bönor, lök och gurka. Mer välbärgade människor hade blomkål, meloner, kronärtskockor och sparris på sina bord . Mästare från Rotterdam deltog främst i utvecklingen av genren , liksom Haarlemianen Floris van Schoten (som kan anses vara grundaren av denna typ av stilleben) och mästaren från Middelburg François Reykhals [39] . Dessutom var köksstilleben populärt bland konstnärerna i Delft [40] .
Floris Gerrits van Schoten är mest känd för sina "dukade bord", men han målade även köksscener. En del av dem ligger nära genremåleri; andra är "rena" stilleben [41] .
En infödd i Delft, Pieter Cornelis van Rijk (1568-1628) målade i traditionen från 1500-talet, ibland med bibliska scener i bakgrunden. Efter en resa till Italien blev det italienska måleriets inflytande märkbart i hans målningar [42] .
Cornelis Jacobs Delff (1571-1643), elev till van Rijk, kombinerade stilleben och genremotiv. Han använde en förhöjd utsiktspunkt och ställde gärna köksredskap i förgrunden.
Verk av genremålare som målade scener från holländarnas dagliga liv kommer ofta nära köksstilleben. Sålunda skildrade genremålaren och porträttmålaren Gottfried Schalken (1643-1706) en kärleksscen i sin målning "Vinprov", men följet till den var ett skafferi med tunnor med vin och förnödenheter.
Cornelis Pieters Bega (1631/1632 - 1664) målade också främst genrescener. Han äger målningen "I köket", ovanlig genom att konstnären introducerar mytologiska motiv i stilleben, föreställande en satyr som kom för att besöka bönderna [43] .
En grupp mästare i den inhemska genren, bröderna Cornelis och Herman Saftlevens (1607/1608 - 1681 och 1609-1685), Pieter de Blot (1601-1658), Hendrik Martens Sorg (1611-1670) och Eckbert van der Pool ( 1621-1664) kombinerade "köksstilleben" med genremotiv, men husgeråd dominerade i deras målningar och mänskliga gestalter spelade en sekundär roll.
Nära verken av Rotterdams genremålare finns stilleben av den berömda mästaren av "bondfrukostar" Philips Angel .
I motsats till de konstnärer som avbildade en förmögen borgares kök med dess renlighet och ordning, målade Francois Reykhals (efter 1600-1647) fattiga bondekök och skrev noggrant ut inredning. I sitt senare arbete vände sig Reykhals till genren "lyxigt" stilleben [44] .
Mer än 60 verk ägnades åt temat köksstilleben och en annan välkänd mästare av "lyxiga" stilleben - Willem Kalf .
Haag blev födelseplatsen för ett stilleben med fisk . Närheten till Scheveningen gjorde att konstnärer inte bara kunde måla marinsoldater utan också skapa en speciell sorts stillebenmålningar - målningar som föreställer fiskar och marina djur [45] . Ett annat centrum för "fisken" stilleben var Utrecht , trots att denna stad ligger avlägset från havets kust [46] .
Grundarna av denna typ av stilleben var Pieter de Putter, Pieter van Scheyenborg och Pieter van Noort.
Pieter de Putter (1600-1659) specialiserade sig nästan uteslutande på fiskstilleben. Sådan självbehärskning var ett djärvt drag från konstnärens sida; uppenbarligen var han säker på att hans arbete skulle bli framgångsrikt med holländarna - en nation av sjömän och fiskare [47] .
I sina verk följde de Putter som regel samma mönster: han valde en hög synvinkel, från vilken ett bord med fisk dumpad på det är tydligt synligt, och ibland lägger han till ytterligare detaljer till stillebenet - ett fiskenät, en korg, en kökskniv eller en stekpanna. Hans verk kännetecknas av ett styvt mönster och en snål färg [48] .
Den främsta representanten för denna trend inom måleriet var de Putters elev Abraham van Beyeren (1620/1621 - 1690), som arbetade i många andra genrer av stilleben och även målade marinor. Han avbildade fiskar i olika situationer: liggande i en hög på stranden, utlagd på ett bord, hängd på krokar [49] . van Beierens stilleben utmärker sig genom sin realism; det är inte svårt att identifiera arten av fisk som avbildas av honom. Särskilt vanligt är bilden av en karp upphängd i fenan, möjligen med någon symbolisk betydelse [50] .
Van Beieren var en enastående kolorist: den silvergrå paletten, där fiskfjäll upprätthålls, accentuerades av individuella ljusa färgfläckar, och ljusets bländning gav bilden en speciell livlighet och uttrycksfullhet.
Van Beierens elev var kanske Isaac van Duynen (1628-1677/1681), som också utvecklade fiskstillebens två huvudteman - "fisk på stranden" och "fisk på bordet".
Pieter van Scheienborg (? - efter 1657) målade fiskar på en grå eller brun bakgrund; han äger parade målningar som visar havs- och flodfiskar [48] .
Målningarna av Pieter van Noort (cirka 1600 -?), som färgstarkt förmedlade fiskfjällens briljans, hade en speciell färg .
Albert Cuyp (1620-1691), mer känd som landskapsmålare, kan räknas till fiskstillebens mästare .
Utrechtmästarna Willem Ormea (1611-1673) och hans elev Jacob Gillig (cirka 1630-1701) var förtjusta i "fisk" stilleben. Willem Ormea avbildade ofta fisk mot havets bakgrund (han arbetade i samarbete med landskapsmålaren Adam Willaerts, som målade havet). Gilligs målningar är mer traditionella; de innehåller huvudsakligen sötvattensfisk, nyfångad eller redan slaktad [51] .
En viktig plats i holländsk måleri upptogs av ett filosofiskt och moralistiskt stilleben, som fick det latinska namnet " vanitas " ("fåfängas fåfänga" - en anspelning på Predikaren ). Stilleben av denna typ dök först upp i den flamländska målningen på 1600-talet och blev sedan utbredd i Holland, Italien och Spanien [52] . Genrens föregångare är de så kallade memento mori , allegoriska bilder kända sedan medeltiden och utformade för att påminna om allt jordiskts skröplighet och förgänglighet. Så till en början på gravstenar, och senare på baksidan av skräddarsydda porträtt, var det brukligt att avbilda en mänsklig skalle [53] [54] .
Ett typiskt vanitas-stilleben föreställde föremål som på ett eller annat sätt var förknippade med människolivets bräcklighet: en dödskalle, ett släckt ljus, klockor, böcker, musikinstrument, vissna blommor, ruttnande frukter, välta eller trasiga fat, spelkort och ben, rökpipor, såpbubblor etc. Ibland inkluderade konstnären i verket ett eller annat latinsk talesätt om ämnet "fåfängas fåfänga" ( Vanitas vanitatum , Memento mori , Sic transit gloria mundi , etc.). Som regel designades stilleben i mörka färger, med en övervägande av gråbruna färger. De avbildade föremålen var vanligtvis arrangerade på ett eftertryckligt vårdslöst, kaotiskt sätt: detta var tänkt att visa ett förakt för deras materiella värde, och också symbolisera meningslösheten i mänskliga gärningar [22] [55] .
Leiden blev centrum för utvecklingen av det "vetenskapliga" stillebenet (ett av namnen på genren) : en universitetsstad, ett tryckeri och kalvinismens fäste. Enligt B. R. Vipper , "i den ideologiska grunden för denna trend, var medeltida idéer om allt jordiskts bräcklighet, kalvinismens moraliserande tendenser och det humanistiska idealet om en vis person som strävar efter sanning och skönhet, på ett speciellt sätt sammanflätade" [56] .
Det första stilleben på 1600-talet som har kommit till oss, tillhörande genren "fåfängas fåfänga", målades av Jacob de Gein den yngre 1603. Den föreställer en dödskalle placerad i en väggnisch, över vilken en såpbubbla svävar, som reflekterar en del av det inre av konstnärens ateljé. I den övre delen av nischen läses den latinska inskriptionen "HUMANA VANA" ("mänskligt krångel är meningslöst"); skallen är en traditionell symbol för döden, och såpbubblan är en påminnelse om hur tillfälligt allt liv är [57] .
Utvecklingen av stillebenet "fåfängas fåfänga" påverkades i hög grad av den leidenska målaren David Baillys (1584-1657) verksamhet och mästarna grupperade sig runt honom. David Bailly äger den berömda "Still Life with Self-Portrait and Symbols of Vanity of Vanities". I den här bilden, i ett relativt trångt utrymme, är många föremål koncentrerade - genrens attribut: böcker, ett ljus, ett mynt, en spegel, en pipa, plockade och blekande blommor, ett timglas, etc. Skallen på bordet, statyetten av den lidande Kristus och såpbubblor talar vältaligt om livets förgänglighet [58] .
Baillys elev var Peter Simons Potter (1597-1652), far till den berömda djurmålaren Paulus Potter . I sina stilleben använde han samma uppsättning föremål som Bailly: en dödskalle, böcker, ett släckt ljus, en rökpipa, en palett, noter och musikinstrument. En innovation var bilden av en fjäderpenna med ett bläckhus, en jordglob och en väska - saker som symboliserade det fåfänga begäret efter berömmelse och resor [59] .
Baillys elever var också hans brorsöner Harmen Stenwijk (1612 - efter 1655) och Peter Stenwijk , ursprungligen från Delft. Lite är känt om båda konstnärerna, och deras överlevande verk är mycket få till antalet. Det antas dock att Harmen Stenwijk var en av ledarna för den Leidenska målarskolan [60] . Hans verk kännetecknas av en varmare färg än Baillys; dessutom, i standarduppsättningen av avbildade föremål, introducerar han en annan symbol för "fåfängas fåfänga" - rinnande skuggor [59] .
Även den enastående mästaren av "lyxiga" stilleben, Jan Davidsz de Heem , var under inflytande av Bailly , som, efter att ha flyttat till Leiden från Utrecht, målade flera målningar i genren "fåfängas fåfänga". De Heem kombinerade olika typer av stilleben: vanitas , blommigt och tonalt [61] [62] .
De Heem och, efter honom, många andra författare av "vanitas" tilldelade kontrasten mellan ljus och skugga en viktig roll, vilket symboliserade kampen mellan liv och död. Så i målningen Vanity of Vanities av Abraham van der Schor är genrens traditionella attribut – ben, dödskallar och plockade rosor – målade i ljusa färger och placerade på en mörk bakgrund. Chiaroscuro spelar också en viktig roll i verk av Jacques de Clauve (1620 - efter 1679), där starkt solljus kontrasterar med dystra dödskallar och krucifix; och i stilleben av Adrian van der Spelled (1630-1673), i vilken den också skapar en illusion av volym [63] .
Under andra hälften av 1600-talet genomgick tolkningen av handlingen vissa förändringar: från en dyster påminnelse om det oundvikliga slutet av stillebenet förvandlades "fåfängas fåfänga" till ett slags mysteriummålning, som kräver att betraktaren ska känna till symbolik som används i dem. Alltmer framträder motivet av jordisk härlighets fåfänga, strävan efter vetenskap och konst [64] i dem .
Flera målningar i denna genre skapades av eleven till Jan Davidsz de Heem , Maria van Oosterwijk (1630-1693), som mest målade blomsterstilleben. I hennes målningar av typen "fåfängas fåfänga" spelar därför blommor en framträdande roll tillsammans med skallen, klotet, böckerna, flöjten, sedlar och mynt. Stillebenen åtföljs av citat som "En man född av en kvinna är kortlivad och full av sorger" ( Jobs bok ) [65] .
Sådana moralistiska maximer användes i sina verk av många mästare som arbetade i vanitas-genren: till exempel den berömda landskapsmålaren Jan van der Heyden (1637-1712) och den leidenska konstnären Abraham Susenir (cirka 1620 - efter 1667) som ingår i stilleben en bibel öppnas på önskad sida.
Målningarna av ett antal konstnärer från andra hälften av 1600-talet ligger nära en annan sorts stilleben - den så kallade " blenden ", utformad för att skapa en illusion av volym och verklighet hos det avbildade. Drag av "bedrägeri" finns i verk av Petrus Schotanus (ca 1601-1675), Jurian van Streck (1632 -?), Vincent van der Winne (1629-1702), Matthias Vythos (1627-1703), Peter Ring (1615-1660 ) och Edward Collier (ca 1640 - efter 1706). Tack vare deras skickligt byggda komposition och mästerliga användning av chiaroscuro, ser de av dem avbildade föremålen extremt naturalistiska ut [66] .
Sedan antiken har konstnärer strävat efter den mest pålitliga, illusionistiska återgivningen av naturen. Sedan omkring 1400-talet har bilder utformade för att skapa en illusion av tredimensionalitet blivit utbredda i europeisk konst. Oftast avbildades föremål som var typiska för inredningen i en förmögen borgares hem - böcker, skrift och toalettartiklar, olika prydnadssaker, jakttroféer - och konstnären försökte rita dem så att de verkade stå på en hylla eller hänga. på en vägg [67] . I det halvmörka interiören av ett holländskt hus producerade sådana målningar verklighetens effekt.
På 1650- och 1660-talen fick en speciell genre av "illusionistiskt" stilleben, de så kallade " tricks " ( nederländska. bedriegertje ), senare namnet " trompe l'œil " i konsthistorisk litteratur (från de franska orden " tromper " - att lura och " l 'œil " - öga). De leker med obefintliga fönster, ramar och gardiner, samt olika föremål som är placerade i ett vertikalplan och så att säga fästa med band eller stift [68] .
Ett av de första holländska "tricken" - målade lock för att lagra bilder - gjordes av Gerard Dou (1613-1675). Illusionen var att en stängd låda verkade vara öppen [66] .
Det "bedrägliga stillebenets" mästare var Rembrandts elever Samuel van Hoogstraten (1627-1678) och Heyman Dullart (1636-1684). Några av Hoogstratens överlevande stilleben föreställer skåpdörrar med föremål på. Konstnären med exceptionell skicklighet förmedlar texturen av olika material - läder, metall, trä. Många av de minsta, noggrant spårade detaljerna ger en speciell autenticitet till det avbildade.
Hogstratens verk vilseledde verkligen människor: i biografin om konstnären av Arnold Houbraken , noteras det att kejsar Ferdinand III själv dukade under för bedrägeri . Samme Houbraken skriver att i Hogstraten självs hus fanns "tricks" överallt, och de målade föremålen såg ut som riktiga [69] . Hur han blev lurad av Hogstratens enastående skicklighet, minns Samuel Peeps i sina memoarer [70] .
Ofta skapade författarna till "bedrägerier" stilleben med skrivmaterial: brev utlagda på bordet, kuvert, pennknivar, läsförstoringsglas etc. Cornelis Brize (1622 - efter 1670), Vallerand Vaillant (1623-1677) har liknande verk och mästaren på stilleben av typen "fåfängas fåfänga", Edward Collier [71] . Den senare äger åtskilliga tricks i Hogstratens anda [72] .
Många mästare kombinerade i sina verk två typer av stilleben - "illusionistisk" och "jakt". Den här typen av "lock" avbildade misshandlat vilt och jaktredskap. Konstnärerna försökte inte bara avbilda de dödade djuren och fåglarna så naturligt som möjligt, utan också att förmedla texturen och färgerna på fågelfjäderdräkten. Bedrägerier på jakttema skapades av bröderna Anthony Lemans (cirka 1631-1673) och Johannes Lemans (cirka 1633-1688), Jacob Biltius (1633-1681) och hans bror Cornelis Biltius , samt författaren till "bonde" frukostar Philips Angel och en porträttmålare Christoffel Pearson (1631-1714) [73] .
Sedan 1650-talet har en ny sorts stillebensgenre blivit populär - "lyxigt" stilleben ( holländska. pronkstilleven ). Genrens grundare var de flamländska konstnärerna Frans Snyders och Adrian van Utrecht [74] . Teman och estetik för denna typ av stilleben speglar bourgeoisin under andra hälften av 1600-talets smak, deras önskan om rikedom, elegans och lyx [75] . Allt oftare förekommer silver och förgyllda fat, kinesiskt porslin , Delfts fajans , venetianskt glas , orientaliska dukar och mattor, södra frukter, hummer och andra dyra och utsökta rätter i målningarna, och den genomsnittliga färgen av monokroma "frukostar" byts ut. av färgstarka och varma [76] [76] [75] .
En av grundarna av genren var mästaren från Utrecht , Jan Davidsz de Heem (1606-1684). Han försökte sig inom olika genrer - blommor, vetenskapsman, kök, tonalt stilleben. År 1636 flyttade konstnären till Antwerpen och blev under inflytande av flamländsk måleri. Sedan den tiden började han skapa lyxiga stilleben, kännetecknade av deras färgstarka och dekorativa karaktär [77] . De presenterar en riktig "överflödsfest": rikt serverade bord är bokstavligen fulla av all slags mat. De Heems blomsterstilleben hade också ett tydligt flamländskt spår, kännetecknat av en barocksymfoni av färger [78] .
Jan Davidsz de Heem hade en workshop med ett stort antal elever och assistenter. Förutom mästarens son Cornelis de Heem (1631-1695), som lärde sig många av sin fars målarteknik, var hans direkta elever Peter de Ring, Nicholas van Gelder, Johannes Bormann, Martinus Nellius, Matthijs Naive, Jan Mortel, Simon Luttihuis , Cornelis Kick. I sin tur uppfostrade Kik begåvade elever - Elias van den Broek och Jacob van Valskapelle. Från Jan Davidsz de Heems verkstad kom också Maria van Oosterwijk, en stillebensmästare i fåfängas fåfänga, och två mästare i det sena blomsterstilleben: Jacob Rotius (1644-1681/1682) och Abraham Mignon [79] .
En av de Heems mer framstående studenter var Pieter de Ring . Hans verk domineras av ljusa, mättade toner; ljusspelet på olika föremål förmedlas omsorgsfullt. Istället för en signatur använde de Ring ofta en bild av en ring ( ring betyder ring på holländska) [80] .
Samtidigt med de Heem vände sig François Reykhals till genren lyxigt stilleben . Den ljusa färgen på hans verk är desto mer överraskande eftersom de skapades under den period då tonmåleriet dominerade. Således förutsåg han i sitt arbete den fortsatta utvecklingen av det holländska stillebenet [81] .
Längtan efter briljans är också kännetecknande för Abraham van Beierens lyxiga stilleben . Hans målning får en speciell uttrycksfullhet på grund av den skickliga användningen av kontrasten mellan varma och kalla färger och olika nyanser av samma färg. Kompositionen är vanligtvis uppbyggd kring ett enda centrum, vilket är ett kärl med vin eller det ljusaste serveringsobjektet - hummer. Praktiskt taget i alla stilleben finns en bild av ett fickur, som liksom i genren "fåfängas fåfänga" påminner om tidens förgänglighet [82] .
En av de få anhängarna till van Beieren, Abraham Susenir , antog från sin lärare de väsentliga dragen i hans sätt. Under lång tid tillskrevs några av Susenirs stilleben till van Beieren.
Ett stort antal verk inom genren "lyxigt" stilleben skapades av Francois Reykhals elev, den framstående stillebenmästaren Willem Kalf (1619-1693). I sina tidiga verk använder konstnären ofta en asymmetrisk komposition och symbolik som är typisk för vanitas stilleben: en ljusstake med ett oförbränt ljus, ett fickur, en bägare som välter. Efter att ha upplevt Rembrandts inflytande under en resa till Amsterdam , började Kalf skapa dukar mättade med färg och ljus, och kombinerade varm färgstarka med en mästerlig användning av chiaroscuro [81] . Verken från "Amsterdam"-perioden, som mest av allt förhärligade Kalfs namn, kännetecknas av ett vertikalt format, närvaron av kinesiska porslinsfat och en begränsad repertoar av avbildade föremål, som säkerligen inkluderar en silverbricka. Till stillebengruppen hör ofta römer, akelglas, nautilusbägare, kinesiska vaser och kannor avbildade med exceptionell autenticitet [83] .
Kalfs arbete avslöjade nya möjligheter för förkroppsligandet av den objektiva världen och hade ett avgörande inflytande på stillebens efterföljande utveckling. Kalfs anhängare var Jurian van Streck, hans son Hendrik van Streck (1659-?), Christian Jans Streep (1634-1673) och Barent van der Meer (1659-till 1702).
Jurian van Streck experimenterade mycket med ljus och färg. Hans verk kännetecknas av ett rikt färgstarkt utbud och en mängd olika tonala övergångar [84] . Ett annat karakteristiskt drag i van Strecks stilleben är känslan av närvaron av en person: det verkar som om han just rest sig från bordet [85] .
En annan anhängare till Kalf, Peter Gerrits Rustraten (1627-1698) , gick vägen att närma sig "lyxiga" stilleben till "bedrägliga" sådana. Dessutom finns det i hans verk också drag av "fåfängas fåfänga" stilleben: dyrbara ting i hans verk blir tydligt läsbara symboler för allt jordiskts fåfänga [86] .
Under andra hälften av 1600-talet blev stilleben med slaktvilt utbredd, vilket återspeglade rika borgares hobby för jakt. I Amsterdam, Haarlem och Delft var stilleben i småformat med utarbetade detaljer särskilt populära, medan konstnärer i Utrecht mestadels målade stora dekorativa dukar som föreställde inte bara själva troféerna utan även jaktutrustning, och ibland även med ett fragment av landskapet [87] .
Uppenbarligen lades början till denna typ av stilleben av Rembrandt , som målade bilderna "Battered Bittern" (1639) och "Two Dead Peacocks and a Girl" (1639) [88] . "Jagande" stilleben skrevs också av Rembrandts elev Ferdinand Bol , som mästerligt ritade fjäderdräkten av fåglar.
Bland genrens pionjärer fanns Elias Vonk (ca 1605-1652) och hans son Jan Vonk (ca 1631-1663), samt Matthaus Bloom [89] .
Jan Vonk var en av de första som vände sig till motivet småvilt. Dess huvudsakliga teknik är valet av individuella element i en stillebengrupp med hjälp av en lätt accent [90] .
Matthaus Bloom var tvärtom grundaren av det monumentala stillebenet med jakttroféer [91] . I framtiden utvecklades denna genre av Jan Weniks.
Den erkände mästaren av jaktstilleben var Willem van Aelst , även känd som mästaren på "blommiga" och "lyxiga" stilleben. Han avbildade misshandlat vilt liggande på ett marmorbord eller upphängt i en stennisch. Kompositionen kompletteras med jaktattribut: en pistol, en jaktsele, en viltväska eller ett horn [89] .
Ämnet jaktstilleben berördes av den berömde landskapsmästaren Jan Baptist Veniks (1621-1660), som avbildade döda rådjur och svanar. Hans son Jan Weniks (1640-1719) skapade minst hundra målningar som föreställer slagna harar mot bakgrund av en stennisch eller ett parklandskap [92] . Dessutom målade han komplexa kompositioner med flera figurer, som skildrade dött vilt inte i interiören utan mot naturens bakgrund. Hans stil kännetecknas av en extremt naturalistisk återgivning av strukturen hos djurpäls och fågelfjäderdräkter [93] .
Jan Baptist Weenix elever var också hans brorson Melchior de Hondekuter (1636-1695) och Willem Frederick van Rooyen (1645/1654-1742).
Melchior de Hondekuter är främst känd som författaren till de så kallade "fågelgårdarna" och "fågelkonserterna", som föreställer inte misshandlat vilt, utan levande fåglar. Men han skapade också ett antal jaktstilleben, både små och monumentala. Deras utmärkande drag är kombinationen av livlig och livlös natur: levande hundar och katter avbildas bredvid jakttroféer [94] .
Dirk de Bry var också en anhängare av det ceremoniella jaktstilleben, som Aalst och Royen . Han representerade falkenjaktens troféer, vilket var en favoritsysselsättning för aristokrater och rika borgare [95] .
Tillsammans med storskaliga dekorativa dukar av "jakttroféer" användes också "kammar" jaktstilleben i stor utsträckning. Cornelis Lelienberg (1626 - efter 1676), Aalsts elev Willem Gau Ferguson (cirka 1633 - efter 1695), Hendrik de Fromenthue (1633/1634 - efter 1694) och Peter Harmens Verelst (1618-1678) skapade sina verk i denna stil , och även hans son Simon Peters Verelst (1644-1721). "Chamber" jaktstilleben skapades också av målare som arbetade i andra genrer av stilleben: Abraham Mignon, Abraham van Beyeren, Jacob Biltius. Den berömda landskapsmålaren Salomon van Ruisdael (1600/1603 - 1670), som skrev "Still Life with Batten Game" (1661) och "Jakttroféer" (1662), och genremålare, elev till Adrian van Ostade, Cornelis Dusart (1660) -1704) hyllade jaktstilleben [96] .
En specifik variation av stilleben är målningar som uppstod under andra hälften av 1600-talet, som visar olika representanter för jordens fauna - ormar, ödlor, spindlar, larver, fjärilar - i sin naturliga miljö. Genrens grundare var Otto Marseus van Skrik (1619/1620-1678) och Matthias Vythos (1627-1703) [97] .
Det är känt att Screek höll på sin egendom ett terrarium med insekter, spindlar, ormar och andra djur, som han avbildade i sina målningar. Han tyckte om att skapa komplexa kompositioner med exotiska växter och djur och introducerade filosofiska övertoner i dem. Till exempel i Dresden-målningen The Snake at the Bird's Nest samlar fjärilar nektar från blommor, en trast fångar fjärilar och matar dem till sin fågelunge, och en annan fågel slukas av en orm som jagas av en hermelin [98] .
Vythos föredrog att avbilda vilda växter i målningarnas förgrund, bland vilka livet vimlar. Hans verk fångar noggrant det mystiska, vanligtvis otillgängliga för den mänskliga ögonvärlden [97] .
Willem van Aelst har flera verk ägnade åt skildringen av växter och djur. Hans elev Rachel Reusch började sin kreativa karriär med att imitera Skrik, men utvecklade sedan sin egen stil, som kännetecknas av bilden av små levande varelser mot bakgrund av ett gyllene landskap [99] .
Melchior de Hondekuter (1636-1695) blev känd som en konstnär som skildrade en mängd olika djur och fåglar. Hans "fågelgårdar" och "menagerier" är inte stilleben i strikt mening, men för 1600-talets holländare var de i samma kategori som bilder av blommor eller frukter [100] .
Djurstilleben skapades också av konstnärer som Willem Frederik van Rooyen, Christian Jans Streep, som arbetade på samma sätt som Screak, och Abraham de Hoes.
Under andra hälften av 1600-talet kom blom-fruktstilleben på modet igen. De kännetecknades av prakt, dekorativitet och ljus färg. Ett stort inflytande på det sena stilleben var målningen av mästaren på "lyxiga" stilleben, Jan Davidsz de Heem [101] .
Konstnären från Delft, Willem van Aalst (1626/1627 - efter 1683), som omfamnade de mest olika typer av stillebenmålning i sitt arbete, skapade stilleben med blommor i traditionen av Balthasar van der Ast och hans farbror, målare Evert van der Aalst [102] . Van Aalst var en subtil kolorist och behärskade målningstekniken till perfektion. Han utvecklade sina egna metoder för att applicera flera lager av färg på varandra, tack vare vilka han uppnådde en exceptionell färgrikedom och en mängd olika nyanser [103] . En annan innovation som van Aelst tillförde det blommiga stillebenet var den asymmetriska sammansättningen av buketten [104] .
Van Aalst hade många anhängare som för det mesta blev anhängare av det "intima" stillebenet och följde vägen för att förenkla kompositionen och minska antalet avbildade föremål. Abraham de Lust, Willem Frederick van Rooyen, Simon Peters Verelst, Hendrik de Fromenthue och Dirk de Bry arbetade i denna stil .
I likhet med Aalsts tillvägagångssätt syns också försök att gå till ett nytt bildmässigt sätt i verk av Justus van Huysum den äldre (1659-1716). Han prövade sig själv i en mängd olika genrer, från porträtt till landskap, men nådde den största framgången med att avbilda blommor och frukter [106] .
Justus van Huysum introducerade sin son Jan van Huysum (1682-1749) för måleriet, i vars verk det sena stillebenet nådde sin högsta topp. Populariteten för hans verk var så hög att deras kostnad var hundratals gånger högre än kostnaden för målningar av Rembrandt, Steen, Aalst och Cuyp [105] .
Jan van Huysum målade två typer av blomsterstilleben: iscensatta buketter mot en mörk bakgrund och mer dekorativa "lyxiga" buketter avsedda att pryda rika hem. I dem använder han, liksom Jan Davidsz de Heem, en ljus bakgrund, som på den tiden var en nyhet inom stillebenmåleriet.
Van Huysums stilleben kännetecknas av deras färgglatthet, subtila nyanser, stora färgschema och det finaste hantverket i att arbeta fram detaljer. Konstnären avslöjar skickligt egenskaperna hos varje blomma och frukt och visar dem i olika aspekter [107] .
Tillsammans med de Heem och van Huysum, representanten för det "lätta" sättet att blomma stilleben var den tyska konstnären som arbetade i Holland Abraham Mignon . Han målade också blommor på en mörk bakgrund och föredrog rosor. Hans buketter är eleganta, färgglada och som utställda. Mignons verk kännetecknas av dekorativitet och smidigt penseldrag [107] . Ibland lade han till genreelement till stillebenet: hans vaser svajade och föll ibland. Katter, ekorrar, fåglar, fjärilar, myror och sniglar användes som underhållande detaljer [108] .
En mycket originell artist var Adrian Korte från Middelburg - "den rena soliströsten av finalen av den holländska symfonin av stilleben" [109] . Han följde inte den allmänna trenden och strävade inte efter showiness och dekorativitet. Korte målade små stilleben, eleganta och koncisa, byggda på kontrasten mellan en mörk bakgrund och ett ljust föremål [110] . Det centrala ämnet för kompositionen kan vara ett gäng sparris, en citronskiva, krusbär - blygsamma, vardagliga föremål. Ändå, översvämmade av ljus som faller från ovan, verkar de eviga och tidlösa [111] .
I holländsk målning på 1600-talet lades grunden till en ny genre, stilleben, som i figurativ form förkroppsligade en persons världsbild i hans förhållande till den objektiva världen och naturen. Nederländska konstnärer utökade markant utbudet av ämnen som omfattas av konst; direkt vädjan till den omgivande verkligheten blev den viktigaste faktorn som påverkade den nya genren på tittaren [112] . Men det holländska stillebenet fångade inte bara verkligheten: det förmedlade subtilt sammankopplingen av saker och fenomen i en persons andliga liv. Målningarna inledde en dialog med samtida, informerade dem om viktiga moraliska sanningar, påminde dem om alltings bräcklighet och tvingade dem att fundera över meningen med mänskligt liv [75] .
Under de följande decennierna minskade det holländska måleriet. Men det holländska stillebenets estetik hade ett stort inflytande på konstnärerna i andra europeiska länder, i synnerhet Tyskland och Frankrike [7] . Den tekniska skickligheten och speciella visionen av världen som är inneboende i de holländska konstnärerna från den så kallade "Golden Age" blev en modell för många generationer av målare.