Sosaku-hanga ( japanska : 創作大画) är en typ av träklosstryck som har sitt ursprung i Japan i början av 1900-talet. I motsats till den parallella existerande Shin-hanga ("new print")-rörelsen, som stödde det traditionella systemet, när konstnären, ristaren, tryckeriet och förläggaren deltog i arbetsfördelningen, sökte konstnärerna i sosaku-hanga-rörelsen att självständigt skissa ( Jap . 自画, "jiga"), snida trä ( Jap . 自刻, "jikoku"), och tryck ( Jap . 自刷, "jizuri") [1] . Konstnärens självuttryck [2] kom i förgrunden.
På konstbiennalen i Sao Paulo 1951 fick sosaku-hanga för första gången ett världsomspännande erkännande. Båda japanska vinnarna Kanae Yamamoto och Kiyoshi Saito, anhängare av sosaku-hanga, överträffade traditionell nihonga , västerländsk yoga och avantgardemålningar . Andra sosaku-hanga-artister som Koshiro Onchi (1891-1955), Uniti Hiratsuka (1895-1997), Sadao Watanabe (1913-1996) och Maki Haku (1924-2000) blev också populära figurer i väst [3] .
Födelsen av sosaku-hanga-rörelsen är förknippad med skapandet av en liten gravyr "The Fisherman", gjord av Kanae Yamamoto 1904. Avvikande från det traditionella systemet för arbetsdelning, arbetade Yamamoto på trycket uteslutande av honom själv [4] . Hans tillvägagångssätt utvecklades av anhängare, och under perioden efter andra världskriget tog riktningen av sosaku-hanga fart och började uppfattas som ett omtänkande av traditionerna för ukiyo-e [5] .
Sosaku-hanga-rörelsen kan ses som en av manifestationerna av det växande intresset för individualism som var vanligt i slutet av Meiji -eran . Både i konstnärliga och litterära kretsar fanns vid sekelskiftet en önskan om att uttrycka sitt "jag". Denna trend kan ses i kommentaren från konstnären Kotaro Takamura till hans verk The Green Sun (1910): "Jag vill ha absolut frihet för konsten. Därför känner jag igen den gränslösa auktoriteten i konstnärens individualitet... Även om någon ritar en "grön sol" kommer jag inte att kritisera honom. Trots allt kan det tyckas grönt för mig också” [6] .
1912 skrev Natsume Soseki (1867-1916), i sin bok Bunten and the Creative Arts, att "konst börjar med uttrycket av sig själv och slutar med uttrycket av sig själv." Denna uppsats startade en intellektuell diskussion om individualitet som omedelbart gav genklang i konstscenen [7] . År 1910 organiserade blivande unga individualistiska konstnärer sin första utställning [8] .
Under sina uppväxtår kämpade sosaku-hanga-rörelsen, liksom många andra rörelser som shin-hanga , futurism och proletär konst, för att överleva i en konstscen som dominerades av de traditionella konstgenrer som antagits av "Bunten" (Japan Art). Akademin). Ockupationen av sosaku-hanga ansågs vara ett hantverk som var underlägset inte bara japansk målning och skulptur, utan också målningar i västerländsk yogastil [9] . Och om, med spridningen av mode i Japan , européer började betrakta ukiyo-e- tryck som konst, så i Japan självt betraktades moderna tryck fortfarande som enkla reproduktioner för masskonsumtion. Sosaku-hanga-konstnärer kunde inte försörja sig på att bara trycka tryck. Många av de senare välkända konstnärerna, som Koshiro Onchi (även känd som "fadern" till sosaku-hanga), arbetade som bokillustratörer och träsniderare [10] . Det var inte förrän 1927 som sosaku-hanga accepterades av "Taiten" (tidigare Bunten) som en fullfjädrad konströrelse. År 1935 tilläts slutligen extrakurser i hanga [11] .
Krigsår från 1939 till 1945 visade sig vara en tid av metamorfos för sosaku-hanga. År 1939 bildades First Thursday Society och spelade en viktig roll i efterkrigstidens återupplivande av japansk grafik. Dess medlemmar träffades en gång i månaden i Koshiro Onchis hem i Tokyo för att diskutera konstnärliga frågor och rörelsens mål [12] . "Sällskapet" fungerade som en plats för meningsutbyte, gav stöd åt konstnärer under krigsåren, då konsten censurerades. Bland medlemmarna i "Sällskapet" var Gen Yamaguchi (1896-1976) och Junichiro Sekino (1914-1988) [13] . De amerikanska finsmakarna Ernst Hacker, William Hartnett och Oliver Statler var också med. De deltog i att organisera utställningar och hjälpte till att återuppliva västvärldens intresse för japanska tryck [14] . 1944 släpptes den första samlingen av gruppens arbete under titeln "Första torsdagen" (Ichimoku-shu) [15] .
Man kan säga att japansk gravyr har blivit en av komponenterna i efterkrigstidens ekonomiska återhämtning. Under ockupationen av öarna köpte och samlade amerikanska soldater och deras fruar japanska tryck som souvenirer. För att främja den "demokratiska konsten" gick amerikanskt beskydd från att stödja den relativt traditionella shin-hangan till den mer moderna sosaku-hangan [9] . Abstrakt konst förbjöds av militärregeringen under kriget [16] , men efter kriget vände sig konstnärer åter till abstraktion .
På São Paulos konstbiennale 1951 presenterades sosaku-hanga för första gången på en internationell utställning. Senare höll konstnärerna Munakata Shiko och Matsubara Naoko sina personliga utställningar i USA [17] .
Modern japansk grafik fortsätter delvis traditionerna från sosaku-hanga, eftersom konstnären vanligtvis är ansvarig för alla stadier av produktionen, men samtidigt utmärks den av en mängd tekniker, ämnen och stilar. Således använder Tetsuya Noda fotografier som skisser, och förkroppsligar fragment slitna från vardagen i sina gravyrer. Konstnärer som Maki Haku och Shinoda Toko använder syntesen av kalligrafi och abstrakta streck för att skapa meditativa bilder [18] . Sadao Watanabe skapade gravyrer i mingei-traditionen (folkkonst) och kombinerade buddhistiska och västerländska kristna figurer i sina verk [19] .