Japansk måleri ( Jap. 絵画 kaiga , "bild, teckning") är en av de äldsta och mest raffinerade japanska konsterna, som kännetecknas av en mängd olika genrer och stilar. För japansk måleri, såväl som för litteratur , är det typiskt att tilldela naturen en ledande plats och framställa den som bäraren av den gudomliga principen. [1] Ett annat ämne som ofta används i japansk måleri är skildringen av scener från vardagslivet och tematiska målningar, som ofta svämmar över av figurer och detaljer. Denna tradition började utan tvekan under tidig medeltid under inflytande av Kina, men med tiden kom den att ses som en del av den japanska traditionen som finns än idag.
Den första målningen i Japan är från den japanska paleolitiska perioden .
Under Kofun- och Asuka- perioderna ( 4-700 - talen ), tillsammans med införandet av kinesisk skrift (hieroglyfer), skapandet av en statsregim efter kinesisk modell och spridningen av buddhismen , togs många konstverk från Kina till Japan. Efter det började Japan reproducera målningar i en stil som liknar kinesiska.
Med buddhismens fortsatta utveckling på 600- och 700 -talen blomstrade religiös målning i Japan, som användes för att dekorera de många tempel som uppfördes av aristokratin, men i allmänhet, under Nara-perioden i Japan, bidraget till utvecklingen av konst och skulptur var större än i målning. De tidigaste bevarade målningarna från denna period inkluderar väggmålningar på innerväggarna i Horyu-ji-templet i Nara Prefecture . Dessa väggmålningar inkluderar berättelser om Buddha Shakyamunis liv .
Sedan 900-talet har yamato-e- riktningen varit utmärkt i japansk måleri , målningarna är horisontella rullar som illustrerade litterära verk. Sedan den tiden börjar skivor med de mest begåvade artisterna dyka upp i Japan, inklusive Kose Kanaoke [2] .
Under 1300 - 1500 -talen utvecklades sumi-e- stilen (monokrom bläckmålning).
I skarp kontrast till målningen från Muromachi-perioden står målningen från Azuchi-Momoyama-perioden (1573-1603). Hon kännetecknas av en polykrom stil med omfattande användning av guld- och silverfolie. På den tiden åtnjöt Kano-skolan stor berömmelse och prestige . Dess grundare , Eitoku Kano , målade takväggarna och skjutdörrarna till separata rum. Sådana målade element tjänade som dekorationer för militäradelns slott och palats.
Under denna period vände sig konsten för första gången till vardagslivets teman - världen av tehus, Kabuki-teatern, sumobrottare. Utseendet på träsnitt var förknippat med demokratisering av kulturen, eftersom gravyrer kännetecknas av cirkulation, billighet och tillgänglighet. Efter vardaglig målning blev gravyr känd som ukiyo-e . Utvecklingen av gravyr är förknippad med konstnären Hisikawa Moronobu, som skildrade okomplicerade scener från livet för invånarna i tehus, hantverkare, som kombinerar olika orelaterade händelser på en gravyr. Japansk gravyr 1780-1790. går in i sin storhetstid. Suzuki Haranobu var först med att använda rullningstekniken, som skapar en övergång från mörk till ljus ton, varierade tjockleken och texturen på linjerna. Han brydde sig inte om de riktiga färgerna, havet i hans gravyrer är rosa, himlen är sandig, gräset är blått, allt beror på scenens allmänna känslostämning.
Från andra hälften av 1800-talet noterades en uppdelning av konsten i konkurrerande europeiska och traditionella stilar. Under Meiji-perioden genomgick Japan stora politiska och sociala förändringar genom den europeiserings- och moderniseringsprocess som orkestrerats av regeringen. Den västerländska målarstilen främjades officiellt av regeringen. Lovande unga konstnärer skickades utomlands för att studera, och utländska konstnärer kom till Japan för att utveckla skolans konstläroplan.
Men efter det första uppsvinget av intresse för västerländsk konststil, svängde pendeln i motsatt riktning, och det skedde ett återupplivande av traditionell japansk stil. 1880 förbjöds den västerländska konststilen från officiella utställningar och kritiserades hårt.
Taishō-eran faller på en kort tidsperiod mellan den accelererade moderniseringen av Japan under Meiji-eran (1868–1912) och den aggressiva militarismen under de första åren av Showa-eran (1926–1989).
Taishō-perioden började den 30 juli 1912, med kejsar Mutsuhito (Meiji, 1852–1912) död och kronprins Yoshihitos himmelsfärd (1879–1926). Den nye kejsaren valde Taisho, som betyder "Stor rättvisa", som motto för hans regeringstid. Dålig hälsa tvingade honom att gå i pension 1921, och hans äldste son Hirohito (1901–1989), den blivande kejsaren av Shōwa, utropades till Prins Regent.
Samtidigt fick också måleriets utveckling en ny omgång. Traditionella genrer fortsatte att existera, men påverkades avsevärt av västvärlden. Samtidigt blev många unga konstnärer intresserade av impressionism, postimpressionism, kubism, fauvism och andra konstnärliga rörelser som utvecklades i västerländska länder.
I allmänhet kan Taisho-perioden kallas en tid för att blanda japanska och västerländska egenskaper och tekniker i nästan alla typer av konst och kreativitet.
Showa-eran är en period i japansk historia från 25 december 1926 till 7 januari 1989, då Hirohito var kejsare (1901-1989). Han valde Showa, som kan översättas som "Den upplysta världen", som motto för sin regeringstid.
I efterkrigsmålningens historia var några av de mest kända konstnärerna Okumura Togyu (1889-1990), som blev känd för att ha skildrat hundra vyer av berget Fuji, och Higashiyama Kaii (1908-1999), som blev känd , i synnerhet på grund av det faktum att han skapade och restaurerade väggmålningarna på många japanska palats och tempel (kejsarpalatset, Toshodaiji-templet, etc.). Inom måleri i västerländsk stil är den mest kända konstnären Hayashi Takeshi (1896-1975), vars arbete kan spåras till det starka inflytandet från Cezanne, Picasso, Modigliani.
| Asiatiska länder : Målning | |
|---|---|
| Oberoende stater |
|
| Beroenden | Akrotiri och Dhekelia Brittiska territoriet i Indiska oceanen Hong Kong Macau |
| Oerkända och delvis erkända tillstånd |
|
| |