| Ann Trutt | |
|---|---|
| engelsk Anne Truitt | |
| Namn vid födseln | engelsk Anne Dean |
| Födelsedatum | 16 mars 1921 [1] [2] [3] […] eller 1921 [4] |
| Födelseort | |
| Dödsdatum | 23 december 2004 [2] [5] [6] eller 2004 [4] |
| En plats för döden |
|
| Land | |
| Studier | |
| Utmärkelser | Guggenheim Fellowship |
Anne Trutt ( eng. Anne Truitt , född Ann Dean ( eng. Anne Dean ); 16 mars 1921, Baltimore , Maryland , USA - 23 december 2004, Washington ) [8] - Amerikansk skulptör.
I slutet av 1960-talet blev hon vida känd för sina storskaliga minimalistiska skulpturer. Hon är mest känd för sina separatutställningar på André Emmerich Gallery 1963 och Jewish Museum på Manhattan 1966. Till skillnad från sin samtid gjorde Trutt skulpturer för hand och undvek industriell produktion. Utifrån bilder från förr var verken ett visuellt avtryck av minnet. Ett exempel är Trutts serie av tidiga skulpturer, som påminner om de monumentala delarna av en vit palissad [9] .
Ann Dean växte upp i Easton, Maryland, och tillbringade sin ungdom i Asheville , North Carolina . Hon tog examen från Bryn Mawr College med en examen i psykologi 1943. Efter att ha tackat nej till ett erbjudande om att skriva sin doktorsavhandling vid Yale University 's Department of Psychology , arbetade hon kort som sjuksköterska [11] på den psykiatriska avdelningen på Massachusetts General Hospital i Boston [12] . I mitten av 1940-talet lämnade hon psykologin och vände sig först till skönlitteratur innan hon anmälde sig till kurser vid Institute of Contemporary Art i Washington . Hon gifte sig med journalisten James Trutt 1948, som hon bodde med fram till sin skilsmässa 1971.
I mitten av 1940-talet, efter att ha gett upp en karriär inom klinisk psykologi , började Trutt skapa figurativa skulpturer. I november 1961, tillsammans med sin vän Mary Pinkot Meyer, besökte skulptören H. H. Arnason-utställningen "American Abstract Expressionists and Imagists" på Guggenheim-museet [13] . Imponerad av vad hon såg övergick hon till skulptur med begränsade geometriska former. Trutt påminde: "... Jag tillbringade hela dagen med att titta på konst ... Jag såg Ed Reinhardts svarta dukar , svart och blå. Sedan gick jag ner för rampen, vände hörnet och såg målningarna av Barnett Newman . Jag tittade på dem, och från det ögonblicket insåg jag allt. Jag har aldrig förstått vad man kan göra i konst. Ha tillräckligt med utrymme. Tillräckligt med färg." Trutt var särskilt imponerad av "universum av blå färg" och den subtila moduleringen och skuggningen av färg i Newmans Onement VI [14] . Den abstrakta expressionismens originalitet, som hon hittade i Barnett Newmans och Ed Reinhardts arbete, slog Trutt och blev en vändpunkt i hennes arbete [10] .
Trutts första träskulptur, kallad First (1961), består av tre vita spetsiga staket av olika storlekar, fixerade vid basen och förbundna på baksidan med plankor, som liknar ett fragment av ett staket [15] . Dessa former innehåller snarare minnen från barndomen än en återspegling av det "direkta resultatet av empirisk perception". Verket är ett genomträngande minne av idén om ett staket, och av alla staket som Trutt har sett, inte något särskilt [16] . Mellan 1964 och 1967 flyttade Trutt till Japan med sin man, som hade utsetts till chef för den japanska byrån för Newsweek , där hon skapade aluminiumskulpturer [11] . Innan den första retrospektiva utställningen i New York bestämde hon sig för att hon inte gillade verken och förstörde dem [17] .
Skulpturerna som har säkrat Anne Trutts plats i den minimalistiska historien är aggressivt färgade och trotsigt enkla, ofta överdimensionerade. Tillverkade av trä och målade i en enda färg med akryl , de liknar släta rektangulära pelare eller pelare [18] . Trutt skapade teckningar av hennes mönster i mindre skala, sedan gjordes de av en snickare. Strukturerna är upphöjda över marken och är ofta ihåliga, vilket gör att träet kan andas när temperaturen förändras. Trutt grundmålade träet med puts och applicerade sedan upp till 40 lager akrylfärg, alternerande horisontella och vertikala drag och slipning av varje lager [17] . Konstnären försökte ta bort eventuella borstmärken och skapade perfekt jämna färgade plan. Färglager bildar en yta med påtagligt djup. Dessutom förmedlar färgens påtagliga yta Trutts ständiga känsla för geografi, genom vertikala och horisontella streck som refererar till latitud och longitud . Den kreativa processen kombinerar "intuitionens omedelbarhet, elimineringen av förberedda material och intimiteten i handgjord intimitet". Skulpturernas dolda baser höjer dem tillräckligt högt för att skapa en känsla av flytande. Gränsen mellan skulptur och jord verkar illusorisk. Denna formella ambivalens återspeglas i påståendet att färg innehåller en psykologisk vibration som, när den renas som i skulptur, isolerar händelsen som representeras som en sak snarare än som en känsla. Evenemanget blir ett konstverk, en visuell känsla av färg. Målningarna i Arundel -serien , som påbörjades 1973, är knappt synliga linjer av grafit och ansamlingar av vit färg på vita ytor [10] . I Ice Blink (1989), ett krämfärgat verk, finns det tunna rött streck i botten av målningen, precis tillräckligt för att definiera perspektivet. Det lila bandet längst ner på det himmelsblå Memory (1981) [19] har en liknande funktion . Startade runt 2001, Piths , dukar med avsiktligt slitna kanter täckta av tjocka svarta färgdrag, indikerar Trutts intresse för former som suddar ut gränsen mellan två och tre dimensioner.
Vid den första utställningen, som hölls på André Emmerich Gallery, presenterade Trutt sex handmålade poppelskulpturer , inklusive Ship-Lap , Catawba , Tribute , Platte och Hardcastle . Emmerich blev hennes konsthandlare länge. Trutt introducerades till Emmerich genom Kenneth Noland , som också representerades av Emmerich. I berättelserna om Trutts första separatutställning kan man se manifestationen av de chauvinistiska åsikter som fanns i New Yorks konstgemenskap på 1960-talet. Greenberg, Rubin och Noland valde ut konstverken till utställningen och ordnade så att de placerades utan någon input från Trutt själv. De refererade ofta till henne som "James Trutts goda fru", och Emmerich bad Trutt att inte uppge hennes namn för att dölja hennes kön, i hopp om att detta skulle hjälpa utställningen att bli mer väl mottagen. Efter utställningen konstaterade Greenberg i en essä Recentness of Sculpture (1967) att Trutts verk "föreskuggade" minimalismens konst. Greenbergs påstående är inte helt korrekt, eftersom Donald Judd , Robert Morris och Dan Flavin lämnade in sitt arbete tidigare [20] .
Trutts målning nämns inte ofta när hon beskriver hennes verk. Under stora delar av 1950-talet använde Trutt penna, akryl och bläck, och skapade inte bara skisser för senare skulpturer, utan också teckningar som var självständiga konstverk . Trutt har också publicerat tre böcker: Daybook , Turn och Prospect . I Prospect , hennes tredje volym av reflektioner, bestämde sig Trutt för att återbesöka "hela hennes erfarenhet som konstnär", såväl som hennes dotter, mor, mormor, lärare och en person i evigt sökande [22] . Under många år tjänstgjorde hon som professor vid University of Maryland i College Park och fungerade som tillfällig president för Yaddo-konstnärskolonin.
Trutt dog den 23 december 2004 på Sibley Memorial Hospital i Washington av komplikationer efter bukkirurgi [12] . Hon lämnade efter sig tre barn och åtta barnbarn, bland dem författaren Charles Finch [23] .
Anne Trutts arv förvaltas av Matthew Marks Gallery i New York och Stephen Friedman Gallery i London.
Trutts första separatutställning ägde rum i februari 1963 på André Emmerich Gallery i New York. I Washington visades hennes verk på Pyramid Gallery, som senare blev Osuna Gallery. Verken ingick i utställningen "Black, White and Grey" 1964 på Wadsworth Atheneum i Hartford , Connecticut , som har beskrivits som den första minimalistiska utställningen. Hon var en av tre kvinnor i den representativa utställningen Primary Structures 1966 på Jewish Museum i New York. Sedan dess har Trutt haft separatutställningar på Whitney Museum of American Art (New York, 1973), Corcoran Gallery of Art (Washington, 1974) och Baltimore Museum of Art (1974, 1992). 2009 organiserade Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Washington) en retrospektiv av Trutts arbete [24] , som inkluderade 49 skulpturer och 35 målningar och teckningar [17] . Från 19 november 2017 till 1 april 2018 hölls utställningen I tornet: Anne Truitt [25] på National Gallery of Art .
Anne Trutts verk finns i museisamlingar över hela USA, inklusive Smithsonian American Art Museum (Washington), National Museum of Women in the Arts (Washington), Museum of Modern Art (New York) , Whitney Museum of American Art .