| Edward Hopper | |
| Hacka svaj . 1929 | |
| engelsk Chop suey | |
| Canvas, olja. 81,3 × 96,5 cm | |
| Privat samling | |
| Mediafiler på Wikimedia Commons |
Chop Suey är en målning från 1929 av den amerikanske realistmålaren Edward Hopper . Den föreställer två flickor som pratar på en restaurang. I november 2018 såldes den för ett rekordpris för Hoppers målningar - 91,9 miljoner dollar [1] .
Målningen föreställer två flickor som sitter vid ett bord på en restaurang. Det finns ett annat par i bakgrunden. De enda spårade detaljerna i målningen är flickans ansikte, kappan som hänger bredvid henne, hennes kamrats rygg, parets drag i bakgrunden, tekannan på bordet, den maskerade bottenpanelen på bottenpanelen och restaurangen skylt utanför. Dessa är alla egenskaper som för ett sensoriskt element (förutom syn) till ett färgat minne. Det surrande ljudet från yttre ljus, rösterna från människor i bakgrunden, texturen av ull, smaken av te och doften av cigarettrök (hålls av en man) och det förvirrande ljuset från ett maskerat fönster.
Hoppers verk är kända för sina realistiska scener som behandlar temat ensamhet och avskildhet, men de utelämnar ofta det narrativa sammanhanget. Konstnären beskrev själv sin konst som att "registrera [sina] mest intima intryck av naturen", det vill säga han kopplade samman teckningsprocessen med minnesprocessen. Denna idé kan ytterligare beskrivas på andra sätt, till exempel när man ritar något från minnet kan vissa detaljer komma ihåg, men allt som är ur fokus är en tom bakgrund. Chop Sway återspeglar detta minneskoncept genom att tvinga betraktaren att fokusera på vissa delar av målningen samtidigt som det visar temat avskildhet.
Översatt från kantonesiska betyder tsap sui "chanser och gränser". I mitten av 1920-talet hade shop suey -restauranger blivit populära bland arbetarklassen. Hoppers målningar var ofta resultatet av en kombination av hans tidigare erfarenheter, och man tror att Chop Sway delvis var inspirerad av två restauranger som konstnären besökte på 1920 -talet [2] .
Enligt konstkritikern David Anfam är en "slående detalj av Chop Sway att den kvinnliga karaktären står framför sin dubbelgångare " [3] . Andra kritiker har påpekat att det är ganska vanligt att tjejer har identiska hattar, och att det är förhastat att prata om dubbelgångare när ansiktet på ett motiv inte är synligt för betraktaren [4] . Bilden har inte en enda central komponent utan skildrar kaféets inre som helhet. Som med många av Hoppers verk bygger målningen främst på effekterna av ljus och skugga.
Rolf Renner, Hoppers biograf, hävdade att "...en del av vad [Hoppers] målningar symboliserar är döden eller förfallet som alla målningar bär på i viss mening, eftersom de förstör perceptionens omedelbarhet genom omvandling till en bild" [5] .
Även om målningen föreställer en offentlig plats råder känslan av ensamhet. Så flickan i grönt, tittar på betraktaren, sitter med sin följeslagare, men verkar inte interagera med henne. Som paret i bakgrunden, där mannen ser avlägsen ut från kvinnan som sitter mittemot honom. Varje människofigur är isolerad och separerad från andra och stängd i sig själv. Detta visas med hjälp av dolda eller suddiga ansikten, vilket berövar mänsklighetens gestalter. Detta gäller även tjejen i grönt, som den mest detaljerade figuren, trots att du kan få en komplett bild av hennes ansikte, men på grund av tung smink uppstår distans.
Alabasthud med en fet rodnad och målade läppar lämnar inte intrycket av en kvinna, utan av ett dockansikte. Vanligtvis i samband med stilen från den eran (slutet av 1920-talet) kan detta uppfattas som en moderiktig och livlig stil: "tättsittande damtröjor, clochehattar och hårt sminkade ansikten, som förr ansågs vara sexuella attribut , har nu blivit mainstream." [4] Men Hopper förnekar att han avhumaniserade henne genom att måla flickans ansikte på detta sätt. [6]
Kompositionen av Chop Sway -målningen förkroppsligar också Hoppers koncept av minne snarare än realism. Balansen bibehålls i mitten av ritningen, där det finns fler detaljer, medan andra områden är markerade med endast grova penseldrag. Det svagt detaljerade utrymmet i bakgrunden förstärker den centrala delen av bilden ytterligare. Detta utrymme är enkelt, bakgrund, inte fixerat i minnet. "Vikten" hålls uppe av detaljerna som finns mellan mönstren på borden, ner till detaljerna i utformningen av skylten utanför, den hängande jackan och den nedre fönstertäckningen. [7]
Konstkritikern Gail Levine spekulerade om platsen för restaurangen som avbildas i målningen: "... inredningen påminde om en billig kinesisk restaurang på andra våningen, som Hoppers ofta besökte i Columbus Circle " [8] . Detta kan förklara huvudfokuset på kvinnan (möjligen Jo, konstnärens fru) och omgivningens matthet. Om detta var en plats som Edward Hopper besökte, så skulle det inte finnas någon anledning att fokusera på omgivningen, utan snarare på ögonblicket.
Samlaren Barney Ebsworth ägde målningen och lovade att donera den till Seattle Art Museum [9] . Men efter hans död övergick ägandet till hans egendom. I november 2018 såldes målningen för 92 miljoner dollar, vilket satte ett nytt rekord för Hoppers verk [10] [11] .
| Edward Hopper | ||
|---|---|---|
| Målningar | Flickan vid symaskinen (1921) Järnvägshuset (1925) Coast Guard Station, Two Lighthouses, Maine (1927) Automatisk (1927) Manhattan Bridge Loop (1928) Chop sway (1929) Tidig söndagsmorgon (1930) Hotellrum (1931) Rum i New York (1932) East Wind over Weehawken (1934) Macomba Dam Bridge (1935) White River i Sharon (1937) New York Cinema (1939) Bensinstation (1940) Kontor på natten (1940) Nattugglor (1942) Hotelllobby (1943) Herrgård i Saltillo (1943) Middag (1949) Hotell vid järnvägen (1952) Small Town Office (1953) Hotellfönster (1955) Solsken på andra våningen (1960) Kvinna i solen (1961) | |
| Övrig | Josephine Hopper fru Edward Hopper House Museum | |