| Claude Monet | |
| Frukost på gräset . 1866 | |
| fr. Le dejeuner sur l'herbe | |
| Canvas , olja . 130×181 cm | |
| Pushkin State Museum of Fine Arts , Moskva , Ryssland | |
| ( Inv. Zh-3307 ) |
Frukost på gräset ( franska: Le déjeuner sur l'herbe ) är en målning från 1866 av den franske konstnären Claude Monet . En mindre version av målningen finns i samlingen av Pushkin State Museum of Fine Arts i Moskva ( Ryssland ).
Claude Monet , en av den impressionistiska rörelsens grundare och konsekventa anhängare , skrev "Luncheon on the Grass" för en ansökan till Parissalongen 1866, och även som en utmaning till Edouard Manet med sin målning med samma namn av en ganska oseriöst innehåll. Konstnären arbetade 1865-1866 i naturen i skogen Fontainebleau nära Chailly , och sedan i sin ateljé i Paris . Till en början, efter att ha utfört en mindre version av kompositionen som mätte 130 × 181 centimeter , började Monet överföra den till en duk som var 4 gånger 6 meter hög respektive lång . Inför problemen med att måla en bild av en så enorm storlek, skrev han om den flera gånger, inklusive under påverkan av kommentarerna från Gustave Courbet , vilket resulterade i att han helt förstörde duken och helt stoppade allt arbete på den.
För att visa åtminstone något på salongen 1866 skrev Monet " Kvinnan i grönt " på kort tid, vilket utvärderades positivt av kritiker. Ändå, året därpå godkändes inte målningen " Kvinnor i trädgården ", baserad på "Frukost", för visning av utställningsjuryn för att "rädda konsten" från denna "äckliga" impressionism. Eftersom han befann sig i en svår ekonomisk situation, lämnade konstnären 1878 den oavslutade "Frukost på gräset" till hyresvärden av huset, som han hyrde med sin familj i Argenteuil , som pant på förfallna skulder . 1884 köpte Monet tavlan och skar den i tre delar. Ett fragment gick förlorat, efter att ha ruttnat under förvaring i hyresvärdens källare, medan de andra två, genom privata händer, hamnade i Musée d'Orsay i Paris , där de är nu. En mindre version köptes 1904 av den ryske samlaren Sergei Shchukin och, efter nationaliseringen av hans galleri under sovjettiden, överfördes till Statens museum för ny västerländsk konst . Senare, när museet upplöstes 1948, överfördes det till Pushkin State Museum of Fine Arts i Moskva , där det nu förvaras.
Kompositionen är en scen av en picknick i skogen med 12 personer, män och kvinnor, liggande, stående och sittande under träden. De flesta av de manliga figurerna skrevs av Monet från figuren av hans vän och konstnär Frederic Basil , som reste med honom till Chailly, medan de kvinnliga figurerna var från hans fru Camille . Herrarna är avbildade i jackor och byxor, medan damerna är i krinoliner . Mellan dem på gräset ligger en duk med en mängd olika rätter. Båda versionerna, att döma av de återstående fragmenten av en stor duk, är lika, med undantag för vissa färgscheman, inklusive när det gäller typen av klänningar.
Claude Monet (1840-1926) är en av grundarna och företrädarna för den impressionistiska rörelsen , som uppstod i Frankrike i slutet av 1800-talet. Under hela sin långa karriär höll Monet fast vid impressionismens principer, och det är han som anses vara den mest konsekventa anhängaren av denna konstskola, liksom en av de mest framstående landskapsmålarna i konsthistorien. Det är anmärkningsvärt att själva uppkomsten av termen "impressionism" är förknippad med hans konstnärliga duk " Impression. The Rising Sun " från 1873, nu i Musée Marmottan Monet i Paris . Ursprunget till denna trend går tillbaka till konstnärens ungdom, tillbringade av honom i Le Havre , där Monet beundrade hur marinmålaren Eugene Boudin målar sina målningar utomhus och sedan lärde sig denna konstnärliga stil av honom. Efter två år med armén i Alger från 1860 till 1862 åkte han till Paris mot sina föräldrars vilja för att studera måleri. Istället för att sitta i Louvren och kopiera Old Masters, en traditionell praxis för unga konstnärer, vände sig Monet till äldre samtidas verk, särskilt Édouard Manet , Camille Corot och Gustave Courbet . Det var i Paris som Monet blev nära vän med de konstnärer som skulle bli stora medlemmar i den impressionistiska rörelsen, som Camille Pissarro , Paul Cézanne , Auguste Renoir , Alfred Sisley och Frédéric Bazille . Man tror att grunden till impressionismen lades av Monet och Renoir, som i slutet av 1860-talet tillsammans började måla sina målningar på naturteman endast i det fria . Som en anhängare av denna teknik ensam fascinerades Monet av den perceptuella visningen av verkligheten för livet, särskilt när det gäller att skildra variationer i färgeffekterna av ljus och skugga vid en viss timme och årstid. Den realistiska skildringen av ljuseffekter baserades på Monets djupa förståelse av optikens lagar , såväl som på hans erfarenhet av sina egna observationer. Det är anmärkningsvärt att Monet ofta, avbildande naturligt ljus, dissekerade det i olika komponenter med prismametoden . Samtidigt kasserade konstnären medvetet alla svarta och gråa toner från sin palett och avvisade därmed helt det akademiska förhållningssättet till landskapsmåleri. Samtidigt, 1866, träffade Monet sin framtida fru, Camille Donsier , som snart blev en av hans modeller. Eftersom hon inte var gift med en konstnär, blev hon gravid och födde sin första son från honom . Monets släktingar kallade detta beteende oetiskt, medan han själv, på grund av sina innovativa målningar, blev utstött från akademiska salonger och började leva i nästan fullständig fattigdom [1] [2] [3] [4] .
1865, inspirerad av en av sina resor för att studera vid Fontainebleau , kom Monet på idén att måla en monumental målning som mätte 4 × 6 m för en ansökan till Parissalongen 1866 [5] [6] . Han ville gå från små former till stora [7] , och att skriva en så stor duk ansågs av konstnären som en utmaning för honom själv och samtidigt för allmänheten som sarkastiskt kritiserade hans målningar på Salon of the Rejected redan 1863 [5] . Under tiden, tre år tidigare, 1862, skapade Manet en målning med samma namn (olja på duk, 208 × 264,5 cm ; Musée d'Orsay ) [8] , avvisad av Salongen 1863 på grund av dess "obscenitet" [9] ] . Framträdandet av detta verk på Salon of the Outcast chockade allmänheten och präglades av en skandal på grund av bilden av nakna kvinnor i en grupp klädda människor, bland vilka man kunde känna igen ganska kända personligheter [10] [11] . Monet tänkte på sin duk som en utmaning och samtidigt en hyllning till Manet, valde samma tema, men närmade sig det med en annan stil, som han också ville överraska betraktaren, men från andra sidan [12] [10] [13] . Liksom Géricault tidigare var Monet bara 25 år när han bestämde sig för att skapa ett verk som skulle vara tre gånger större än Manets "Breakfast" och dubbelt så brett som Courbets " Luncheon on the Hunt " [14] (olja ) på duk, 207 × 325 cm ; Wallraf-Richartz Museum ) [15] . Efter att ha satt modet för att skildra picknick, tolererade Manet inte att bli jämförd och placerad bredvid Monet, "denne uppkomling från Le Havre" [16] . Samtidigt förväxlades målningarna av Manet och Monet ofta, vilket ledde till att den senare var tvungen att signera sina verk, inklusive Luncheon on the Grass, inte bara med ett efternamn, utan också med ett förnamn [4] [17] . Därefter blev de vänner [18] .
| "Vägen till Shii...", Monet (Ordrupgaard) | "Road to Chailly", Monet (Orsay) | "Bodmer's Oak...", Monet (Metropolitan) |
Arbetet med målningen började våren 1865 [5] : från april till oktober stannade Monet, med ett mål - att måla en picknickscen med många figurer - i Chailly [19] , i utkanten av skogen av Fontainebleau [20] , en sorts impressionistisk studio [21] . Efter att ha tillbringat flera månader i väntan på Basil, modellen och en av hjältarna i framtidens duk, skapade Monet en serie landskapsstudier , allt från små skisser till stora skisser [22] . Av dessa kan flera enskilda landskapskonstverk urskiljas, som Monet själv ansåg vara betydelsefulla bland resten av sina verk [19] : "Vägen till Chailly genom Fontainebleaus skog" (olja på duk, 97 × 130,5 cm ; Ordrupgaard Museum ) [ 23] , "Road to Chailly" (olja på duk, 43 × 59 cm ; Musée d'Orsay ) [24] , "Oak of Bodmer, Forest of Fontainebleau på vägen till Chailly" (olja på duk, 96,2 × 129,2 cm ; Metropolitan Museum of Art ) [25] . Han arbetade i naturen , brett och fritt, och nådde dessa toner, den kontrast av ljus och skugga, som varken Courbet eller Manet hade vid den tiden [22] . Dessa skisser av stora träd med skugggjutande grenar och löv, skapade på ungefär samma platser, fungerade som en landskapsbakgrund för den framtida picknicken [26] [27] . Det sistnämnda verket är särskilt anmärkningsvärt genom att det föreställer Bodmer-ek, uppkallad efter den schweiziska konstnären Carl Bodmer , som ställde ut ett verk som föreställer detta träd på salongen 1852, varefter det blev en favorit bland konstnärer och fotografer, i synnerhet Gustave Le Gré [28] .
Basile anlände till Chailly i augusti 1865 och bodde där fram till september, förundrades över den stora och vackra skogen och målade flera studier som till format och palett liknade Monets verk: en gnistrande blå himmel, mörkgrönt lövverk, rödbrun undervegetation. med orange höjdpunkter [29] ; bland dem sticker ut "Landscape of Chaya" (olja på duk, 81 × 100,3 cm ; Art Institute of Chicago ) [30] . Som arvtagare till företrädarna för " Barbizon-skolan " Rousseau och Millet , försåg Monet och Courbet, till skillnad från dem, inte träd med antropomorfa drag och projicerade inte sina känslor på livlösa naturföremål. Deras fokus låg inte på att "förstå träd" utan på hur ljus träffar dem och avslöjar deras former, färger och texturer. Monet och Courbet ville förmedla skogens tillstånd när de var i den och målade den, och uppnådde nästan fotografisk noggrannhet i målning [31] . Monet var förstås medveten om existensen av landskapsfotografi och kan till och med ha sett Le Grets verk. När Monet och Le Gret gick var för sig till samma skog fick de naturligtvis samma resultat, justerat för att konstnären har större frihet och enkelt kan ta bort en gren eller sten från rätt ställe med ett penseldrag, till skillnad från fotografen [32] [28] . En gång, när han arbetade, i ett försök att skydda barn från en bronsskiva som flyger mot dem, med vilken några klumpiga engelsmän lekte, skadade Monet sitt ben och gick och lade sig. Speciellt för honom utvecklade Basil som läkarstudent en apparat som med hjälp av en motvikt höjde det skadade benet [29] [33] . En sådan sårad konstnär Basile fångad i verket " Improviserat sjukhus " (olja på duk, 48 × 65 cm ; Musée d'Orsay ) [34] [29] [35] .
Efter ankomsten av Basil började Monet aktivt skriva gruppstudier [22] . Albert Lambron, en vän till Monet, poserade för mansfigurerna med Basile, och de flesta kvinnliga figurerna kan ha kopierats av honom från flera kvinnor eller till och med från en - hans älskade Camille, som dock inte gick till Chailly [ 11] [22] [4] [36] . Av Monets gruppstudier från den tiden har bara en överlevt [26] [22] : "Basil and Camille" (olja på duk, 93 × 68,9 cm ; Alice Mellon Bruce Collection , National Gallery of Art ), som var hålls av Michel Monet , konstnärens son, och sedan Edward Molino [37] . En skiss över kompositionen av målningen (papper, krita, 30,5 × 46,8 cm ) gjord av Monet 1865 och donerad till Basil finns också där . En preliminär skiss av kvinnliga figurer är också känd, lokaliserad i Monets album (papper, krita, 26 × 34 cm ; Marmottan-Monet Museum ) [39] [40] [41] [42] . I maj 1865 skrev Monet till Basil: "Jag tänker bara på min målning, och om jag gör ett misstag tror jag att jag kommer att bli galen" [40] [43] . Med början i Chailly och slutade i en workshop i september 1865 skapade Monet en mycket noggrant skriven mindre version av kompositionen (olja på duk, 130 × 181 cm ; Pushkin Museum of Fine Arts ), vilket för närvarande är möjligt med en stor noggrant restaurering den ursprungliga designen av hela den stora duken [22] [5] [6] [44] [45] .
När han återvände till Paris började Monet överföra skissen till en duk av verkligt monumentala dimensioner, fullt medveten om komplexiteten i det kommande arbetet [22] [5] . Han behöll betoningen på ljusa kontraster av chiaroscuro, såväl som fräscha och fria slag, strävande efter handlingens spontanitet och scenen i naturen, det svåraste inslaget i bilden [22] [5] . Den viktigaste skillnaden mellan skissen och det slutliga verket är att en sittande, skägglös och mager ung man ersatts av en äldre, skäggig och portlig, som tack vare sitt sidobrända skägg har en slående likhet med Courbet [26] [ 46] [5] [36] . Basilikas figur tjänade som grund för flera män samtidigt, minst fyra [26] . Det kan också noteras att klänningen till den första kvinnan som står till vänster har blivit gråröd istället för vit med svart kant, och hon har en annan sorts hatt på huvudet; samtidigt lämnades den andra stående damens orange klänning och den sittande kvinnans randiga klänning oavslutade [46] . Den extraordinära kompositionen, fylld av den livliga rytmen av kvinnors huvudens lutning, tacksamma blickar och utsträckta armar, blev ett slags hyllning till Watteaus eleganta målning " Landningen på ön Cythera ", som enligt Monet var hans favorit i Louvren [22] . Trots det oavslutade verket samlades mer än 20 konstnärer för att se det, enligt Basil [47] . Vintern 1865-1866 besökte Basile, tillsammans med Courbet, Monets ateljé: Basile "var förtjust" över målningen, men enligt Gustave Geffroy var det Courbets kommentarer som fick Monet att vägra att arbeta vidare med duken [26 ] [48] [5] [49] . Som greve Harry Kessler skrev i sin dagbok , i november 1903, tillsammans med Reisselberg , besökte han konstnärens ateljé i Giverny, Monet sa att han på Courbets inrådan började göra om kvinnors klänningar och som ett resultat förstörde han fullständigt duk [50] [51] . Därefter, för att ställa ut åtminstone något på salongen, målade Monet " Kvinnan i grönt " på fyra dagar [50] [51] (olja på duk, 231 × 151 cm ; Bremen konstgalleri ) [52 ] , för vilken Camilla återigen stod som modell . "The Woman in Green" antogs till utställningen och ställdes tillsammans med "The Road to Chailly" ut på Salongen, där den blev positivt utvärderad av kritiker [54] [55] .
Att inte ha tid med "frukosten" till salongen, i april 1866, gick Monet med Camille i ett litet hus nära Ville d'Avray , och skrev till Armand Gauthier om hans beslut "att lämna åt sidan för en tid allt det stora saker som de bara åt alla mina pengar skulle sätta mig i svårigheter” [56] [57] [5] . Strax före öppnandet av Parissalongen slutade Monet arbeta på en nästan färdig duk, utan att visa den för varken juryn eller allmänheten [58] [5] [6] . Det tillkännagavs att han fruktade avslag, men 1866 års Salongjury var liberal nog att acceptera hans riskfyllda bidrag. Men i det här fallet skulle bilden säkert förvandlas till ett mål för de flesta kritiker, även om det skulle bli ett "plein air manifest": kombinera alla ambitioner från Courbet och Manet, men utan sexuella förtecken eller politiska och sociala noteringar [59] . Monet började sedan måla för nästa salong och sammanfattade i den vad han hade lärt sig när han arbetade med frukost, samtidigt som han övergav den enorma skalan, skarpa kontraster och överförde utomhusskisser till duk i studion [60] . Resultatet av detta blev " Kvinnor i trädgården " (olja på duk, 255 × 205 cm ; Musée d'Orsay ) [61] , där Monet, såväl som i "Frukost", skildrade de föränderliga effekterna av naturligt ljus som han gillade så mycket [3] , och dessutom detta, och samma kvinnoklänningar [4] . Här har Camilla redan poserat för tre kvinnofigurer, och därför kan deras ansikten inte jämföras med riktiga porträtt [62] . Det är anmärkningsvärt att Monet skapade hela bilden i naturen, för vilken han grävde ett dike i marken och gradvis, när duken fylldes, sänkte den ner i gropen för att måla alla delar från en vinkel [63] [60] . Trots Monets ambitioner avvisades hans målning "Kvinnor i en trädgård" av juryn i Salongen 1867 i namnet "rädda konsten" från "denna äckliga trend" [62] .
Målningen (mindre version) är i olja på duk och mäter 130 x 181 cm [6] [64] . Signerad och daterad i svart nere till vänster: " Claude Monet 66 " [65] [66] .
Duken i full längd föreställer 12 figurer av fullt klädda människor som njuter av en solig dag i kanten av en skog upplyst av solen i en ganska teatralisk mise-en-scene, vars bakgrund är ett naturligt landskap [10] [11] [3] [45] . De flesta mäns ansikten vänds bort från betraktaren, och två damer avbildas från baksidan, vilket gör det möjligt att undersöka vecken av deras mångfärgade, gröna och gula klänningar [11] [36] . I motsats till målningarna av den klassiska stilen på Monet-duken är människor helt upptagna av sitt samtal och kommer inte på något sätt i kontakt med betraktaren, liggande på marken eller lutad mot träden [11] [12] . En av dem visar ett snidat hjärta, som symboliserar kärleken till Camille och Monet, som han var tvungen att dölja från släktingars fördömande, vilket framgår av mannen som satt bakom ett träd, där konstnären förmodligen tog fram sin egen far spionerande på hans älskade [4] . Konstnären gjorde dukarna av sina vänner som samlats för en picknick till huvudkaraktärerna, medan han inte var intresserad av att måla vardagliga detaljer, utan av att med ett fritt slag fånga spelet av solljusreflexer på lövverk, damklänningar, en duk som lades på gräs [4] [6] .
En klar, ljus, något sval, sommar- eller vårdag är avbildad. Den blåblå himlen flimrar genom det klargröna bladverket. Solens strålar bryter igenom på sina ställen. Ett stort samhälle slog sig ner under träden: män i sammetsjackor och gråa byxor typiska för den tiden, damer i de bredaste krinolinerna . Vissa står och småpratar, andra går, andra sätter sig för att äta eller sträcker ut sig i gräset. I mitten av dessa grupper ligger en snövit, bländande duk, direkt på marken, och kristall glittrar och gnistrar på den, fat blir frestande gula och flaskor sticker ut med mörka, smakrika fläckar. Det doftar gräs och träd, fräscht, lätt och muntert.Alexandre Benois , 1900 [67] .
Bilden av naturen, det naturliga ljuset som syns på människors hår och axlar, suddiga färger på trädens noggrant spårade löv - allt detta kännetecknas av en impressionistisk teknik som utvecklades starkt i Monets arbete och blev hans främsta konstnärlig stil [68] [4] [12] . För närvarande utvärderar kritiker målningen som Monets mästerverk och hans debut inom impressionismen, präglad av en verklig revolution i konsthistorien [69] [70] . Detta bevisas av konstnärens aktiva användning i denna bild av svart, som impressionisterna sedan övergav, och trodde att den inte existerar i sin rena form i naturen och kan förmedlas mer naturligt genom reflektioner av andra färger, som i de nämnda "Kvinnor i trädgården" [4] .
Monet blev en erkänd mästare inom impressionismen, trots ett kreativt misslyckande med "Frukost på gräset" [69] , en symbolisk målning från hans era, som var avsedd för ett tragiskt öde [71] . I november 1920 kom hertigen av Treviso till konstnären i Giverny på hans 80-årsdag , under samtal med vilka Monet demonstrerade många av sina verk, inklusive näckrosor [72] , såväl som den mellersta delen av Luncheon på Gräs , för första gången efter 50 år sedan bilden skapades [73] . Därefter, baserat på samtal med Monet, publicerade hertigen av Treviso en detaljerad essä "Pilgrimsfärd till Giverny", illustrerad av fotografen Pierre Shumoff [74] . Ett fotografi är känt där konstnären och hertigen avbildas stående vid "frukosten" i ateljén [75] [76] . Det var då som Monet berättade för honom vad som hände med målningen [46] : ”Detta arbete är mycket viktigt för mig, så ofullständigt och vanställt; Jag fick betala hyran, jag pantsatte den till ägaren som hade den i sin källare och när jag äntligen kunde hämta den såg jag att den hade lyckats mögla” [77] .
Så i juni 1874 hyrde Monet ett hus i Argenteuil för 1400 franc om året av snickaren Alexander-Adonis Flamen och flyttade dit med sin familj i oktober [78] [79] . I januari 1878 lämnades Breakfast till Flamin som säkerhet för Monets eftersläpning, och under de följande sex åren låg duken upprullad i källaren [80] [81] . En tid senare ingick Monet korrespondens med Flamen angående återlämnandet av målningen, för vilken han i mars 1884 bad sin konsthandlare Durand-Ruel om ett lån [80] [82] . Samma år tog konstnären tillbaka duken och skar den i tre delar [5] [6] [44] . Det högra fragmentet ruttnade på grund av fukt och gick förlorat för alltid, medan de enda två bevarade vänster ( 4,18 × 1,5 m ) och mellersta ( 2,487 × 2,18 m ) delarna har kommit ner till vår tid [20] [5] [83 ] [84 ] [85] [86] [45] . Efter Monet var båda verken med hans son Michel [83] [84] . Den vänstra delen förvarades i en privat samling under en tid, och sedan 1931 - i Georges Wildensteins ägo . 1957 donerade han målningen till staten, varefter den tilldelades Louvren och ställdes ut på Jeu de Paume fram till 1986, då den överfördes till Musée d'Orsay [83] [85] . På 1920-talet, troligen efter Monets död, skars en remsa med axlarna och huvudet av en kvinna i randig klänning av från mitten till höger [46] . Den mellersta delen fanns i Miran Eknayans samling [20] [87] tills den accepterades av staten som betalning av arvsskatt och 1987 tillskrevs Musée d'Orsay, återförenad med vänster sida [84] [86] .
| Ungefärlig bild av målningen "Frukost på gräset": de vänstra och mellersta bevarade fragmenten i jämförelse med de förlorade delarna av duken [88] [89] | |||
En mindre version ställdes ut i konsthandlarens L. Latouches galleri [90] 1866-1867 . Under en tid fanns målningen i operasångaren Jean-Baptiste Faures samling [39] [90] [91] . Hon ställdes ut på utställningen av Monets verk på Durand-Ruel Gallery , som hölls 22 november - 15 december 1900 [92] . Där, efter att ha anlänt till världsutställningen , sågs målningen av kritikern Alexandre Benois , som beskrev den som "Monets kanske mest lysande verk" och "ett av de vackraste under hela XX-talet" [93] [94 ] [95] . Så han skrev i tidskriften "World of Art" [67] :
Det är sorgligt att inse att alla museer för samtidskonst, rysk och utländsk, inte är något annat än härdar för död akademisk konst eller vidrig eklekticism. Man kan inte ens drömma om att en sådan bild som denna "Déjeuner sous bois" av Cl. Monet, förvärvades av St. Petersburg eller Moskva. Någon gång kommer sådana målningar att förvärvas, någon gång kommer historien som väver bakom livet att lyfta dem till kategorin klassiska verk, men då är det för sent, de kommer inte att ha en gynnsam effekt på de yngre generationerna som har gått i en helt annan riktning , men kommer att hänga bredvid sig själva Rembrandt och Tizian till glädje för turister och mediokra kopierare. Samtidigt skulle en sådan bild nu kunna ha ett oändligt mycket djupare och mer välgörande inflytande på våra konstnärers utveckling än de tusentals fula dukar som fyller våra nationalmuseer. Monets målning är fortfarande ganska modern; den är fräsch, ljus och övertygande, och den innehåller mer vägledning och råd till konstnären än alla akademier tillsammans.
Några år senare vederlagdes Benoits förebråelse [95] . Målningen köptes personligen från Monet av Moskva -handlaren och filantropen Sergei Shchukin , som aktivt samlade in impressionisternas verk, som fortfarande var obegripliga för allmänheten, som han visade offentligt i Trubetskoy-huset [96] [97] [ 98] . Han köpte verket i november 1904 [99] [100] och gav 30 tusen franc för det genom konsthandlaren Paul Cassirer [90] [91] . Således blev Shchukin ägare till tretton målningar av Monet [99] [101] , vilket praktiskt taget avslutade ämnet för att samla impressionisterna för sig själv [100] . En av dem som såg Shchukins "Frukost" var kritikern Yakov Tugendhold , som ägnade en detaljerad artikel åt sin samling [102] .
Shchukins samling - även innan hans emigration till Tyskland i augusti 1918 - nationaliserades i enlighet med dekretet från RSFSR:s råd för folkkommissarier av den 11 maj 1918 "Om nationaliseringen av Shchukin Art Gallery" undertecknat av Lenin [103] och helt överfört till det nyskapade State Museum of the New western art . På 1930-talet såldes vissa verk utomlands, och 1948, efter likvidationen av museet i enlighet med dekretet från USSR:s ministerråd nr 672 av den 6 mars 1948 "Om likvidationen av State Museum of New Western Art" signerad av Stalin State Hermitage Museum och Pushkin State Museum of Fine Arts , där "Frukost på gräset" hamnade [64] [105] [96] [97] [106] [ 107] [98] . För närvarande finns målningen under numret J-3307 i galleriet för europeisk och amerikansk konst under 1800- och 1900-talen [6] .
Inom ramen för året för kulturturism Ryssland-Frankrike från 22 oktober 2016 till 20 februari 2017, ställdes Monets målning bland verk av Gauguin , Picasso och Matisse från Shchukin-samlingen ut på " Louis Vuitton Foundation " i Paris på utställningen " Masterpieces of Contemporary Art " under curerad av Anna Baldassari i samarbete med Rysslands kulturminister Vladimir Medinsky , chef för Pushkin State Museum of Fine Arts Marina Loshak , chef för State Hermitage Museum Mikhail Piotrovsky och direktör för det statliga Tretjakovgalleriet Zelfira Tregulova [69] [97] [108] [109] . På öppningsdagen besöktes utställningen av Frankrikes president François Hollande [110] , medan det planerade besöket av Rysslands president Vladimir Putin sköts upp på grund av politiska meningsskiljaktigheter i samband med krigen i Syrien och Ukraina [111] [112] . Följande månad tog Putin emot chefen för Louis Vuitton , Bernard Arnault , i Kreml och tackade honom "för utställningen du organiserade i Paris" [113] [114] [115] [116] .
| Claude Monet | |||||
|---|---|---|---|---|---|
| Arbetar |
| ||||
| En familj |
| ||||
| Miljö |
| ||||