Hierarki av genrer , höga och låga typer av målning - systematisering av olika genrer av skön konst efter deras betydelse.
Den mest kända var hierarkin av målargenrer , skapad av den franska konstakademin under klassicismens period . Huvudgenrerna ansågs (i fallande ordning): historiemålning , porträtt , genremålning , landskap och stilleben . Denna hierarki under XVII - XIX århundradena var grundläggande för akademiskt måleri . Som ett uppror mot det, under andra hälften av 1800-talet , rörelser av Wanderers ( Ryssland ), impressionister (Frankrike ) och prerafaeliterna ( England ).
Den klassicistiska teorin om genrehierarki formulerades 1669 av André Félibien , historiograf , arkitekt och teoretiker för fransk klassicism, sekreterare för Franska Akademien, i hans förord till en kurs med föreläsningar för studenter. [ett]
Detta system, ibland något varierande det, följdes av alla Europas konstakademier ( Paris , Rom , Florens , London , Berlin , Wien , St. Petersburg , etc.).
Jacques-Louis David. " The Oath of the Horatii ", 1784 - ett moget franskt exempel på den höga genren
Elisabeth Vigée-Lebrun. " Självporträtt av konstnären med hennes dotter ", 1789
Fragonard. "Musiklektion", 1769
John Constable. "Studera med moln. Vårmorgon. 1821
William Turner, " The Last Voyage of the Courageous" , 1839
John Wootton . "Hundhingst av hertigen av Hamilton Victorious in Newmarket", cirka 1725
Jean Baptiste Aubry. "Stilleben med slagen fågel och körsbär", 1712
Antoine Berjon. "Stilleben med en korg med blommor", 1812
År 1667 "kanoniserades" hierarkin av franska akademins sekreterare, André Félibien :
Den som målar landskap rättvist är överlägsen den som bara målar frukter, blommor och snäckor. Den som målar levande djur värderas högre än de som målar bara döda och orörliga saker; och eftersom människobilden är den mest perfekta skapelsen av Gud på jorden, är det lika säkert att den som blir en imitatör av Gud, som avbildar människobilden, blir mer utmärkt än alla andra ... En konstnär som bara gör porträtt har ännu inte nått den där höga konstens perfektion och kan inte göra anspråk på den ära som de skickligaste får. För detta är det nödvändigt för honom att gå från en enda figur till presentationen av en kombination av flera; måste vända sig till de gamlas historia och fabler; man måste presentera stordåd, som historiker, eller behagliga föremål, som poeter, och höja sig ännu högre, med hjälp av allegoriska kompositioner, måste man kunna dölja under täckmantel av fabler de största männens och de mest upphöjdas dygder. mysterier.
Ryssland, XVIII-talet ↓I Ryssland återberättades denna systematisering av Ivan Ustryalov i sin guide för studenter vid Konsthögskolan.
Genrernas hierarki motsvarade en hierarki av storlekar: ett stort format för historiskt måleri, ett litet format för vardagslivet.
Khrutskij. "Blommor och frukter", 1839
N. Sverchkov, "En häst i en tävlingssläde med en ryttare"
S. Shchedrin. "Nya Rom. Den heliga ängelns slott. 1823/25
I. Lampi. "Porträtt av Platon Zubov", 1796
L. Caravak. "Poltavaslaget", 1709
Enligt det akademiska konceptet stod "genre" målningar på den lägsta nivån, eftersom de helt enkelt var narrativa , präglade konst, utan några försök till moral och uppbyggelse. Denna genremålning, även om den var perfekt i stil och design, berömdes endast för skicklighet, uppfinningsrikedom och till och med humor , men ansågs aldrig vara högkonst.
Det moderna livet - moderna händelser, manér, klädsel, utseende - ansågs oförenligt med hög stil, och endast ett idealiserat förflutet kunde fungera som ett lämpligt, ädelt och lämpligt ämne. (Den vanliga kroppen tjänade följaktligen inte heller som motiv för bilden - de målade bara vackra, idealiska kroppar på ett antikt sätt).
Akademiska konstteoretiker ansåg att denna hierarki var motiverad eftersom den speglade den inneboende möjligheten till moralisk påverkan för var och en av genrerna. Så till exempel kommer en konstnär att förmedla moral mycket mer effektivt genom en historisk duk, sedan en porträtt eller genremålning, än genom ett landskap eller stilleben. Dessutom trodde antikens och renässansens mästare att den högsta formen av konst är skildringen av den mänskliga figuren. Således är ett landskap eller stilleben, där en person inte avbildades, verkligen en "lägre" form av genren. Slutligen återspeglar systemet med akademisk hierarki det potentiella värdet av var och en av dukarna: storskalig historisk målning är den mest lämpliga och bekväma genren för statliga order, sedan är porträtt, vardagsgenre och landskap - och stilleben, som regel, kritor och är gjorda för personliga interiörer.
Andrey Alexandrovich Karev skriver: "Medvetenheten om måleriens mångfald som ett inslag i New Age -kulturen under upplysningstidens förhållanden var i viss mån en analog av attraktionen till encyklopedisk kunskap, och därför en lika mångfacetterad kunskap om världen. Tillväxten av specialisering utan förlust av universalismen i allmänhet är ett värdefullt inslag i denna tid, som gjorde det möjligt att samtidigt se det lilla och det stora, det särskilda och det universella, och slutligen, det mänskliga och det gudomliga. Den unika synen på det ena eller det andra föremålet motsade inte det minsta den allmänna bilden av universum, även om den inte direkt tilltalade den, som den var under barocktiden. Intresset för varelsens sammanslagna mångsidighet ersätts av uppmärksamhet på dess individuella aspekter, som har oberoende skönhet och följaktligen värde. Den [ryska] konstakademin kunde inte annat än svara på dessa processer och, utan att vänta på uppkomsten av relevanta förfrågningar bland kunder, öppnade de en efter en klasser där de lärde ut funktionerna i arbete i en viss genre" [4]
Detta hierarkiska system, baserat på traditionerna för grekisk och romersk konst, sammanfattade under den italienska renässansen , användes av akademierna som grund för utdelningen av priser och stipendier, såväl som det hängande systemet i offentliga utställningar (Saloner). Det hade också en betydande inverkan på det upplevda värdet av konstverk.
Franska Akademien hade tävlingar Grand respektive Petits Prix , i två riktningar. De högsta priserna gick alltså a priori till verk i den historiska genren - en praxis som orsakade mycket missnöje bland studenter. Denna oflexibla hierarki orsakade mycket förbittring bland kända artister, vilket så småningom ledde till att akademiernas auktoritet undergrävdes. Dessutom gjorde några målare för prestigen skull försök att måla storslagna historiska dukar, vilket inte fungerade för alla. Om konstnären hade gåvan av en porträttmålare snarare än en historisk målare, då kunde misslyckande orsaka honom mentalt trauma.
Porträttets förtryckta plats i denna hierarki är märklig. I en recension av Salongen 1791 kunde man läsa: ”Den historiska målaren, som måste efterlikna naturen i alla dess aspekter, måste kunna måla porträtt. Porträttet kan dock inte betraktas som en självständig genre.
Quatremer de Quency , en av klassicismens mest inflytelserika teoretiker, ansåg att porträttgenren var så låg att han inte ens hedrade den med särskild uppmärksamhet: ”Det finns inget mer begränsat än nöjet du får av att betrakta ett porträtt. Om vi lägger åt sidan det intresse som personliga eller sociala fästen och konstnärens talang ger porträttet, så är det ganska uppenbart att sinnet och fantasin knappast deltar i denna typ av imitation. Det nöje som porträttet ger kan inte jämföras med det estetiska nöjet, vars mål är de sköna konsterna. Porträttet visar vad som finns i verkligheten, medan "stor konst, med hjälp av det som är, ska skildra det som egentligen inte finns, ska visa idealet."
Kritiker erkände emellertid att det var oundvikligt att existera ett historiskt porträtt, som i sin djupa övertygelse endast kan skapas av en historisk målare. "Det är de, de historiska målarna, som kan måla ett riktigt porträtt." De skriver ofta om historiska porträtt i utställningsrecensioner, ibland betraktas de direkt efter den historiska bilden. De föredrar att inte nämna porträtten av privatpersoner (som det blir fler och fler för varje år) eller bara lista dem vid namn, utan att kommentera på något sätt. [5] Förståelsen av porträttet som något slags tillägg till den historiska bilden var mycket vanlig. Detta skrevs inte bara av välkända anhängare av klassicismen Quarmer de Quency, Delescluze, utan också av kritiker av nästa generation, vars estetiska åsikter var mer flexibla, till exempel G. Planche [6] .
Även om de europeiska akademierna tenderade att strikt insistera på denna hierarki, kunde vissa artister uppfinna undergenrer och därigenom flytta upp i denna hierarki:
Fram till mitten av 1800-talet fick kvinnor inte vända sig till det historiska måleriet, eftersom de inte fick gå till slutstadiet av utbildningen i akademierna - naken , eftersom detta bröt mot anständighetens regler. Kvinnor kunde arbeta i Petit-genren - måla porträtt, stilleben och liknande, samt kopiera gamla mästare, skulptur och gravyr.
I slutet av 1800-talet började konstnärer och kritiker kämpa mot den franska akademins regler, och även att hävda att bedömningen av dessa genrer i konsthistorien var felaktig. De nya konströrelser som växte fram - realism , och senare impressionism , var intresserade av att skildra vardagslivet och det aktuella ögonblicket. Oket har tappats.
För tillfället är det målningar av den låga genren som uppskattas av ättlingar, särskilt porträtt och scener ur livet, medan akademiskt historiemåleri i de flesta fall verkar tråkigt och ointressant.
Enligt höga etiska idéer etablerade klassicismens estetik en hierarki av litterära genrer :