Poetisk realism ( franska Réalisme poétique , engelska Poetic realism ) är en konstnärlig rörelse inom europeisk, främst fransk film . Den nådde sin största uttryckskraft och efterfrågan under andra hälften av 1930-talet - första hälften av 1940-talet. Inriktningen bygger på en poetiskt upphöjd återspegling av livet och livet för medel- och lägre samhällsklasser under den beskrivna perioden. De främsta exponenterna för den poetiska realismens idéer anses vara poeten och dramatikern Jacques Prevert , regissörerna Jean Renoir , Jean Vigo , Julien Duvivier , Jacques Becker , Marcel Carnet , Pierre Chenal . Ett antal filmkritiker, ledda av författaren Pierre McOrlan , använde termen "social fiktion" för att namnge riktningen . [ett]
Den poetiska realismens rötter ligger i uttryckssätt och konstnärliga tekniker som redan utvecklats av den experimentella filmens tidiga 1930-tal och i synnerhet den franska avantgardefilmen . Filmskapare i Tyskland , Italien , Sovjetunionen var helt beroende av politisk censur, brittisk film , på grund av språkkompatibilitet, var fylld med amerikanska kommersiella produkter och nöjde sig med en låg kvot för närvaron av dess underhållningsfilmer. Under perioden med växande inflytande från italiensk fascism , spansk falangism och tysk nationalsocialism , inför svagheten hos sin egen borgerliga regering, vände sig franska filmskapare till temat att glorifiera en "enkel" person, en karaktär från folket. Idéerna för riktningen stöddes av folkfrontens ledare , särskilt de franska kommunisterna (1936 skapades Association of Cinema Directors of the Popular Front för att främja och främja nationella progressiva filmer). De regissörer som arbetade i riktning mot poetisk realism delade gemensamma konstnärliga åsikter, men var aldrig formellt förenade i några kreativa grupper.
Till skillnad från socialrealism, dokumentärer, kännetecknas poetisk realism av "återskapandet" av verkligheten, bland annat genom den utbredda användningen av paviljongfilmning. Poetiseringen av verkligheten återspeglades i den ökade estetiken hos uttryckstekniker, betydelsen för författarna av de yttre aspekterna av presentationen av verket. Handlingen är ofta fantastisk. Under första hälften av 1930-talet verkade författare som villkorligt kan hänföras till den poetiska realismens riktning både inom genren drama ("Street without a Name", 1934; "Mimosa Boarding House" , 1935), och i genren . av komedi ( "Marius" , 1931; "Heroic Kermess" , 1935). Med tillväxten av politiska spänningar i Europa blev fatalism inneboende i världsbilden för målningarnas hjältar , som under ockupationen av Frankrike intensifierades av stämningar av nostalgi , undergång och hopplöshet (" The Day Begins ", 1939). Låt oss anta en villkorlig kanon för konstruktionen av filmens handling. Huvudpersonen är i vid bemärkelse en utstött : en arbetslös man, en desertör, en brottsling, som i ögonblicket för att nå fallets lägsta punkt får sista chansen till ömsesidig kärlek och förståelse. I de flesta fall förstör det verkliga livets grymhet möjligheten till lycka.
Jag är ingen pessimist. Jag är ingen svart filmgalning. Men filmerna jag gör speglar alltid det aktuella ögonblicket till viss del. Åren fram till krigets utbrott var inte särskilt optimistiska. Världen höll på att falla samman, och vi var vagt medvetna om det ...
Marcel Carnet [2]Den italienske författaren och kritikern Pietro Paolo Trompeo föreslog att poetisk realism i film skulle betraktas som den tredje fasen av naturalismen : den första är Zola , Guy de Maupassant , Alphonse Daudets och andras litterära verk , den andra är det naturalistiska dramat om Antoine-teatern , Ibsens dramaturgi . "Den tredje fasen är film, som försöker återge med maximal övertygelse de drag av verkligheten som Baudelaire kallade "livets fantastiska realiteter." [2]
Poetisk realism hade ett betydande inflytande på bildandet av den nya vågen i Frankrike och nyrealismen i Italien.
Alexander Korda , förmodligen, på basis av tidpunkten för filmens släpp, borde öppna listan över regissörer som använder konstnärliga tekniker för poetisk realism. Denna riktning är dock inte typisk för brittisk film som helhet. Dessutom regisserade Korda, i inspelningen av filmen "Marius" ( fr. "Marius" , 1931), filmatiseringen av den redan mycket framgångsrika produktionen av pjäsen av fransmannen Marcel Pagnol , som deltog i inspelningen som en manusförfattare och andra regissör. Filmen i genren romantisk komedi berättar om ägaren till en bar i hamnkvarteren i Marseille Caesar, hans vuxna son Marius, som är kär i sin barndomsvän Fanny, men drömmer om långväga sjöresor. Suget efter havet vinner. Han får jobb som sjöman på ett klippfartyg som seglar . Några år senare, efter släppet av filmerna "Fanny" och "Caesar" [3] , förvandlades denna historia till en trilogi. Filmrecensenten och kritikern för The Onion -byrån Noel Murray beskriver filmen så här: "Trilogin cementerade i fransk film konceptet om en "tradition av kvalitet", där skådespeleriet och avslöjandet av temat prioriteras framför yttre briljans. Filmerna i sig är berättande och komiska, fulla av vardagliga igenkännbara karaktärer och mycket naturalistiska småsaker, franska, som Brie cheese eller Jacques Tati . [fyra]
Jacques Fader var engagerad i många filmiska projekt, arbetade i Hollywood i flera år , men utan att nå en överenskommelse med MGM för att finansiera ytterligare planer, återvände han till Frankrike. Här skapade han på tre år tre målningar, senare erkända som mästerverk av poetisk realism. The Great Game ( franska: Le Grand Jeu , 1934) är en film om en ung parisare som är intrasslad i det höga livets frestelser och tvingas gå med i den franska främlingslegionen för att rädda sin familjs ära (temat av avslag). Ett försök att bygga en ny kärlek slutar i misslyckande. Spåkvinnan, som inte tidigare tagit fel i sina profetior, förutspår sin snabba död. Handlingen i målningen "Pension Mimosas" ( franska "Pension Mimosas" , 1935) är uppdelad i två tidsperioder. I den första adopterar en barnlös familj av pensionatägare på Cote d'Azur en liten pojke. Tio år senare, efter att ha vuxit till en ung skurk, pressar Piero regelbundet pengar från sina adoptivföräldrar, som slutligen är fast i skulder. Samtidigt utvecklas historien om hans olyckliga kärlek, vars oskiljaktighet leder honom till självmord i finalen. Höjdpunkten i Jacques Feyders verk, även i riktning mot poetisk realism, var hans film "Heroic Kermesse" ( franska "La Kermesse Héroïque" , 1935) - en romantisk komedi i 1600-talets historiska kulisser, belönad med ett stort antal utmärkelser. [5] Regissörens assistent i dessa filmer var en annan anhängare av "poetisk realism", den framtida klassikern i regin Marcel Carnet .
Pierre Chenal arbetade och experimenterade i olika genrer och konstnärliga riktningar inom film. Av de målningar som han utförde i en anda av poetisk realism är det först och främst nödvändigt att namnge filmen "The Street without a Name" ( franska "La Rue sans nom" , 1934). Det här är en berättelse om ett område där de fattigaste arbetarna och deklassificerade elementen bor , där fattigdom föder förtvivlan, främlingsfientlighet och alkoholism. Följande verk av regissören är extremt noggrant inskrivet i riktningens konstnärliga kanoner - filmatiseringen av F. M. Dostojevskijs roman " Crime and Punishment " ( franska "Crime et châtiment" , 1935): huvudpersonen är sociopaten Rodion Raskolnikov , som älskar honom Sonya Marmeladova , som stöder honom andligt, men inte kan ändra sitt öde (undergångstemat). I framtiden gick Chenal bort från kreativitet inom ramen för poetisk realism. Oftare, särskilt efter den påtvingade emigrationen till Argentina , arbetade han i thrillergenren , med film noir konstnärliga tekniker .
Jean Vigo skapade under sitt korta liv (han dog vid 29 års ålder i tuberkulos ) två fullängdsfilmer som blev modeller för poetiseringen av verkligheten. " Noll på beteende " - berättelsen om händelser på ett internat som ledde till ett öppet uppror bland elever. Varje lärare är en helt levande och verklig person, tack vare författarens ironi, förvandlas till en minnesvärd satirisk bild. När det gäller tonårskaraktärer använder Vigo bara bra humor och visar en absolut förståelse för dem. Det oundvikliga i en konflikt mellan det byråkratiska utbildningssystemet och den omedvetna, fortfarande omogna önskan om frihet för regissören är uppenbar. Inspelningen fick Vigo med svårighet, sa han: "Den här filmen är så mycket mina barndomsår att jag snabbt vill gå vidare till något annat." [6] Filmen censurerades från att visas i Frankrike.
Atalanta är en romantisk kärlekshistoria mellan kaptenen på en självgående pråm , Jean, och en provinsflicka, Juliet. Beskrivningen av en vanlig resa genom Frankrikes kanaler utförs av Vigo på nivån av en dikt om förståelse, tålamod, förlåtelse. Emir Kusturica säger om filmen: "Jag tror att den här filmen av Jean Vigo helt förändrade min syn på film. Poesi skapar film. Om du vill göra filmer måste du vara en poet, om du inte är en poet blir filmerna bara en reflektion. Jag är övertygad om att du på Atalanta kommer att hitta den perfekta balansen mellan dialog och handling." [7]
Jean Renoir gjorde ett av de mest anmärkningsvärda bidragen till riktningens utveckling. 1935, när han valde en handling för en film, vände han sig till den ryska litterära grunden - A. M. Gorkys pjäs " Längst ner " (1902). Handlingens karaktärer och omständigheter var ytterst lämpliga för att avslöja idéerna om poetisk realism: hjältar som förkastades av samhället, som på gränsen till hopplöshet fick rätten att älska, till möjligheten till andlig återfödelse. Av intresse är en sådan jämförelse av recensenten av Criterion Collection av två filmatiseringar av pjäsen - filmerna av Jean Renoir 1936 och Akira Kurasawa 1957 : "... två av de största filmregissörerna tänkte om den klassiska proletära pjäsen" At the Bottom” av Maxim Gorkij, var och en i sin egen uppfattning och i sin tid. Renoir, som arbetade under konfrontationen mellan Hitler och folkfronten i Frankrike, tvingades avvika från den mörka stämningen i Gorkijs källmaterial, för att mildra dess dystra perspektiv. Kurosawa, som skapar i efterkrigsvärlden, fann ingen anledning till hopp. Den förblev originalet trogen med sin betoning på konflikten mellan illusion och verklighet, ett tema som han skulle återkomma till om och om igen. Genom att arbeta med de mest kända skådespelarna ( Gabin för Renoir; Mifune för Kurosawa), erbjuder varje regissör sitt eget unika perspektiv på filmisk anpassning, där (olika) sociala förhållanden och konstnärliga tekniker möts för att skapa unika mästerverk. [åtta]
Ett år senare, efter att ha spelat in ytterligare två filmer, skapar Renoir ett annat mästerverk - filmen " The Great Illusion " ( fr. "La Grande illusion", 1937 ). Historien om franska militärpiloter som föll i tysk fångenskap under första världskriget . En av dem, adelsmannen Boeldieu, tvingas göra ett moraliskt val mellan patriotism och ädel status, aristokratisk enhet med tysken von Rauffenstein, som är mycket lojal mot fången. Med hjälp av krigsfångelägret som en samhällsmodell utforskar Renoir förhållandet mellan franska officerare från olika sociala skikt som lever under överinseende av sina tyska vakter. Han är inte intresserad av nationella, utan av klasskillnader. "Om en fransk bonde sitter vid ett bord med en fransk finansman", skrev han, "kommer dessa två fransmän inte att ha något att säga till varandra. Men om en fransk bonde träffar en kinesisk bonde, kommer de att hitta något att prata om.” [9] Den franske kritikern André Bazin skrev om denna Renoir-film att "han ärvde djup, sensualitet och en spännande känsla av verklighet från litteraturen och målningen från sin fars era." [9]
Två år senare når Jean Renoir, med släppet av filmen "The Rules of the Game" ( franska "La Règle du jeu" , 1939), enligt de flesta kritiker [10] toppen i sitt arbete. Formellt är detta ett romantiskt drama från livet i "high society" med en kärlekspolygon. På jakt efter en intrig vände sig Renoir oväntat till verken av Pierre de Marivaux och Alfred de Musset , vars kreativitetsperioder är åtskilda av mer än ett sekel. I dem fann han den önskade balansen mellan prosa och poesi. [11] En av de ledande filmkritikerna , Roger Ebert , sa om filmen: "Det är ett magiskt, svårfångat verk som för alltid har följt Citizen Kane i alla betyg av fantastiska filmer. Den är så enkel och intrikat, så osofistikerad och ond, så oskyldig och farlig, att du inte bara kan titta på den, du måste absorbera dess ande." [12]
Julien Duvivier , främst känd för att iscensätta filmen "Den stora valsen" , i ett antal målningar från 1930-talet, arbetade han livfullt i den poetiska realismens anda. Av dessa nämns " Glorious Company " ( franska "La belle équipe" , 1936) och " Pepé le Moko " ( franska "Pépé le Moko" , 1937) oftast . Den första är berättelsen om fem arbetslösa som oväntat vann det nationella lotteriets högsta vinst och bestämde sig för att tillsammans investera dessa pengar i köpet av en krog. Men livets verklighet förstörde snabbt det idylliska partnerskapet. Vänskapen mellan männen - Deviviers hjältar - tillåter dem inte att uppfylla sin dröm om att organisera en krog, eftersom de har lite olika ekonomiska intressen. Kritiker hävdar att filmens handling, i episk form, berättar om den snabba uppgången och den nära förestående kollapsen av Popular Front of France . Faktum är att filmen spelades in i juni-juli 1936, vilket sammanföll med de första dagarna av Leon Blums regering . [13] Målningen "Pepe le Moko" ( le Moko är en slangterm för en infödd i Marseille ) berättar ödet för en brottsling som försöker fly från polisen i Alger . När det gäller stämning och konstnärliga metoder har filmen citerats som ett av de första experimenten i film noir .
Marcel Carnet gjorde det största bidraget till utvecklingen av den poetiska realismen. Målningar " Embankment of fogs " ( franska " Le Quai des brumes " , 1938), " Dagen börjar " ( franska " Le Jour Se Lève " , 1939), " Children of Paradise " ( franska " Les Enfants du paradis " , 1945 ) blev exempel på användningen av teknik och konstnärliga tekniker för riktningen. Filmen " Juliet, or the Key to Dreams ", som filmades 1950, bekräftar perfekt de accepterade kanonerna. Den fängslade Michel finner sin upphöjda kärlek, Juliet, i sina drömmar. Men omständigheterna i bilden av en demonisk aristokrat förstör lyckan. Michel drar sig permanent tillbaka till byn, där invånarna saknar minnen.
Luchino Visconti fungerade som en länk mellan Frankrikes poetiska realism och Italiens neorealism . I slutet av 1930-talet arbetade han i flera år som assistent till Jean Renoir när han filmade hans bästa verk, inklusive The Grand Illusion och The Rules of the Game. Det var Renoir som föreslog att Visconti skulle filma i sin version av James Cains roman The Postman Always Rings Twice [14] , som redan hade satts upp tre år tidigare av en annan mästare inom poetisk realism , Pierre Chenal . Redaktören för filmen "Obsessione" ( franska "Ossessione" , 1943) Mario Serandrei kommenterade filmen: "Detta är en speciell typ av film, jag ser den här för första gången och skulle kalla den neorealism ", alltså den första som använd namnet på en hel filmriktning. [fjorton]
Ivan Pyryev är en strikt anhängare och exponent för socialistisk realism . Samtidigt är det omöjligt att inte uppskatta den höga graden av inflytande på hans filmer av idéerna om att poetisera livet för vissa sociala skikt , i första hand bönderna : "The Pig and the Shepherd " (1941) och " Kuban Cossacks " (1949). Den sovjetiska kritiken, som ligger inom den föreskrivna ideologiska ramen, noterar den sublima berättarstilen om de vanligaste vardagselementen. Tidningen "Sovjetkonst": "Den romantiska intonationen, den poetiska strukturen i filmen "Kuban Cossacks", realistisk i sitt väsen, fullständigheten i uttrycket av författarens inspiration, känslor och tankar, inte begränsat av en medvetet betingad " sätt", hjältemod, texter, humor, ljud i ett och samma verk - allt detta är en manifestation av vårt livs rikedom. [15] Naturligtvis uteslöts stämningar av dekadens och otro från sovjetiska filmer.