Dirigent (från franska diriger - att leda, regissera, leda) - chef för lärande och utövande ensemble ( orkester , kör , opera , etc.) musik. Det är dirigenten som äger den konstnärliga tolkningen av verket, han uppmanas också att säkerställa både ensemblens harmoni och framförandets tekniska perfektion. Även om vissa former av att leda grupper av musiker fanns i antiken, blev dirigering ett självständigt yrke som krävde speciella färdigheter och speciella talanger först under andra hälften av 1800-talet.
Som en självständig typ av musikuppträdande utvecklades dirigering under första hälften av 1800-talet , men även på egyptiska och assyriska basreliefer finns det bilder av en man med en stav i handen som leder en grupp musiker. I den antika grekiska teatern ledde armaturen kören, slog rytmen med sin fot, skodd i en sandal med järnsula [ 1] . Samtidigt, redan i antikens Grekland , var ledningen av kören med hjälp av den så kallade cheironomin (av antikgrekiskan χείρ - hand och νόμος - lag, regel) utbredd, som sedan övergick i kyrkans praktik. uppträdande i medeltida Europa; denna typ av dirigering involverade ett system av villkorade hand- och fingerrörelser, med hjälp av vilka dirigenten angav tempo , meter , rytm för koristerna , återgav melodins konturer - dess rörelse uppåt eller nedåt, etc. [1]
Med komplikationen av polyfonin och utvecklingen av orkesterspelet blev en tydlig rytmisk organisation av ensemblen av artister mer och mer nödvändig, och metoden att dirigera med hjälp av en battuta , en pinne gjord av olika material, inklusive guld, som tjänat till att slå takten, kom gradvis i praktiken. Den tidigaste bilden av ledningen av ensemblen (kyrkan) med hjälp av en studsmatta går tillbaka till 1432 [1] .
Battuta var ursprungligen en ganska massiv käpp; orkesterns ledare slog tiden och slog den i golvet - sådan dirigering var både bullrig och osäker: J. B. Lully , medan han dirigerade med käppspetsen, tillfogade sig själv ett sår, vilket visade sig vara dödligt [2] . Redan på 1600-talet fanns det dock mindre bullriga metoder för ledning; så, i en ensemble, kunde en av dess medlemmar, oftast en violinist , leda föreställningen, som räknade takten med pilbågeslag eller huvudnickningar [1] .
Med tillkomsten av generalbassystemet på 1600-talet övergick dirigentens uppgifter till musikern som spelade generalbasens roll på cembalo eller orgel ; han bestämde tempot genom en serie ackord , men kunde också indikera med ögonen, nicka med huvudet, gester eller till och med, som till exempel J. S. Bach , sjunga en melodi eller slå på rytmen med foten [1] . På 1700-talet fick basgeneralen allt mer hjälp av den förste violinisten -konsertmästaren , som satte tonen med sitt fiolspel, och kunde, efter att ha slutat spela, använda stråken som studsmatta [3] . På 1700-talet spreds utövandet av dubbel och trippel ledning - när man framför komplexa vokala och instrumentala kompositioner: till exempel i operan kontrollerade cembalisten sångarna och ackompanjatören orkestern; den tredje ledaren kunde vara den första cellisten som spelade bas i opera recitativ, eller körledaren ; i vissa fall kan antalet ledare nå upp till fem [4] .
När generalbassystemet vissnade bort (under andra hälften av 1700-talet) ökade violinisten-ackompanjatörens betydelse; och på 1800-talet bevarades denna metod för dirigering i framförandet av enkla kompositioner, i synnerhet i balsalar och trädgårdsorkestrar; det används ofta även idag i framförandet av tidig musik [4] [5] .
Utvecklingen och komplikationen av symfonisk musik , den gradvisa expansionen av orkestern redan i slutet av 1700-talet krävde att dirigenten befriades från deltagande i ensemblen; den dirigerande ackompanjatören gav återigen vika för den som stod framför orkestern [4] . Samtidigt kunde en tub gjord av läder fylld med ull, eller en sedelrulle [1] användas som studsmatta . I början av 1800-talet dök en liten träpinne upp i konduktörens hand. I Wien användes dirigentens batong först av Ignaz von Mosel 1812 ; 1817 drev K. M. Weber i Dresden och L. Spohr i Frankfurt am Main [4] orkestern med hjälp av en käpp .
I århundraden framförde kompositörer som en allmän regel sina egna verk: att komponera musik var kapellmästaren , kantorn och i andra fall organistens ansvar ; dirigeringens gradvisa förvandling till ett yrke började under 1700-talets sista decennier, då tonsättare dök upp som regelbundet framförde framföranden av andras kompositioner. Så i Wien, sedan 1771, på offentliga välgörenhetskonserter i Musical Society, som först leddes av Florian Leopold Gassmann , och sedan under åren av Antonio Salieri , kompositioner av avlidna kompositörer eller samtida som av en eller annan anledning kunde inte personligen deltar i konserter, framfördes ofta [6] [7] . Bruket att framföra utländska kompositioner under andra hälften av 1700- talet spred sig även i operahusen : utländska operor dirigerades ofta av K.V.
Om kompositörer-dirigenter på 1700-talet framför allt uppträdde med sina egna orkestrar (kapell), med undantag för endast operakompositörer som satte upp och framförde sina verk i olika städer och länder, så uppträdde på 1800-talet gästartister på konsertscenen, uppträda som med sina egna, och med andras kompositioner, dirigera andras orkestrar, som till exempel Hector Berlioz och Felix Mendelssohn , och senare R. Wagner [4] .
Det har inte med säkerhet fastställts vem som var den förste, om man bortser från dekorum, att vända ryggen åt allmänheten, inför orkestern, G. Berlioz eller R. Wagner, men inom orkesterledningskonsten var det en historisk vändning som säkerställde en fullfjädrad kreativ kontakt mellan dirigenten och orkesterkonstnärerna [4] . Gradvis förvandlades dirigering till ett självständigt yrke, som inte var relaterat till kompositörens kreativitet: att hantera en övervuxen orkester, tolka allt mer komplexa kompositioner krävde speciella färdigheter och speciell talang, som skilde sig från talangen hos en instrumentalmusiker [10] [11] . "Att dirigera", skrev Felix Weingartner , "kräver inte bara förmågan att fullt ut förstå och känna ett musikaliskt konstnärligt skapande, utan också ett speciellt tekniskt grepp, det är svårt att beskriva och kan knappast läras ... Denna specifika förmåga är ofta inte på något sätt kopplat till allmän musikalisk talang. Det händer att något geni berövas denna förmåga, och en medioker musiker begåvas med den” [12] . Bland de första professionella dirigenterna att uppnå internationellt erkännande är Hans von Bülow och Hermann Levy ; Bülow blev den första dirigenten i historien att turnera med orkestrar, inklusive Berliner Philharmoniker [13] .
Fram till 1700-talet förknippades dirigering i Ryssland främst med körframträdande, och först och främst med kyrkomusik [14] . För ledare för kyrkokörer, regenter , utvecklades vissa metoder för dirigering, som särskilt nämns i N. P. Diletskys Musician Grammar , som går tillbaka till andra hälften av XVII-talet [ 14]
De första orkesterdirigenterna var livegna musiker som ledde privata kapell; så den mest kända bland dem, Stepan Degtyarev , ledde Sheremetev- orkestern [14] . Under 1700- och 1800-talen i Ryssland, såväl som i Västeuropa, var dirigering som regel förknippad med kompositörens kreativitet: kända dirigenter vid en tidpunkt var Ivan Khandoshkin och Vasily Pashkevich , på 1800-talet - Mily Balakirev och Anton Rubinshtein [14] .
Den första professionella dirigenten (som inte var en kompositör) kan betraktas som Nikolai Rubinstein , som från början av 60-talet av XIX-talet var en permanent dirigent för symfonikonserter i Moskva, turnerade som dirigent i St. Petersburg och andra städer, var den första ryska artisten av många verk som rysk (först av allt , P. I. Tjajkovskij ), såväl som utländska kompositörer [14] [15] . Men om Rubinstein var känd utomlands i första hand som en framstående pianist, så blev Vasilij Safonov den första ryska musiker som redan i början av 1900-talet fick internationellt erkännande, just som dirigent [16] [17] .
På tal om Rysslands dirigenter kan man inte annat än nämna den enastående läraren för de flesta av de ryska dirigenterna som vi känner till idag, detta är Musin Ilya Aleksandrovich , som ägnade cirka 70 år åt att lära ut dirigentens skicklighet.
Prestigen för dirigentyrket växte särskilt i början av 1900-talet; utbredd beundran för personen bakom podiet gav Theodor Adorno anledning att skriva: "... dirigenternas offentliga auktoritet överstiger i de flesta fall vida det verkliga bidraget från de flesta av dem till framförandet av musik" [18] . Samma överväganden på 1920-talet gav upphov till försök att skapa orkestrar utan dirigent, och den första sådana orkestern, Persimfans , skapades i Moskva 1922 [19] [20] . Idén motiverade sig dock inte: både Persimfance själv och andra orkestrar skapade enligt hans modell visade sig vara kortlivade [20] [19] .
Från 1800-talets andra hälft dominerade den tysk-österrikiska dirigentskolan i Europa, vilket inte minst berodde på den tysk-österrikiska symfoniska musikens övervägande i konsertrepertoaren; vid sekelskiftet representerades den främst av de så kallade "post-Wagner-femman": Hans Richter , Felix Motl , Gustav Mahler , Arthur Nikisch , Felix Weingartner, och senare av nästa generations dirigenter: Bruno Walter , Otto Klemperer , Wilhelm Furtwängler , Erich Kleiber och den holländska tyska skoldirigenten Willem Mengelberg [1] . Denna skola, som grundades i romantikens tidevarv, behöll fram till mitten av 1900-talet vissa särdrag som är inneboende i den romantiska riktningen i musikaliskt framträdande [21] .
Eftersom den romantiske dirigenten kände sig som medskapare av den framförda kompositionen, stannade den ibland inte innan han gjorde vissa ändringar i partituret, främst beträffande instrumentering (vissa korrigeringar gjorda av romantikerna till L. van Beethovens sena kompositioner accepteras fortfarande av dirigenter [22] ), desto mer såg jag inte en stor synd i att avvika, efter eget gottfinnande, från de tempon som anges i partituret etc. [23] Detta ansågs berättigat, eftersom inte alla de stora kompositörerna från det förflutna bemästrade orkestrering till perfektion, och Beethoven, som det antogs, hindrades av dövhet från att tydligt presentera föreställa sig en ljudkombination [24] [25] . Mycket ofta gjorde kompositörerna själva efter den första lyssningen korrigeringar av orkestreringen av sina kompositioner, men alla hade inte möjlighet att höra dem [26] .
De friheter som Wagner och sedan Hans von Bülow tog sig med avseende på partitur fördömdes ofta av deras samtida. Således ägnade Felix Weingartner en betydande del av sin bok "On Conducting" åt en polemik med Bülow [27] . Dirigentens intrång i partitur försvann gradvis in i det förflutna (under första hälften av 1900-talet kritiserades sådana intrång främst av Willem Mengelberg och Leopold Stokowski ), men länge fanns det en önskan att anpassa verk av sedan länge borta kompositörer till den moderna publikens uppfattning: att "romantisera" verken från den förromantiska eran, att framföra musiken från 1700-talet med hela kompositionen av 1900-talets symfoniorkester ... Allt detta orsakade en "anti- romantisk” reaktion i musikaliska och nära musikaliska kretsar i början av 1900-talet [28] ). Ett betydelsefullt fenomen i musikframförandet under andra hälften av 1900-talet var rörelsen " autentiker ". Den obestridliga fördelen med denna riktning, representerad av Gustav Leonhardt , Nikolaus Harnoncourt och ett antal andra musiker, är utvecklingen av stildragen i musiken på 1500-1700-talen - de egenskaper som romantiska dirigenter var mer eller mindre benägna att försumma. [5] [29] .
Eftersom inte alla prestationer från "autenticisterna" är obestridliga, letar de flesta moderna dirigenter, när de hänvisar till musiken från 1700-talet (icke-autenticister framför sällan verk från längre tider), efter deras gyllene medelväg mellan romantik och "autenticism". , ofta samtidigt som de imiterar dåtidens metoder för dirigering - de styr orkester, sitter vid pianot eller med en fiol i handen [5] [29] .
Framförandet av symfonisk musik kräver av en modern dirigent, förutom musikalisk talang, ett speciellt utbildat öra (för en dirigent, som Bruno Walter trodde , är viktigare än absolut tonhöjd känslighet för nyanser av dynamik, för ljudproportioner mellan individuella röster [ 30] ) och formkänsla, en grundlig musikteoretisk utbildning och breda kunskaper inom musiklitteraturområdet [31] . Dessutom, skrev Bruno Walter, "endast en stor presterande personlighet kan förstå och avslöja det stora i en annans verk" [32] . En operadirigent behöver också en dramatisk känsla och en god kunskap om sångteknik [ 31] . Som konstnärlig ledare för en musikgrupp måste en dirigent vara psykolog, lärare, ha organisatoriska färdigheter och ledaregenskaper [31] [11] .
För närvarande vägrar många dirigenter att använda batongen - i allmänhet eller i de långsamma delarna av kompositioner; Vasilij Safonov (sedan tidigt 1920-tal) [1] och Leopold Stokowski dirigerade utan en pinne under första hälften av 1900-talet . Leo Ginzburg noterade att under årens lopp har mindre och mindre uppmärksamhet ägnats åt manuell teknik i den vetenskapliga litteraturen: den är väldigt individuell och i praktiken motbevisar ofta alla teorier [33] . Här kan endast allmänna konturer anges: det starkaste (första) slaget i takten indikeras av högerhandens rörelse nedåt, den svagaste (sista) - av högerhandens rörelse uppåt, resten (om någon) är fördelade mellan dem och bildar det så kallade metriska rutnätet . Förutom en sådan definition av tempo och rytm , med ytterligare rörelser av händer, huvud, hela kroppen, såväl som ansiktsuttryck, indikerar dirigenten arten av musikframförandet både för ensemblen som helhet och för dess enskilda grupper och deltagare [31] . En gång väckte Richard Wagner allmänhetens indignation genom att han dirigerade symfoniska kompositioner utantill; på 1900-talet blev uppträdanden i konserter utan partitur på konsolen och till och med utan konsol normen: "En bra dirigent", sa Hans von Bülow, "håller noten i huvudet, och en dålig håller huvudet i poängen” [34] [35] . Om dirigenten inte kan slita sig från partituret, skrev F. Weingartner, är han inget annat än en vispar och har ingen rätt att göra anspråk på titeln som en artist [35] . För Wagner och Bülow, och för deras många anhängare, var ögonkontakten med orkestern viktig; å andra sidan påminde Weingartner en gång om att publiken "bör lyssna på musiken och inte bli förvånad över dirigentens goda minne" [36] , och man kan ofta observera hur dirigenten bläddrar igenom partituret, nästan utan att titta på in i den - utan att ta blicken från orkestern; många, i alla fall, övervägde och anser fortfarande demonstrativt dirigerande utantill i dålig smak [31] [35] .
Tillämpningsområdet för dirigeringkonsten har utökats avsevärt redan under 1900-talet: film, radio, tv och en inspelningsstudio har lagts till på konsertscenen och musikteatern [37] . Samtidigt, både på bio och i dramateatern , är dirigering av tillämpad karaktär, och direktkontakt med publiken tappas i radio, tv och i studion: "Det skapas", Leo Ginzburg skriver, "ett slags produktion av en industriell ordning" [37] .
Yrket som dirigent är fortfarande övervägande manligt, men på 1900-talet började även kvinnliga dirigenter dyka upp: vid sekelskiftet dirigerade Elfrida Andree öppna konserter i Göteborg ; en framgångsrik dirigent var Nadia Boulanger ; Jeanne Evrard ledde sin egen Paris Women's Orchestra 1930 [38] . I Sovjetunionen var den första kvinnliga dirigenten Veronika Dudarova , som först stod på podiet 1944 [39] . Den nuvarande kvinnliga dirigenten i Ryssland idag är Sabriye Bekirova, elev till Musin Ilya Alexandrovich