Konstnär ( bulgarisk konstnär , ukrainsk konstnär, smal, konstnärlig person , från ( Old Slav Khedog ), från gotisk handugs - klok; gotisk handags - fingerfärdig, från handus - hand) [1] - i vardaglig mening är en konstnär en person som gör konst [2] . Men vi kallar ofta en konstnär för en person som inte bara arbetar inom konstområdet , utan också inom andra typer av konstnärlig kreativitet, och även metaforiskt: en konstnär inom sitt område inom alla områden av kreativ verksamhet. Därför är en annan definition mer acceptabel: "en kreativ person, en expert, en mästare utrustad med konstnärlig talang och kreativ fantasi" [3] .
Det är nödvändigt att skilja mellan begreppen estetisk och konstnärlig verksamhet. Redan på 1960 -talet förklarade M. S. Kagan , vid föreläsningar om estetik, skillnaderna mellan områdena estetiskt och konstnärligt medvetande, och ritade med krita på en svart tavla ett diagram av två cirklar, som delvis överlappar varandra. Därefter klargjorde M. S. Kagan sådana samband i böckerna "Human Activity" (1974), "Aesthetics as a Philosophical Science" (1997), och betonade att dessa begrepp inte kan synonymiseras eller betraktas som konstnärliga endast som "den högsta manifestationen av det estetiska" . Ett konstverk kan bara vara delvis inom det estetiska området eller helt gå utanför det, och estetisk aktivitet i sin tur kanske inte sammanfaller med konstnärlig verksamhet. Så att till exempel plocka upp färgade stenar på stranden eller ordna möbler i ett rum, hänga bilder på väggarna är estetiska, men inte konstnärliga aktiviteter. Samtidigt blir en person som tar hand om skönhet inte en konstnär [4] .
Ett förtydligande är det faktum att vi kallar konstnärlig aktivitet en kreativ aktivitet utformad för att skapa inte bara estetiska värden (skönhet), utan också konstnärliga bilder - "prägla ett objekt i ett annat", skapa en ny integritet, generalisera enligt tre grundläggande principer :
Den konstnärliga bilden är alltid konkret, individuell (subjektiv) och känslomässig. I skickligt materialarbete uppstår som regel inte ett enkelt hantverk, en figurativ modell. Estetisk aktivitet producerar inte konstnärliga bilder, utan harmoniserar bara de objekt som faktiskt existerar och deras mentala modeller; med hjälp av konstnärlig aktivitet "fördubblar en person sig i den figurativa modellen" och i materialet för den här eller den typen av konst. Figurativt tänkande "inducerar att fördubbla det upplevda objektet så att konstnären själv präglas i det" [7] . I det estetiska medvetandet - känslan och upplevelsen av skönhet - löses en person så att säga upp, avpersonifieras i det föremål som upplevs; inom konsten stör den aktivt verkligheten. Därför är inte varje bild estetisk och konstnärlig, en konstnärlig bild kan vara ful, och en estetisk är inte nödvändigtvis konstnärlig.
Det specifika med mänsklig konstnärlig aktivitet ligger i den holistiska interaktionen mellan många av dess komponenter.
Det finns vanligtvis fyra huvudkomponenter:
Alla av dem kännetecknar separat den här eller den sortens mänskliga aktivitet. Tillsammans förvärvar de ett specifikt ämne - konstnärlig kreativitet, som förverkligas genom vissa kreativa metoder, metoder och tekniker i begreppet " komposition " [8] .
I de romanska språken finns det ingen språklig och semantisk skillnad mellan begreppen "konst" och "konst". Konst, konst, skicklighet, hantverk, konstnärskap betecknas på samma sätt (engelsk, fransk konst, italiensk arte, tysk kunst). Därför har andra kategoriska relationer utvecklats inom den västeuropeiska estetiken, vilket särskilt avspeglas negativt i samtidskonstens teorier. Till exempel kan begreppet "konstobjekt" betyda vad som helst: ett verk av fin eller icke-konst, dadaism , installationer, kroppskonst , färdigt , ofta med varken estetiska eller konstnärliga egenskaper. Den mest rymliga definitionen: "Konstnärlig kreativitet är en del av kulturen, mänsklig aktivitet (mental och materiell) för att skapa konstnärliga bilder av den "humaniserade världen", som återspeglar den högsta, andliga verkligheten" [9] . I den ortodoxa traditionen kallas konstnären ofta till som Herren Gud [a] .
Människans primitiva visuella aktivitet var inte estetisk och konstnärlig i modern mening av dessa ord på grund av synkretismen (oskiljaktigheten) av de ursprungliga funktionerna: rituell, magisk, kognitiv, pedagogisk, kommunikativ, kreativ (teknisk). Även bilders estetiska kvaliteter utvecklades och förverkligades långt senare. Detta bevisas övertygande av hällristningarna av "naturlig stil av primitiva jägare" och den så kallade "naturliga modellen av odjuret" [11] [12] .
Även under antiken är "konst" fortfarande holistisk, varken estetisk eller egentlig konst, inte heller kognitiv eller "produktion" (tekniska funktioner) sticker ut från den. Daedalus ansågs vara den första mytologiska konstnären , men han var samtidigt en skulptör, en gjuteriarbetare och en hantverkare-uppfinnare. I det forntida Egypten dekorerade konstnärer gravar och stenhus, och konstnärens hantverk var nära förknippat med tillverkning av färger [13] . I det forntida Egypten ansågs skapande av bilder vara en magisk handling, och konstnärer var vördade i nivå med präster.
De gamla grekerna förstod konst som vilket välgjort arbete, hantverk som helst. Utan att dela begreppen material, estetiskt och konstnärligt värde betecknade de det med ett ord "techne". A.F. Losev skrev: "De gamla delade i allmänhet mycket svagt upp konst och hantverk, såväl som konst och mental aktivitet, vetenskap, eller, som grekerna sa, visdom ... Homer känner inte till skulptur eller målning" som självständiga konstformer , men beskriver i detalj "olika sorters konstnärliga produkter... Homers konst är helt identisk med hantverket, och det finns inget sätt att dra en bestämd gräns mellan det ena och det andra här" [14] .
Även i det klassiska Grekland var guden Apollo nedlåtande för hela komplexet av "musikaliska" (senare: fina) och "tekniska konster" (inklusive vetenskap och hantverk) [15] . Och bara gradvis skildes de "mekaniska konsterna", som beskyddades av Athena och Hefaistos , från "musikkomplexet" .
På medeltiden reflekterade ikonmålare och fresker, till exempel Andrey Rublev [16] ), enligt kyrkans tradition, den "transcendenta", obeskrivliga gudomliga essensen, och ansågs därför inte fullt ut vara upphovsmännen till deras verk. Endast i Italien under renässansen började intensivt utveckla de morfologiska processerna för självbestämmande av olika typer, typer, sorter och genrer av konst, bildandet av personligheten hos en fri konstnär-skapare, självständigt ingå affärsrelationer med kunden. Samtidigt hävdades konstnärens rätt att "komponera berättelser". Men under lång tid förblev den mimetiska (imitativa) och inte den kompositionella funktionen hos de sköna konsterna den huvudsakliga . "Staffel"-konst bildades, måleri och skulptur separerades från utrymmet för arkitektur och tekniskt hantverk: konstnärer frigjorde sig gradvis från hantverksverkstadens beroende [17] [18] .
Enligt konstkritikern N. O. Tamruchi, vid mitten av 2000-talet, styrdes de flesta konstnärer av rationella kommersiella relationer, och skapandet av absolut icke-kommersiella saker var ett sällsynt icke-definierande fenomen i deras liv, i samma intervju, Natalia Tamruchi hävdade att fall då konstnärer kunde vara likgiltiga för den sociala miljön vid den tiden var extremt sällsynta, eftersom "fria konstnärer" var mer beroende av pengar och kritiker än deras kommersialiserade hantverkare:
Konstnären som skapar fritt är mer beroende av plånboken än den kreativa hantverkaren. För hantverkaren – arkitekt eller designer – får betalt först. Och de är inte längre beroende av dem. Vad han kommer att göra efter att han har fått ordern och verkställt kontraktet beror bara på vad han är kapabel till. Men en frilansande konstnär, om han vill få pengar för sitt verk, i processen att skapa det, måste han ta hänsyn till allmänhetens smak, galleristens smak, kritikernas smak, det vill säga miljön ... Om han förstås inte vill flytta, vill bli en framgångsrik artist.
- N. O. Tamruchi, tidning [kak) nr 30-31 / 2004Konstchefen och galleristen Marat Gelman [19] hade en annan synvinkel , 2008 hävdade han att i det ögonblick då den yttre miljön började diktera vilken typ av konst hon behövde, motsatte sig den samtida konstnären det:
De sfärer som livnär sig på konst börjar någon gång vilja påverka konsten, och i det ögonblicket börjar konstnären bygga gränser för icke-penetration: känn din plats.
— Marat Gelman: "Kris är inte ett hinder för konst ..." [20]Men i en historisk aspekt medgav Marat Gelman att konstnären var tvungen att ta hänsyn till politikens och marknadens egenheter:
Historiskt sett är konsten evig och marknaden har olika former. Och marknaden är bara vettig som ett sätt att finansiera konst. Pengar är konstens blod. En gång i tiden var kyrkan den enda kunden, det var nödvändigt att följa proverna, ta emot en beställning, delta i intriger. Sedan var det upplysningstiden, upplysta härskare finansierade konst, det var nödvändigt att gissa deras smak ... Det är fullt möjligt att marknaden kommer att ändra sina former.
— Marat Gelman, Konst och pengar [21] 2010 -taletI början av 2010-talet trodde konstchef Victor Misiano att konstnärlig praktik i Ryssland speglar den politiska situationen, så det krävs antingen som en propagandaresurs eller som en lyx- och underhållningsindustri, curatorn lyfte också fram några drag från den perioden, till exempel, svarar På frågan om krisen var bra för rysk konst sa Victor Misiano följande:
Jag har redan hört en liknande synpunkt, att krisen kommer att vara till fördel för den konstnärliga situationen. Däremot tror jag att om konstnärer tänker på marknaden som det optimala sammanhanget för sin konst, så är det osannolikt att de vid tidpunkten för den ekonomiska nedgången kommer att förändras: de kommer helt enkelt att försöka anpassa sig till nya marknadsförhållanden.
Samtidigt är just det faktum att vår opinion förknippar ett visst positivt perspektiv med krisen avslöjande. Det betyder att för honom sker konstens utveckling på ett eller annat sätt uteslutande genom pengar! Det är inte detta konstsamfundet ska oroa sig för.
- Victor Misiano: "En droppe sliter bort en sten" [22]