Teater i Västeuropa har en lång, strålande historia.
Huvudartikel Teater i antikens Grekland och romersk teater
Under medeltiden blev kyrkan vaggan för en ny teaterkonst : andliga dramer, eller mysterier , utvecklades gradvis från kyrkans liturgiska hymner . Till en början utfördes mysterierna endast av präster, kyrkokörer av pojkar, munkar och noviser; då började lekmännen ta del av dem. Senare övergick utförandet av mysterierna till vissa föreningar, brödraskap och sällskap. Folkföreställningar fortsatte att finnas, som framfördes av kringresande skådespelare och deras efterföljare, sångare och instrumentalister: de förra spelen var mestadels av komisk karaktär, de senares spel var tydligen övervägande av allegorisk karaktär. Av de förra bildades med tiden farser, karnevalsspel ( fastnachtspiel ) och schwanks , såväl som entremeses och commedia dell'arte , och av de senare moraliter och pastoraler . Moral och pastoral, som dels var lärd, dels hövisk, älskades särskilt vid hoven och i adelshemmen; farser etc. var utbredda bland allmogen och utspelades av hantverkare. Var och en av de olika formerna av teaterföreställning antog de andras beståndsdelar.
Aktörer från företag och hantverkare gav plats för professionella skådespelare, som kombinerade i sin person all den konst som fanns på den tiden (musik, drama, dans, fäktning, hoppning). Professionella skådespelare dök först upp i England, där teatern fanns redan i början av 1500 -talet. nått en lysande och originell utveckling. Under andra hälften av XVI -talet. representanter för detta fria yrke - först alla typer av "spelare", det vill säga musiker, trollkarlar, roliga skämtare och sedan riktiga skådespelare - börjar göra resor till kontinenten, särskilt till Danmark, Holland och Tyskland. Under första hälften av XVII -talet. företag med ambulerande engelska skådespelare finns överallt - vid tyska prinsars domstolar, i alla kejserliga städer, i Belgien, Mähren, Polen, och vinner snabbt stor popularitet under namnet "engelska-holländska" eller helt enkelt "holländska" företag, eftersom de vanligtvis åkte till Centraleuropa genom Holland. Till en början bestod dessa trupper endast av engelsmän och gav sina föreställningar på engelska. språk. I engelska föreställningar lockades åskådare som inte ens förstod språket av musik, sång, dans och clownens clowniska tricks , som var en oumbärlig deltagare i föreställningarna. Med tiden lärde sig engelsmännen tyska, och sammansättningen av de engelska trupperna förändrades gradvis: holländska och tyska skådespelare anslöt sig till dem, så att det var möjligt att helt lämna det engelska språket. Slutligen tog de tyska skådespelarna en avgörande fördel: det fanns sådana sällskap där det inte fanns en enda engelsman och som ändå fortsatte att kallas "engelska" eftersom detta namn var på modet och indikerade en viss karaktär av föreställningarna. Efter trettioåriga kriget lämnade engelska komiker gradvis scenen, men deras inflytande märktes fortfarande i tysk dramatisk litteratur under lång tid. Dessa professionella scenfigurer förde till Tyskland och etablerade under lång tid en speciell repertoar på den tyska scenen, som skilde sig kraftigt från det tyska skoldramat både i pjäsens form och innehåll. Genom att förkasta alla regler för "dramatisk komposition", varje moralistisk tendens och inte iaktta någon handlingsenhet, tog engelsmännen innehållet i sina pjäser från den heliga och världsliga historien, från riddarromantiken och legenden , från folktraditionen, gammal ballad , italiensk kort. story , engelsk krönika , etc. etc. och bearbetade det valda ämnet med full frihet, vårdade endast om största möjliga sceneffekt. De högsta formerna av sekulärt drama började utvecklas så smått bara under inflytande av antikt drama . Först i Spanien och England fick denna utveckling, tack vare de stora poeterna ( Lop de Vega och Shakespeare ), en verkligt nationell karaktär och nådde under 1500 -talets sista fjärdedel. och första hälften av 1600 -talet. en aldrig tidigare skådad blomstring. I Italien och Frankrike underkastade sig det nationella dramat, huvudsakligen tragedin , det klassiska inflytandet; endast de lägre formerna av folkkomedi stod emot detta inflytande. Under den pseudoklassiska teaterns regeringstid i Frankrike, och efter den i hela Europa, kännetecknades skådespelarskolan av konstgjord melodisk recitation , överdrivet patos av tragiska tal, pretentiös pompositet och rutinmässiga rörelser och gester. Revolutionen i denna skola gjordes av den berömda Talma , vilket gav spelet mer naturlighet, diktion - mer enkelhet. Talmas pjäs, efter att ha genererat imitatorer och anhängare, skapade en skola av tragisk lek, vars spår till viss del finns bevarade även nu i franska och tyska tragediers pjäs. På grundval av tysk dramatisk poesi från XVIII -talet. och fransk melodrama, en skola för romantik föddes , en av de ljusaste företrädarna för vilka kan betraktas som Frederic Lemaitre . Slutligen, med den verkliga riktningens triumf i teatern, skapas de spelmetoder som motsvarar den; en riktig skola bildas, vars största representanter är Salvini , Rossi , Duse .
Den moderna exemplariska franska scenen, Comédie-Française , grundades av Ludvig XIV 1680 ; det bildades av en kombination av tre trupper: truppen av Burgundy Hotel , som sedan 1607 hyrde salen för passionens brödraskap; gruppen av Molière , som efter hans död ( 1673 ) tvingades att dra sig tillbaka från Palais-Royal till teatern i Genego , och, slutligen, truppen av teatern Marais ; syftet med föreningen var att ge aktörerna möjlighet till allt större förbättringar. Den nya teatern fick privilegiet att iscensätta tragedier och komedier och fick ett årligt bidrag på 12 000 francs; antalet skådespelare bestämdes exakt; ledningen av teatern. Från kombinationen av Corneilles och Racines repertoar med Molières repertoar skapades således den franska klassiska scenen. Skådespelarna kallades kungens vanliga skådespelare ( fr. comédiens ordinaires du roi ). År 1689 byggde truppen en speciell sal åt sig själv på Rue Fossés Saint-Germain (senare Rue de l'Ancienne Comédie) och blev sedan känd som teatern Comédie-Française; teatern förblev i denna byggnad till 1770 . Till en början kunde denna teater bekämpa konkurrensen av gatuföreställningar (dockor, akrobater , gatusångare) endast med hjälp av polisåtgärder. Tiden från 1740 till 1780 var den mest lysande perioden i Comédie-Françaises historia: under denna tid dominerade Voltaires dramer scenen och ett antal utmärkta artister spelade, som Grandval, Lequin , Bellecour , Preville , Mole , Monvel , Brizard , Dugazon , ; _____andraochComte,Dangeville,Cleron,Dumesnilskådespelerskorna i denna sista byggnad, 1784, ägde den första föreställningen av Figaros bröllop rum . Under revolutionen var teaterns situation sorglig: som ett resultat av uppsättningen av Layas anti-republikanska pjäser fängslades både författaren och artisterna och släpptes bara lite i taget.
År 1803 bosatte sig teatern permanent i Palais Royal , där Moliere en gång spelade, och förblir där till denna dag. Det statliga bidraget till teatern höjdes till 100 000 francs om året. Comédie-Française fick en fast organisation genom Napoleons dekret , undertecknat den 15 oktober 1812 i Moskva ; detta dekret kompletterades och ändrades 1859 . Ledningen av teatern tillhör en kommitté på 6 medlemmar, ledd av en person utsedd av regeringen (sedan 1885 - Jules Claretty); kommittén sköter inte bara teaterns ekonomiska angelägenheter och väljer sociétaires (fasta medlemmar i truppen, till skillnad från internatskapsmedlemmar), utan fungerar också som en teatralisk och litterär kommitté som beslutar om antagande eller avslag på föreslagna pjäser. Teaterstödet är för närvarande 240 000 franc. Den franska komedietruppen hade ständigt de mest framstående artisterna mitt ibland sig (skådespelerskorna Georges , Mars , Dorval , Rachel , Sarah Bernhardt , skådespelarna Bressan , Lafontaine , Coquelin senior och junior , Mounet-Sully , Guo ). Hittills är den främsta fördelen med Comedie-Française dess exemplariska ensemble, som i kombination med noggrann iscensättning, vaksam flit och respekt för traditioner ger teatern en lysande framgång när det gäller att framföra inte bara verk av de stora franska klassikerna, utan också dramer och komedier ( Scribe , Dumas son , Ogier , etc.).
År 1813 fanns det i Frankrike, exklusive Paris, 128 stationära teatrar. I Lyon och Rouen fanns två vardera, i Bryssel och Marseille - tre vardera, och i välmående Bordeaux - hela fyra. Parisiska stjärnor turnerade ständigt här: Talma , Mademoiselle Mezre, Brunet, familjen Volange.
Ett slags förberedande scen för "Comedie-Française" är teatern " Odeon ". I allmänhet har Frankrike fortfarande en ledande ställning inom scenspelsområdet. Detta förklaras inte bara av det faktum att fransmännen, genom själva karaktären av sin nationella karaktär, är disponerade för teaterverksamhet. Av jämförelsevis sekundär betydelse är skolan, även om bland dem som är avsedda för teatern och strävar efter att komma in på Paris konservatorium , är konsten att läsa och recitera högt utvecklad; utmärkt diktion är den enda omistliga egenskapen hos alla franska skådespelare, som de delvis har sin skolgång att tacka. Det huvudsakliga medlet för konstnärlig utbildning av framtida scenfigurer är överflödet av vackra levande exempel på de parisiska scenerna, den nära kopplingen som förbinder konservatoriet med den franska komedins exemplariska scenen och det noggranna iakttagandet av de traditioner som lämnas åt den moderna generationen av skådespelare av sina berömda föregångare.
Nya rörelser inom teaterområdet kommer också från Frankrike. År 1887 , i Paris, under namnet Fria Teatern ( fr. Théâtre libre ), uppstod en teaterkrets med syfte att sätta upp pjäser som av en eller annan anledning inte kan komma in på scenerna enligt de vanliga traditionerna. Här sattes förutom pjäser som berörde känsliga frågor av moralisk eller social karaktär främst symboliska dramer. Till en början var denna teater endast tillgänglig för ett utvalt samhälle. Rollerna spelades av amatörer; chefen för hela affären var Antoine , som ersattes av La Rochelle 1895 .
I England försvann det gamla nationella dramat under revolutionen; i dess ställe förde Restaurationen fram det klassiska dramat efter fransk modell, med italienska scenerier, en orkester och kvinnliga skådespelerskor, som på den tiden var en av de nya attraktionerna på teatern. Bara tack vare David Garrick , och senare Kemblew , dyker Shakespeare upp på scenen igen, om än i stympad form. Både Keanes , och i modern tid Irving och Booth (Booth) - den senare främst i Amerika - var också till övervägande del tolkare av Shakespeares pjäser. Generellt sett har modern engelsk teater inte bara förlorat sin självständighet, utan lider ofta av brist på någon mening, för att inte tala om konstnärskap. Hans repertoar består huvudsakligen av översättningar eller bearbetningar av franska och tyska pjäser och romaner, löjliga melodramer i historisk eller sentimental anda och blandade föreställningar med sång, dans, skytte och bengalisk belysning. De bästa teatrarna i London, som Irving's Lyceum-Theatre, tvekar inte att förvandla Goethes Faust , spelad till ackompanjemang av en orkester, till en extravaganza. Till och med Shakespeare är förändrad och "förbättrad" av sina landsmän med infogningar av musik, baletter och processioner.
Den livligaste kampen mellan realistiska och idealistiska framställningssätt ägde rum med varierande framgång i Tyskland, där dramats utveckling passerade in på 1400- och 1500 -talen. nästan uteslutande i händerna på hantverkare. Den regi som framgångsrikt introducerades av Hans Sachs gav plats för skoldramer som gynnades av humanisterna. Skoldramer, som utvecklades särskilt i Tyskland, kallades så eftersom de främst var avsedda för uppförande i skolor och skolbarn; de fungerade som en ganska energisk ledare för humanitära och reformistiska idéer. På XVI -talet. uppförandet av skoldramer i gymnastiksalar och latinskolor blir obligatoriskt (minst en gång om året), vilket resulterar i ett antal nya verk och bearbetningar av denna typ av dramer; Följande dramer från Nederländerna tjänade främst som förebilder för författarna: Wilhelm Gnatheus - "Acolastus", Georg Macropedius - "Hekastus", Johannes Sapidus från Schlettstadt - "Lazarus". I och med reformationens intåg började skol- och folkdramer närma sig varandra. För att göra skoldramatikens inverkan på folket starkare började man skriva det på tyska och översätta det från latin, och vuxna medborgare agerade också som artister. Av dem som skrev skoldramer på latin stack Sixt Birk från Augsburg ut i Tyskland , som skrev dramat "Susanna", Thomas Naogeorg (Kirchmair), som skrev "Pammachius", "Mercator" och "Hamanus", och Christopher Stimmelius , som skrev "Studentenkomödie". I slutet av XVI -talet. schwaben Nikodemus Frischlin och holländaren Kaspar Schoneus skrev latinska skoldramer . Av de personer som skrev skoldramer på tyska är Rollenhagen , Bartol mer känd. Kruger , Martin Rinkkardt . Under andra hälften av XVI -talet. framförandet av skoldramer på latin börjar i jesuitskolor. Här tillkommer, förutom de tidigare, övervägande retoriska inslagen, nya, lånade från italiensk pastoral och operadiktning; Jesuiterna började uppmärksamma föreställningarnas yttre miljö.
Sedan trettioåriga krigets tid har skoldramer gradvis försvunnit i Tyskland och ersatts av föreställningar av trupper som kommer från Holland och England. Genom dem trängde naturalismen , blandad med pompositet, in i Tyskland. Dessa sällskap är grodden till den tyska teatern; från dem kom de första tyska professionella skådespelarna. Den huvudsakliga kontingenten av de senare var studenter. Bland dem var Master Felten , som ledde partnerskapet mellan skådespelare: i detta partnerskap, för första gången i Tyskland, deltog kvinnor. Felten är krediterad för den bästa översättningen av Molières pjäser, även om han samtidigt presenterade harlequinader (gansvurstiades), improvisationer och så vidare. Haupt- und Staatsaktionen . Dessa senare sammanställdes för ambulerande trupper främst från utländska dramer eller från romaner; som en allmän regel trycktes de inte, utan fanns endast tillgängliga i listor; några av dem representerade ett fullständigt dramatiskt verk, andra endast en skiss av ett drama, ytterligare andra var något mittemellan, så att några av huvudscenerna skrevs i form av dialoger, medan andra komponerades av föreningens ledare. I de flesta fall var deras innehåll fantastiska äventyr: seriös action var sammanflätad med komiska utflykter av gunswurst ( harlequin ) eller avbröts av komiska mellanspel. Namnet "Haupt- und Staatsaktionen" kommer av att de skildrade stora hjältedåd och personer som utmärkte sig genom sina bedrifter eller genom sin rang. Enligt innehållet sattes dessa pjäser upp med möjlig prakt ("staat" - i betydelsen "prakt"). Några av de bevarade pjäserna av detta slag har tryckts på senare tid. Dessa idéer nådde en speciell utveckling i slutet av 1600 -talet. Samtidigt påverkades det betydande inflytandet från det litterära dramat, som stöddes vid suveräna domstolar och distribuerades av franska skådespelare. Detta orsakade på 20-talet av XVIII-talet . teaterreformen av Gottsched-Neuber . Det fanns också ett främmande engelskt inflytande, vilket orsakade ett omvänt flöde i naturlighetens riktning.
Ackermann , Eckhoff , Schroeder och särskilt Lessing bör betraktas som grundarna av en verkligt nationell tysk teater . Centrum för den tyska teatern under det sista kvartalet av XVIII -talet. är Hamburg , där de ovan nämnda figurerna bodde, och Mannheim , där baron von Dahlberg var chef för hovteatern och där Iffland började sin karriär . I slutet av XVIII -talet. Weimar och Berlin kommer också fram . I Weimar, under inflytande av Goethe , som var chef för den lokala hovteatern, uppstod en reaktion mot överdriven naturalism och till förmån för formkonstnärer. Namnet "Weimar skola" syftar därför på scenkonstens akademisk-idealistiska inriktning; huvudrepresentanterna för denna trend på Goethes tid och omedelbart efter honom är K. Unzelman , P. A. Wolf med sin fru Graf , Genast , Malcolm , Caroline Jagemann .
Den motsatta riktningen – realistisk – hade sitt huvudsakliga fäste i Berlins kungliga nationalteater, grundad 1786 av Debbelin- truppen och belägen 1796 till 1814 under ledning av Iffland, och i Wiener Burgtheater , som från 60-talet. XVIII-talet blir centrum för framgångsrik teatralisk verksamhet. Denna realistiska trend bidrog dock till att enskilda särskilt begåvade konstnärer nominerades från den allmänna sammansättningen till förfång för det allmänna intrycket. Goethe insåg redan faran med virtuositet, för vilken Iffland på sin tid var en representant, ofta spelade roller som var ovärdiga för honom, för att få fram hans talang så ljust som möjligt. Från konstnärerna i Berlin Court Theatre, som sedan 1815 kallats "Königliches Schauspielbaus", skådespelerskorna Debbelin , Unzelmann , Betort , Augusta Krelinger och hennes döttrar Berta och Clara Stich, Charlotte f. Gagn , komiker Gern , Davison , L. Dessoir , T. Liedtke .
Wiener Burgtheater grundades 1741 ; fram till 1752 dominerade italiensk opera där, från 1752 till 1772. Fransk komedi och först sedan 1776 slog tysk komedi rot. Dess regissörer var bland annat de kända författarna Laube och Dingelstedt . Av de utgivna artisterna: Tony Adamberger , Korn , Anschutz , Sophie Schroeder , Loewe , La Roche , Louise Neumann , Beckman , Sonnenthal , Friederika Gosman , A. Foerster , Levinsky , Baumeister m.fl.
Hofteatern i Dresden var också ett framstående centrum för dramatisk verksamhet på 1840- och 1860-talen; Här arbetade Carl och Emil Devrient , skådespelerskorna K. Bauer , Bayer-Bürk , Seebach och senare Port , Detmer och skådespelerskan P. Ulrich . Ett utmärkande drag för modernt teaterverk är systemet med gästartister; en konstnär sticker ut betydligt bland sina kamrater, men konstnärliga intressen stannar vanligtvis i bakgrunden och offras för monetära, materiella hänsyn. Till följd av konkurrens i denna riktning av privata teatrar drabbas också av statskassan subventionerade teatrar, som på grund av det ständiga bytet av artister inte kan ta hand om teatrikens systematiska utveckling. Vienna Burgtheater, där naturligheten råder i spelet, förblir trogen denna uppgift mer än andra. Försök att lyfta teatern konstnärligt genom inrättande av teaterakademier, inflytande av särskilda statliga tjänstemän etc. har hittills inte lett till några praktiska resultat. Sedan början av 1870-talet har Meiningens hovteaters verksamhet varit en reaktion mot systemet med gästartister; här försökte man samordna varje konstnärs aktivitet med innehållet i hela pjäsen och uppnå strikt naturlighet i hela den yttre produktionen (kostymer, kulisser etc. ); i sistnämnda avseende tjänade Meiningenianerna som förebilder för alla scenerna.
Under inflytande av Théatre libre bildades i Berlin 1889, på initiativ av Otto Brahm , den litterära och konstnärliga kretsen Free Stage, som satte sig i uppgift att "skapa en scen som skulle vara fri från teatralisk censur och främmande för kommersiella beräkningar." Utan att lägga fram något specifikt program, menade cirkeln att bidra till att allt som är "vitalt, fritt och stort" framträder på scenen; han förkastade endast former som frysts och förlorat sitt innehåll, samt produkter av beräkningar och kompromisser.Till skillnad från Parisian Free Theatre satte Berlinkretsen från första början pjäser uteslutande med hjälp av professionella konstnärer, men under censurförhållanden var även tillgänglig endast för medlemmar i cirkeln. De var förresten först med att sätta upp Hauptmanns Weavers . Efter förebild av fria teatrar i Paris och Berlin uppstod liknande institutioner i München (1891), Wien (1891, men snart stängd), Köpenhamn (1891), London .
Informationen i denna artikel ges i slutet av 1800-talet.