| Dmitry Zhilinsky | |
| Vid havet. Familj . 1964 | |
| Hardboard (eller spånskiva [1] ), gesso , polyvinylacetat tempera , lack. 125×90 cm | |
| State Tretyakov Gallery , Moskva |
"Vid havet. Familj" - en av de mest kända målningarna av folkkonstnären i RSFSR , akademiker vid den ryska konstakademin Dmitry Zhilinsky . Skapad 1964. Det finns i samlingen och utställningen av det statliga Tretjakovgalleriet [2] .
Målningen "Vid havet. Familj”, biträdande chef för Tretjakovgalleriet, Irina Lebedeva , kallade konstnärens visitkort i museets samling. Det återgavs på många vykort, affischer, omslaget till katalogen över konstnärens verk på hans separatutställning. Målningen är en av konstnärens mest kända dukar [3] . En modern konstkritiker ser i målningen "en hymn till livet, kärleken, moderskapet, barndomen, apoteosen av ett sällsynt ögonblick av enhet med familj och natur" [4] .
1961 reste konstnären till Italien , där han studerade renässansmålning [5] . Verken av Giotto och Paolo Uccello [6] gjorde ett stort intryck på honom . Genom att arbeta på den här bilden använde Zhilinsky först en ny teknik för sig själv - tempera [7] . Traditionerna för tekniken för temperamålning på gesso på en spånskiva går tillbaka till bysantinsk och gammal rysk konst, och delvis till verk av gamla europeiska mästare. Tekniken för oljemålning upphörde att uppfylla Zhilinskys avsikter. Konstnären själv mindes: "Någonstans i början av sextiotalet gav min vän Albert Papikyan mig ett tempera och sa:" Enligt min åsikt är detta ditt material "" [8] [9] . Dmitry Zhilinsky använde vanligtvis inte träskivor, utan hårdskivor och spånskivor (mer överkomliga motsvarigheter med styvhet). Innan gesso applicerades på en spånskiva med en ojämn yta limmade konstnären ett tyg på den. Genom att applicera polyvinylacetattempera på bilden kombinerade Zhilinsky den med en ägguleemulsion för styrka och bevarande av färgmättnad [9] .
På utställningen där konstnären först presenterade målningen ”By the Sea. Familj”, placerade arrangörerna den på den grafiska avdelningen med hänvisning till att det inte var en oljemålning . Hon överfördes till målningsavdelningen först efter personligt ingripande av E. F. Belashova , som hade en hög position i Union of Artists of the USSR [10] .
Målningstekniken är polyvinylacetat tempera på hårdpapp och gesso, lackerad [11] (andra alternativ nämns också i tidningspressen, monografier och artiklar, till exempel målad i tempera på en träskiva och gesso och lackad ovanpå [12] [13] , mer ett alternativ är spånskiva [1] ). Storlek - 125 × 90 cm . Målning «Vid havet. Family” finns i samlingen av State Tretyakov Gallery [14] . Hon gick in i museet 1968, med henne började bildandet av en samling verk av konstnären i Tretjakovgalleriet [15] . Zhilinsky talade om förvärvet av denna målning av museet (med bevarande av författarens stavning ):
"Min första lilla bild är "Familj. Vid havet". Tretjakovgalleriet köpte det av mig, jag minns inte exakt hur mycket, men för bra pengar. Tretjakovgalleriet, kulturministeriet , alla klagade då över att alla fackliga utställningar , manegen - och konstnärer försökte göra fantastiska målningar. Och vi, säger de, behöver köpa - och vad ska vi göra med dem? Jag säger: du meddelar att de betalade mig en miljon för en liten, då gör alla små. Men de sa inte så."
— Dmitry Zhilinsky, Alexey Kozyrev [10]För närvarande presenteras bilden i Nya Tretjakovgalleriet i en permanent utställning i sal nummer 36 [1] [16] . Dessförinnan hade hon länge varit i sal nummer 42 i museets huvudbyggnad [17] .
I Tretjakovgalleriets samling finns en skiss med en grafitpenna på papper, 19,9 × 14 cm i storlek , kallad "Porträtt av en son" [8] [18] . Det finns också en annan skiss med en grafitpenna på papper, 57,5 × 39,8 cm i storleken , kallad "Nude girl. Huvud. Hand. Torso " [19] .
Målningen och skisserna till den har upprepade gånger representerat konstnärens verk på hans personliga och kollektiva utställningar. Bland de senaste: "Dmitry Zhilinsky" i det ryska museet (personligt, St. Petersburg , 14 november 2012 - 25 februari 2013) [20] , "The Creation of the World" - en utställning på Ryska konstakademin ( personligt för 90-årsjubileet för konstnären, Moskva, från 24 maj till 18 juni 2017) [21] , “Dmitry Zhilinsky. The Inner Circle" på Tretjakovgalleriet (personlig, Moskva, 13 april - 5 juli 2018) [22] .
Målningen föreställer Svarta havet , som Zhilinsky kallade sitt hemland [3] . På en stenig brygga , mot bakgrund av smaragdvatten och en annan pir i fjärran, står en vacker kvinna i en scharlakansröd baddräkt, kramar sin dotter och smeker en liten pojke [23] . Kompositionens semantiska centrum "Vid havet. Familj" blev bilden av en kvinna - förkroppsligandet av konstnärens idéer om idealet om kvinnlighet och moderskap [8] . Framför dem, efter att ha kommit upp ur vattnet, ser en man rakt ut - far och make [23] . Han reser en fisk på spetsen av harpunen [24] [25] . Figurerna av barn och make kompletterar den harmoniska bilden av familjen. Mor och dotter rör vid varandra med tillförsikt. Mamman höjer handen ovanför sonens huvud, vilket enligt Anna Dyakonitsyna kan tolkas som en skyddsgest. Pojkens hand är riktad mot fisken som hans far har fångat. Familjens överhuvud är den enda av alla karaktärer på duken som tittar direkt på betraktaren. Hans hållning och blick förknippades av konstkritikern av Tretjakovgalleriet med själva situationen att posera, när konstnären målade sitt självporträtt , och titta i spegeln. Dyakonitsyna såg avskildhet och reflektion i sitt utseende - drag av världsbilden hos en person från 1900-talet, som framträdde genom bildens klassiska form och figurativa struktur [8] .
Bildens hjältar är porträtt. Själva målningen är ett självporträtt med hans fru och barn [8] . Enligt Anna Dyakonitsyna visar bilden en harmonisk familj där föräldrar skyddar och stöttar den yngre generationen [5] .
I förgrunden avbildade Zhilinsky sig själv och sin familj [26] :Konstkritikkandidat Olga Baldina beskrev sitt första intryck av målningen under sina yngre år:
”Vid första anblicken väckte verket uppmärksamhet. Det fanns något i den som inte var riktigt bekant för målningen under dessa år, till och med konstigt: någon konvention av bilden på ett obegripligt sätt harmoniskt kombinerat med verkligheten, karaktärernas nästan påtagliga ... Det var inte bara en utvägshistoria, en berättelse om en välmående familj på semester till sjöss. Det fanns något mer i bilden: en lovsång till livet, kärleken, moderskapet, barndomen, apoteosen om ett sällsynt ögonblick av enhet med familj och natur. Genom handlingens skenbara vanlighet lyste något djupt intimt och samtidigt allmängiltigt, nästan symboliskt igenom: familjen som bärare av andliga och moraliska värderingar.
Olga Baldina . Dmitry Zhilinsky - man och konstnär: på mästarens årsdag [4]Decennier senare, redan 2012, noterar Baldina det symboliska djupet i bilden av "modern - vårdaren av familjens härd" och fadern - en stilig, ung och modig person, som påminner om renässansens karaktärer för betraktaren, ser hon ”den kristna symbolikens helighet ” i bilden av fisken [4] .
Enligt Platon Pavlov använder Zhilinsky inte bara tekniken för forntida målning, utan tillgriper i vissa aspekter stilisering. Ansiktsdragens koncentrerade orörlighet i ett självporträtt i bilden, med en ganska stel teckning och en "smidig" målningsteknik, borde i betraktarens medvetande framkalla associationer till porträtt av inte bara den italienska renässansen utan också av den italienska renässansen. så kallad nordrenässans (till exempel med "Porträtt av en man med en nejlika " av Jan van Eyck ). Samtidigt gör Zhilinsky narr av " badritualen ", om sig själv, sina vänner från MOSH . Pavlov ser en lätt ironi i detta. Hon och värmen i bilden av frun och barnen mjukar upp bildens statiska representativitet [34] .
Pavlov noterade att ur perspektiv kan tre delar och tre planer urskiljas i bilden. Den första planen - konstnären och hans familj - har ett linjärt perspektiv . Den andra planen är karaktärerna på en kajak . Den har ett annat system och en annan flyktpunkt; avlägsen plan - egen. Den andra och tredje planen fungerar som bakgrund för den första. Gapet mellan den andra och tredje planen är mindre märkbar. Om du mentalt fortsätter bildplanet till höger och därmed "fullbordar" bilden av kajaken, kommer dess akter att vara nästan i nivå med simmare i bakgrunden. Pavlov skrev: av detta bör följa att avståndet mellan kajaken och badplatsen är obetydligt, dock visar dimensionerna på kajaken och de som sitter i den, i jämförelse med storleken på figurerna i bakgrunden, ett betydande avstånd. . Detta motsägs av synvinkeln från vilken betraktaren ser på kajaken. Dessa motsättningar är inte uppenbara för betraktaren, men en sådan kränkning av perspektivet påverkar uppfattningen av bilden. Betraktaren känner sig "inte tre delar av ett utrymme, utan så att säga tre oberoende delar, förskjutna i en bild av rymden" [35] .
Maria Shashkina noterade att figurerna i den första planen innehåller en tidlös början. Deras ställningar är genomsyrade av betydelse. Konstkritikern liknade bilden av en pojke vid spädbarn i renässansmålningar. I konstnärens självporträtt såg Shashkina fristående orörlighet och anatomisk noggrannhet. Stiliseringar och idealiseringar i andan av de gamla mästarna i förgrundsfigurerna Shashkina kontrasterade med eftertryckligt modern kajakpaddling och båtliv, fiske, glatt badande människor i bakgrunden. Konstnären skildrade dem som roliga, enkelt och fritt kommunicerande med varandra. De bildliga nivåerna, olika i betydelse och stämning, förenas av en balanserad komplex komposition och en enda färg. Den är byggd på kroppslig, röd (som har en speciell betydelse, eftersom den kännetecknas av extraordinära uttryck och förmågan att kombinera en hel rad stämningar och mänskliga tillstånd), gul-oliv och blågröna färger, deras kombination användes av Renässansmästare och ryska ikonmålare. Färgerna är inskrivna med lokala fläckar i ritningens strikta kontur. Konstnären övergav det klassiska perspektivet, den narrativa karaktären och den för genremåleriet karakteristiska sceniska kompositions-spatiala konstruktionen. Färg, enligt Maria Shashkina, ger bilden ett djupt och mångskiktat innehåll, som investerades i den av bysantinska , gamla ryska mästare och senare av Kuzma Petrov-Vodkin [36] .
Den sovjetiska konstkritikern Nina Vatolina noterade att ramen för familjeporträttet på bilden flyttades isär av konstnären för att tillgodose hans vänliga miljö, tillgivenhet och sympatier. Denna bild, liksom andra gruppporträtt av Zhilinsky, är genomsyrad av komplexiteten i andliga förbindelser, sanningshalten i de känslor som är inbäddade i dem. De uppfattas som genre, plotting, men de innehåller "en bred och betydelsefull undertext av författarens tankar, vilket ger allt som händer en speciell djup mening." De två huvudfärgerna som konstnären använder är baddräktens cinnober och vattnets smaragdfärgade färg. De kombineras med den pärlorosa färgen på barnets kropp och de gyllene nyanserna i färgen på de vuxna figurerna, och detta skapar en glad harmoni av rena färger, jämfört med en princip som ligger nära den gamla ryska målningen. Med den glada världen runt omkring kontrasterar konstnärens utseende full av ångest skarpt. I motsats till den fridfulla världen och själens återhållna spänning såg Vatolina "kärlekens väsen, skuggan av smärta och akut sårbarhet som alltid följer med våra anknytningar till nära och kära, som inte lämnar oss, och kanske låter särskilt stark i våra ljusaste ögonblick." Enligt Vatolina ger detta tillvägagångssätt bilden en psykologisk fyllighet. Bland andra fördelar noterade den sovjetiska konsthistorikern: absolut konventionalitet med full respekt för den naturliga formen, harmonisk integritet med stor detaljrikedom, behärskning av utförande, genomträngande ömhet för kvinnlig skönhet och barnets svaghet [37] .
Doktor i konsthistoria Vitaly Manin hävdade att målningen "Vid havet. Familj" visar konstnärens likgiltighet "för sociala kamper, men mycket exakt förmedlar vitaliteten, en persons önskan att finna livets fullhet på semestern, hemma eller i sporten" [38] . Enligt Vitaly Manin tillåter nyheten i målningens färgsystem att den kan hänföras till den "svåra stilen", men temat och dess tolkning avviker från det "svåra" livet som skildrades av representanter för denna trend i sovjetisk målning . Mannen på bilden har ansiktet som en uråldrig hjälte. Kroppsfärgen graderar från faderns maskulinitet till moderns kvinnlighet till barnets försvarslöshet. Denna skillnad kompletteras av raden: Nina Zhilinskaya presenteras i en "kvinnlig avslappnad pose", som motarbetas av författarens avgörande figur [39] .
På grund av att måleriet är lokalt får teckning och linje den ledande rollen på duken, vilket kan ses i kontrasten mellan figurers och föremåls konturer. Utrymmet, enligt Vitaly Manin, är byggt av konstnären på bilden villkorligt, men det känns i sammanställningen av figurer: stora i förgrunden och mindre i fjärran. Figurer nära betraktaren, men lika stora som de långt borta, täcker dem, vilket också understryker rymdens djup. Att "överlappa" vissa stilar på andra liknar ett program . Havet, enligt konstkritikern, deltar inte i perspektivförmedlingen, utan är bakgrunden. Samtidigt är vattnets färg, oavsett avståndet i förhållande till betraktaren, oförändrad. På grund av detta skapas en känsla av rymd, som utspelar sig inte i fjärran, utan från botten och upp. Volymen på karaktärernas figurer anges, men inte stavas av konstnären [39] .
Kandidat för konstkritik Victoria Lebedeva i böcker om konstnärens arbete konstaterar att betraktaren inte lämnar en känsla av symboliken som avbildas på duken. Allt som fanns på bilden frös i " modell orörlighet". Karaktärer "betecknar" bara rörelse. Det finns ingen kontakt mellan dem. Det finns ingen kontakt mellan karaktärerna och publiken. Dukens huvudperson är strikt, koncentrerad, hans blick är nedsänkt i sig själv [24] [25] .
Duken presenteras inte som en lyrisk vardagsskiss från en lycklig sovjetisk familjs liv, utan som en rituell handling, där karaktärerna verkar vara skådespelare på teaterscenen som spelar sin roll. Victoria Lebedeva fäster särskild vikt vid utseendet på en glittrande silverfisk mot bakgrund av mörkt vatten - en symbol för Jesus Kristus och "människors enhet". I konstruktionen av bilden noterar Lebedeva också konventionaliteten och symboliken, "lyftet" av perspektivet, det slutna utrymmet i bakgrunden. Figurerna av karaktärerna i förgrunden är skrivna underifrån, detta skapar en illusion av att de är uppvuxna på cothurni . De "kommer", det vill säga de uppenbarar sig för betraktaren som "en perfekt symbol för mänskliga relationer". Samtidigt betonar havets blågröna utan nyanser bakgrund, på vilken det inte finns någon rörelse, återigen den statiska karaktären hos figurerna hos bildens hjältar. Färgen på den senare är byggd på kontrasterande färgfyllningar, till exempel en röd fläck av en baddräkt mot en blågrön bakgrund av havet. Den och andra röda fläckar i olika delar av bilden ger den en touch av ångest. Färgen på karaktärernas kroppar är annorlunda: fadern har en mörk solbränna, pojken har en delikat vithet [24] [25] .
Målning «Vid havet. Familj” bygger på kontraster och inre motsättningar. Den ursprungliga idyllen faller isär vid noggrant studium av duken, "ger utrymme för reflektion över livets många problem." Enligt Victoria Lebedeva förvandlades en vanlig episod av Zhilinsky till ett episkt betydelsefullt fenomen [24] [25] .
Konstkritikern Kirill Svetlyakov räknar från denna bild början på en hel trend inom sen sovjetisk konst - retrospektivism. Funktioner i målningsstilen för målningen "By the Sea. Familj" anser han på grund av tekniken för dess skapelse: tempera kräver linjäriteten i kompositionsmönstret och behovet av att "skriva i stora plan". I harpunen , som konstnären själv håller i bild, ser konstkritikern samtidigt jägarens vapen, dirigentens batong och "symbolen för manlig makt". Svetlyakov korrelerar bilden av sin fru och sina barn med bilden av nåderna i Sandro Botticellis målning " Vår ". Enligt hans åsikt framkallade Dmitry Zhilinsky medvetet bilder från Botticelli-målningen i publikens minne, i hopp om att "utbildade tittare kommer att" ryckas med av anspelningarnas spel . Svetlyakov menar att detta är karakteristiskt för socialistisk realism , som kontrasterade renässansens humanism med västerländsk modernism och populärkultur . Han hävdar att målningen ”Vid havet. Family” är ett unikt exempel på en kompromiss mellan mass- (semestrar vid Svarta havet) och elit- (referenser till renässansen) kultur. På den här bilden ser han också associationer till verk av amerikansk popkonst , som vid den tiden spred sig i väst [1] .
Anna Dyakonitsyna hittade gemensamma drag i Zhilinskys målningar ”By the Sea. Family" och "Sovjetunionens gymnaster" (1964-1965, State Russian Museum ). Utrymmet på båda dukarna saknar djup. Planer läggs ovanpå varandra som en applikation. På ritningen noteras inflytandet av akademisism och frånvaron av en "tvingad" överföring av volym, som är karakteristisk för konstnärens tidiga dukar. En speciell roll i dessa två målningar förvärvas av silhuetten av figurerna och den lokala färgen i vilken betydande fragment av kompositionen är målade. Scarlet och blågröna, vita och bruna, röda och svarta färger är motsatta varandra, detta framhäver bildens olika plan. Färg får färgernas materialitet i ikonmålning [8] [40] .
I dessa målningar, flyttade konstnären bort från plein airism , etude , överföringen av ljus-luft rumslig miljö som omger föremål, karakteristisk för Moskvas målarskola . Uppmärksam inställning till alla fenomen i universum, både stora och små, i dessa målningar, enligt Dyakonitsyna, för Zhilinsky närmare världsbilden av renässansens mästare , särskilt med världsbilden av målarna från den norra renässansen, och till vissa utsträckning - medeltiden . Samtidigt är dessa två målningar av Zhilinsky inte en fotografiskt korrekt återgivning av naturen, utan dess rekreation enligt konstens lagar. Trots intresset för detaljer är Zhilinsky inte intresserad av det ögonblickliga, utan av evigheten, där det förflutna och nuet hänger samman, och dagens händelser är korrelerade med "eviga" ämnen [8] [26] .
Dyakonitsyna trodde att grunden för målningen "By the Sea. Familj ”är konstnärens intryck av ett sommarlov. Kompositionen innehåller många specifika detaljer som konstnären såg på stranden vid Svarta havet: poser, rörelser, vinklar, detaljer om bad. Samtidigt följer konstnären inte bara vardagsgenrens etablerade kanoner utan ger också en symbolisk tolkning av den avbildade scenen [26] [8] .
All-Union Commission for Sports Underwater Shooting genomförde en studie i början av 1990-talet enligt katalogerna från USSR-museerna och fann att Dmitry Zhilinskys målning "By the Sea. Family”, som föreställer en undervattensjägare, är den enda på ett liknande tema som finns i offentliga samlingar [41] . Zhilinsky själv var i början av 1960-talet förtjust i spjutfiske, som då bara var i sin linda. Från början fanns inte spjutvapen till salu, så jägarna tillverkade dem själva. När bilden målades hade Zhilinsky redan sin egen riktiga pistol med en harpun och gummi köpt i en butik. Han sa i en intervju : "Fisken var inte rädd, den kunde fångas med en syl i bokstavlig mening ... det hände, tro det inte, du dyker som i ett akvarium. Jag bodde i Sotji , och även om jag inte specifikt jagade, dykade jag efter fisk varje gång jag badade. Hans vän professor Merkulov, som delade konstnärens hobby, utan en pistol, i en mask och simfötter, och ibland utan dem, enligt konstnären, i bra väder, kunde få ett dussin mullets till frukost på morgonen , var 300-400 gram [7] .
I Zhilinskys hand är en harpun avbildad, på vars spets en mullet är genomborrad. Andra detaljer om konstnärens hobby är också avbildade : masken ligger framför honom, till höger finns en snorkel till den, hans dotter håller svarta simfötter [41] . Trots sin passion uppgav konstnären själv i en intervju att han närmade sig handlingen i bilden inte som en jägare, utan som en konstnär [7] .
| Målningar av Dmitry Zhilinsky | |
|---|---|
| |