| Shakuhachi | |
|---|---|
| Klassificering | Längsgående flöjt |
| Relaterade instrument | Xiao |
| Mediafiler på Wikimedia Commons | |
Shakuhachi ( Jap. 尺八) är en längsgående bambuflöjt som kom till Japan från Kina under Nara-perioden . Den har en karakteristisk klang, som kan variera kraftigt på spelarens begäran. Används under lång tid för meditativ klosterpraktik , suizen , och på grund av dess konstlöshet i dess design, är ett instrument som ofta används i bondemiljön i vår tid, sin tillämpning i professionellt och amatörmusikskapande, en integrerad del av musiken lektioner i gymnasieskolor i Japan [1] [2] och tjänar även till experiment inom området för den senaste tekniken (inklusive robotik [3] ), neurokirurgi [4] och dekonstruktiv epistemologi [5] .
Idag finns det flera varianter av shakuhachi. Standardlängden på en flöjt är 1 shaku 8 sun (vilket är 54,5 cm). Detta bestämde instrumentets mycket japanska namn, eftersom "shaku" ( Jap. 尺) är en längdenhet, och "hachi" ( Jap. 八) är "åtta [sol]", men man måste ta hänsyn till faktum att vid olika tidpunkter i Japan under "shaku" betydde olika längder.
Shakuhachi finns i tolv tonhöjder, som beror på instrumentets längd, men endast ett fåtal av dessa används i praktiken. Huvudtonen i standarden så kallade. "1,8-shakuhachi" är " re ". Shakuhachi är också relativt utbredda i formationerna "mi" (1,6 shaku), "do" (2 shaku), "si" (2,1 shaku) och "la" (2,4 shaku) [6] . Det vill säga, formellt borde dessa instrument redan kallas "shakuroku" (shaku och sex solar), "nishaku" (2 shaku), etc., men de bär alla det vanliga namnet shakuhachi. Den största är en shakuhachi 3,75 shaku lång (den låter en oktav lägre än standarden, den är till liten nytta för praktiskt musikskapande), och den minsta är 1,1 shaku. Det noteras att ju kortare instrumentet är, desto svårare är det att göra anteckningar i det övre registret; ju längre - desto svårare är det att spela i ett rörligt tempo; ju mer instrumentet skiljer sig från standardinstrumentet i någon riktning, desto mindre exakt blir intonationen av kvartstoner [6] .
Nyckeln är dock klassificeringen av shakuhachi, inte genom stämning, utan genom huruvida den inre kanalen av flöjten är täckt med lack (eller polerpulver, eller en kombination av båda) [7] . På denna grund särskiljs två klasser: jinuri-shakuhachi (地塗り尺八) och jinashi-shakuhachi (地無し尺八), och som en mellanliggande - jimori-shakuhachi (med "prickad" lackering). I modern ordanvändning betyder shakuhachi exakt jinuri-shakuhachi (det vill säga lackad ; det bör noteras att jinashi-shakuhachi kan täckas med ett tunt lager urushi ), dock är detta instrument betydligt senare (började användas tidigast än Meiji-eran) i sitt ursprung, vilket orsakades både av behovet av mer exakt intonation när man spelar i en ensemble och under påverkan av västerländsk estetik: i synnerhet gör ett sådant instrument det ganska lätt att spela den kromatiska skalan [ 8] . En annan fördel med den uppdaterade shakuhachi var möjligheten till standardisering och massproduktion. Akustiskt är det viktigt att den inre beläggningen av jinuri shakuhachi hårdnar med tiden och direkt påverkar luftpelarens rörelse när ljud produceras. Som ett resultat hade förbättringen av instrumentet (i europeisk mening) dock sin fullständiga olämplighet för utförandet av klassisk honkyoku, där felaktigheter och skiftningar i intonation och dynamik spelar en meningsfull roll. Således kan vi tala om en verklig uppdelning av shakuhachi-världen i två autonoma delar, som var och en skiljer sig i själva instrumentets funktion, sättet att överföra spelfärdigheter på det, såväl som i dess idéer om det ideala ljudet [ 8] . Endast jinashi-shakuhachi är i sin fullaste bemärkelse ett autentiskt verktyg för zen-andlig praktik [8] . Efter ett sekel av relativ försummelse har det skett ett förnyat intresse för den autentiska shakuhachi. Moderna exempel är gjorda av överlevande verktyg från Edo-perioden med hjälp av radiografi och sonogram [7] . Jinashi-shakuhachi kan också kallas hotiku, kyotaku, fuke-shakuhachi, myoan-shakuhachi, komuso-shakuhachi eller Edos shakuhachi, beroende på sammanhang och tradition [7] .
När det gäller design och ljudextraktion liknar shakuhachi andinsk kena : för att extrahera ljud, sätter musikern den övre änden av flöjten till underläppen och riktar luftflödet till en kil som kallas utaguchi ( Jap. 歌口) . Antalet fingerhål i ett modernt instrument är fem. Vid olika tidpunkter skapades experimentella prover av instrument med sju och nio hål för att underlätta extraheringen av ett antal sedlar, som med en standarddesign måste tas genom att blockera hålen till hälften. Innovationer av detta slag övergavs dock när det visade sig att instrumentet tappade mycket av sina andra väsentliga egenskaper, det mest slående exemplet är prestandan av den vanliga "tsu-no-meri"-tekniken, som ger en ökning i tonhöjd med en halv ton, men den har samtidigt en specifikt "beslöjad" klang och dynamik (i förhållande till andra ljud), och med en konstruktion med sju eller fler hål är denna funktion helt utjämnad [6] .
Vart och ett av de fem fingerhålen kan vara i sju tillstånd: helt öppet, en kvart stängd (överst, vänster och höger), halv stängd/öppen, tre fjärdedels stängd, helt stängd. Ljudets tonhöjd beror också på huvudets rörelse uppåt eller nedåt när ljudet produceras, eftersom detta påverkar vinkeln som luftströmmen riktas mot. Det finns sex sådana positioner. Den nedåtgående rörelsen kallas "mary" (från meru ( Jap. 減る) ), och den uppåtgående rörelsen kallas "kari" (från karu ( Jap. 上る) . Om meri tillåter dig att sänka tonhöjden med en ton eller mer, då är karis intervall begränsat, som regel halvton [9] .
Övre registerljud används sällan i traditionell musik, men har använts aktivt i musiken under de senaste decennierna. Verktygets möjligheter är begränsade här. För intonationens noggrannhet måste musiker tillgripa speciella tekniker som att överlappa klockan med ett knä (skriftligt indikeras denna teknik av en cirkel med en tjock prick i mitten) [6] .
När man framför upprepade ljud är de inte åtskilda av tungan; använder istället den sk. uchi-yubi-teknik, där motsvarande fingerhål öppnas och stängs [9] . Angreppet av ljudet åtföljs ofta av specifika melismer på grund av fingerslag (atari) [9] . Även shakuhachi låter dig extrahera flera typer av triller . De vanligaste i den traditionella repertoaren är triller, onomatopoeiskt kallade "karakara" (ett mullrande, skramlande ljud) och "korokoro" / "gorogoro" (mullrande, mullrande) [10] . Möjligheterna att använda varje typ är begränsade till ett visst intervall. Det finns ett antal andra varianter av triller och deras kombinationer. Så kompositören Ryohei Hirose introducerade 1973 trillen av bobokotyp (motsvarar ljudet som erhålls när man träffar ett ihåligt föremål) [6] .
Shakuhachi är tillgängliga, etc. multifoner, även om deras antal är mycket begränsat jämfört med andra blåsinstrument. Multiphonics kan vara avsevärt diversifierad när det gäller klangfärg på grund av fingersättningsalternativ med partiell överlappning av fingerhål [6] . Från arsenalen av andra sk. Frullato, såväl som sång eller ljud (till exempel hosta) parallellt med själva ljudextraktionen, finns tillgängliga för utökade tekniker för att spela shakuhachi-blåsinstrument. Dessutom låter shakuhachi dig exakt intonera kvartstoner.
Ett antal viktiga specifika tekniker för att spela shakuhachi uppnås genom att ändra andningen. De mest kända i detta avseende är mura-iki ( Jap. ムラ息 ojämn andning ) , komi-buki ( Jap. コミ吹 pulserande andetag ) och kitte (Jap. "cutting off") [6] [10] . Med mura-iki riktar artisten en luftström med maximal intensitet och explosiv kraft: tekniken är ganska bullrig till sin natur, eftersom tonhöjden på ljudet med mura-iki redan är svår att bestämma [9] .
Det noteras att ett adekvat framförande av mura-iki oundvikligen leder artisten ut ur verkets nuvarande tempo, eftersom det undertrycker all tidskänsla. Med komi-buki växlar artisten spänning och avslappning av struphuvudets muskler med stöd från diafragman , vilket gör att du kan få en uttrycksfull "atmosfärisk" effekt. Kitte är en variant av ljudslutartikulation: artisten stänger plötsligt av luftflödet utan någon nyans [10] .
På separata segment av shakuhachi-sortimentet är portamento möjligt . Portamento vid korsningen mellan olika register kan i vissa fall vara trovärdig på grund av användningen av vibrato [6] . Det finns flera typer av vibrato (yuri) beroende på huvudets rörelseriktning: horisontell (yoko-yuri), vertikal (tate-yuri), blandad. Den huvudsakliga är den första. Vibrato används sällan i honkyoku och är praktiskt taget inte noterat i texter. Lämpligheten av dess användning i traditionella pjäser överförs genom muntlig tradition. Att bemästra tekniken för yuri är en av de svåraste aspekterna av att spela instrumentet: det finns ett talesätt i japansk folklore, enligt vilket det tar tre år att utveckla den korrekta rörelsen av huvudet och ytterligare åtta - men att uppnå en egenskap " varmt" ljud [9] . Dessutom talar exemplet med vibrato, enligt vissa forskare, för shakuhachis större närhet inte till flöjten och andra blåsinstrument, utan till stränginstrument: ett sådant närmande kan vara konstruktivt när man komponerar ny musik för shakuhachi [10] .
Det första dokumenterade notationssystemet för shakuhachi, kallat "fu-ho-u" (efter de första tre stavelserna i det japanska alfabetet som används i det), skapades för hitoyogiri och daterades 1608 [11] . De stora skolorna i kinko-ryu och tozan-ryu använder dock varianter av ett annat "ro-tsu-re"-system som utvecklades i början av 1800-talet, vilket utvecklades av iemoto kinko-ryu Araki Kodo II. Redan efter Meiji-restaureringen utvecklades systemet när det gäller noggrannheten för att fixa rytmen. Variationen som används i tozan-ryu härrör från kinko-ryu-systemet. Myoan-ryu använder också ro-tsu-re-systemet, men på grund av att honkyoku utgör hela skolans repertoar är denna variant i alla avseenden mer snål och asketisk. Av nyckelskolorna är det bara chikuho-ryu som använder en modifiering av det arkaiska fu-ho-u-systemet [11] .
Traditionellt skrevs shakuhachi-stycken i kalligrafisk tabulatur , genom att använda katakana- stavelser för att indikera fingersättning , såväl som verbala instruktioner; ytterligare linjer, prickar och andra märken är förtydligande till sin natur och relaterar till variationen av tonhöjden, dess varaktighet och dynamik [10] . Samtidigt finns det ingen strikt enhetlighet i användningen av det senare i förhållande till honkyoku, inte ens inom samma skola, vilket gör det svårt att läsa texten utan att förklara vem som skrev ner den [12] . Begreppet urtext finns inte i traditionen av shakuhachi-musik. Med undantag för utövandet av kinko-ryu, skrivs honkyoku-partitur nästan aldrig ut. Texten i sig är till övervägande del ett extra mnemoniskt verktyg, den verkliga överföringen av information utförs direkt från läraren till eleven. Under de senaste decennierna har det dock funnits trender inom både inspelning av pjäser med modern notskrift och användning av informationsteknologi, vilket avsevärt kan utjämna kunskapsöverföringens esoteriska karaktär [13] .
Inspelningen av gaikyoku-ensemblestycken var ursprungligen av mycket mer exakt karaktär på grund av behovet av att synkronisera flera röster. Notationssystem som används i olika skolor, med vissa reservationer, låter dig konvertera text från ett system till ett annat utan att förlora information [12] . Japanska forskare har också föreslagit ett enhetligt språk för datorrepresentation av musikalisk notation för hela shakuhachi-repertoaren, kallat COMSO [14] .
Det finns flera versioner av utseendet på shakuhachi. En av dem antyder att shakuhachi reste långt från Egypten till Indien, sedan till Kina och sedan till Japan. När det gäller instrumentets utseende i själva Japan är den dominerande hypotesen att shakuhachi (i form av en chiba-flöjt, varianter av xiao : kinesiska "chiba" och japanska "shakuhachi" skrivs i samma hieroglyfer) ursprungligen kom från Kina genom Korea under Nara-perioden (710 -794) som ett av instrumenten för hovmusik togaku (lit. "musik från Tangdynastin"), som nu betraktas som en variant av gagaku [12] . De äldsta exemplen på shakuhachi hittades i Shosoins kejserliga skattkammare som tillhörande kejsar Shomu. Bland de musikinstrument som var inblandade i invigningsceremonin av Todai-ji-templet år 752 hittades 8 shakuhachi av kinesiskt ursprung (även kallade "gagaku-shakuhachi" eller "kodai-shakuhachi" [15] ), några gjorda av bambu, några - från jade och elfenben och har sex spelhål och ett heptatoniskt system [16] . Efter Gagaku-reformen i mitten av 900-talet. Shakuhachi dök upp från musikalisk praktik och nämns inte alls i överlevande historiska dokument under flera århundraden .
Det första omnämnandet av shakuhachi efter denna period av glömska inträffar 1233 i tiovolymsavhandlingen av hovdansaren Koma Chikazane "Kyokunsho", tillägnad gagaku. Texten noterar att instrumentet när det skrevs aktivt användes av blinda munkar (mekurahoshi) och även i sarugaku . Den äldsta bevarade bilden av en shakuhachi är från slutet av 1300-talet. och demonstrerar den sk. hitoyogiri (enkelklockad flöjt) med fem spelhål och ett vinklat inlopp (förmodligen liknande gagaku-shakuhachi) [16] . Hitoyogiri såväl som miyogiri (treflöjt) ses som länkar mellan gagaku shakuhachi och det moderna instrumentet. Den periodens flöjt var mycket annorlunda än den moderna shakuhachi: den var gjord av de övre grenarna av bambu, den var tunnväggig och kort - inte mer än tre grenar (medan den moderna shakuhachi är gjord av sju grenar av basal bambu) .
Från början av XIV-XV-talet. hitoyogiri blir en integrerad del av arsenalen av vandrande munkar "komoso" ( jap. 薦僧 komoso: ) , som ordagrant betyder " halmmattmunk ". De var pengarlösa vandrande munkar som vandrade runt i Japan och samlade allmosor. En viktig egenskap var att människor från vilken klass som helst kunde ansluta sig till Komosos led. Toppen av instrumentets popularitet kom i slutet av 1600-talet, vilket bland annat präglades av uppkomsten av ett antal avhandlingar som beskrev de grundläggande spelteknikerna och notationssystemen. Under de följande åren föll hitoyogiri som instrument praktiskt taget i obruk, i början av 1800-talet. ersatts av den typ av shakuhachi som fortfarande används idag.
I början av 1600-talet redogöra för institutionaliseringen av vandrande munkar i form av Zen-sekten Fuke. Komuso ( jap. 虚無 僧 komuso: ) , som de nu kallas, spelar ideologiskt upp det liknande klingande originalnamnet, laddar det med betydelsen "munk av intighet och tomhet", samtidigt som de får särskilda rättigheter, inklusive monopolrätten att använda shakuhachi och fri rörlighet över hela Japans territorium (i samband med förbudet mot det senare för befolkningen). Shakuhachi användes som ett verktyg för andlig övning, såväl som för att samla allmosor. Komusos status var tvetydig: bakom entouraget av religiös askes och hattar som helt döljde ansiktet, fann man ofta delaktighet med myndigheterna och att fungera som spioner-informatörer [15] . Endast representanter för överklassen, samurajerna, kunde ansluta sig till komusoernas led. Enligt traditionen kunde en samuraj som ville komma bort från världsliga angelägenheter komma till templet, ge upp sitt svärd och få en flöjt i gengäld och börja andlig praktik. Samtidigt förlorade de nyligen konverterade munkarna inte sina stridsfärdigheter och använde shakuhachi som ett defensivt vapen, vilket i synnerhet påstås ha bidragit till en förändring i dess design när det gäller en betydande förtjockning och bildandet av en karakteristisk klocka [15] . Reglerna för uppförande och kläder för komuso var strikt reglerade. Forskare har räknat 77 Fuke-tempel utspridda över det japanska imperiet, och den totala samlingen av pjäser som används i dessa tempel är cirka 150 honkyoku, varav de tidigaste går tillbaka till början av Edo-eran [17] . Kontakter mellan tempel och utvecklingen av en viss traditionsgemenskap genomfördes genom ständigt vandrande komuso, vilket resulterade i att honkyoku blandades och förvandlades, vilket ledde till samexistensen av både olika namn för samma bitar, och olika bitar som bär samma namn [12] . Datoranalys av musiktexter föreslås som den mest lovande lösningen på denna fråga om genealogi och mutation av honkyoku [12] . Trots det faktum att shakuhachi förblev ett övervägande klosterinstrument, var tendenser till dess avsakralisering uppenbara redan 1847, när dekretet om "liberalisering" av shakuhachi trädde i kraft i form av att beröva Fuke monopolet på dess användning, vilket var delvis underlättat av munkarna själva, aktivt framförde sekulär musik som formellt var förbjuden.
I opportunistiska politiska syften (särskilt monopolisering och erhållande av statliga förmåner) tillverkade Fuke-sekten i efterhand, som en hörnstensmyt, legenden om Shakuhachis uppkomst i Japan [15] , enligt vilken Chan-munken Puhua vandrade i Kina under Tangdynastin på 900-talet (i japansk tradition - Fuke), som ringde på klockan och därigenom kallade omgivningen till upplysning. Någon under påverkan av "predikan" gjorde en flöjt av bambu och började imitera ljudet av Fuke-klockan. Således föddes det första stycket för shakuhachi, kallat (beroende på skolan) kyorei ( japanska 虚鈴) , kyotaku ( japanska 虚鐸) och ett antal andra ordvitsuttryck som härrör från den ursprungliga bilden av den så kallade. "imaginär klocka" De "utgåvor" av pjäsen som har överlevt till denna dag, som traditionellt identifieras i var och en av skolorna med det påstådda ljudet av "kyotaku", skiljer sig så mycket att det inte är möjligt att rekonstruera dess ursprungliga form med någon noggrannhet, och själva existensen av verket, liksom hela historien, har legendarisk status. En annan legend som odlats i fuke om det faktiska utseendet på shakuhachi i Japan kritiseras också [12] . Enligt fuke-mytologin studerade munken Kakushin konsten att Shakuhachi i Song China , där den senare överfördes från generation till generation sedan Tang, och 1254, när han återvände till sitt hemland, introducerade han instrumentet i den musikaliska och andliga praktiken av Japan. Berättelsens osannolikhet bevisas vanligtvis av det faktum att shakuhachi av modellen från Tang-eran (närmare bestämt en familj på 12 flöjter av olika längd) garanterades inte existera under Kakushins liv, vilket gör dongxiao-flöjten till mest troligt kandidat för instrumentet som Kakushin behärskade, dock konstruktiva lösningar dongxiao inlopp, etc. Tan gagaku-shakuhachi är rakt motsatta, vilket gör att vi med säkerhet kan hävda deras olika härstamning [12] .
I början av Meiji-restaureringen upplöstes Fuke-sekten av regeringen [18] , och som ett resultat, för att bevara shakuhachi-traditionen, skapades de första skolorna: kinko-ryu, tozan-ryu och myoan-ryu .
Som ett resultat av Meiji-restaureringen och den efterföljande förföljelsen av buddhister upplöstes fuke-skolan 1871, och förbudet mot allmosor, som gällde från 1872 till 1881, förbjöd den traditionella livsstilen för komuso i allmänhet . Denna kombination av omständigheter påverkade på allvar shakuhachis status och ledde till en slags splittring i sekulärt musikskapande och andlig träning. Utvecklingen av den första var resultatet av kampen för den ekonomiska överlevnaden för shakuhachi-artister, som både började gå med i ensembler av sankyoku-typ (tillsammans med koto och shamisen, förskjutande kokyu från "trion" ) och institutionaliserade sin konst, byggde organisatoriskt. strukturer (den så kallade "Ryuha" ( Jap. 流派) ) i bilden av de som antagits i Japan inom kampsport, bland hantverkare, såväl som inom ett antal traditionella konster (med upprättandet av en intern hierarki, en system med "dan"-grader, etc.).
Bland de sekulära skolor av denna typ, av vilka det finns flera dussin, kan följande särskiljas [19] :
Med undantag för myoan-ryu, berikade skolorna i viss mån sin repertoar och musikaliska tänkande med prestationer av europeisk musik (inklusive funktionell harmoni) och förvandlade själva instrumentet för detta ändamål. I detta avseende är av intresse ett hybridinstrument, villkorligt kallat i litteraturen "flutohati", och ursprungligen kallat "okuraulo" ( en ordplånbok , bildad av namnet på mästaren Okura som skapade instrumentet och den japanska transkriptionen av namnet på den grekiska guden Eol ), som presenterades för allmänheten 1936 [12 ] (enligt andra källor - redan på 1920 -talet [23] ) och kombinerade kroppen av en längsgående flöjt av Boehm -systemet med huvudet och knäet på shakuhachi, vilket gjorde det möjligt att erhålla en specifik blandning av klangfärgerna hos två instrument beroende på registret [23] . Trots den initiala spänningen slog instrumentet inte rot i musikalisk praktik, som andra innovationer som shakuhachi med 9 ljudhål som dök upp under samma period [12] .
Skolorna var tillräckligt öppna för allmänheten och spelade en viktig roll i att omforma shakuhachi från ett verktyg för klostermeditation till ett verktyg för professionellt och amatörmusikskapande. Traditionen med korrekt Zen-användning av shakuhachi överlevde, men marginaliserades kraftigt av mainstream av populära skolor. Idag finns dojor där shakuhachi undervisas i enlighet med traditionen från en eller annan sekulär skola i Ryssland, Sydafrika, Brasilien, Peru, Kina, Taiwan och ett antal andra länder [7] .
Under första hälften av XX-talet. under perioden av intensiv modernisering av Japan och den aktiva importen av västerländska idéer och teknologier började traditionell japansk musik och själva instrumenten betraktas som ett slags mauvais ton: till exempel en av den tidens nyckelfigurer, kompositören Yoritsune Matsudaira , erkände i efterhand öppet att han under sin musikaliska bildning helt enkelt hatade shakuhachi och hela Zen-kontexten i samband med det [24] . Under efterkrigsåren förändrades dock det ideologiska klimatet gradvis, och shakuhachi började användas i stor utsträckning, inte så mycket för andlig övning och uppspelning av klassiska japanska verk, utan för framförande av modern akademisk musik. Så i slutet av 1991 fanns det mer än 500 verk av enbart japanska kompositörer, där shakuhachi tilldelades solopartier [25] , och det fanns cirka 100 verk av europeiska och amerikanska författare, inklusive verk av Schelsi , Cowell och andra kända kompositörer [6 ] [26] .
Man tror att pionjären inom området för användningen av shakuhachi i modern musik är Makoto Moroi , som 1964 skapade en landmärkecykel av honkyoku "Fem stycken" 1964 [6] . Anledningen till att skriva cykeln var kompositörens personliga bekantskap med iemoto från Chikuho-ryu-skolan och hans son, för vilken musiken skrevs. Ursprungligen skriven med den specifika notation som antogs i Chikuho-ryu, kompositionen överfördes senare till Tozan-ryu notation , såväl som modern musiknotation , vilket bidrog till dess popularisering. Kompositionen kännetecknas av en hög grad av teknisk komplexitet och användning av tekniker som inte är standard för den traditionella shakuhachi-repertoaren (till exempel i långa staccatopassager i ett rörligt tempo). I vad som anses vara en brist hos instrumentet (begränsad kontroll över tonhöjden och dess dynamik, heterogenitet i klangfärgen, etc.), såg Moroi, som regelbundet deltog i de internationella sommarkurserna för ny musik i Darmstadt , något som överensstämmer med de nuvarande trenderna inom sin tids musik. De fem styckena, såväl som de mer radikala fem dialogerna som följde dem, hade en betydande inverkan på integrationen av shakuhachi i den moderna konstnärliga processen och genererade ett stort antal svar och imitationer [6] .
Vida känd skapad vid årsskiftet 1960-70. kompositioner av Toru Takemitsu " Eclipse " (för biwa och shakuhachi), såväl som orkestrala " November steg " och "Höst" [27] . Samtidigt tänkte kompositören om traditionen genom att använda kombinationen av shakuhachi och biwa, som inte finns i japansk musik [28] . "November steg" är bland de viktigaste verken i historien om japansk akademisk musik [24] .
Förutom verken av Takemitsu blev Wandlungen (1967) för två shakuhachi med en orkester av kompositören Yoshiro Vladimir Irino berömmelse . Irino skrev också ett av de första styckena för shakuhachi skrivet i dodekafontekniken (Duo Concertante, för shakuhachi och koto, 1969). Kompositören blev en pionjär i studiet av multifonik , som först användes i samma komposition.
Av de andra betydande kompositörerna som aktivt arbetade med shakuhachi, bör Maki Ishii pekas ut . Ishiis första erfarenhet i denna riktning var Collision, I (1970, för shakuhachi och piano), där kompositören löste problemet med "samexistens" av två olika instrument genom att skriva två separata, men begreppsmässigt närbesläktade stycken (som var och en presenteras som en uppsättning diskreta block-moduler som utövaren använder), vilket överlåter till artisterna att implementera möjligheten att "träffa" (därav namnet på verket) dessa komponenter i tid. Ishii vände sig regelbundet till shakuhachi under de följande åren, men samtidigt noterade han att spåret av andlig tradition, med vilken shakuhachis historia är överbelastad, ganska belastade honom, vilket gjorde det bekvämare att vända sig till gagaku- ensemblen för att genomföra liknande idéer [24] .
Shakuhachi-musik är en viktig del av Ryohei Hiroses kreativa arv.("Konsert för shakuhachi och orkester" (1976) och andra kompositioner). Hirose äger också den ursprungliga idén att rekonstruera teknikerna för att spela shakuhachi ("yuri", "mary", "kari": förändringar i tonhöjd, uppnådda huvudsakligen på grund av huvudrörelser) med hjälp av de medel som är tillgängliga för cellon, förkroppsligad av honom i cellokonserten "Triste" (1971). En strukturellt liknande idé ligger till grund för Hiroses mest kända komposition, Rolling Thunder (1964, för shakuhachi och stråkar).
Bland icke-japanska kompositörer gjordes ett viktigt bidrag till utvidgningen av den moderna repertoaren för shakuhachi, såväl som studiet av instrumentets icke-standardiserade möjligheter, av den brittiske kompositören Frank Denyer [6] . Oöverträffad i sammanhanget av hela korpusen av shakuhachi-kompositioner noteras komplexiteten av rytmisk och mikrotonal innationell karaktär, som finns i överflöd i hans cykel "Folio for shakuhachi" (1981) [6] . De tekniska uppgifter som kompositören ställde ledde till utbyggnaden av det befintliga registret över fingersättningsmöjligheter, samt utvecklingen av den sk. "knäteknik", när artistens knä används för att delvis blockera luftflödet. Nya musikaliska horisonter för shakuhachi öppnades av Jonathan Harveys kvadrafoniska elektroniska komposition "Ritual Melodies" (1990) skapad i IRCAM , där modeller av ett antal instrument och röster av rituell musik från folken i öst presenterades, som i verkets rum muterades fritt till varandra; Under modelleringsprocessen fann författaren och hans assistent att det var shakuhachi som visade sig vara det mest komplexa och subtila instrumentet när det gäller dess spektrala logik [29] .
Shakuhachi används relativt ofta inom jazz (främst japansk), etniska och andra populära musikstilar [30] [31] .
Shakuhachi övervinner stilistiska och nationella gränser och är med på soundtracken till Hollywoods storfilmer Jurassic Park , Batman och The Mask of Zorro [7] .
När det gäller integrationen av shakuhachi i mainstream jazz anses Newport Jazz Festival 1972 vara en milstolpe , då Nobuo Hara inkluderade en shakuhachi-mästare och innehavare av den så kallade titeln i sitt team. " levande nationalskatt " Hozan Yamamoto , med vilken han framförde ett antal japanska jazzstandards , inklusive "Sakura, Sakura" och "Soran-bushi"; konserten fick stor resonans i jazzmiljön och bidrog till populariseringen av instrumentet i den [32] . Shakuhachi är också känd för att ha spelats av John Coltrane , som skaffade instrumentet (tillsammans med koto) under sin kvintetts turné i Japan 1966 [33] [34] och sedan tog det med sig ofta när han flyttade runt i USA , utforska möjligheterna verktyg och köra samtidigt [35] .
Albumet av Boris Grebenshchikov "Time N" (2018) innehåller spåret "Shakuhachi" (namnet på detta instrument i alternativ transkription).
| Fue | |
|---|---|
| Blåsmusikinstrument ( aerofoner ) | |
|---|---|
| Flöjt |
|
| Vass | |
| öronkuddar | |
| se även | |
| Japanska musikinstrument | |
|---|---|
| Main | |
| Övrig |
|