Seicento ( italienska seicento , bokstavligen översatt som sexhundra ) är en period av italiensk historia och kultur som täcker 1600-talet . Seicento markerade slutet på renässansen i Italien och början på barocktiden också .
De flesta av de viktiga kulturella, politiska och konstnärliga genombrotten i de italienska furstendömena och i Europa startade inte på 1600-talet. De var bara en logisk fortsättning på kraftfulla ideologiska processer som uppstod på 1500-talet och som vidareutvecklades på 1600-talet. Bland sådana förändringar är manérismens och barockens födelse, framväxten av de första konstakademierna, den vetenskapliga kunskapens första segrar över den medeltida världsbilden.
Alla de bästa prestationerna av italiensk konst under första hälften av 1600-talet tillhör eller startades av konstnärer som föddes på 1500-talet:
Plundringen och förstörelsen av Rom i maj 1527 fick betydande politiska, moraliska, religiösa och konstnärliga konsekvenser. Som den förlorande sidan avsade påven , under påtryckningar från kejsar Karl V , rättigheterna till Parma , Piacenza , Civitavecchia och Modena . Med tvång gick han med på kröningen av kejsar Karl V också som kejsare av Italien. Detta försvagade påvens politiska ställning avsevärt både i Italien och i Europa. Händelser i Rom föranledde till och med överföringen av kröningen av Karl V till Bologna , eftersom det i Rom inte fanns en enda rånad eller splittrad kyrka värdig att ta emot gäster och kejsarens följe.
Dessutom, så tidigt som på 1500-talet , stärkte den europeiska protestantismen sina positioner (genom nedgången av påvlig auktoritet). Lutherdomen höll på att bli allt starkare i Tyskland . Anglikanism uppstod i England , där den sekulära härskaren, kung Henry VIII , blev överhuvud för den lokala kyrkan . Därför vägrade Storbritannien officiellt att skicka pengar till Rom och erkände inte påvens överhöghet i staten. På påvens bekostnad stärkte även de italienska furstendömena sina positioner. Sigismondo Malatesta , ärftlig herre i staden, återvände till staden Rimini . Oberoende venetianska doger underkuvade de påvliga städerna Cervia och Ravenna . Det kommer bara att ta några decennier för Roms påvar att återställa sina positioner i Italien. Men det västeuropeiska samfundet delades för alltid i två religiösa läger - katolicismen och protestantismen . Påvliga Rom svarade på reformationen i Europa med motreformationen , vars strategi och huvudbestämmelser fastställdes av konciliet i Trent (1545-1563).
På 1600-talet fortsatte den påvliga regeringen sin offensiva kurs både i Europa och på andra kontinenter (i Amerika, i Asien). I Italien stannade korsfararna inte vid förföljelsen av vetenskapsmän (förtryck mot Galileo Galilei och Tommaso Campanella ) och till och med före brännandet av individer ( Giordano Bruno ), för att skrämma troende. Men samtidigt intensifieras missionsrörelsen och propagandan för katolicismens idéer med hjälp av konsten. Både konsten (monopoliserad i Italien av den påvliga regeringen och den reaktionära aristokratin) och tryckpressen vänder sig till propagandan för katolicismens idéer. Endast ett fåtal katolska stater kommer att överleva den sista blomningen av nationell konst.
Men initiativet står inte längre på påvens sida. Under XVII-talet , efter undertryckandet av aristokraternas separatism av kungen av Frankrike, föddes en mäktig fransk stat under absolutismens ledning . Frankrike kommer att kunna motarbeta Rom även med sin egen stilistiska system-akademiska klassicism , som inte kunde klara av uppdragen att upphöja absolutismen inte värre än den romerska barocken . Den franska klassicismens mästare studerar noggrant det antika romerska kulturarvet och använder inte så mycket barockens dramatiska effekter som bildernas högtidliga storhet och återhållsamhet samtidigt som de bibehåller balans, symmetri, elegans och sofistikerad inredning. Det är i Frankrike som idén om ensemblen, född av de italienska konstnärerna från högrenässansen, kommer att få en kreativ fortsättning och dess färdiga former ( Vaux-le-Vicomte ). Arketyper skapade i stil med fransk klassicism , som Versailles eller den franska barockträdgården , kommer att ha en betydande inverkan på arkitekturen i andra stater.
I början av deras självständighet från Spanien (och feodalismen som sådan) erövrade Europa de norra provinserna i Nederländerna, där protestantismen härskade . I det protestantiska Storbritannien kom en nationell bourgeoisi till makten och drog full nytta av deras "ärorika revolution". Nya supermakter växer fram vid den europeiska horisonten - Samväldet , det protestantiska Sverige , som för sin egen politik, inte samordnat med det påvliga Rom. I början av 1700-talet kommer Ryssland att ansluta sig till supermakterna , som snabbt kommer att förvandlas till ett annat imperium som inte lyder under påven vare sig ekonomiskt, politiskt eller religiöst.
Italien går in i en lång period av ekonomisk och politisk kris. Ledande positioner under de första decennierna av 1600-talet . endast den italienska versionen av barocken kommer att bevaras, stilen är flexibel, kraftfull, effektiv, kapabel att lösa olika problem och har hela skalan av ideologiska belastningar (från reaktionär till progressiv).
Barocken hade sina egna regionala särdrag. Därför kan barocken i Mexiko eller Brasilien inte förväxlas med barocken i Portugal och Österrike eller Ukraina. Naturligtvis satte italienarna och jesuiterna huvudriktningen , så barockstilen kallades lite felaktigt för "jesuitstilen". Å andra sidan var det jesuiterna som gjorde barocken till sin karaktäristiska stil och byggde katedraler och kloster i denna stil.
Det fanns två riktningar i barocken – den sk. sekulär barock (aristokratins palats och kungafamiljer, monument) och kyrkbarock (religiösa byggnader från kloster till enskilda kapell). Anvisningarna existerade separat, men berikade ständigt varandra med liknande sätt att bearbeta och använda material eller dekor. Därför liknade kyrkans sal på 1700-talet den magnifika hallen i palatset och vice versa.
Arkitekturens tillstånd i den påvliga staten på 1600-talet berodde helt på konfrontationen och konkurrensstriden mellan Bernini och Borromini .
Redan på 1500-talet , i ett kaotiskt bebyggt Rom, uppmärksammades behovet av ombyggnad av staden. Ensembleness var redan inneboende i enskilda komplex i Rom. Till exempel Vatikanens innergårdar designade av Donato Bramante , Villa Madama designade av Rafael Santi , Villa Giulia designade av Giacomo Vignola . Nu gör man försök att förse de romerska torgen med en parad. Till exempel fick en ny layout designad av Michelangelo Buonarroti ett torg på toppen av Capitoline Hill . Trots förstörelsen av layouten av Vatikanens innergårdar, designade av Donato Bramante , trots den övergivna ofullbordade Villa Madama, designad av Rafael Santi , har erfarenheterna från föregångare inte försvunnit. Deras projekt studerar noggrant och överför kreativt resultat och principer till ombyggnaden av enskilda, viktiga platser i staden, vars partiella ombyggnad påven instruerade den begåvade Domenico Fontana (1543-1607) redan på 1580-talet.
Piazza del Popolo hade en viktig urban funktion , dit katolska pilgrimer från nordliga länder anlände (påvliga Rom levde i århundraden och matade sin egen ekonomi på bekostnad av pilgrimernas pengar). Domenico Fontana gav denna torg en ny bild och döljde de kaotiska byggnaderna med halvcirkulära väggar. Med hjälp av trapetsen på det historiska torget införde han tre yxor i det, vilket gav upphov till trebalksutformningen av huvudgatorna, och förband torget med huvudkyrkorna för besökande pilgrimer. Accenter, främre pyloner på Piazza del Popolo kommer att vara två nästan identiska kyrkor i hörnet av tre gator - Santa Maria dei Miracoli och Santa Maria i Montesanto , byggda av arkitekten Carlo Rainaldi långt senare. Det spektakulära torget med en nästan teatralisk komposition, en knutpunkt av tre axlar och avlägsna utsikter djupt in i staden gjorde ett mäktigt intryck på samtida och ättlingar. Och det hade en betydande inverkan på stadsplaneringssituationen i olika städer och barockträdgårdar i olika länder (layouten av staden Versailles , layouten av St. Petersburg , layouten av Lower Park i Peterhof , etc.).
Funktionen att dölja de kaotiska, fortfarande medeltida byggnaderna i Vatikanen, utförs fortfarande av den enorma pelargången Lorenzo Bernini . Lorenzo Bernini - blev dirigent för de romerska påvarnas officiella linje i barockens konst, och positionerade sig själv som en person som kan vara lika produktivt engagerad i målning, arkitektur och skulptur. Men han visade sig vara en svag konstnär, och inom arkitekturen förblev han en begåvad amatör, kunde utveckla en idé, ett arbetsprogram, men kastade allt krångel med beräkningar, ingenjörsstöd och verklig implementering på en stor armé av skulptörer och assistenter arkitekter av sin egen romerska verkstad. Han lämnade själv enorma arvoden och berömmelse. Inte alla projekt och förbättringar av Lorenzo Bernini godkändes ens i Rom. Till exempel utsattes två klocktorn som Bernini lade till den romerska pantheonen för förlöjligande i Rom . De tvingades ta bort dem. Som arkitekt kände han också till bitterheten i sina egna orealiserade projekt.
Francesco Borromini - var endast engagerad i arkitektur, han positionerade sig aldrig som en universell person. Han var en virtuos arkitekt-praktiker, en teckningsmästare, som han fruktbart arbetade med i Milano. Borrominis teckningar var oöverträffade i professionell excellens i 1600-talets Italien. Den arkitektoniska grafiken av Francesco Borromini (affärsmässig och något torr) var inte pittoresk, men kunde ändå konkurrera med ritningarna från vilken romersk arkitekt som helst. Och detta är i centrum av den europeiska barocken , där de bästa arkitektoniska krafterna i Italien då verkade, bland dem självaste Lorenzo Bernini, Pietro da Cortona , Pirro Ligorio , Giovanni Francesco Grimaldi , som samtidigt kunde lösa komplexa tekniska och konstnärliga problem.
Francesco Borromini gick igenom en bra skola av Lombardiska byggare, historiskt förknippade med traditionerna hos de norra gotiska mästarna. Till skillnad från en amatör Bernini genomgick han en professionell praktik i Carlo Madernos verkstad . Tack vare sin talang och målmedvetenhet kunde han ekonomiskt och mästerligt förverkliga en oväntad och fantastisk arkitektonisk bild. Samtidigt litade Borromini bara på sig själv, sina egna beräkningar. Han hade inte de kolossala möjligheter som Lorenzo Bernini säkrade för sig själv, efter att ha vunnit positionen som hovarkitekt för flera påvar från sina konkurrenter. Francesco Borrominis virtuositet var skrämmande, han kunde förverkliga vilken fantasi eller arkitektonisk chimär som helst . Därmed väckte hon respekt och till och med dolt motstånd. Till och med Lorenzo Bernini kommer att tämja sin egen stolthet när han sätter ihop ett team för att utveckla ett projekt för en ny typ av byggnad för Rom - Barberini-palatset , och begränsar sig bara till idéer och konstnärligt ritade skisser. Francesco Borromini kommer att bjudas in för att genomföra ett ovanligt projekt.
Borromini blir knuffad till marginalen för arkitektonisk praktik i Rom, och blir arkitekten för klosterorden och fullbordar ofta bara något. Därför är hans arbete omotiverat blygsamt. Men det betydande konstnärliga värdet och populariteten hos Borominis verk kommer att passera Italiens gränser och hitta verkliga efterföljare och kännare i kreativa personligheter, inklusive Gvarino Gvarini i Turin , Nicolo Michetti ( Konstantinovsky-palatset , Strelna, Ryska imperiet ) eller Jan Blazhey Santini Aichl ( tjeckiska ) republiken ).
Francesco Borromini. Planen för kyrkan Sant Ivo alla Sapienza och ritning av kyrkans valv
Francesco Borromini. Gården till University Church of Sant Ivo
Francesco Borromini. Sammansättning av slottet och kyrkan Sant Ivo
Centrum för barockarkitektur , oberoende av Rom , utvecklades i kungariket Sardinien (nordväst om Venedig och Lombardiet ). Emmanuel Philiberts arméer och därefter Charles Emmanuel bidrog till skapandet av ett starkt sardiskt kungarike som kunde försvara sig. Traditionellt har Sardinien inte fokuserats på påvliga Rom, utan på Frankrike och Paris. Den franska absolutismens betydelsefulla militära och kulturella landvinningar , segern över den oppositionella aristokratin, den magnifika utvecklingen av Paris och skapandet av en storslagen residens i Versailles blir modeller för kungariket Sardinien .
Rikets huvudstad, staden Turin , tappar snabbt sina medeltida layouter och byggs upp som ett schackbräde (med breda avenyer som slutar i rektangulära rutor). Turin skilde sig positivt från de flesta italienska städer och till och med Rom självt med sina breda avenyer, tydliga layout, något torra och rationalistiska arkitektur.
Efter Ascanio Vittozzis död 1615 fortsatte ombyggnaden och utvecklingen av huvudstaden av Carlo Amedeo Castelmonte . Modellen för dem är byggnaden av Paris - med bekväma gator för förflyttning av vagnar, rektangulära torg, palats av rika medborgare och lokala aristokrater, kungen från House of Savoy ( Palazzo Reale designad av Amedeo Castelmonte). Parken i Palazzo Reale använde skisser av den berömda franska landskapsarkitekten André Le Nôtre . Valentino Castle är ett palats i Turin efter fransk modell (både när det gäller layouten i parken och bakom fasaden mot Pofloden ).
Guarino Guarini . Kupolen av kyrkan San Lorenzo
Garibaldi Street (Turin)
Kyrkan San Michele , Turin
Byggnaden av Lagtorget
Mycket viktig för staden var aktiviteten av arkitekten Guarino Guarini , en infödd i staden Modena . En munk av Theatinorden , matematiker och filosof, han lyckades utbilda sig och arbeta som arkitekt i Messina och Paris . Under sin vistelse i Rom studerade han Borrominis och Berninis verk. Munkfilosofen och vetenskapsmannens fulla kunskap och enastående talang avslöjades i Turin . Bland de bästa verken av Guarini i staden är Sacra Sindone-kapellet i katedralen, kyrkan San Lorenzo , Palazzo Carignano . Arkitekterna i Turin använde skickligt både värdefulla och billiga material: marmor, metall, dekorativa galler, gips, stuckatur, rost och dess imitationer, mönstrad tegelsten . De främre fasaderna på palatsen i Turin är ofta gjorda av enkelt tegel, där dess egenskaper är fördelaktigt slagna, virtuost murverk, lek i olika ljusförhållanden. Endast ibland liknar de främre fasaderna på kyrkorna i Turin de berömda exemplen på Roms kyrkor (huvudfasaden på kyrkan Santa Cristina , byggd enligt Filippo Juvarras projekt först 1718). Efter Roms exempel byggs även förortsvillor, där hela arsenalen av barockdekor används ( Villa della Regina kardinal Maurice av Savoyen ) - nischer, skulpturer, balustrader, gips, obelisker, mascarons och liknande. En unik händelse för Italien och den lokala barocken kommer att vara designen och konstruktionen av det kungliga jaktslottet Stupinigi , där den franska arkitekten Germain Beaufrans arkitektoniska idé implementerades .
Guarino Guarinis byggnader kännetecknades av djärvhet i rationella matematiska beräkningar, verklig sofistikering, konstruktiv överraskning, lån från olika arkitektoniska källor (utformningen av bågar från muslimska Cordoba, som används i kupolen i kyrkan San Lorenzo). De arkitektoniska skapelserna av Guarino Guarini var en bekräftelse på arkitekturens internationalitet och opolitiska karaktär i skönhetens tjänst.
Kyrkan Santa Cristina , Turin
Kyrkan San Lorenzo , Turin
kyrkan och helgedomen i Consolata , Turin
Kyrkan Saint Philip Neri , Turin
Barockens utvecklingsperiod i måleriet sammanfaller inte med den politiska fördelningen. Forskare tror att denna period politiskt är uppdelad i motreformation , ledd av påvliga Rom, och absolutism , vars karaktäristiska bild uppstod i Frankrike på 1600-talet under " solkungen ".
I Rom, påvens officiella huvudstad, har det så kallade majestätiska sättet att måla (Maniera grande) utvecklats. Denna målning var nära förknippad med genren historia och mytologi, och handlingarnas inkarnation bestämdes av antika eller bibliska teman i en idealisk miljö, med idealfigurer som på konstgjord väg rensades från vardagen. Hjältarna var majestätiska, evigt unga, fulla av hälsa och kraft, rörliga eller stående i majestätiska poser och med majestätiska gester. Bilderna glorifierades ärligt talat och presenterades som exempel på dygder eller som förebilder i beteende. Exempel på Maniera grande på 1600-talet var Pietro da Cortona , Annibale Carraci , Guido Reni , Guercino . Det majestätiska sättet förhärligade katolska helgon, påven, antika romerska kejsare och samtida politiska härskare. Väggmålningar och fresker i kyrkor och palats, historisk målning, altarmålning, en religiös målning i sig, ett ceremoniellt officiellt porträtt ritades in i Maniera grandes omloppsbana . Den officiella linjen förkroppsligades av de konstnärer som tjänade den påvliga domstolen.
Annibale Carraci . Triumf av Bacchus och Arianna, fresk
Pietro da Cortona . Plafond av Palazzo Barberini
Pietro da Cortona . Påven Urban VIII
I samma Rom uppträdde en demokratisk gren av barocken, personifierad i verk av Caravaggio och hans anhängare. Caravaggio korrelerade inte sina verk med kraven från den aristokratiska Maniera grande (även om de flesta av hans verk var religiösa teman), utan fyllde dem med verkliga känslor av en demokratisk, folklig miljö, känslor som han själv kände väl. Caravaggios främmande kändes väl av representanter för den påvliga huvudstadens officiella konst, som började en kampanj för att krossa kritiken av konstnärens konstnärliga sätt och misskreditera hans auktoritet både under hans livstid och i teoretiska avhandlingar och memoarer. Detta hindrade inte mindre begåvade konstnärer från den officiella konstens läger från att studera Caravaggios konstnärliga fynd och använda dem i sina verk ( Giovanni Baglione ).
Gverchino . "David ber bredvid Goliats avhuggna huvud"
"Judith med huvudet av Holofernes"
Georges de Latour . "Saint Irene räddar Saint Sebastian"
Orazio Gentileschi . "Flicka som spelar lut"
Huva. Valentin de Boulogne . "Martyrium av Saint Martyrian och Processus"
Theodor Rombouts . "Kortspelare"
Battistello Caracciolo . "Vägen till Golgata"
Matthias Stom . "Den fånge Mucius Scaevola bränner sin egen hand för att skrämma inkräktaren Porsena"
Artemisia Gentileschi . "Judith halshugger Holofernes"
Jose de Ribera . "En ängel leder ut aposteln Petrus ur fängelset"
Under 1900-talet fortsatte processen med fördjupning av konsten från tidigare epoker, som började på 1800-talet. Om 1800-talets konsthistoriker gav tillbaka Frans Hals , Jan Vermeers , El Grecos ära , så återupptäckte 1900-talets vetenskapsmän storheten och de höga konstnärliga egenskaperna hos Pinzels skulpturer och barock "verklighetens konstnärer".
Den italienske konsthistorikern Roberto Longhi uppmärksammade en grupp barockmästare som intog en speciell plats i den tidens konst. De höll sig inte till Maniera grande, men de var inte heller anhängare av karavagism . Små lån från båda stiltrenderna bekräftade bara deras samexistens med karavaggisterna och mästarna i den officiella Maniera grande. Samtidigt förlorade dessa mästare inte sin individualitet, sin olikhet mot skaparna av kyrka och palatsfresker eller anhängare av karavagism .
Roberto Longhi och kallade dem "verklighetens artister". De inkluderar:
Av dessa, något artificiellt, lades Gaspare Traversi och Giacomo Ceruti , vars verk föll på 1700-talet, även om de fortsatte de realistiska trenderna från föregående århundrade i barockstilen i Italien , till gruppen "verklighetens konstnärer" .
Man kan säga att i målningen av Italien på 1600-talet har en situation av samexistens mellan tre konstnärliga riktningar historiskt utvecklats:
I början av 1600-talet arbetade representanter för den sena italienska mannerismen , som höll på att förlora sina positioner, fortfarande aktivt. De kreativa prestationerna av nya generationer av italienska och utländska mästare driver manierismen till konstens marginal i Europas perifera länder ( Holland , tyska furstendömen, den ryska staten ).
Eberhard Keil . "Lacemaker"
Gaspare Traversi . "Om ungdomen visste, om ålderdom kunde"
Giacomo Ceruti . "Dvärg"
Eberhard Keil . "Återvänd från jakten"
Giovanni Battista Recco . "Stilleben med äpplen och grönsaker"
Bartolomeo Passarotti . "Slaktarbutik"
Caravaggio . "Frukt korg"
Guido Cagnacci . "Blommor"
Giuseppe Recco . "Stilleben med fisk"
Paolo Porpora . "Reptiler"
Cristoforo Munari . "Stilleben med keramikfat, pumpa och kål"
En händelse i stadens konst var ett kort och påtvingat besök av Michelangelo da Caravaggio , som räddade sitt eget liv i Neapel från straff för ett mord som begåtts i Rom. Två kompositioner av Caravaggio ("Sju barmhärtighetsverk" och "Kristi flagellation") ställer en mycket hög nivå av moraliska krav i lokalt måleri. De lokala hantverkarna imponerades också av konstnärens konstnärliga stil, med dess skarpa kontraster av ljus och skugga, och allmogens typ av karaktärer. Den napolitanska konstskolan vägleddes inte av de rikas aristokratiska smaker. Därför uppfattade hon positivt fynden av den demokratiska grenen av barocken, vars personifiering var Caravaggios verk. Dessutom var det i Neapel ingen hård konfrontation mellan företrädare för sen manérism och barock , som i Rom. De flesta av de napolitanska konstnärerna kommer att vara bland Caravaggios anhängare, inklusive spanjoren Jose de Ribera , hans elev Luca Giordano (alla tidiga verk), Battistello Caracciolo , Artemisia Gentileschi , Mattia Preti , Massimo Stanzione . I Neapel var kraven i Maniera grande och den akademiska hierarkin av genrer knappast påtagliga, så konstnärer målar gärna det sk. "låga genrer" - landskap och stilleben. Och de utvecklar dessa genrer på sitt eget sätt, eller fantasi (fantastiska landskap i städerna Monsou Desiderio , landskap av Salvator Rosa ), eller rent realistiska (stilleben av Jacopo da Empoli , Giovanni Battista Ruoppolo , Paolo Porpora , Giuseppe Recco ).
Bravura allegoriska och dekorativa målning är utvecklad av Luca Giordano (sen period av kreativitet) och Francesco Solimena .
De venetianska konstnärernas bidrag till 1600-talets barockkonst var så obetydligt att det inte går att jämföra med stadierna på 1400- och 1500-talet . En del av konstnärerna - infödda i Venedig lämnar det och arbetar i andra konstcentra. Till exempel arbetade Carlo Saraceni , en venetian till födseln, nästan hela sitt liv i Rom , där han blev en av Caravaggios anhängare . Men hans verk hade inget inflytande på den konstnärliga situationen i Venedig. I slutet av 1600-talet arbetade ett antal mästare i Venedig, som höll sig till tenebroso -stilen , påbörjad av Caravaggio och utvecklad av hans anhängare ( karavaggism ), men utan de betydande framgångarna från deras föregångare.
Alla de bästa egenskaperna hos den italienska barocken är helt förkroppsligade i skulptur. Skulptur var nära förknippad med arkitektur och dess ideologiska belastning, fungerade som accenter på romerska torg, återspeglades i nischer på frontfasaderna på kyrkor, palats och på deras bröstvärn. Liksom under renässansen var de huvudsakliga materialen för italienska skulptörer brons och marmor . Det verkar som att varje händelse i en kyrkas liv eller i en persons liv kunde användas av kunder och arkitekter för att skapa skulpturer. Dessa är altare och reliefer på bibliska eller mytologiska teman, skulpturer för fontäner och bronsmonument, gravstenar, dekorativa skulpturer för lantvillor och många barockträdgårdar.
Men skulptörerna kontrollerades noga av kunderna - påven själv, kardinalerna , representanter för kyrkliga samfund, höga tjänstemän, bankirer och adeln. Det var de som reglerade temat och den ideologiska belastningen av framtida verk. Målet är att prisa katolicismen som en trosbekännelse och dess seger över dess fiender. Påvliga Rom, härden för det andliga och det syndiga, det himmelska och det jordiska, det religiösa och det verkliga, visade med arkitektur och skulptur sin egen hängivenhet för katolicism och fromhet. Det är därför det i italiensk skulptur finns så många altare på bibliska teman, individuella skulpturer av apostlarna och kyrkofäderna, reliefer med scener av Jungfruns och Kristi liv, änglar och scener av helgonens martyrskap.
Stefano Maderno anses vara den första exklusivt barock skulptören (född från verk av Michelangelo Buonarroti ) . Bland skulptörens karaktäristiska verk är marmorn Saint Cecilia (i en nisch ovanför altaret i kyrkan som är uppkallad efter henne). Skulptören använde legenden och presenterade Cecilia i den position där de påstås ha hittat den döda kvinnan i graven (onaturlig ställning, huvudet kastat bakåt, etc.). Stefano Maderno kommer att bli den italienska skulpturens huvudfigur.
Den höga konstnärliga och tekniska nivån på romersk barockskulptur sattes av Lorenzo Berninis verk och något mindre av Alessandro Algardi . Det var också en konfrontation mellan de två auktoritativa mästarna inom barockskulpturen, men inte lika spänd och dramatisk som mellan Lorenzo Bernini och Francesco Borromini .
Lorenzo studerade med sin far, skulptören Pietro Bernini , en exponent för mannerism . När far och son flyttade till Rom började de som mästare i vanliga trädgårdar och trädgårdsskulpturer. Flera omständigheter utvecklades positivt till förmån för Lorenzo och hans far, och de utnyttjade dem framgångsrikt. Det var Berninis far och son som arbetade med skapandet av trädgården till Villa Borghese i Frascati , som ägdes av Scipione Borghese , påvens brorson och den mest inflytelserika av beskyddarna av dåvarande Rom. Kardinalen lägger märke till Lorenzos lysande förmågor och blir hans beskyddare och beskyddare . Kardinalens beskydd var en officiell täckmantel för beskydd och påven själv. Tre av de bästa verken från den tidiga perioden av Lorenzo Bernini skapades specifikt för Scipione Borghese (Pluto och Proserpine 1622, David 1623, Apollo och Daphne 1622-1625).
Lorenzos första skulpturala verk visar hans studie av skulptur från den hellenistiska eran, med mindre influenser från mannerism . Förutom tematiska statyer gjorde Lorenzo även porträtt - en byst . Vid 22 års ålder skapade han en byst av påven Paul V, vilket var en ytterst ansvarsfull uppgift. Jag gillade bysten. Som ett resultat kröp Lorenzos karriär snabbt uppåt.
Lorenzo Bernini spelade en mycket viktig roll i att dekorera inredningen av Peterskyrkan med skulpturer . En enorm bronsciborium , St Peters stol (den första påven enligt kyrkans legend), ett antal helgonskulpturer, reliefer, gravstenar, motstående väggar och pyloner med flerfärgad marmor - allt detta skapades enligt skisserna av Lorenzo Bernini av mästare från hans stora romerska verkstad. Bernini kommer att vara involverad i utsmyckningen av katedralen i nästan femtio år (med uppehåll).
Giovanni Battista Foggini . Vittoria della Rovere
Alessandro Algardi . "Ärkeängeln Mikaels duell med demonen"
Pietro Tacca . fontänskulptur "Pojke med pipa"
Massimiliano Soldani . "Kristi klagan"
Giovanni Battista Foggini . "Hertig Ferdinand II Medici"
Massimiliano Soldani . Vas med Galatea, förgylld terrakotta
Pierre Le Gros den yngre . Aposteln Thomas, terrakotta
Ercole Ferrata . Gravsten av Giulio del Como
Antonio Tarsia . Staty av Nemesis i sommarträdgården i St. Petersburg
Bernardo Falconi . "Madonna och barn" (fasad av kyrkan Santa Maria di Nazareth )
Lorenzo Bernini . "Sanningen som tiden kommer att avslöja"
Stefano Maderno . "Herkules"
Bland det enorma antalet romerska skulptörer fanns det flera generationer - Stefano Maderno (1576-1636), Pietro Baratta (1659-1729), Alessandro Algardi (1598-1654), Pietro Tacca (1577-1640), Giovanni Battista Foggini (1652- 1725), Ercole Ferrata (1610-1686), Giuliano Finelli (1602-1653), Paolo Naldini (1619-1691), Domenico Guidi (1625-1701), Camillo Rusconi (1658-1728), Melchiore Cafa (1676) Giuseppe Mazzuoli (1644-1725) och andra.
Attraktionskraften hos den romerska barocken och möjligheterna till kreativitet i den påvliga huvudstaden var så betydande att utländska katolska skulptörer också kom att arbeta i Italien. Flamländaren François Duquesnoy (1597-1643), fransmannen Pierre-Etienne Monnot (1657-1733), Jacques Sarazin (1590-1660) och Pierre Le Gros den yngre (1666-1719) kommer att engagera sig i den italienska konstnärliga processen i Rom eller i Italien . Giovanni Maria Morlaiter (1699-1781), tysk till födseln, arbetade i Venedig.
Mindre kontrollerad av censur var porträttskulptur. De bästa exemplen på porträtt av Seichento-eran inkluderar verk av Lorenzo Bernini : bystporträtt av hertig Francesco I d'Este och franske kungen Ludvig XIV . De förkroppsligade helt Berninis gåva inom dekorativ konst och förmågan att skapa en gratis , men spektakulär bild, som påminner om adelsidealet.
Villa Poiana . terra gård
Pietro Baratta . Kyrkan San Ste , skulpturgrupp på fasaden
Det andra välkända centrumet för dekorativ och trädgårdsskulptur utvecklades i den venetianska republiken . Efter de osmanska turkarnas militära erövring av Konstantinopel och försvinnandet av Bysans som stat, minskade handelns omfattning i Venedig märkbart. Venedigs regering ledde en kampanj för köparnas förvärv av mark för terragårdar . Kampanjen blev en succé och tidigare köpmän och båtägare blev markägare. Markerna var dock sumpiga, så här inleddes storskaliga efterbehandlingsarbeten för att dränera. Det finns många gårdar, vingårdar och villor på landet. Villorna längs floden Brenta blev särskilt kända . Ägarna överförde också aristokratiska vanor här: byggnader är dekorerade med fresker , målningar, musiker, sångare och skådespelare är inbjudna, fontäner, kanaler och bryggor är utrustade, barockträdgårdar med skulpturer skapas. Till exempel blev Antonio Riccardis villa känd, där till och med en utomhusteater var utrustad, som har överlevt till denna dag.
Barocken hade minimalt inflytande på den venetianska skulpturskolan, eftersom jesuiterna i Venedig var misstänksamma mot monopoliseringen av barocken. Stilen hos de venetianska mästarna är mindre teatralisk och mer balanserad, även om de flesta av mästarna håller sig till samma plotscheman och allegoriska bilder. I Venedig finns det färre virtuosa mästare och de ligger närmare hantverkarmiljön (folkkonst av murare och snidare). Det finns fall då skeppssnickare tog upp snidningen av trädgårdsskulpturer i marmor, som användes för att dekorera små trädgårdar på lanthus (villor). Bland dem finns Pietro Baratta , Alvise Tagliapietra , Giovanni Bonazza , Francesco Robba , Giuseppe Torretto , Antonio Tarsia , Antonio Corradini .
Trädgårds- och parkskulptur upplevde en stor blomstring. Den dominerades av dekorativa egenskaper, mytologiska och allegoriska intriger som var inneboende i arbetet med serien - fyra årstider (vinter, vår, sommar, höst), fyra allegorier för dagens lopp (dag, kväll, natt, morgonstjärna eller norrsken). ), vetenskapsallegorier (astronomi, navigering) eller dygder (barmhärtighet, rättvisa, generositet), gudarna i det antika romerska panteonet och liknande.
Pietro Baratta . "Allegory of Trade" i sommarträdgården i St. Petersburg
Pietro Baratta . "Allegory of Architecture", i sommarträdgården i St. Petersburg
Villa Porto terra gård
Villa Pisani vid Stra , barockskulptur i trädgården
Jacques Callot . "Old Nobleman" (serien "Nobility of Lorraine")
Jacques Callot . "Aposteln Paulus"
Jacques Callot . "Den blinde mannen och hans följeslagare" från serien "Biggars".
Daniel Maro . "Metal Gate"
Jean Beren. "Panelprydnad"
Simon Wue . "Groteskens mönster"
Claude Lorrain . "Dans på flodstranden", etsning
Robert Nanteuil . "Minister Jean Baptiste Colbert "
Stefano della Bella . "Hamn". etsning
Daniel Maro . "Grotesk med landskap"
José Ribera , "drunken Silenus", etsning
Jacques Callot . "Två teatraliska karaktärer"
Daniel Maro . Bibliotekets inredning.
Abraham Boss , " Etching Printing House "
Robert Nanteuil . "Sjuka Anne av Österrike , Frankrikes drottning"
Abraham Boss , "gravörsverkstad"
Barocktiden gav fler medaljsamlare än framstående hantverkare inom området. Skåp användes flitigt - de innehöll specifika möbler, där de förvarade smycken, brev, skrivmaterial, mynt och medaljer. Senare kallades också salarna där denna möbel placerades för skåp.
Italien håller på att förlora sin ledande position inom medaljkonst , som det hade på 1400- och 1500-talen. Detta är något förvånande, eftersom det i Italien fanns ett antal högt begåvade skulptörer och juvelerare som traditionellt förknippades med medaljkonst i de tidigare stadierna.
Även om produktionen av medaljer inte slutade helt, började icke-italienska centra (Tyskland) stärka sina positioner vid medaljkonstens horisont. Dessutom uppstår nya stater - Samväldet , Sverige , Ryssland . Det är känt att False Dmitry I , efter att ha kommit in i Moskva, gav order om att göra flera medaljer. De har överlevt. Man tror att de gjordes med stämplar från polska mästare från Krakow eller Sandomierz .
Efter slaget vid Nürnberg 1632 beordrade Sveriges kung Gustav II Adolf Vasa tillverkning av specialmedaljer för militären, som bars på guldkedjor. De blev föregångare till moderna utmärkelser.
I Moskva 1682 tilldelade prinsessan Sofya Alekseevna medaljen till general Shepelev för undertryckandet av Streltsy-revolten . Berömmelsen av en medaljör från Tyskland, som arbetade i städerna Augsburg och Nürnberg , nådde också Ryssland. Philip Heinrich Müller (1654-1719) Han utförde order från både rika människor från de tyska furstendömena och den ryske tsaren Peter I , där medaljskolan, västeuropeisk stil, precis tog sina första steg.
Medalj för att hedra Sigismund III :s seger nära Smolensk 1611
Den polske kungen Sigismund III och hustru Anna av Österrike
Massimiliano Soldani . Medalj till ära för Christina av Sverige
15 dukater från Sigismund III :s tid med Samväldets vapen
Medaljör Samuel Ammon. Sigismund III
Nationella traditioner för keramikproduktion fastställdes i Italien under renässansen . Redan under första hälften av XVI-talet. ett antal keramiska centra blev kända, bland dem - Gubbio , Castel Durante, Siena , Faenza , Deruta , Savona . Det var då som apoteksredskap, vaser, de så kallade "bröllopsfaten", dekorerade med porträtt av brudar och deras namn, dök upp. Lite senare överförs scener från berömda målningar och gravyrer av italienska konstnärer till målning. Tillverkningen av fajans och majolika upphörde inte ens på 1600-talet. De mest kända är produkterna från Castelli-fabriken med bilder av landskap och produkterna från Savona- verkstäderna , målade med mönster som imiterar kinesiska porslinsmålningar.
Värdefullt kinesiskt porslin har vänt huvudena på europeiska keramister, kemister och teknologer i decennier. Ett försök att hitta hemligheterna med att tillverka kinesiskt porslin gjordes av keramisterna i Florens, vilket bara ledde till skapandet av mjukt Medici-porslin . Äran att återupptäcka det kinesiska porslinets hemligheter tillhör vetenskapsmannen och teknologen Böttger från Sachsen , och inte italienarna.
Tillverkningen av mattor var inte utbredd i Italien. Även om sällsynta fall är kända när väggarna i italienska kyrkor och katedraler dekorerades med mattor. Till exempel har det berömda Sixtinska kapellet i Vatikanen sin egen uppsättning tomtmattor .
Ett antal italienska konstnärer var inblandade i skapandet av kartonger för framtida mattor, inklusive Rafael Santi , Giulio Romano , Beccafumi , Antonio Baccacca, Battista Dossi och andra mästare från den maneristiska eran . Italienska vävare förstod inte detaljerna i mattproduktion, så de anförtrodde sin produktion till mer skickliga utlänningar och beställde tomtmattor i Frankrike eller Flandern. Italienarna kunde skapa ett antal mattverkstäder i städerna Mantua , Ferrara , Florens , Milano vid lokala prinsars domstolar. Men produkterna var betydligt sämre än mattorna hos mästarna i Frankrike och särskilt Flandern. Italienarna gick åt andra hållet. Så, mattfabriken i Rom vid påvens hov grundades av fransmannen Renaud de Menuar. Denna manufaktur pågick fram till 1800-talet.