Den italienska konstens historia har till stor del förutbestämt historien om den västerländska civilisationens konst . Efter den etruskiska och särskilt den antika romerska eran , som dominerade Apenninerna i många århundraden, är Italien centralt för europeisk renässanskonst . Italien dominerade också det europeiska konstnärliga livet på 1500- och 1600-talen, och var barockstilens vagga . På 1700-talet upplevde landet en kulturell nedgång, och det började förlora sin roll som lokomotivet för det andliga livet i Europa, vilket gav det till Frankrike. Men i mitten av 1800-talet återgick landet till den internationella scenen med konstnärliga strömningar som macchiaioli , futurism , metafysisk målning , novecento , arte povera , transavantgarde . Italiensk konst har påverkat flera stora kulturella rörelser genom historien och producerat en galax av stora konstnärer, arkitekter och skulptörer.
Idag har Italien en viktig plats på den internationella konstscenen, med flera stora konstgallerier, museer och utställningar. De främsta konstnärliga centra i landet är dess huvudstad, Rom , samt Florens , Venedig , Milano , Neapel , Turin och andra städer.
Det antika Italien hade inte en enda etnisk eller kulturell gemenskap. Den var bebodd av en mosaik av olika stammar med sina egna traditioner, seder och språk. "barbarernas" (galler, tyskar) länder sträckte sig norr om floden Po, medan den södra delen av halvön var en del av Magna Graecia. Den etruskiska kulturen, även om den var influerad av grekiskan, var den enda autoktona kulturen. Egentligen är den antika romerska kulturen baserad på den antika grekiska kulturen, blandas med den etruskiska och uppdatera den, samt rita inslag av "barbarernas konst".
Italienska regioner som är nära förknippade med de grekiska klassikerna är de södra regionerna och ön Sicilien . Grekisk kolonisation , som började på 800-talet f.Kr. e. , skapade kulturen i de antika städerna Kalabrien ( Taranto , Locri , Sibaris , Crotone , Reggio , etc.) och Sicilien ( Syrakusa , Agrigento , Segesta , Gela , etc.). Byggnader i Paestum , Selinunte , Agrigento är de viktigaste bevarade templen i den grekiska världen.
Svaga rester av den äldsta perioden, som manifesterade sig i vissa drag av ritualen eller smakerna, hade nästan ingen betydelse för Magna Graecias konstnärliga kultur. Den lokala kulturens enda utmärkande drag: viss oregelbundenhet i prydnadskompositioner, en blandning av motiv, eftersom arkitekterna och skulptörerna som arbetade här kom från olika regioner med egna konstskolor. Därav: överskott i dekorativa dekorationer, ofta gjorda i polykrom terrakotta, mjukhet i arkitektonisk och skulptural modellering, ofta förknippad med användningen av böjliga porösa gulaktiga tuffar.
Paestum
Selinunte
Agrigento
De första monumenten i den etruskiska kulturen går tillbaka till slutet av 900-talet - början av 800-talet. före Kristus e. Den etruskiska civilisationens utvecklingscykel slutar på 200-talet f.Kr. före Kristus e. Rom var under dess inflytande fram till 1:a århundradet. före Kristus e.
Den etruskiska civilisationen var övervägande urban till sin natur, den upplevde ett betydande, om än externt, inflytande av grekisk konst. Etruskernas kultur var extremt naturalistisk och förlorade aldrig sin koppling till vardagen.
Romarna, som kännetecknades av stort praktiskt förnuft när det gällde att lösa det materiella livets problem, som visste hur man skapade ett harmoniskt lager av medborgarskap, att etablera sin militära styrka och vida sprida sin politiska makt, var endast svagt begåvade med förmågan till konstnärlig kreativitet, liksom för kreativitet i allmänhet inom området andliga intressen. De kände aldrig ett verkligt, inre behov av konst, de såg först på det som en avkopplande lyx, och om de vände sig till det, då bara i form av verkliga förmåner, och nöjde sig med att låna från etruskerna.
Sedan, när segrarna över andra folk gav rikedom till romarna och utvecklade deras nationella stolthet, särskilt efter erövringen av Grekland, vilket förde dem närmare den höga civilisationen i detta land och översvämmade staden Quirites med konstverk som tagits ur det började konsten att åtnjuta ära i Rom, men ändå inte som något väsentligt, utan som ett medel för att ge yttre briljans åt det offentliga och privata livet, för att upphöja förövarna av nationell ära, att smickra människors stolthet. Statsmän och de rika började spela förmyndare av konst och locka konstnärer till Rom från de fattiga och öde städerna i Hellas; dessa gästande konstnärer arbetade för att tillfredsställa sina kunders smak, och under deras ledning bildades inhemska hantverkare.
Sålunda, mot slutet av den republikanska regimen, utvecklades en speciell romersk konst, som representerade en blandning av etruskiska element med grekiska, men trots detta hade en säregen karaktär. Det huvudsakliga kännetecknet för denna konst är önskan om lyx, kolossalitet och spektakulär dekorativitet.
Tidig kristen konst täcker perioden från kristendomens uppkomst och erkännandet av kristendomen som statsreligion av Konstantin I den store i Romarriket (år 313) till bildandet av bysantinsk konst på 600-700-talen.
Eftersom den tidiga kristendomen var de fattigas religion kan frånvaron av tidiga kristna kulturminnen också förklaras med frånvaron av mecenater. Dessutom, till en början, förföljdes kristna intensivt, så kristna samhällen kunde inte skapa några monument av arkitektur och konst.
Tidiga kristna konstnärer använde antikens traditioner och hellenistisk konst: dessa är romersk skulptur, reliefer och sarkofager, konsten att måla och mosaik, Fayum-porträttet . Tills de kristna utvecklade sin egen stil använde de romarrikets gamla former av hednisk konst.
Tidiga kristna anpassade romerska motiv och gav ny betydelse åt många hedniska symboler. Bland teman för tidiga kristna konstnärer som lånades från romarna var: påfågeln, vinrankorna och bilden av den "gode herden". De tidiga kristna utvecklade också sina egna symboler, som fisken (Ichthys).
Efter år 200 är den tidiga kristna konsten uppdelad i två perioder: före och efter det första konciliet i Nicaea år 325, och perioden för de första sju ekumeniska konciliet .
Kollapsen av det antika romerska imperiet var en lång process. En kris av både makt och en kris av senantika idéer och kultur spred sig. Inte ens kristendomen stärkte avlägsna geografiska territorier. Uppdelningen växte sig större med bildandet av de västra och östliga imperierna . Den västerländska kejserliga traditionen, som omhuldas i Rom, tolkas som en tillfällig nedgång, och S:t Theodosius och St. Ambrosius i Milano försöker återställa sin forna storhet på kristendomens idéer. Milano mellan 379 och 402 blir kortvarigt västra imperiets huvudstad. Det är i Milano som den majestätiska apostoliska basilikan (slutet av 300-talet) och kyrkan San Lorenzo Maggiore (500-talet e.Kr.) byggs.
Milano överförde huvudstadens funktioner till staden Ravenna , som skulle vara den sista utposten för försvaret av imperialistiska idéer. De omgivande träskmarkerna och den väl befästa militärhamnen Klasse bidrog till att huvudstaden flyttades hit. Staden bygger basilikan San Giovanni Evangelista , som bygger på den Milanesiska kyrkan San Simpliciano, och den senare förstörda kyrkan Santa Croce . Endast det korsformade kapellet har överlevt från Santa Croce, som felaktigt kallas Galla Placidias mausoleum , dotter till kejsar Theodosius och syster till Honorius. Faktum är att Galla Placidia dog år 450 i Rom och begravdes inte i Ravenna. Utanför kompenseras "mausoleet"s outtryckliga, provinsiella väggar, byggda av rött tegel, av lyxig inredning - mosaiker, den bästa bland de bevarade från den eran. Små delar av mosaik är ganska vanliga i både Rom och Milano. I "mausoleet" täcker de hela ytan av väggarna och valven, överraskar med ljusa färger och reflekterat ljus, full av symbolisk mening.
Interiör av Mausoleum av Galla Placidia
Mausoleum av Galla Placidia, exteriör
Mosaik "Den gode herden"
Mosaik av mausoleets valv
Ravennas huvudstadsprakt i ett nytt skede stöddes av kejsar Theodoriks verksamhet . Theodoric (493-526) var en östgotisk främling, en "barbar" som hänfördes av skönheten och lyxen i Rom, den latinska världen. Därför bjöd han in mästare från Rom till Ravenna. En katedral byggdes i Ravenna (nu Santo Spirito ), ett arianskt dopkapell, kyrkan San Martino i Ciel d'Oro och den berömda Sant'Apollinare Nuovo . Den senare är en basilika med enkla fasader och mosaik i inredningen. Biskop Agnelo, som var en fiende till de kätterska barbarerna, blev ledare för Bysans kulturella och ideologiska influenser. Detta återspeglades i mosaikerna av jungfrurna och martyrerna i Sant'Apollinare Nuovo, liknande exemplen på bysantinsk hovkonst. Det finns ännu mer bysantinskt i San Vitale -kyrkan (invigd 547 ), eftersom den bysantinske tjänstemannen Julian Argentarius (kejserlig skattmästare och guvernör) insisterade på att bygga på modellen av kyrkan St. Sergius och Bacchus i Konstantinopel. På absidens mosaiker - Kristus på den jordiska sfären, omgiven av krigsänglar, Saint Vitale och biskop Ecclesius. Här är två mosaiker med kejsar Justinianus och Theodora . De jordiska gudarnas stränga ansikten, kläder som chockerar med aldrig tidigare skådad lyx och pärlor - personifieringen av Guds ursprung till makt och övermänsklig storhet. Det kejserliga paret, omgivet av många hovmän, bär bröd och vin till nattvarden . Det finns helt enkelt inga analoger till dessa mosaiker för närvarande.
Romansk stil (från lat. romanus - romersk) - en konstnärlig stil som dominerade Europa (främst västerländsk) under X-XII-talen. (på vissa ställen - och på XIII-talet), en av de viktigaste stadierna i utvecklingen av medeltida europeisk konst. Han befann sig mest inom arkitekturen. Begreppet "romansk stil" introducerades i början. 1800-talet Arcisse de Caumont , som etablerade kopplingen mellan XI-XII-talens arkitektur. från den antika romaren och som föregick den gotiska . Den romanska stilen i Italien hade, trots namnet "romersk", regionala skillnader.
De ledande positionerna var ockuperade av arkitektur - trä och sten. Träet har praktiskt taget inte bevarats till denna dag, därför erhålls en uppfattning om tidens konstnärliga drag från studiet av stenstrukturer - slott, kyrkor, katedraler, kloster. Den romanska epokens kloster rådde under en tid, eftersom det var klosterprästerskapet som var huvudkunden, i vars händer stora medel visade sig vara, och munkarna fungerar som utbildade kännare av byggbranschen och arkitekter.
Under förhållanden med feodal fragmentering användes endast lokal sten. Detta minskade byggkostnaderna, krävde inte betydande transporter - på grund av bristen på asfalterade vägar. Dessutom stötte inte transporterna på många tullar.
Romansk arkitektur var tung, solid, med enkla geometriska volymer, med lite dekoration eller skulptur, som bara ökade med tiden.
Det fanns inga standardstorlekar - stenblock, pelare, versaler. Varje huvudstad gjordes av en separat hantverkare, som visste ungefär dimensionerna och detaljerna - som ett resultat var det en godtycklighet hos konstnären (konstnärlig frihet). Därför är var och en av dåtidens skapelser ett separat, unikt konstverk.
Betydande kulturella drag mognade också under den romanska eran.
Latinet breder ut sig, vilket blir grunden för skapandet av nationella språk, som senare får namnet "romanska språk". Latinet blir språket för interetnisk kommunikation och språket för den dåvarande utbildningen. Västeuropa antog universitetet som en institution för utbildning - teologisk, juridisk, medicinsk, etc. De första västeuropeiska universiteten uppstod ( Bologna - 1055, Oxford - 1163, Paris ( Sorbonne ) - 1180, Cambridge - i 1209 stad av Padua - 1228). Detta lade betydande kulturella skillnader med Bysans och, därefter, med den östslaviska världen.
I muslimska länder kommer utbildningsspråket och internationell kommunikation att vara arabiska.
På 1000- och 1100-talen hade medvetenheten om Västeuropa som en separat gemenskap av länder och folk ännu inte passerat, utan en djup avgränsning mellan väst och öst (väst och bysans och den slaviska världen, väst och muslim. världen) hade redan passerat. Det kom till en verklig ideologisk och militär konfrontation. Frankerna och latinerna blir personifieringen av folken i västvärlden i allmänhet (även om de förblir ett verkligt konglomerat av olika folk), medan bysantinerna (greker, armenier och slaver från den österländska religionen) inte längre betraktas som riktiga kristna. De anses i väst som något mellan kristna och saracener, kättare, inte mycket mindre farliga än turkarna. Dessa ideologiska attityder nådde sin högsta utveckling och stänkte ut i ömsesidiga anathemas och splittringen av kristendomen till ortodoxi och katolicism 1054, i korstågen mot Bysans och den muslimska världen, i korsfararnas militära erövring av Konstantinopel och skapandet av latinet. Imperiet där (1204-1261), i expansion till den europeiska östern och katoliseringen av Polen, de baltiska staterna, försöker göra Jerusalem och Palestina till katolska, i den spanska Reconquista .
Attityden till arbete har förändrats radikalt. Det uppfattas som en väg till förbättring, utbildning, en väg till själens frälsning. Arbete har upphört att vara prestigelöst, ovärdigt för en medborgare (som romarna), och rikedom och önskan om det uppfattas inte som en synd. Arbete är en av de främsta dygderna i väst.
Avancerad teknik växer fram. Gud skapade naturliga material som människan kan förbättra genom att ta del av Guds ande. Därav önskan att studera material och förbättra dem hela tiden. Tekniken är fortfarande primitiv, men i Europa blir den hela tiden mer komplicerad. Bidra till detta och ständiga krig, och förbättring av vapen.
Skapandet av en romansk katedral var tekniskt svårt eftersom huvudskeppet var bredare och högre än sidohusen. I olika romanska centra löstes problemen med bågar och belysning på olika sätt. Tak på träbjälkar var lättare än sten, krävde inte tjocka väggar, ett antal fönster skapades under dem, vilket sparade byggmaterial och gav tillräcklig belysning till centralskeppet. Det är så de flesta heliga byggnader byggs i Italien, i Sachsen och Tjeckien, i franska Normandie. På 11-12-talet. väggmålningar och monumentala skulpturer, som var på tillbakagång, återupplivas. Italiens romanska arkitektur hade inte ett enda konstnärligt centrum, det bildades under villkoren för avskildhet av länderna, under förhållanden för imitation av gamla modeller, traditioner, teknik och det betydande inflytandet av sekulära trender. Bland dess betydande centra är Sicilien och Palermo, Pisa, Lombardiet, Milano och Venedig. Konstskolan i Rom skulle bildas århundraden senare och blomstra på 1400- och 1500-talen.
Pisa upplevde en kort men lysande boom under 900- och 1100-talen. Dess ökning berodde på sjöfartshandeln med Konstantinopel och muslimska länder. Entusiasmen för segern över saracenerna 1063 fick händelsen att firas genom skapandet av ett nytt religiöst centrum. Dess egenskaper är dess läge inte i centrum av staden, utan i utkanten, på Mirakeltorget , bredvid stigarna till Lucca och hamnen. Det nya byggnadskomplexet hade också en symbolisk betydelse - en persons väg från födelse, dop, liv och död. Härifrån - dopkapellet , katedralen, klocktornet och kyrkogården under taket. Baptisteriet (enligt dåvarande rituella krav) byggdes separat från templet, neofyterna gick in i templet först efter dopet. Arkader användes extremt effektivt . De dekorerar båda väggarna från utsidan och ljusar upp dem visuellt, särskilt dopkapellet och det cylindriska klocktornet. Det lutande tornet i det lutande klocktornet i Pisa kommer att bli ett av landets visitkort.
Venedig var ett betydande centrum för romansk stilistik . Nära band med Bysans bidrog till betydande kulturell upplåning, men avskräckte inte avund, konkurrens och till och med aggression. Lån välkomnades, men lokala kulturuppgifter löstes separat och specifikt för Venedig. Detta återspeglades väl i skapandet av Markus-katedralen (konstruktion 1063-1085, färdigställande och utsmyckning - på 1200-, 1300-, 1400-, 1600-talen). Det är baserat på det bysantinska schemat, som slutligen gömdes av kompletteringar och sen inredning. I början av 1200-talet. efter rånet av Konstantinopel dekorerades templets fasad med både uttagna pelare och brons, antika figurer av hästar. Spiritualism, bysantinska kanoner övergavs för triumf, dekorativitet, oförställd visning av militära troféer.
Mer romansk, tung och förenklad - i katedralerna på ön Torcello ( 1008 ) och i Caorli, i katedralen på ön Murano (1100-talet). Lån av bysantinska scheman är mer typiskt för venetianska mosaiker.
Det venetianska måleriet fick också en kraftfull impuls till utvecklingen . Den är baserad på bysantinsk ikonografi och dess kanoner. Men venetianerna odlar högtidlighet, en ganska fri inställning till kanoniska krav och ljusa färger. Venetianska ikoner är både lika och inte lika de bysantinska, även i de tidiga stadierna. Bakgrunden kan vara guld och svart, den kan ha fantasiarkitektur med en ikonisk bild av till och med den berömda fyren i Alexandria i Egypten (av Paolo Veneziano ). Venetiansk målning kämpar länge inom gränserna för de gamla bysantinska scheman och de senaste kraven, tills den exploderar med originaliteten i kompositionerna och detaljerna hos sådana mästare som Marco Basaiti , Cima da Conegliano , Vittore Carpaccio , Giovanni Bellini , tidiga Giorgione , Lorenzo Lotto och Titian , Paolo Veronese och Tintoretto som kommer att bli den venetianska skolans högsta prestation.
Förrenässansen (eller proto -renässansen ) är ett viktigt steg i utvecklingen av italiensk kultur och konst, som började i djupet av senromansk stil och den lokala versionen av gotiken. Enligt tid - detta är 13-14 århundraden. Den vetenskapliga termen "Proto-renässans" föreslogs av den schweiziska vetenskapsmannen J. Burckhardt , som märkte nya trender i utvecklingen av italiensk konst redan på 1000-1200-talen. Under denna period var Apenninerna tvungna att påskynda den historiska processen, tillväxten av städer och deras invånares aktivitet, utvecklingen av hantverk och hantverkstekniker, bildandet av kommuner, framgången för de antifeodala reformerna.
Skulptur, dekorativ konst och väggmålning upplevde en formell förändring och återkomst av bortglömda (antika eller hellenistiska) särdrag. Det antika romerska arvet, antika tekniker och former har aldrig försvunnit från den italienska kulturens horisont. Italiensk gotik har en mer ordnad och balanserad karaktär än närliggande folk (konstruktionerna av Arnolfo di Cambio ). Mer eller mindre antika särdrag är inneboende i den "gotiska" i tiden italienska skulpturen ( Niccolò Pisano , Jacopo della Quercia).
Måleri, från 1100-1200-talen, började spela en allt viktigare roll i bildandet och utvecklingen av den europeiska konstnärliga kulturen. Västeuropeiskt måleri går långsamt bort från statiska, frusna scheman i riktning mot fortfarande skygga rörelser, dynamik. Dessutom är målning mest anpassad till överföringen av någon tomt eller ärligt talat villkorlig idé. Den bysantinska konstnärliga traditionen behåller fortfarande sin attraktionskraft för västeuropeiska konstnärer, men de själva kan redan erbjuda nya detaljer, en ny förståelse för rum och tid, nya kompositioner, så de tar liten hänsyn till stela kanoner.
Funktioner av exklusivitet och olikhet i jämförelse med målningen av Bysans mottog italiensk målning - tack vare ansträngningarna från Giotto , Cenny di Pepo (mer känd som Cimabue ), Pietro Cavallini , Duccio di Buoninsegna . Spiritismen hos bysantinska prover kompletteras med psykologism och empiriska sökande efter perspektiv, försök att återskapa rymdens djup på väggens plan (Giottos sena väggmålningar). Märkbar sanningsenlighet, äkthet och märklig sensualitet, händelsernas dramatik var inneboende inte bara i Giottos eller Cimabues karaktärer och scener, utan också i den tidens litteratur (poesi från skolan för "söt ny stil", Dante ). Proto-renässans som konstfenomen ägde rum endast i Italiens historia. Men hans instruktioner försvann inte, utan fann stöd och kreativ fortsättning i aktiviteterna för nya generationer av italienska konstnärer från Masaccio och Paolo Uccello till Michelangelo Buonarroti .
I Italien under den tidiga renässansen överträffade utvecklingen av skulptur under en tid utvecklingen av andra typer av konst. Skulpturen började dominera torgen i städerna och i de första proverna av lantvillor, i lummiga trädgårdar, i fontänernas prakt. Fontäner med skulpturer blev så populära att italienska mönster lånades i trädgårdarna i England, Frankrike, Tjeckien (Prag, en fontän i trädgården till det kungliga sommarpalatset). En poetisk fontän med en liten skulptur blev hjälten i dramatiska föreställningar i teatern, och prover av fontäner i Italien köptes och fördes till adelsgods även på 1800- och 1900-talen (gods i England, gods i USA, etc.) . Detta gällde också fontänskulpturerna av Giovanni da Bologna från den manneristiska perioden, barockens mästare .
Bland de framstående skulptörerna från eran -
Under den tidiga renässansen var fresker extremt utbredda. De flesta av de italienska konstnärerna från denna period är fresker. Arbetet av några av dem är bara känt tack vare freskerna. Freskmålningsreformerna initierade av Giotto blir en skola för generationer av italienska konstnärer. Kloster tävlar i inbjudningar till kända konstnärers verk. Mästerverksfresker täcker väggarna i både gamla, fortfarande gotiska byggnader, såväl som nya, både i provinserna och i konstcentra. Kyrkor, palats, kyrko- och hemkapell, offentliga byggnader, fasader och interiörer dekorerades med fresker. Handlingar - Gamla testamentet (Adams skapelse), scener av Marias liv och Kristi lidande (Bebådelse, Sista Nattvarden, Judas Kyss, Korsfästelse, Kristi klagan), dödsdansen eller dess triumf, allegorier ("Allegori" av klok regering"), mytiska karaktärer (Hercules), stridsscener ("Kejsar Konstantins seger över Maxentius"), fixering av händelserna vid det påvliga hovet ("Stiftelsen av Vatikanbiblioteket av påven Sixtus IV"), betydande händelser av små hertigrätter m.m.
Bland de viktigaste freskcyklerna är
Försök att återuppliva även den antika romerska ordningsarkitekturen fångade flera teoretiker och praktiska arkitekters sinnen. Det finns fortfarande inget stort utbud av kunder, alla tekniska medel har inte utvecklats och testats. Men återupplivandet av ordningsarkitekturen ägde rum i Filaretes och särskilt Albertis teoretiska verk . Den arkitektoniska bakgrunden för många freskcykler av italienska konstnärer (av Fra Angelico, av Filippo Lippi och Benozzo Gozzoli, av Perugino) ser också ut som restaureringsprojekt för de förstörda monumenten i det antika Rom . Det initiala antalet rena renässansbyggnader är litet. Men det är de som kommer att ange huvudriktningen för utvecklingen av italiensk arkitektur. Till och med kupolen på den florentinska katedralen Santa Maria del Fiore , som samtida betraktade som det första exemplet på den "nya stilen", byggdes helt först 1461 .
Bland de betydande byggnaderna på den tiden -
Reformatorerna av det florentinska måleriet (Masaccio, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Andrea del Castagno) kunde helt enkelt inte komma in i de nya renässansinteriörerna, eftersom de ännu inte existerade. Arkitekturen var och förblir ganska medeltida - inklusive Sixtinska kapellet , där Domenico Ghirlandaio, Perugino, Sandro Botticelli, Pinturicchio arbetar.
Konsten att Quattrocento (och, mer allmänt, konsten att renässans) är konsten av aktiva stadsbor. Teoretiker vände sig till skapandet av projekt för en idealisk stad - stadsplaneringsidén att skapa en sådan stad som skulle vara ganska oklanderlig när det gäller säkerhet, arkitektonisk bild, social struktur, harmoniskt kombinerad med miljön. Ibland omsätts dessa projekt till verklighet, vilket var fallet med ensemblebyggnaden i staden Pienza , skapad med ekonomiskt stöd från påven Pius II , som föddes där (arkitekten Bernardo Rosellino). De fokuserade också på ett specifikt stadsutvecklingsprojekt i utvecklingen av staden Ferrara - med hjälp av hertigen av Ferrara Ercole I (arkitekt Biagio Rossetti). Men tanken är fortfarande utopisk.
Grunden för den nya arkitekturen var dock lagd. Från kupolen på den florentinska katedralen - en direkt väg till projektet med kupolen av Peterskyrkan i Rom (arkitekt Michelangelo Buonarroti ), och från Palazzo Rucellai - till de majestätiska palatsen och villorna i Rom på 16:e - 1600-talet, till nya landvinningar av italiensk och europeisk arkitektur.
Italien är ett land med en tvåtusenårig kultur, som olika folk har bidragit till. Det var i Italien som skickligheten att göra bronsskulpturer och gjuteri inte glömdes bort. Kunskap i dessa områden (i närvaro av antika romerska exempel på medaljkonst) föranledde återupplivandet av en glömd konst. För den italienska renässansen blir personligheten hos en universell mästare, kunnig inom olika branscher, ett karakteristiskt drag. Michelangelo ( 1475 - 1564 ) skulpterade framgångsrikt, målade fresker, var en skicklig ingenjör och en enastående arkitekt. Men universalitet började inte med honom, utan från mästarna från tidigare epoker. Bland dem finns den bortglömde ingenjören, arkitekten och medaljören Aristoteles Fioravanti (ca 1415 - ca 1486). Ett mynt med inskriptionen "orristoteles" och en riddarryttare har bevarats. Under hästens hovar finns en symbolisk bild av en blomma, förmodligen Fioravantis tecken. Fioravanti blev inbjuden till Moskva, där mästaren byggde Assumption Cathedral , som fortfarande finns kvar.
Okänd mästare från Florens, medalj av Cosimo de' Medici (allegori om klok regering, 1469)
Alessandro Vittoria, porträtt av Nicolò Vicentino, 1555
Okänd mästare från Mantua, porträtt av Jacob Korrej, ca. 1500 g
Bartolomeo Meglioli , hertig Lodovico II Gonzaga, 1475
Arkitekturens utveckling påverkades avsevärt av förändringar i världsbilden, förändringar i konstnärliga stilar och accelerationen av den historiska processen i Europa inom ens ett sekel.
Början av 1500-taletSent 1400-tal - och början av den 16:e i Italiens arkitektur är nära förknippade med Donato Bramantes arbete . Kronologiskt var högrenässansperioden ganska kort. Olika forskare (beroende på uppskattningarnas radikalitet) begränsar det till 15-30 år. Det vill säga, det tog inte lång tid, även om dess inflytande på tidens konstnärer och konst var enormt.
En period på 30 år (1490-1520) är mer tillförlitlig, eftersom den visar ursprunget till Bramantes prestationer och deras bästa exempel. Han fick ställningen som chefsarkitekt för påven Julius II och gjorde delvis Vatikanens utspridda, kaotiska, fortfarande medeltida byggnader till en enda, konstnärligt uttrycksfull ensemble (Vatikanens gårdar, gallerier, ett bibliotek, en renässansträdgård med parterrer - senare var allt ombyggda förutom fasaderna).
Efter Bramantes död 1514 fortsattes hans arkitekturstil framgångsrikt av Rafael Santi , Antonio da Sangallo den äldre , Baldassare Peruzzi . I stil med högrenässansen skapades både arkitektoniska skisser av Leonardo da Vinci (som inte var engagerad i verklig konstruktion vid den tiden) och projekt av Michelangelo , som skulle tvingas göra arkitektur av framstående kunder senare. En period på 30 år är för kort för byggande, eftersom byggtekniken fortfarande var ganska primitiv. Till och med Bramantes byggnader i Vatikanen (biblioteksbyggnaden) kollapsade och återställdes senare till sina ursprungliga former. Byggnader från den höga renässansen - majestätiska, monumentala, överraskande harmoniska; under 30 år var det bara ett litet antal av dem som lyckades bygga. Nästan alla av dem har sitt ursprung i Milano eller i själva Rom eller runt det, bland dem -
Kyrkan Santa Maria presso San Satiro, Milano
Palazzo Cancelleria, Rom
Villa Madama, Rom, oavslutad
Under perioden 1490 - 1520 . Italienskt måleri upplever en riktig blomning och den högsta fasen av sin utveckling. Talangfulla representanter för Quattrocento arbetar fortfarande med full styrka - Domenico Ghirlandaio , Sandro Botticelli , Perugino , Giovanni Bellini . Men en ny generation konstnärer har vuxit upp och tar aktivt ledande positioner inom konsten, som har liten hänsyn till de levande auktoriteterna från det nära konstnärliga förflutna. De är mycket mindre än 1400-talets mästare, men deras talang och skicklighet är nästan otillgängliga. Deras lista överstiger inte 10 personer, men alla är stora talanger, titaner från renässansen, bland vilka -
Den senare renässansen i Venedig skulle lägga till fler figurer av Paolo Veronese och Tintoretto . Redan under dessa mästares liv kommer deras verk att bli modeller, och teckningarna av Leonardo da Vinci, Michelangelo, fresker av Rafael i Vatikanen, målningarna av Giorgione, porträtten av Titian och Tintoretto kommer att bli standarden för generationer av konstnärer både i själva Italien och långt utanför dess gränser, som oavsett ålder eller konstnärlig riktning de tillhör.
Slaget vid Anghiari , kopia av Rubens verk av Leonardo , Louvren, Paris
Teckning av Michelangelo, Uffizigalleriet
Michelangelo, plan för en central byggnad
Giorgione (möjligen ett porträtt av poeten Antonio Broccardo), 1510 Museum of Fine Arts (Budapest)
Tintoretto. Doge Sebastiano Venier - Hero of the Battle of Lepanto .
Tizian. Porträtt av Rannucho Farnese
Veronese, Livia da Porto Thiene och hennes dotter Portia
Lorenzo Lotto . Porträtt av en arkitekt
Giovanni Girolamo Savoldo . Temptations of Saint Anthony (Savoldo)
Veronese, Venus och Mars , Metropolitan Museum of Art , New York.
Fresk av Paolo Veronese "Visdomens gudinna omgiven av matematik och geometri"
Manierismen dök upp i Italien, där Florens , Mantua och Rom blev de viktigaste centra för utveckling av stil , och sedan spreds den till Frankrike och andra europeiska länder. Stilen var också en produkt av krisfenomen inom den sociopolitiska sfären, karakteristisk för senrenässansen med dess sociala, moraliska och religiösa instabilitet. Ibland förknippas den inledande fasen av mannerism med plundringen och förstörelsen av Rom 1527 av kejsar Karl Vs tyska soldater. Det viktigaste är att manerismen reflekterade i en iögonfallande form den väsentliga, explosionsliknande förvandlingen av konst och litteratur från medeltiden till den " moderna historien ".
Krisen för påvlig makt började långt före 1527. Plundringen av Rom i maj 1527 var bara kulmen på en lång process. Krisen kändes väl av romerska konstnärer, i vars verk element av förtvivlan, besvikelse, oro och föraningar om katastrofer intensifierades. Konstnärer från föregående generation skapar fortfarande genom tröghet harmoniska bilder i stil med väckelsen. Men den nya generationen, överväldigad av besvikelse, uppskattar bara virtuos konstnärlig teknik och lärdom, och inte harmoni och inte strävar efter det. Det finns avlånga, för eleganta figurer, irriterade och oroliga. Bakgrunden av målningar och fresker är mättade med fantastisk arkitektur och en mänsklig skara, och huvudpersonerna tycks vara fastna i samma spontana, störande rörelse som miljön. Konstnärer vägrar att studera naturen som sådan för att studera sina berömda föregångares konstnärliga sätt. Löjliga kompositioner, overkliga, giftiga färger och människor som glömt bort glädje är på modet.
Angelo Bronzino. Porträtt av Lucrezia Panchatika, fragment
Huva. Francesco Salviati , porträtt av en okänd gentleman, privat samling.
Huva. Parmigianino , porträtt av en kvinna, 1539, Windsor, England
Huva. Sebastiano del Piombo , Okänd dam från Rom, 1540-talet
Ett viktigt inslag i manierismen som stil var dess aristokrati, icke-demokratiska karaktär, fokus på smaken hos rika ägare och i allmänhet hovkaraktär. De främsta kunderna och konsumenterna av manneristisk konst var den kyrkliga och sekulära aristokratin. Det är inte förvånande att betydande centra för mannerism grupperades vid påvens hov, hertighovet i Florens, vid hertighovet i Parma, vid de kungliga slotten i Fontainebleau (Frankrike), Escorial (Spanien), Prag (Tjeckien) ), Krakow (Polen).
Manierism bygger på motsägelser, inklusive en grundlig studie av verken av genier från högrenässansen och en frenetisk önskan att arbeta på sitt eget sätt (därav namnet mannerism ), vägran att iaktta naturen och dyrka auktoriteter, virtuositet i utförandet av konstverk, individualismens dominerande, hög utbildning av mästare och otyglad fantasi, teoretiska uttalanden om ärftligheten av ens konst och samtidigt extrem artificialitet, nyckfullhet hos konstnärliga sätt, ett nästan fullständigt förkastande av de klassiska kanonerna inom arkitekturen, i kompositioner av målningar, förlust av harmoni för dissonansernas skull, ångest, asymmetri, en extraordinär inverkan på kundens och betraktarens känslor och medvetande. Fantasy blev till och med huvudmålet för den virtuosa konstnären.
San Angelos kyrka, Milano
Palazzo di Brera, Milano
Palazzo dei Banchi, Bologna
Palazzo del Te , Mantua
På 1500-talet gick initiativet till att skapa prydnadsträdgårdar från Florens till Rom. Hit överfördes aktivt konstprestationer från andra kulturcentra i Italien - från fynd i arkitekturen i Laurana, Luciano de och Bramante till de bästa prestationerna inom målning, skulptur och trädgårdsskötsel. I Rom fanns det ett lager av utbildade kunder med stora medel (påvar, kardinaler, romersk aristokrati), redo att spendera dessa medel på byggandet av villor och trädgårdar på landet. Bland de första förortsvillorna i Rom är Villa Madama , Villa Giulia för påven Julius II (Giuliano della Rovere), Belvederepalatset med trädgårdar, skapat i Vatikanen. Om Villa Madama (och dess trädgård) av olika skäl förblev ofullbordad, var Belvedere-palatset avsett att bli en modell för andra trädgårdar tills det förstördes. Den kreativa utvecklingen av de bästa guiderna i Belvedere-trädgården av arkitekten Bramante kommer att vara trädgården i Villa Giulia (arkitekten Giacomo da Vignola ). Tidens bästa arkitekter lockas av skapandet av lantliga villor med trädgårdar, som också blir landskapsarkitekter.
Bland de första som lånade prydnadsträdgårdarnas miljöer i Italien var Frankrikes trädgårdsmästare och arkitekter. Barockträdgården av fransk typ har alla egenskaper från Italiens renässans- och barockträdgård. Här och användningen av terrasser och parterrer och vattenresurser. Men de franska trädgårdarna var anlagda på små kullar, och terrasserna var inte lika höga som i Italien. I Frankrike älskade de parterrer och kom på flera varianter av dem: torr parterre, vattenparterre, parterre med skulptur, parterre med arabesker (komplexa mönster). Naturen liknades aktivt vid geometriska figurer (skär buskar till en kotte, boll, vägg), dammar i form av speglar, flodbäddar i form av raka kanaler etc. Allt detta är underordnat trädgårdens huvuddominerande - palatset av en adelsman eller kung. Det var i Frankrike på 1600-talet som en komplett typ av trädgårds- och parkensemble bildades, som kallades den franska typträdgården och tog på sig all ära av italiensk design.
Underverken i italienska manérist- och barockträdgårdar fortsatte in på 1900-talet med skapandet av trädgården La Scarzuola.
Villa Lancelotti, trädgård och nymfeum
Boboli Gardens , Florens, plan
Trädgården av Castello Ruspoli Vignanello , Italien
Barockens födelseplats är Italien, där de första exemplen på barocken inom arkitektur, skulptur och målning producerades i framstående konstnärliga centra (Rom, Mantua och i mindre utsträckning i Venedig och Florens). Enligt forskare är barock en krisstil som uppstod i spåren av humanismens kris och manérismens födelse. Men detta uteslöt inte önskan att njuta av livets, konstens och naturens gåvor; eran kännetecknas av den utbredda användningen av våld, slavhandeln, utrotningen av ovanliga kulturer eller ideologiska strömningar både i och utanför Europas gränser ( motreformation , miljontals amerikanska indianer förstörda, inkvisitionens dominans, etc.). ). Om renässansen hade en liten spridning i länder utanför Italien, så började från barocktiden den verkliga invasionen av den västeuropeiska civilisationen i den kända världen och inkluderingen av avlägsna länder och kontinenter i omloppsbanan för deras rovdjursintressen (tiden av de stora geografiska upptäckterna , rovkoloniseringen av Amerika , Sydasien, etc.). Michelangelo Buonarroti (1475-1564) anses vara grundaren av barocken i Italien . Det var han som stärkte arkitekturen med en gigantisk ordning, använde sig flitigt av taklister, dubbleringspilastrar och pelare, täthet i arkitektoniska element och övermänsklig storlek. Geniets skulpturala och arkitektoniska verk ger fortfarande intryck av sorg, spänning, nervositet, även om de behåller en tydlig konstruktion, symmetri och utomjordisk, nästan omöjlig skönhet.
En karakteristisk egenskap är prakt, prakt, ljusstyrka i färger, kontrast, extravagans av prydnaden, asymmetri av mönster. Barockarkitekturen domineras av starka volymkontraster, överdriven plasticitet av fasader, chiaroscuro och färgeffekter. Måleri och skulptur präglas av dekorativa och teatraliska kompositioner, subtil utveckling av färger och ljuseffekter, komplicerad plasticitet och prakt. I musik - utseendet på opera, utvecklingen av en fri polyfonisk stil (särskilt i Palestrinis arbete ).
Sakernas tillstånd i romersk arkitektur på 1600-talet. var helt beroende av mästarna Berninis och Borrominis konfrontation och tävlingskamp.
Plan över kyrkan Sant'Ivo alla Sapienza
Innergården i Sant Ivo alla Sapienza
Sankt Ivo, gammal gravyr från 1695
Sammansättning av slottet och kyrkan Sant Ivo
Barockträdgården av italiensk typ är en logisk fortsättning på renässansträdgården. Renässansens trädgårdar var fortfarande små till storleken, utan storslagenhet. De använde en fontän med en skulptur, bänkar, krukor med citronträd. Allt dominerades av ett palats eller en villa. Terrasserna är ännu inte underordnade en enda konstnärlig design, till varandra och till palatset. Tätheten av byggnader i stadsmurarna tillät inte skapandet av trädgårdar i städer, och de visas i utkanten ( Boboli Gardens i Florens) eller på landsbygden.
Ensemblen Villa Aldobrandini i Frascati nära Rom blev ett exempel på en utvecklad barockträdgård av italiensk typ . Arkitekten av villan blev också chefsträdgårdsmästare. Giacomo della Porta ( 1537 - 1602 ) använde bergssluttningen för att skapa terrasser där han planerade både palatset för Aldobrandini och trädgården. Bergsbäcken blev dekorationen av kaskaden, som förvandlades till ett stort nymfaeum , lika stort som själva villan. Villans parkterrass blev en teatersal för nymfeum, dekorerad med skulpturer, en grotta och stuckatur. Vatten bruset livade upp hela denna hög av arkitektur och skulpturer.
Villans motsatta fasad överraskade med storslagna dimensioner och majestätiska ovala trappsteg, som förstorade den redan stora fasaden.
Barocken, född och mognad i Italien, dröjde kvar i den nationella konsten längre än i andra europeiska länder. Lite i taget finns det en ansamling av krisdrag och trötthet hos honom. Redan i verk av Carlo Maratta (1625-1713) tappar barockmåleriet sin värdighet och sanning, som ersätts av bravur och ouppriktigt patos. Forskaren J. Argan noterade bittert: "Hans målning i de härskandes tjänst symboliserar banala saker, gömmer sig bakom Rafaels och Titianus auktoritet." Men barockmålningen i Italien har ännu inte förlorat förmågan att förnya sig och berätta om naturen, historien och de mänskliga känslornas värld, både i verk av provinsmästare ( Crespi , Vittore Ghislandi ) och i dekorativt måleri ( Giovanni Battista Tiepolo ) . Den bleknande barocken kommer att hålla sin position under lång tid både inom teater- och dekorativ konst i Italien och många europeiska länder ( Andrea Pozzo , Ferdinando Bibiena , Giuseppe Valeriani ).
Men centrum för konstnärliga sökningar i Europa går äntligen till Frankrike.
Crespi. Sibyl Cuma, Aeneas och bäraren Charon , 1705.
Giacomo Ceruti . "Tre tiggare", 1736.
Lorenzo Tiepolo . Porträtt av Cecilia Guardi
Vittore Ghislandi. Den unge konstnären , 1732.
Italienska konstnärer var direkt involverade i födelsen och utvecklingen av rokokostilen . Konstnären från Venedig, Rozalba Career, med stöd av filantropen Pierre Crozat , flyttade till Paris , där hon aktivt bidrog till utvecklingen av stil tillsammans med fransmannen Watteau . Stilen uttrycktes främst i planeringen och utsmyckningen av interiörer (palats, kyrkor, kyrkor) i tematisk målning och porträtt. Under rokokotiden blev skulptur (mest polykrom) en väsentlig del av den arkitektoniska kompositionen, och ornament (särskilt i snideri) tog formen av ett skal ("rocaille"). Under rokokotiden utvecklades hantverk brett - vävning, smycken, möbelproduktion, gobelängritning.
Rokokotidens adelsmän satte målet för dagliga nöjen. Lyxiga interiörer av palats och kyrkor, lyxiga klänningar, en rad helgdagar i barockträdgårdar och paviljonger på sommaren och i palats på vintern, borde ha bidragit till nöjet. Kosmetika användes i stor skala - vitt, puder, rouge, svart ögonbrynsfärg, flugor. Kosmetika användes flitigt av både kvinnor och män. Användningen av främre sikten i ansiktet var särskilt utbredd - placeringen av främre sikten hade sin egen betydelse för adelsmän som var kunniga i hovspel. Rokokomålningens kosmopolitism är mest utmärkande för italienarnas verk, som ganska lätt korsade gränserna för olika stater och arbetade i flera år utanför Italien ( Giacopo Amigoni - i Bayern, London och Madrid, Bernardo Bellotto i Tyskland och Polen, Pietro Rotari - i Dresden, Wien och St. Petersburg). Men de gjorde det ofrivilligt, eftersom Italiens spridda furstendömen rullade ner i avgrunden av politisk och ekonomisk kris. För norra Italien kommer detta att sluta med ett militärt övertagande av Napoleons soldater , förlusten av staten av den venetianska republiken och de tragiska åren av förslavning av det österrikiska imperiet fram till mitten av 1800-talet.
I målningen av rokokotiden, helgdagar och teaterföreställningar rådde oändliga par av förälskade mytologiska figurer. I porträtten är alla eftertryckligt leende, vänliga, graciösa, men det var en mask som dolde många brister och extremt komplexa problem. Det var en högtid mitt i pesten – med artificiellt inställda problem, tuberkulos, syfilis, fattigdom, död.
Rokokons nyckfulla och storslagna konst sveptes med av en ny och kraftfull våg av det sena 1700-talets klassicism och empirestilen .
Italiensk skulptur från 1700-talet hade ingen betydande inverkan på den konstnärliga situationen i landet, som det gjorde under Michelangelo Buonarrotis eller Lorenzo Berninis , Alessandro Algardis tid . I förgrunden syns måleri och arkitektur. Italiens skulptörer, fjättrade av 1600-talets barocktradition, påbörjad av Bernini, Alessandro Algardi och flamlingen Francois Duquesnoy, utvecklar sina dekorativa egenskaper och virtuositet i materialbearbetning. Mot bakgrund av skickliga romerska eller venetianska mästare framträder temperamentet och talangen hos florentinaren Carlo Bartolomeo Rastrelli . Men han tvingades emigrera till Frankrike och sedan till Ryssland, där han skulle bli grundaren av rysk monumental, porträtt och dekorativ barockskulptur.
Men den söta fångenskapen hos redan producerade planer och tomter stöder auktoriteten hos italienska skulptörer, som tar emot beställningar från utlandet. Grova trädgårds- och parkskulpturer av Verona och venetianska mästare exporteras till Ryssland, Tyskland, Polen och Österrike. Pietro Baratta , Antonio Tarsia, Giovanni Bonazza, Giovanni Zozzoni, Giuseppe Torretto , Giovanni Maria Morleiter, Henry Morengo, Giovanni Marchiori, bröderna Groppelli och ett antal mindre mästare arbetar på utländska order .
Sk. Morlater. Allegory of Vigilance . Grand Gatchina Palace , Ryssland.
P. Baratta, allegori "Ära till soldaterna"
Sk. D. Karthari. Amor och psyke, Sommarträdgård (S:t Petersburg)
P. Baratta, Allegory of Architecture , 1722
Italiens konst på 1700-talet. tappar intresset för betydande verklighetsproblem och föredrar dekorativitet framför representativa uppgifter. Hushållsgenre , så olika bland konstnärerna i Holland på 1600-talet. eller engelsmannen William Hogarth (1697-1764), italienarna – ett konglomerat av roliga scener, ibland enkla fixeringar av obehaglig verklighet. Värdet av även antik romersk historia minskar, vars bilder fortfarande försöker rehabilitera fresker av Giovanni Battista Tiepolo eller gravyrerna av Piranesi . Antiken (så attraktiv i tre århundraden) blir slutligen bara ett teoretiskt ideal, såväl som ett vetenskapligt föremål för född arkeologi. Detta underlättas av utgrävningarna av det antika romerska Pompeji och Johann Winckelmanns aktiviteter . I Italien minskar byggandet avsevärt överallt, vilket i sin tur ökar utvandringen av konstnärer – från Rom och italienska Schweiz till olika europeiska länder. Arkitekturen i Italiens senbarock håller på att förlora sin påkostade dekor och närmar sig de internationella formerna av klassicism (dess nya våg i 1700-talets konst i form av nyklassicism ). Klassicismens drag är redan inneboende i konstruktionerna av de senaste anhängarna av barocken ( Palazzo Reale , arkitekten Luigi Vanvitelli ; Basilica Superga , Turin, arkitekten Filippo Yuvarra ). Förenklade former av klassicism finns också i landets fåtal villor ( Villa Manin ). Det är anmärkningsvärt att de bästa exemplen på klassicism i Italien är mindre än utomlands - främst i Storbritannien, Frankrike, i det ryska imperiet, där en armé av begåvade italienska arkitekter arbetar (Alessandro Galilei, Antonio Rinaldi , Giacomo Quarenghi , Francesco Camporesi , Ferdinando Fuga , Luigi Rusca , Domenico Merlini , Giacomo Trombara ), utan att räkna de mindre.
Bland de bästa italienska konstnärerna under övergångstiden från rokoko till klassicism är Pompeo Batoni . De bästa egenskaperna hos den italienska klassicismen inom teater- och dekorativ konst är också inneboende i den italienska emigranten till det ryska imperiet - Pietro Gonzago . Men den italienska konsten från denna period (skulpturer av Antonio Canova , målningar av Vincenzo Camuccini och Andrea Appiani ) tappar originalitet och koppling till verkligheten, fjädrad av Winckelmanns nyklassiska idéer och frånvaron av patriotiska eller socialt betydelsefulla ideal, vilket inte var fall i den revolutionära klassicismens konst i Frankrike.
Det var inte konstens problem som aktualiserades i Italiens sociala liv i mitten av 1800-talet, utan problemen med den nationella befrielsekampen mot det österrikiska imperiet, problemet med att förena olika länder (små statsbildningar) till en enda stat, som hände för länge sedan i Storbritannien, Frankrike, det ryska imperiet.
Efter att ha slutfört processen att förena landet till ett enda kungarike hade konstnärerna från staden Florens en önskan att skapa ett nytt kreativt samhälle. Samhällets ideologiska plattform motsatte sig både senklassicismen och romantiken skild från verkligheten och 1800-talets akademiism som var i kris. Forskare i Italien hänvisar till realismens riktning och impressionismens föregångare i nationell konst. Drag av nationell realism har redan ägt rum i konsten av Piemonte och napolitanska konstnärer, de mest öppna för de senaste trenderna inom västeuropeisk konst. Den piemontesiske målaren Antonio Fontanesi (1818-1882 ) var en verklig anhängare av Camille Corots tråkiga sätt , som besökte Italien. Mer varierande var intrigerna och verken av Giacinto Gigante (1806-1876), Filippo Palizzi (1818-1899). Konstnärerna i samhället gjorde mycket för att återuppliva den forna glansen av konstnärerna i Italien och anses vara grundarna av den moderna målningen av landet. De försökte trots allt göra det italienska måleriets konstnärliga språk modernare och betona verklighetens värde, i motsats till mytologiska eller litterära ämnen.
Akademism inkluderar verk av den sienesiske konstnären Luigi Mussini , som utmärktes av sin passion för sällsynta ämnen från antikens och medeltida historia. Av särskilt intresse var hans målning Chess Tournament in the Court of the King of Spain , skapad för en 1883 Royal Institution-utställning i Manchester . I slutet av 1800-talet kommer italienaren Giovanni Boldinis verk, som kommer att arbeta i Paris , att bli personifieringen av virtuos måleri . Traditionerna för det nationella demokratiska måleriet kommer bäst att förkroppsligas i Giovanni Segantinis (1858-1899) verk, öppna för både realistiska traditioner och symbolismens inflytande.
Luigi Mussini . Schackturnering vid kungens hov av Spanien , 1883
Luigi Mussini . Spartansk pojke som tittar på konsekvenserna av överdrivet drickande, 1850
Segantini. Bondekvinna som drar trä på vintern
Segantini. Till vattenhålet
Segantini. Ave Maria
Segantini. Två mammor
Trots uppsvinget i skapandet av monument till kung Victor Emmanuel , Giuseppe Garibaldi och berömda kulturpersonligheter i Italien, gick monumentalskulpturer inte igenom den bästa tiden. Städerna i Italien var fyllda med ett antal pompösa monument över kungen, utan uttrycksfulla - Garibaldi, rent illustrativa, vulgärt naturalistiska arkitekter, skulptörer, konstnärer, kompositörer, författare - Dante, Leonardo da Vinci, Arnolfo di Cambio, Giotto, etc. Till diversifiera monumenten, några av dem i kombination med fontäner (fontänen Gaetano Donizetti , Bergamo), placerade i en nisch av palatsets väggar. Realistiskt skapade reliefer av krigare kombineras med allegoriska skulpturer av Italien (ett monument över 150 partisaner som dog nära Menton, Milano) i stil med akademisk eller imperium.
"Giotto", Uffizi, skulptör Giovanni Dupre, 1845
Arnolfo di Cambio, katedraltorget, skulptören Luigi Pamplone, 1830
Monument till Dante, Florens
Monument till Giuseppe Garibaldi, Savona.
Monument till 150 partisaner som dog nära Menton med en allegori av Italien, Milano
Fontän Gaetano Donizetti, Bergamo.
Hedersbegravning av Dante ( cenotaf ), skulptören Stefano Ricci
Skulptör Luigi Belli, självporträtt på ett monument med en allegori över Italien, 1880
Poet Petrarca, nisch för Uffizipalatset.
Monument till kung Victor Emmanuel II, Milano, skulptören Ercole Rosa, 1896
Monument till G. Garibaldi, Civitavecchia
Biondi's Saturnalia , skulpturgrupp från 1899.
Secessionen i Milano hade en speciell plats på grund av dess extrema former . Den snabba utvecklingen av industrin och de frigjorda penningsummorna för de nya förmögenheterna i Milano gav upphov till en form av utträde, som ironiskt nog kallades den "assyriska stilen". Stilistik kombinerade bisarrt patos (ofta tomt) med historicismens dekorativitet, önskan om monumentalitet och psykologiskt sammanbrott, extrema former av individuella konstnärliga sätt. Ett slående landmärke för en era full av krångel och motsägelser var den nya kyrkogården i Milano - Cimitero Monumentale, full av pompösa gravstenar och minnesmärken, mausoleer, sarkofager, dekorerade med skulpturer, glasmålningar, marmor- eller bronsdekor, smidd metall, etc.
Gravsten för familjen Bussi
Arturo Toscaninis gravsten, secession, skulptör Leonardo Bistolfi, 1915
Judisk del av kyrkogården
Gravsten av familjen Bezenzanik, skulptören Enrico Butti
Under många århundraden var italienarnas konsthantverk också en viktig konstindustri. Den historiskt långa fragmenteringen och splittringen av länderna bidrog till utvecklingen av lokala konstcentra. Under den gotiska eran blev produktionen av målade glasfönster utbredd. Liksom i Frankrike lockades de bästa konstnärerna till skapandet av målade glasfönster i de italienska furstendömena, bland dem -
Traditionellt stark var glastillverkning och vävning, spetsproduktion i Venedig. Produkterna från vapensmederna i Milano eller juvelerarna i Rom blev populära. Europeiskt erkännande hade italienska möbler (stolar, bord, bröllop kistor), gjorda av valnötsträ, täckt med sniderier.
Möbler från norra Italien. Victoria and Albert Museum
Skåp
I renässansens Venedig blomstrade tillverkningen av metallknölar. Hantverkarna tävlade om att ge produkterna en mängd olika former, vilket höjde hushållsdetaljen på ytterdörren till nivån av riktiga högkonstprodukter.
En speciell plats ockuperades av små keramiska centra, geografiskt långt från välkända konstcentra - Faenza, Deruta, Gubbio, Savona, Castel Durante, Siena, Urbino. De keramiska verkstäderna i Toscana tog de första positionerna på 1400-talet. Produktionen av fat, fat och vaser av säregna former, täckta med blå mönster, började. Andra keramiska centra (Deruta, Gubbio, Savona, Castel Durante) går också över till produktion av ceremoniella rätter och bröllopsrätter.
Savona. Fabrik Sebastiano Ricci , apoteksvas
Savona, Solomone-fabriken, majolikaprodukter
Färgade målningar täckte också de då bekanta bruksföremålen för apoteken. Prestigen hos verk av italienska konstnärer och gravörer återspeglades också i utsmyckningen av keramiska produkter. Mästare (trots oberoende tomter) på 1500-talet började överföra tomter från gravyrer till keramik, men inte alltid framgångsrikt. Originaliteten är inneboende i de så kallade "bröllopsrätterna", på vilka flickaktiga porträtt målades. Sortimentet ökar också med tiden - stora skålar, badkar-kylskåp, flaskor, täckta med detaljerad dekor och stuckaturdetaljer, dyker upp.
Enstaka prover av kinesiskt porslin som kom till Italien väckte beundran och försök att kopiera dess teknologier i Florens och Savona. Men kvaliteten på dessa produkter var sämre än proverna i Kina eller Japan. Det mest framgångsrika var tillverkningen av italienskt porslin i staden Neapel på 1700-talet.
Faenza , fat med vapen. 1532
Deruta, fat 1534
Nicolò da Urbino, "Venus", före 1535
Francesco Xanto Avelli, 1525
1900-talets tragiska händelser hade inte den bästa effekten på konsten, där avantgarde och destruktiva tendenser spred sig med otrolig hastighet. I början av XX-talet. Paris har blivit ett välkänt centrum för avantgardistiska tendenser , där secession, sen symbolism , kubism , surrealism , etc. samexisterar. Det är i Paris som så olika konstnärliga personligheter som italienarna Boldini och Amedeo Modigliani arbetar . Avantgardetrender uppstår också i Italien, och verk av Giacomo Balla (1871-1958), Umberto Boccioni (1882-1916), Carlo Carra (1881-1966), Gino Severini (1883-1966) gav ett betydande bidrag till 1900-talets konst.
Kollapsen av de sköna konsternas former fick sin extrema manifestation i abstraktionism och epigoner från den, små konströrelser, aktivt stödda av borgerliga affärsmän, media , gallerister och auktioner i ett försök att tjäna betydande pengar på konst. Två världskrig ledde till att konstcentret flyttades från Paris till Storbritannien och USA.
Italiens konst under Benito Mussolinis regeringstid hade lokala konstnärliga särdrag . Under den perioden skapades många byggnader, om än av olika konstnärligt värde (nya byggnader vid universitetet i Rom , den moderna byggnaden av utrikesministeriet, etc.). På 1960-talet kom ett team av utbildade och högkulturella politiker till makten i det italienska parlamentet, som stod för bevarandet av kulturella och historiska monument från både det förflutna och 1900-talet.
Och även om det fanns krav från vänsterpolitiker om att förstöra Mussoliniregimens byggnader, antogs lämpliga lagar om det fullständiga förbudet mot förändringar av historiska byggnader som erkändes som monument över historien eller arkitekturen.
Mot bakgrund av kampen mot den politiskt reaktionära regimen mognade Renato Guttusos realistiska konst och ett antal nya generationens italienska skulptörer, inklusive:
Francesco Messina. "Maria"
Umberto Boccioni. "Porträtt av Ferruccio Busoni".
Abstrakta former inom måleri och skulptur odlas av Emilio Vedova , Arnaldo Pomodoro och andra.