Balett är en scenkonst som inkluderar en formaliserad form av dans .
I slutet av medeltiden fanns ett intresse för det klassiska förflutna, vilket ledde till renässansen . Under renässansen flyttades uppmärksamheten från samhället som helhet till individen. Som ett resultat började dansare under denna period ses som idealiska människor.
De mest framstående förbättringarna av koreografin under renässansen gjordes i stadsstaterna i dagens Italien . Balett uppstod vid domstolar som en utveckling av högtidliga föreställningar som sattes upp under helgdagar för aristokrater. Hovmusiker och dansare deltog tillsammans i adelns underhållning.
Renässansens balett var mycket fattigare än den moderna. Tutu- och pointeskor användes ännu inte. Koreografin skapades utifrån hovdansernas steg. Skådespelare klädda i kostymer enligt dåvarande hovmode. I tidiga baletter kunde publiken också delta i dansen i de sista akterna.
På 1400-talet var det väldigt få människor som kunde kallas koreografer. Nu är det bara känt om de som skrev om danser, restens verk är förlorade. Domenico av Piacenza (Domenico da Piacenza), eller Domenico av Ferrara (Domenico da Ferrara) var en sådan koreograf. Tillsammans med sina elever Antonio Cornazzano och Guglielmo Ebreo lärde han ut danser för adelsmännen. Domenico skrev ett verk, De arte saltandi et choreus ducendi ( Om konsten att dansa och dansa ), som gjordes tillsammans med hans elever. Domenico är förmodligen tidens mest kända koreograf, eftersom många beskrivningar av hans verk finns kvar efter honom.
I sin bok använde Domenico ordet ballo istället för danza , även om de båda betyder dans på italienska. Därför blev hans danser kända som baletti eller balli (plural), balletto (singular). Förmodligen kom det moderna ordet "balett" från detta ord. År 1489 i Tortona (Italien) vid högtiderna vid Bergonzio di Bitta (Bergonzio di Botta), började en dans som kallas entrée varje del av festen. Vissa ser det som den första baletten.
På 1500-talet dök så kallade spectaculi upp i norra Italien - storslagna föreställningar. De inkluderade inte bara danser, utan också riduppträdanden och strider. Från detta kom ordet spektakel , som används på franska när man talar om balett.
När Catherine de' Medici , en italiensk aristokrat som hade ett intresse för konsten, gifte sig med arvtagaren till den franska tronen , Henrik II , tog hon sitt intresse för dans till Frankrike . Hon var också den första sponsorn av baletterna. Dåtidens baletter komponerades på mytologiska teman.
Catherine de' Medici som Frankrikes "drottningmodern" bjöd på storslagna spektakel . En anmärkningsvärd var Den polska baletten ( Le Ballet des Polonais ), som arrangerades för besöket av polska ambassadörer 1573 .
Kanske en av de första traditionella baletterna var Queen's Comedy Ballet ( 1581 ) i regi av Baldassare Baltazarini da Belgioioso ( italienska: Baldassare Baltazarini da Belgioioso , franska: Balthasar de Beaujoyeulx ), som var ett balettdrama. Den sågs av tiotusen åskådare och den varade från 22:00 till 3:00. Då innehöll baletten inte bara danser, utan också samtal och inslag av dramatik, och varade därför så länge. Det har kallats baleto-comique ( comique betyder " drama ", inte " komedi ").
Samma år etablerade avhandlingen Il Ballarino av Fabrizio Caroso , som var en guide till studiet av hovdanser, både sociala och för uppträdanden, Italien som ett centrum för utveckling av dansteknik.
Under de kommande 50 åren ersatte dansen gradvis dramatiken från balett. Balettföreställningar gavs nu inte bara vid hovet, utan också på teatrar för pengar.
Under denna tid utförde adelsmän, inklusive Ludvig XIV, roller av varierande betydelse i baletten. Detta gjorde bakgrunden och skurkrollerna mer prestigefyllda.
År 1584 dök Teatro d'Olympico upp med ett proscenium i Verona , Italien.
År 1588 kom den första franska boken om dans , Orchésographie, av Tuano Arbaud . I den fanns en beskrivning av eversion .
Balett utvecklades som en separat konst som syftade till att skapa föreställningar i Frankrike under Ludvig XIV :s regeringstid , som hade en passion för dans och avslutade nedgången i dansstandarder som började på 1600-talet .
När Ludvig XIV kröntes uppmuntrades hans intresse för dans starkt av den italienskfödde kardinal Mazarin , som hjälpte Ludvig XIV. Den unge kungen gjorde sin balettdebut som pojke.
Den italienske kompositören och koreografen Jean-Baptiste Lully ( italienaren Giovanni Baptista Lulli , 1632-1687), som kom till Frankrike på förslag av Mazarin, hade ett betydande inflytande på franska framträdanden . Lully blev en av kungens favoritdansare och representerade kungen som den bästa dansaren i Frankrike.
Med stöd av Ludvig XIV placerade Lully ofta kungen i sina baletter. Titeln "Solkungen" av Ludvig XIV kommer från hans roll i Le Ballet de la Nuit ( 1653 ) iscensatt av Lully.
År 1661 grundade Ludvig XIV Royal Academy of Dance ( franska: Académie Royale de Danse ) i Louvrens rum. Det var den första balettskolan i världen. Det utvecklades till ett sällskap senare känt som Paris Opera Ballet. Lully, som tjänstgjorde vid det franska hovet, ledde Royal Academy of Dance med järnhand. Han var avgörande för att sätta balettens allmänna riktning för nästa århundrade.
Lullys främsta bidrag till balett var hans uppmärksamhet på nyanserna i kompositioner. Hans förståelse för rörelse och dans gjorde att han kunde komponera musik specifikt för balett, med musikaliska fraser som matchade de fysiska rörelserna. Han samarbetade också med den franske dramatikern Molière . Tillsammans tog de den italienska teaterstilen, commedia dell'arte ( Commedia dell'arte ), och anpassade den i sitt arbete för den franska publiken och skapade comédie-baleto . Bland deras viktigaste skapelser var " Handelsmannen i adeln " ( 1670 ). Pierre Beauchamp (1636–1705), en annan hovdansare och koreograf, samarbetade också med dem och iscensatte dansinteraktioner mellan dramatiska rörelser. Pierre Beauchamp var Ludvig XIV:s dansinstruktör.
Pierre Beauchamp fortsatte att arbeta med dansterminologi. De tidigaste referenserna till dagens balettfotställningar finns i hans verk.
Benens fem positioner och valdeltagandet som finns i var och en av positionerna kan också förklaras av att balett uppstod utifrån hovdanser. Hovdanserna på 1600-talet involverade ofta adelsmän, av vilka många tränades i svärdsmanskap , så vissa fäktningstekniker, såsom vändfotspositioner och handställningar , användes i balettkoreografi.
Den nuvarande konventionella terminologin för klassisk balett är på franska, men den har behållit några av de ursprungliga italienska namnen.
1669 grundade Ludvig XIV Royal Academy of Music ( Académie Royale de Musique ), Lully blev dess chef. 1670 försämrades Ludvig XIV:s hälsa till den grad att han slutade dansa. Efter honom lämnade också aristokraterna scenen, och baletten började ta form som en sysselsättning för proffs, som redan sågs av överklassen uteslutande från auditoriet.
Lully blev senare den första regissören för teatern vid Royal Academy of Music, eftersom den utvecklades till att omfatta dans. Lully förde italiensk och fransk balett samman och skapade ett arv som skulle definiera balettens framtid.
1672 grundade Lully en dansakademi vid Royal Academy of Music. Detta danskompani existerar fortfarande idag som Paris Opera Ballet , och är världens äldsta kontinuerligt verksamma balettkompani.
Lullys allvar med att lära sig dansa ledde till utvecklingen av professionella dansare som skilde sig från de bara hovmän som kunde dansa. Dessutom dök två olika stilar upp i balett - den majestätiska, ädla, karakteristiska för hovbalett och den virtuosa, som tidigare endast var möjlig med professionella skådespelare.
Fram till 1681 var det bara män som deltog i framförandet av baletten. 1681 arrangerade Lully Le Triomphe de l'Amour . En av de fyra dansarna som deltog i föreställningen var Mademoiselle La Fontaine (1665-1738), namnen på de andra tre är nu okända. La Fontaine, som sedan dess har blivit känd som "dansernas drottning", anses vara den första ballerinan - en kvinnlig professionell dansare. Samtidigt var de första (det vill säga ledande) dansarna Louis Letang (d. ca. 1739) och Louis Pecourt (1655-1729).
1687 skadade Lully sig själv genom att av misstag genomborra hans fot med en käpp, som slog klockan och dog av den resulterande blodförgiftningen.
Under denna tid framfördes balett vanligtvis som en del av samma teateruppsättningar som opera, i en föreställningsform som kallas opera-balett ( opéra-balett ). Musikakademin som drivs av Lully skapade standarden för operabalett. Folk ville dansa lika mycket eller mer än de ville ha musik. André Campra , författare till operabaletten La Gallant Europe ( 1697 ), bestämde sig för att göra den mer populär genom att förlänga danserna och förkorta dansarnas kjolar, som då redan fast tog plats som artister bredvid män.
Vissa kompositörer - som Gluck - gjorde betydande förändringar i balettens sammansättning. Som ett resultat delades balett in i tre typer: sérieux (seriös), demi-caractère (halvkarakteristisk) och comique (komisk). Balettinlägg började användas i operor som buntar.
År 1700 publicerade Raoul-Auger Feuilleux sin avhandling Choréographie, ou l'art de décrire la danse . Ordet choréographie i bokens titel kommer från grekiskans khorea (att dansa) och graphhein (att skriva). Från detta ord kom ordet " koreografi ". Den här boken beskrev både scendans och sällskapsdans. Det försökte skapa ett sätt att spela in danser som liknar att spela in musik. Även om denna notation aldrig blev färdig och standardiserad, används den fortfarande idag, eftersom inget annat system har utvecklats. År 1700 användes redan många ord som nu ofta används för att beskriva balettrörelser, t.ex. cabriole , chasse , entrechat ( entrechat ), jeté , pirouette ( piruette ), sissone .
År 1713 grundade Parisoperan sin egen dansskola , som lärde ut danstekniker baserade på Feuillés kompositioner. År 1713 knöts Royal Academy of Dance till Parisoperan .
1725 gavs boken Dansernas Mästare ut av Pierre Rameau (1674-1748), som tidigare varit danslärare hos drottningen av Spanien. I den här boken ger Rameau formellt fötternas fem positioner för första gången.
Vid denna tid uppmärksammade franska dansare elegans, medan italienska dansare uppmärksammade akrobatik . I Frankrike fortsatte berättelsen i operabalettens danspartier, medan danserna i Italien sattes in helt enkelt för att hindra publiken från att lyssna på den kontinuerliga sången för länge.
Framstående manliga dansare på den tiden är Michel Blondy (1677-1747) och Claude Balon (1676-1739). Efternamnet på den senare kan ha kallats termen ballon , vilket betecknar förmågan att frysa medan man hoppar i luften. Kvinnor spelade fortfarande en mindre viktig roll i balett än män, eftersom de började dansa senare och var tvungna att bära tunga kostymer. De framstående dansarna i denna generation var Marie-Thérèse de Soubliny (1666-1735) och Françoise Prévost (1680-1741), som dansade tillsammans med Blondy och Balon.
Prevost började göra anspråk på berömmelse efter framgången med en soloproduktion av Les charactès de la Danse, som presenterade flera romanser, där hon spelade båda sidor. I samma produktion var två av hennes elever, som blev rivaler på scenen, involverade – Marie Salle (1701-1756) och Marie-Anne de Kupi de Camargo (1710-1770). Camargo gjorde sin debut 1726 , hennes rival Salle - 1727 . 1733 dansade Salle i " Pygmalion ", endast klädd i en antik tunika.
Camargo betonade ren dans. I solonummer koncentrerade hon sig på hopp och tränade steg med många medar ( batteri ). Salle blev känd för sin otroliga förmåga att visa karaktärer. Därför förvandlade hon sin lärares solo till en duett, vilket gjorde det möjligt att interagera med en partner. Både Camargo och Salle bidrog till att ballerinadräkten förkortades: de dansade i kortare kjolar, men även dessa var knappt över vristen. I sådana kortare kjolar var ballerinorna skyldiga att bära calçons de precaution ( försiktighet betyder "förebygga", "akta dig") så att publiken inte skulle se något "obscent".
1735 satte Jean -Philippe Rameau upp operabaletten "Gallant India ", som är baserad på fyra kärlekshistorier i olika exotiska situationer. I den utför dansarna verkligen balett, eftersom danserna för baletten och dansgolvet redan känns igen som olika varandra. Vändningen av benen anses vara en viktig del av baletten, som då krävde en nästan fullständig (180 grader) vridning av benen.
1738 lade Jean-Baptiste Lande grunden till en balettskola i Ryssland. Hans dansklasser växte så småningom till en fullfjädrad teatralisk (efter revolutionen 1917 - uteslutande balett) utbildningsinstitution: Academy of Russian Ballet. A. Ya. Vaganova är en av de äldsta balettskolorna i världen.
1739 gjorde italienaren Barbara Campanini (1721–1799), som blev känd som La Barbarina, sin debut i Paris . Medan La Carmargo gjorde en utmärkt entrechat-quatre, ett hopp där benen korsas eller träffar varandra två gånger, kunde La Barbarina göra en entrechat-huit , ett hopp med fyra träffar.
Från mitten av 30-talet. Under 1700-talet ökade uppmärksamheten på balett i England. Den engelske koreografen John Weaver (1673-1760) skapade ballet d'action ( aktiv balett ), det vill säga balett utan att prata. Hela historien förmedlades i den med hjälp av danser och pantomim. Hans mest ambitiösa projekt var The Love of Mars and Venus , som involverade Louis Dupré (1697-1774), den första engelska ballerinan Esther Santlow (1690-1773) och regissören själv. Även om kärleken till Mars och Venus var väl ansedd, glömdes föreställningen snart bort och Weaver fick inte det erkännande han förtjänade. Idén om effektiv balett användes i deras produktioner av italienaren Gasparo Angiolini (1731-1803) och Dupres elev, schweizaren Jean-Georges Noverre (1727-1810), som kallades " balettens Shakespeare ".
1758 satte Jean -Georges Noverre upp sin första balett i Lyon och skrev sina teoretiska anteckningar om dans. 1760 gav han ut sin bok Lettres sur la danse et les ballets ( Brev om dans och baletter ), där han talade om att iscensätta en ballet d'action ( balett i aktion ), där dansarnas rörelser utformades för att uttrycka mening och förmedla en historia. Den här boken är av stor betydelse, eftersom tack vare henne var 1700-talet en period av förbättringar av balettens tekniska standard och en period då balett blev en seriös dramatisk konstform tillsammans med opera. För att göra allt som händer på scenen så sant som möjligt valde Noverre pantomim som huvudväg .
Vid mitten av 1700-talet försökte många monarkiska domstolar i Europa vara som Versailles . Operahus öppnade överallt. Dansare och lärare fick lätt arbete.
Under denna tid spelade kvinnliga dansare en biroll då de bar krinoliner, korsetter, peruker och höga klackar. Det var svårt att dansa i sådana kostymer, och lädermasker störde uttrycket av känslor. Noverre bidrog till förändringen av ballerinornas traditionella dräkt och satte 1763 upp Jason och Medea utan masker. Dansarnas ansiktsuttryck var synliga och föreställningens enorma uttrycksfullhet imponerade stort på publiken.
År 1772 slutade Maximilian Gardel att använda sin mask.
År 1780 uppträder John Durn, den första amerikanska dansaren, i Philadelphia (Pennsylvania, USA).
År 1783 skapade Katarina II den kejserliga opera- och balettteatern i St. Petersburg , för vilken byggnaden av Bolshoi Stone Theatre omedelbart byggdes .
Under andra hälften av 1700-talet dominerades Parisoperan av manliga dansare som Duprés elev, den italienskfödde virtuosen Gaetano Vestris och hans son Auguste , känd för sina hopp. Kvinnor förbättrade också sin balettteknik: tyska Anna Heinel blev den första dansaren som utförde en dubbel piruett.
År 1789 , vid Grand Théâtre de Bordeaux , satte Noverres student Jean Dauberval (1742–1806) upp en av de första baletterna om medelklassmänniskor, Le Ballet de la Paille , för sin fru, dansaren Marie-Madeleine Crepe (1760–1796) . Baletten, där en mamma försökte ordna ett fördelaktigt äktenskap för sin dotter, blev känd som " Vinful Precaution ".
Dauberval var i Bordeaux, borta från huvudstaden, på grund av händelserna under den franska revolutionen . Här dansade italienarna Salvatore Vigano (1769-1821) och hans hustru Maria Medina i truppen under hans ledning . Viganò, vars teatergeni har jämförts med Shakespeares, vände åter balett mot koreodrama efter Noverre . För honom komponerade Beethoven sin enda balett - " Creations of Prometheus ".
Med den franska revolutionen kom en revolution i balettstil, vilket framgår av teckningarna av Viganò och hans fru. Viganòs kostymer var mycket lättare än de tidigare. Hans fru bar lätta, flytande kostymer med utskärningar som liknade den franska kejserliga linjen, och båda dansarna skulle bära mjuka, flexibla skor. På 1790-talet upphörde användningen av klackskor i balett. Männen hade tajta byxor till knäna och strumpor, vilket gjorde det möjligt att se figuren av dansaren. Lättare kläder gjorde det lättare att utföra piruetter och hoppande rörelser.
1791 uppträder det första amerikanska balettkompaniet i Charleston, South Carolina, USA.
I början av 1800-talet befann sig balett i en övergångsfas i utvecklingen, kallad förromantisk. Under den förromantiska eran nådde manliga dansare sin höjdpunkt.
Den italienske koreografen Carlo Blasis ( 1797 (enligt vissa källor 1795 eller 1803 ) - 1878 ), en av Viganòs elever, undervisade nästa generation dansare så att de skulle gå framåt jämfört med föregående generation, och han publicerade sina resultat i läroböcker i Italien och sedan i England, som beskriver balettens finare detaljer. 1820 skrev Carlo Blasis en elementär avhandling om danskonstens teori och praktik . Danstekniken från det tidiga 1800-talet beskrevs i hans Codex Terpsichore ( 1830 ). Man tror att han är uppfinnaren av attitydposen , uppfunnen på grundval av den flamländska skulptören Giambolognas berömda verk, som skildrar guden Merkurius, som lätt balanserar på tårna på sin vänstra fot.
Under balettens förromantiska era började dansare först dansa på tårna. Den tidigaste avbildningen av en kvinna som dansar på tårna är en bild från 1821 av Fanny Bias , men det är möjligt att Geneviève Gosselin dansade på tårna redan 1815 . Man tror dock traditionellt att den första dansaren som dansade på sina fingrar var den berömda italienaren Marie Taglioni ( 1804 - 1884 ), som stod på sina fingertoppar 1822 - vid 18 års ålder, och om innan hon stod på sina fingrar var bara ett trick, sedan blev det för henne ett uttrycksmedel.
1828 gjorde Marie Taglioni sin debut på Parisoperan.
1800-talet var en period av stora förändringar i samhället, och detta återspeglades i baletten, där det skedde en övergång till romantisk balett.
Romantiken var en reaktion mot industrialiseringens formella restriktioner och mekanik. Tidens intelligens ledde till att koreografer komponerade romantiska baletter som såg lätta, luftiga och fria ut, vilket var tänkt att vara en kontrast till den reduktionistiska vetenskap som enligt Poe "förde dryaderna ut ur skogarna". Dessa till synes orealistiska baletter skildrade kvinnor som känsliga, ojordiska, luftiga varelser som kan lyftas utan svårighet och nästan ser ut att sväva i luften. Ballerinor började bära kostymer i pastellfärger, med kjolar som svävade runt benen. Manusen var på temat fruktansvärda folkloreandar.
Ballerinorna Genevieve Gosselin, Maria Taglioni och Fanny Elsler experimenterade med nya tekniker, som fingerdans, vilket fick figuren att framstå som högre och mer graciös. Professionella librettister skrev berättelser för baletter. Lärare som Carlo Blazis beskrev baletttekniken i den grundform som används än idag. Pointe skor uppfanns för att stödja fingerdans.
1832 satte Filippo Taglioni ( 1777 - 1871 ), far till Maria Taglioni, upp baletten La Sylphide för henne . Maria Taglioni dansade rollen som Sylfen, en övernaturlig varelse som en vanlig ung man blev kär i och förstörde. Pointedans användes för att betona övernaturlig briljans och oväsentlighet. Baletten "La Sylphide" hade en enorm inverkan på balettens teman, stil, teknik och kostymer. I La Sylphide bar Maria Taglioni en klockformad kostym med ett valbensliv. Baserat på denna kostym designades en romantisk tutu 50 år senare .
Baletten "La Sylphide" inledde den romantiska eran. Det har fortfarande inte förlorat sin betydelse och spelas på teatrar till denna dag, förblir en av de äldsta i balettens historia.
En annan välkänd balett från romantikens början är Giselle ( Giselle, ou Les Wilis ), uppsatt på Parisoperan 1841 , koreograferad av Jean Coralli och Jules Perrot ( 1810 - 1892 ). Musik komponerad av Adolphe Adam. Rollen som Giselle spelades av Carlotta Grisi ( 1819 - 1899 ), en ny ballerina från Italien. Giselle är byggd på kontrasten mellan den mänskliga och andra världsvärlden, och i hans andra akt var spökandarna, kallade jeepar, klädda i vita kjolar, som kom på modet efter Sylfen.
1845 satte Jules Perrault upp Pas de Quatre på Her Highness's Theatre, London .
När den nya skickligheten att dansa pointe blev bättre, blev kvinnliga dansare allt viktigare. Endast ett fåtal män var framträdande inom balett på den tiden. Några av dem var Jules Perrot, koreograf av Pas de Quatre , Lucien Petipa 1815 - 1898 ) och Arthur Saint-Leon ( 1821 - 1870 ), som inte bara var en utmärkt dansare, utan också en utmärkt cellist.
I Ryssland och Danmark förbättrades männen tillsammans med kvinnorna, medan balett i dessa länder fick stöd av monarkiska domstolar [1] . Den dansk som satte de mest anmärkningsvärda spåren på balett var Auguste Bournonville. Efter att ha studerat i Danmark och Paris och uppträtt på Parisoperan återvände August Bournonville till Danmark. Där satte han 1836 upp sin version av La Sylphide, med ny koreografi och ny musik; 16-åriga Lucille Gran spelade rollen som sylfen.
Även om balett i modern mening har sitt ursprung i Frankrike, anpassade andra länder och kulturer snart denna konstform för sig själva. Ryssland har den mest erkända baletttraditionen till denna dag.
Efter 1850 började balett blekna i Paris . Det var fortfarande populärt, men sågs främst som en show med vackra kvinnor. I London hade balett vid den tiden praktiskt taget försvunnit från operahusens scener och flyttat till scenen.
Men i Ryssland och Danmark blomstrade balett tack vare mästarna August Bournonville, Jules Perrot, Arthur Saint-Leon, Enrico Cecchetti och Marius Petipa ( 1818-1910 ) , bror till den berömda dansaren Lucien.
Många begåvade dansare från Italien uppträdde i Frankrike, medan många fransmän kom till Ryssland innan ryska dansare började uppträda i St. Petersburg . En av de mest kända dansarna var Maria Danilova , som dansade utmärkt på pointe och blev ihågkommen som den "ryska Taglioni". Hon dog vid 17 års ålder 1810 .
År 1842 följde Christian Johansson ( 1817-1903 ) med Maria Taglioni till Ryssland och stannade där och blev senare en av de mest framstående lärarna i Ryssland.
Giselle framfördes första gången i Ryssland ett år efter Parispremiären med Elena Andreyanova ( 1819-1857 ) som Giselle. Hon dansade med Christian Johansson och Marius Petipa, de mest kända dansarna inom rysk balett.
1848 kom Fanny Elsler och Jules Perrot till Ryssland. Perrault stannade i 10 år som chef för Saint Petersburg Imperial Russian Ballet (numera Mariinsky Ballet Company ).
1852 tog Lev Ivanov ( 1834-1901 ) , den första innovatören född i Ryssland, examen från den kejserliga balettskolan.
Marius Petipa var fortfarande huvuddansare med Sankt Petersburgbaletten 1862 när han skapade sin första fleraktersbalett Faraos dotter för tsarens kejserliga teater. Det var en otrolig egyptisk fantasi, med mumier som vaknade till liv och giftiga ormar. Denna balett gav upphov till andra baletter och kanske vad som nu betraktas som klassisk balett .
1869 blev Marius Petipa huvudchef för St. Petersburgs kejserliga ryska baletten istället för Saint-Leon och förblev dess chef under de kommande 30 åren. Petipa skapade många baletter av en eller flera akter för iscensättning på Rysslands kejserliga scener. 1869 reste han till Moskva och satte där upp baletten Don Quijote för Bolsjojteatern i Moskva.
Sedan återvände Arthur Saint-Leon till Paris och satte upp " Coppelia ", den sista stora baletten på Parisoperan. Det fransk-preussiska kriget och belägringen av Paris ledde till balettens död i Västeuropa.
1877 skapade Petipa baletten La Bayadère för Imperial Theatre i St. Petersburg.
År 1877 fanns den första produktionen av Swan Lake , en balett som nu allmänt anses vara symbolen för det klassiska. Svansjön med musik av Pjotr Iljitsj Tjajkovskij var den första av den ryska balettens så kallade "tre stora". Svansjön skapades ursprungligen av österrikaren Wenzel Ratzinger ( 1827-1892 ) , och designades om av många, bland dem Josef Hansen ( 1842-1907 ) och Petipa 1895 .
På 1880-talet satte Petipa upp två baletter i Ryssland som var mycket framgångsrika i Paris - Giselle och Coppélia (originalproduktion av Saint-Leon 1870)
1889 skapade Petipa Amulet .
1890 blev Enrico Cecchetti ( 1850-1928 ) dansare och chef för Imperial Ballet School. Han föddes i Rom, båda hans föräldrar var dansare och han studerade med dem. Han studerade också med Giovanni Lepri, en elev till Carlo Blasis.
1890 valdes den italienska ballerinan Carlotta Brianza ( 1867 - 1930 ) av Petipa för en roll i den nya baletten Törnrosa ). Denna balett är den andra i de tre stora och en av de viktigaste klassiska baletterna.
År 1892 (även om året förblir en öppen fråga för historiker), skapade Petipa, tillsammans med designern Ivan Vsevolzhsky och andre regissören Lev Ivanov , baletten Nötknäpparen . Detta är den tredje baletten av de tre stora. Den är baserad på en sötad fransk återberättelse av novellen av ETA Hoffmann. Nötknäpparen har enorm popularitet i hundratals olika versioner som julbalett . Nötknäpparen hade premiär på Mariinsky-teatern den 18 december (6 december enligt den julianska kalendern som då användes i Ryssland) 1892.
Petipa är mest känd för sina samarbeten med Tjajkovskij . Petipa använde Tjajkovskijs musik för sina danser i Nötknäpparen ( 1892 ), Törnrosa ( 1890 ), Svansjön (1895, med Lev Ivanov ).
På 1890-talet upphörde balett att vara en stor konst i Västeuropa och fanns inte i Amerika. Tre personer, alla från Ryssland, dök upp på scenen ungefär samtidigt och återupplivade intresset för balett i hela Europa och Amerika: Enrico Cecchetti , Sergei Diaghilev ( 1872-1929 ) och Agrippina Vaganova ( 1879-1951 ) .
Den klassiska tutun började dyka upp vid denna tid. Den bestod av en kort kjol som stöddes av lager av krinolin eller tyll och tillät benen att utföra akrobatik.
1895 gjorde Petipa om Svansjön , inklusive viktiga koreografiska tillägg. Ett av tilläggen var de berömda 32 fuettes.
År 1898 iscensatte Petipa sin sista balett, med hjälp av de senaste prestationerna från den tiden - " Raymonda " - en balett i tre akter med musik av Alexander Glazunov . I stil med Tjajkovskijs baletter var Raymonda mycket svår att framföra på grund av det stora utbudet av danser.
I början av 1900-talet började man tröttna på idéerna och principerna i Petipas balett och letade efter fräscha idéer. Rysk balett var redan mer känd än fransk, och många ryska dansare var internationellt kända. Förmodligen den mest anmärkningsvärda ballerinan på den tiden var Anna Pavlova ( 1881-1931 ) , mest känd för sitt framförande av Den döende svanen ( 1907 ).
1907 började Mikhail Fokin att försöka ändra reglerna för kostymer på Imperial Theatre. Han ansåg "öppna paraplyer" - som han kallade ballerinor i tutus - tråkiga och oanständiga. I hans balett om de grekiska motiven "Yenis" Eunice verkade dansarna vara barfota. Att ha bara fötter var då emot reglerna för Imperial Theatre, så tårna målades på dansarnas skor. Dessutom använde han seriös musik istället för dansmusik.
1909 tog Sergei Diaghilev balett tillbaka till Paris genom att öppna sitt kompani Ballets Russes . Bland dansarna i Ballets Russes fanns de bästa unga ryska dansarna - Anna Pavlova, Tamara Karsavina , Adolf Bolm ( 1884 - 1951 ), Vatslav Nijinsky ( 1889 - 1950 ), Vera Karalli . Ballet Russes öppnade i Paris den 19 maj 1909 och blev en omedelbar succé. De manliga dansarna, bland dem Vaslav Nijinsky, väckte en storm av beundran, eftersom det nästan inte fanns några av dem kvar i Paris vid den tiden. Efter den ryska revolutionen 1917 emigrerade truppen från Ryssland.
The Ballets Russes uppträdde mest i västra Europa, men ibland även i Nord- och Sydamerika. I 20 år var Sergei Diaghilev chef för hela baletten i Västeuropa och Amerika.
Efter en säsong med Ballets Russes grundade Anna Pavlova sitt eget företag baserat i London och reste mycket runt om i världen och besökte platser dit Ballets Russes inte kom. Anna Pavlova besökte många städer i USA, inklusive små. Hon grundade ingen balettskola eller kompani i USA, men hon inspirerade många tjejer att börja dansa med sina föreställningar.
Baletter Russes började med starka ryska ikoniska verk. Men Le Pavillon d'Armide , Armides paviljong , visades först och var starkt influerad av Frankrike. Vaclav Nijinsky, känd som en av de bästa hopparna genom tiderna, deltog i föreställningen av Le Pavillon d'Armide både i St. Petersburg och i Paris. The Ballets Russes presenterade i Paris också baletten som tidigare kallades Chopiniana , eftersom all musik tillhörde Chopin . För den franska publiken döptes det om till "Les Silphydes".
Diaghilev och kompositören Igor Stravinsky kombinerade sina talanger för att skapa baletterna Firebird och Petrusjka baserade på rysk folklore .
Enrico Cecchetti var en av Petrushka-artisterna som spelade pantomimen eftersom han redan inte var i särskilt bra fysisk kondition. Enrico Cecchetti blev känd för sin roll som den onda trollkvinnan i Petipas 1890-produktion av Törnrosa. Efter att han blev känd som skaparen av sitt eget sätt att undervisa i balett.
1913 skapade Nijinsky en ny balett , Le Sacre du Printemps (det ryska namnet för Den heliga våren , även om den bokstavliga översättningen från franska är "Dedication of Spring"). Det var det mest kontroversiella verk av Ballets Russes. Denna balett var baserad på verk med samma namn. Modern balettmusik och temat mänskliga offer imponerar stort på publiken. Musiken användes därefter offentligt av Disney i hans " Fantasy ".
Den sista viktiga föreställningen av Ballets Russes i Paris var 1921 och 1922, när Diaghilev återuppsatte Petipas 1890- version av Törnrosa . Hennes show under fyra månader gav inte tillbaka de investerade medlen, och det var faktiskt ett misslyckande. Törnrosa väckte dock publikens intresse för en kvällslång balett på nytt.
1933 , efter Diaghilevs död, grundade René Blum och andra Ballet Russe i Monte Carlo och fortsatte att föra baletttraditionen vidare. Blum dödades senare i Auschwitz av nazisterna.
Efter den ryska revolutionen bevarades balett i Ryssland av A. V. Lunacharsky , den första folkets utbildningskommissarie. Efter Lunacharsky tillät bolsjevikerna balett om den var ljus och sublim. Efter revolutionen fanns ett litet antal begåvade människor kvar i landet, men detta var tillräckligt för att utbilda en ny generation. Efter stagnation på 1920-talet dök en ny generation dansare och koreografer upp på scenen i mitten av 1930-talet.
Agrippina Vaganova var på 1930-talet i S:t Petersburg (dåvarande Leningrad) konstnärlig ledare för det som tidigare kallats Imperial Russian Ballet och började lämna spår av sin verksamhet. 1935 döptes balettkompaniet om till Kirovbaletten (numera Mariinskijteaterns balettkompani). Som konstnärlig ledare genomförde Vaganova statliga bestämmelser och förändrade svansjöns slut från tragiskt till sublimt.
Vaganova krävde teknisk perfektion och precision i dansen, hon var elev till Petipa och Cecchetti och ledde innan dess Imperial Ballet School, omdöpt till Leningrad State Choreographic Institute, som utbildade dansare för Kirov Ballet Company. 1957 , sex år efter Vaganovas död, döpte regeringen om Leningrad State Choreographic Institute till Academy of Russian Ballet. A. Ya. Vaganova . När Kirov-teaterns balettkompani började resa till Västeuropa hade Vaganova redan dött. Vaganovas metod att undervisa i balett är känd från hennes bok "Fundamentals of Classical Dance", som har översatts till olika språk.
Baletten var populär bland allmänheten. Både Moscow balett truppen från Bolshoi Theatre och Leningrad balett truppen från Kirov Theatre uppträdde aktivt. Ideologiskt tryck ledde till skapandet av baletter av socialistisk realism, varav de flesta inte imponerade på allmänheten - de uteslöts senare från båda teatrarnas repertoar.
Några verk från denna era var dock anmärkningsvärda. Bland dem finns Romeo och Julia av Sergej Prokofiev och Leonid Lavrovsky . I baletten Flames of Paris , som har alla kännetecken för den socialistiska realismens konst, användes corps de ballet aktivt för första gången. Balettversionen av Bakhchisarai-fontänen baserad på Pushkins dikt med musik av Boris Asafiev och koreografi av Rostislav Zakharov var också framgångsrik .
Den berömda baletten Askungen med musik av Prokofiev är också en produkt av den sovjetiska baletten. Under sovjettiden var dessa produktioner mestadels okända utanför det socialistiska lägrets sovjetunion. Efter Sovjetunionens kollaps blev de mer kända. Baletter Russes i Frankrike, balett fick mer inflytande, särskilt i USA .
1911 grundades det första balettkompaniet i Amerika, Chicago Opera Ballet.
1929 dök Dorothy Alexander Concert Group upp, som senare blev Atlanta Civic Ballet.
1933 grundade Adolph Bolm San Francisco Ballet.
Från Paris, efter en oenighet med Diaghilev, flyttade Fokine till Sverige och sedan till USA, för att slutligen bosätta sig i New York. Han trodde att traditionell balett var lite mer än en ganska atletisk prestation. För Fokine räckte inte detta. Förutom teknisk konst krävde han närvaron av dramatik, uttrycksfullhet och historicitet. Enligt hans åsikt bör koreografen utforska den era då baletten spelas upp och dess kultur, och överge den traditionella tutu till förmån för en kostym som motsvarar eran.
Fokine iscensatte Scheherazade och Cleopatra . Han gjorde också om Petrusjka och eldfågeln . Ett av hans mest kända verk var Den döende svanen framförd av Anna Pavlova. Förutom sina talanger som ballerina hade Pavlova en teatralisk förmåga att matcha Fokines idé om balett som drama.
Den unga dansaren och koreografen med Ballets Russes var Georgy Melitonovich Balanchivadze, vars namn senare franskiserades till George Balanchine ( George Balanchine ). Han iscensatte flera verk på Ballets Russes, mest berömd Apollon Musagète (senare Apollon ) ( 1928 ), en neoklassisk klassiker . Det var en enaktsbalett i grekisk stil. Efter Diaghilevs död lämnade Balanchivadze Ballets Russes, reste ensam en kort tid, och blev i slutet chef för Ballets 1933-kompaniet, som dock snart stängdes. Lincoln Kirstein bjöd in Balanchivadze till Amerika. Kirstein visste nästan ingenting om baletter, och Balanchivadze visste nästan ingenting om Amerika, förutom att kvinnor som Ginger Rogers dyker upp där. Balanchivadze bestämde sig för att acceptera erbjudandet och hittade en balett i Amerika. Sedan började Kirstein lista de baletter som han skulle vilja se i Amerika, och den första på listan var Pocahontas .
År 1933 eller 1934 grundade Kirstein och Balanchivadze School of American Ballet i Hartford, Connecticut, som gav sin första föreställning, en ny produktion kallad Serenade , samma år. Balanchivadze utvecklade en exemplarisk teknik i USA genom att grunda en skola i Chicago. 1934 flyttade School of American Ballet till New York, vilket var viktigare. Balanchivadze anpassade baletten till nya medier, filmer och tv. En produktiv arbetare, Balanchivadze skapade också nya baletter. Han skapade originaltolkningar av Shakespeares dramer - Romeo och Julia , Den glädjefulla änklingen , En midsommarnattsdröm . I baletten Jewels bröt Balanchivadze med berättartraditionen och dramatiserade temat istället för grafisk presentation.
Barbara Karinska, en emigrant från Ryssland, var en duktig kostymdesigner och samarbetade med Balanchivadze. Hon lyfte rollen som kostymdesign från en accessoar till en viktig del av en balettföreställning. Hon introducerade en snedfåll och förenklade den klassiska balettkjolen, vilket gav dansarna extra rörelsefrihet. Med noggrann uppmärksamhet på detaljer dekorerade hon kjolar med pärlor, broderier och applikationer.
Tack vare Balanchivadze kom baletten till Amerika. Nu, delvis tack vare Balanchivadze, har balett blivit en av de mest bevarade danserna i världen. Det finns en populär missuppfattning i Amerika att balett kom från Ryssland.
| klassisk balett | ||
|---|---|---|
| Balettyrken |
| |
| balettdräkt | ||
| balett teori | ||
| Expressiva medel |
| |