Pieta

Pieta, Pieta ( ital.  pietà  - medkänsla, kärlek, medlidande, barmhärtighet, av lat.  pietas  - fromhet, fromhet) - det västeuropeiska namnet på temat att sörja Jesus Kristus . I hjärtat av en sådan ikonografi  är avsnittet "The Passion of Christ ", efter avlägsnandet av Jesu Kristi kropp från korset och före hans begravning . I motsats till det bredare temat av klagan, innefattar Pieta-kompositioner i västeuropeisk konst, som regel, bilden av endast två gestalter: Guds moder och Kristi döda kropp som ligger i hennes knä eller nära hennes fötter [1] .

Termens historia

I antiken betydde ordet "pietas" vördnad för gudarna, familjen och fosterlandet, såväl som moraliskt beteende - idéer som ligger till grund för många klassiska teman och intriger, till exempel handlingen "Roman Mercy", eller "The love of the romersk kvinna ". ", och andra som anges i böckerna Valeria Maxima eller Titus Livius . De frommaste medborgarna hedrades med epitetet "Pius" (from, from, dygdig). För att stärka staten i antikens Rom etablerades kulten av gudinnan Pietas. Termen "Pietas" i italiensk konst från renässansen och modern tid hänvisas också till bilder av Madonnan och barnet - kompositioner genomsyrade av en speciell känsla av medkänsla och sorg. Sådana bilder kallas "Madonna of Mekness" ( italienska:  Madonna Pietas ).

Ikonografiska variationer på temat

I renässansen Italien lånades den kristna ikonografin av "klangerna" ( italienska:  Lamentazione ) från Bysans . Kompositionen var en bild av Kristi kropp utsträckt på marken eller på gravplattan, omgiven av kommande figurer. Dessa är de berömda målningarna " Död Kristus " av Paduamålaren Andrea Mantegna och " Död Kristus i graven " av den tyske konstnären Hans Holbein den yngre , som tillskrivs den bysantinska ikonografiska typen av epitafiet [2] .

På 1400-talet, i samband med spridningen av den mystiska kristendomens strömning inom den internationella gotikens konst , fick kompositioner som "Image of Piety" ( lat.  Imago Pietatis ) stor spridning. I sådana verk, i venetiansk målning ( G. Bellini . Dead Christ, 1455), i marmoraltarreliefer (i kyrkan Santa Maria dei Miracoli , Venedig, 1494), representerades Kristus efter döden, djupt i midjan, som om han reste sig upp. från gravar, i en krona av törne och med blödande sår, ännu inte återuppstått, men med öppna ögon. Från två sidor stöds han av änglar eller Jungfru Maria och evangelisten Johannes . I den östliga kyrkan och forntida rysk konst kallas en nära ikonografisk variant " Gråt inte för män, Mati ".

Sådana bilder blev mest utbredda under inflytande av bysantinsk ikonografi i de venetianska och italo-kretensiska målarskolorna . De kännetecknas av en ovanlig kombination av naturalism och uttryck.

I den medeltida konsten i Tyskland, Böhmen och Österrike vid samma tid fick en speciell typ av "Horizontal Lamentations" ( lat.  Pietas Horizontalis ) utbredd, där Kristi kropp avbildades horisontellt på Jungfru Marias knän. Inom skulpturen dök sådana kompositioner upp på 1390-1410-talen i Prag, Salzburg, Wroclaw, och blev sedan utbredda i olika regioner i Italien, där tyska mästare arbetade. De har ett säreget namn "Bilder av nattvarden", eller "Vesperbild" ( tyska:  Vesperbilder ) [3] . Under inflytande av dessa verk dök liknande kompositioner upp i målningar av franska och italienska konstnärer. Mästerverk av detta slag är Pieta av Avignon av Enguerrand Carton (cirka 1455), Pieta av Cosimo Tura (cirka 1460), Pieta av Titian (1576) och Lamentation av Paolo Veronese (cirka 1580). Konsten i de burgundiska och parisiska skolorna kännetecknas av kompositioner i form av en tondo (i ett runt format). De bildades under inflytande av traditionerna för den medeltida konsten i Nederländerna.

Guds moder i "horisontell sorg" framställs traditionellt som ganska ung, nästan en flicka. Kontrasten mellan bilderna av den unga Jungfrun och den vuxna Sonen på hennes knän skapar en speciell andlig spänning och en rörande, upplyst och kontemplativ stämning. Enligt den mystiska kristendomens idéer, assimilerad av italiensk ikonografi, "behöll den gudomliga viljan färgen och friskheten hos ungdomen i den oskyldiga jungfrun under hela hennes liv" [4] . Det var denna medeltida tradition som Michelangelo Buonarroti följde när han skapade sitt tidiga skulpturala mästerverk " Pieta " (1499), kallat "Vatikanen" (på platsen för dess senare plats).

Late Pieta av Michelangelo Buonarroti

Efter "Vatikanen Pieta" flyttade Michelangelo bort från den "horisontella" typen av komposition och i de förberedande ritningarna 1552-1553, skapade på begäran av markisen Vittoria Colonna , och, förmodligen under hennes inflytande, utvecklade han en ny, original typ av komposition, som kombinerar ikonografin av korsfästelsen och klagan, dessutom använde han en speciell form av det "gaffelformade korset", förknippat med symboliken för "Livets träd" ( lat.  Arbor Vitae ). I den "vertikala sorgen" stöds Kristi kropp av änglar, bakom är Madonnan med utsträckta armar i ställningen Oranta (bön). I en av teckningarna placerade Michelangelo inskriptionen på korsstammen: "De tänker inte med vilket blod de köpte", en fras från den gudomliga komedin av Dante Alighieri (Paradise, XXIX, 91) [5] [ 6] .

Michelangelo utvecklade den vertikala kompositionen i sina senare skulpturala kompositioner. Efter Vittoria Colonnas död 1547, den 72-åriga konstnärens sista vän och medarbetare, deras platonska kärlek, "översatt till sfären för idéerna om nyplatonisk själsgemenskap och katolsk kärlek i Kristus" [7] , fick Michelangelo att göra nya sökningar. Skulptören började utveckla en pyramidformad komposition, som också går tillbaka till konsten av internationell gotik. Det här är hans sista verk: "Pieta Santa Rosalia", "Pieta Santa Maria del Fiore", "Pieta Rondanini". Baserat på medeltida ikonografi, i svåra stunder av livet, reflekterande över den förestående döden, skapade den äldre konstnären ovanligt djärva kompositioner och bilder.

Mellan 1550 och 1555 arbetade Michelangelo på den " florentinska Pieta " - en skulpturgrupp som representerar Kristi döda kropp, stödd på båda sidor av Jungfru Maria och Maria Magdalena , och gestalten av den helige Nikodemus som tornar upp sig över dem med ansiktet av konstnären själv [8] . Den plastiska uttrycksfullheten i detta verk är så stor att det verkar som om figurerna rör sig runt en axel och lyder dynamiken i en kraftfull S-formad linje . Kropparna smälter samman med varandra och skapar en extraordinär känsla av andlig enhet. Konstnären lämnade detta arbete oavslutat av många skäl (inte bara på grund av ett äktenskap i marmor, utan snarare på grund av andligt missnöje). I sitt sista verk, som konstnären arbetade med några dagar före sin död - " Drinking Rondanini ", vände sig Michelangelo till en speciell typ av bild där Gud Fadern, som står bakom, stöder Sonens kropp. Men till skillnad från detta schema, med bibehållande av vertikalismen i kompositionen, i stället för Gud Fadern, skildrade Michelangelo den lidande gestalten av modern. I den slutliga versionen har de två figurerna smält samman till en och verkar viktlösa, som om de svävar i ett ojordiskt utrymme. "Det finns ingen sorg här i ordets plotbemärkelse," skrev M. Ya. Libman om detta arbete , "det finns inte heller några element av avlägsnande från korset eller begravning. Detta är inte en handling, utan ett tillstånd av mystisk fördjupning in i Kristi lidande, död och uppståndelse. I denna mening återvände den gamla konstnären till senmedeltidens konst, där varken kroppens vikt, dess korrekta proportioner eller kompositionens harmoni spelade så stor roll. Där huvudmålet var bildens andlighet” [9] .

Enligt M. Dvorak uppnådde Michelangelo i detta arbete "perfekt enhet av materiell form och andligt innehåll, kropp och känslor" [10] .

Anteckningar

  1. ↑ Kristi klagan och Pietan.
  2. ↑ Vlasov V. G. Pieta, Pieta // New Encyclopedic Dictionary of Fine Arts. I 10 volymer - St Petersburg: Azbuka-Klassika. - T. VII, 2007. - S. 900-907
  3. ↑ Libman M. Ya. Michelangelo och icke-klassiskt konstnärligt arv // Michelangelo och hans tid. - M .: Konst, 1978. - S. 39-42
  4. ↑ Korrespondens av Michelangelo Buonarroti och mästarens liv, skriven av hans elev Ascanio Condivi. - St Petersburg: Nypon, 1914. - S. 14
  5. ↑ Rotenberg E. I. Michelangelo Buonarroti. - M .: Fine Arts, 1977. - S. 24. - Il. 168-171
  6. ↑ Michalaniol. Rysunki. - Warszawa: Arkady, 1977. - Nr 48, 55
  7. ↑ Efros A. M. Poetry of Michelangelo // Mästare från olika epoker. - M .: Sovjetisk konstnär, 1979. - S. 47
  8. ↑ Pieta med Nikodemus, Florens katedral. . Hämtad 26 februari 2021. Arkiverad från originalet 7 maj 2021.
  9. ↑ Libman M. Ya. Michelangelo och icke-klassiskt konstnärligt arv // Michelangelo och hans tid. - M .: Konst, 1978. - S. 46
  10. ↑ Dvorak M. Italiensk konsts historia under renässansen: I 2 volymer - M .: Konst, 1978. - T. 2. - S. 138

Se även

  Gå till Wikidata-objektet  Ordböcker och uppslagsverk
I bibliografiska kataloger