Musikalisk estetik ( engelska Aesthetics of music , tyska Musikästhetik ) är ett konsthistoriskt begrepp som introducerades i vetenskaplig cirkulation av den tyske publicisten , poeten och musikern Christian Friedrich Schubart , som först använde denna term i sitt verk Ideas for the Aesthetics of Musical Art ( 1784 ) .
Musikestetik är en tvärvetenskaplig vetenskapsdisciplin som studerar olika estetiska aspekter av musik just som en mycket specifik typ av konst , vilket innebär en mycket specialiserad analys av den dialektiska korrelationen mellan de allmänna lagarna för sensorisk-figurativ verklighetsuppfattning med vissa specifika drag och mönster. av det musikaliska språket som en operatör av "ljudbetydelser".» [1] .
För närvarande förstås "musikalisk estetik" som en vetenskaplig disciplin som i sin allmänna forskningsinriktning ligger nära musikfilosofins ämnesattribut , men som skiljer sig från den senare i sina metodologiska särdrag: om musikfilosofin är en. av estetikens sektioner och i första hand handlar om att lösa problem av ontologisk , epistemologisk och axiologisk karaktär, så är musikestetiken i mycket större utsträckning utformad för att lösa rent musikologiska problem , och därför måste den fritt och kompetent arbeta med specifika (inklusive de mest komplexa) vetenskapliga begrepp från det musikteoretiska området .
Och redan på grund av sin metodologiska inriktning bör musikestetik, som en specialiserad vetenskaplig disciplin, specifikt hänföras till musikvetenskapens område. [2]
Naturligtvis behåller ett sådant resonemang sin relevans även när man jämför musikestetik med två andra tvärvetenskapliga discipliner som ligger nära den - musiksociologin och musikpsykologi .
Problemet med den musikaliska estetiken som sådan övervägdes i alla stadier av musikkonstens utveckling, och den musikaliska estetikens djupa rötter går tillbaka till tidig antiken , där de estetiska och värdekriterier för musik som föreslogs av Pythagoras , Platon och Aristoteles förknippades med de normativa strukturerna av intervaller , lägen , rytmer , etc. som en återspegling av kosmisk harmoni och de viktigaste etiska ( etiska ) egenskaperna hos en person.
Den musikaliska estetiken fann grogrund för sin utveckling i världsbildsläran och det estetiska konceptet baserad på den hos nypytagoreerna , såväl som neoplatonisterna , vars ideologiska åsikter bland annat delades av en av de största musikkteoretiker, Boethius. , vars estetiska åsikter lade grunden för den medeltida läran om tre sammankopplade "musik" baserade på idén om angränsning mellan religiösa symboler, sinnestillstånd och olika musikaliska element.
Övervikten av rik numerisk symbolik och olika allegoriska tolkningar av musikelement, karakteristiska för den antika perioden, i synen på musikalisk estetik bevaras under medeltiden . Så, till exempel, i benediktinermunken Aribo Scholasticus , finner vi en direkt allegorisk tolkning av muserna i termer av musikteori : en musa betyder den mänskliga rösten, två muser - dualiteten av autentiska och plagala lägen eller den dubbla uppdelningen av musik in i det himmelska och mänskliga betyder tre muser tre slags ljud, fyra musor - fyra vägar eller fyra huvudkonsonanser , etc.
Andra forskare från klostermiljön gjorde också ett stort bidrag till utvecklingen av den musikaliska estetiken: Aurelianus från Reome, Remigius av Auxerre, Regino Prümsky, Notker Zaika , St.avHukbald [3] , Adam Fulda , Martin Herbert , Dom Bedos de Selle, Dom Jumilan, Schubiger, Don Guéranger, Don Pottier, Don Mokchero och andra.
Inom ramen för den kosmoestetiska traditionen, den fransk- flamländska musikteoretikern från slutet av 1200 -talet - första hälften av 1300-talet, Jakob av Liège , författaren till medeltidens största avhandling, Musikens spegel (Speculum musicae) , omkring 1330 ), tänkte på musik. Genom att utveckla läran om intervaller, systemet med kyrkliga lägen och hexachords, formerna av polyfonisk musik, rytm och notation, ger Jakob av Liège ett musikstycke status som en nivå i Varandets hierarki och en representant för den kosmiska lagen . [fyra]
Under renässansen börjar problemen med den materiella förkroppsligandet av olika estetiska idéer i musikaliska verk av en eller annan genre ( Ars nova ) framgångsrikt lösas . Av särskilt värde i detta avseende är verken om musikteori av John Tinktoris och Nikolaus Listenius .
Av stort intresse, ur synvinkeln av den musikaliska estetikens utveckling, är Theory of Affects som uppstod under barocktiden , vars främsta utvecklare var Johann Quantz , Maren Mersenne , Athanasius Kircher , Johann Walter , Claudio Monteverdi , Johann Mattheson , Giovanni Bononcini och Christian Spies . Enligt Theory of Affects är målet för kompositörens kreativitet exciteringen av affekter, för grupper av vilka vissa musikstilar och andra sätt att skriva kompositörer tilldelades. Enligt Athanasius Kircher [5] var överföringen av affekter inte begränsad till några rent hantverkstekniker, utan var en sorts magisk handling för att kontrollera "sympatin" "som uppstår mellan en person och musik." I detta avseende bör det noteras att många kompositörer från den eran var speciellt utbildade i magi, inklusive den största av dem - Claudio Monteverdi .
Särskilt bör nämnas den franske musikteoretikern från 1600-talet Marin Mersenne , vars avhandling "Universal Harmony" ("Harmonie universelle") är ett exempel på 1600-talets universella vetenskap, som organiskt syntetiserar begreppen musikalisk estetik med grundläggande upptäckter av experimentell naturvetenskap. [6]
I upplysningstiden , när musik befriades från rent tillämpade funktioner, ersattes förståelsen av musikalisk aktivitet som ett slags "ljudimitation av verkligheten" ( mimesis ) [7] av erkännandet av det semantiska innehållets universalitet och generalisering. av musikaliska verk. Från och med 1700-talet är musiken alltmer befriad från överensstämmelse med de retoriska och kinetiska formlerna som berodde på dess långa "grannskap" med ord och rörelse.
Därmed fick det musikaliska språket fullständig självständighet och oberoende, även om även i detta "rent musikaliska" språk, de historiskt passerade stadierna av musikens utveckling präglades i form av specifika livsföreningar och känslor förknippade med olika typer av musikaliska rörelser, intonation som är karakteristisk för tematik, visuella effekter, fonismintervall, etc.
I framtiden berikades det estetiska konceptet om musikens uttrycksfulla-emotionella väsen (att skilja musikkonst från konst) av ett ökande erkännande av betydelsen och det inneboende värdet i musikalisk kreativitet av individualiserade författares uppfinningsrikedom och konstnärliga fantasi.
Österrikisk musikkritiker från 1800-talet , professor i musikteori, historia och estetik vid universitetet i Wien , författare till avhandlingen "Om det musikaliskt vackra", E. Hanslik , baserad på Immanuel Kants idealistiska filosofi , ansåg musiken vara en speciell form av andlig verksamhet, och utifrån denna ideologiska utgångspunkt motsatte han musiken alla andra konstformer. I ett försök att kombinera "känslans estetik" och "talets estetik", satte Hanslick sig för att skapa en "estetik av känsla av antal". [åtta]
Tja, på 1900-talet kommer kriterierna för nyheten i komponeringstekniken i förgrunden i västerlandets musikkultur: "kompositörens" läggs till de redan existerande "filosofiska" och "musikologiska" riktningarna inom musikestetik. Detta senare ligger i många avseenden nära musikkritiken, som av vissa musikvetare börjar betraktas som ett symptom på krisen i det musikaliska och estetiska medvetandet.
| musik | ||
|---|---|---|
| Berättelse | ||
| Sammansättning | ||
| Industri | ||
| Etnisk musik |
| |
| Övrig |
| |
| ||