Elektronisk musik

Elektronisk musik ( tyska  elektronische Musik , engelska  elektronisk musik ) är musik skapad med hjälp av elektriska musikinstrument och elektronisk teknologi (datorteknik sedan 1900-talets sista decennier). Som en specifik riktning i musikens värld tog elektronisk musik form under andra hälften av 1900-talet och i början av 2000-talet hade den fått stor spridning i akademisk och populärkultur.

Elektronisk musik fungerar med ljud som är kapabla att producera elektroniska och elektromekaniska musikinstrument, samt ljud som uppstår med hjälp av elektriska/elektroniska apparater och olika givare (bandspelare, generatorer, datorljudkort, pickuper etc.), som i strikt mening är inte musikinstrument.

Fram till den sista tredjedelen av 1900-talet förknippades elektronisk musik huvudsakligen med experiment (både i Sovjetunionen och utomlands) inom akademisk musik , men detta tillstånd förändrades med etableringen av massproduktion av ljudsyntar på 1970-talet. Synthesizers, på grund av deras måttliga kostnad, blev tillgängliga för allmänheten. Detta förändrade bilden av populärmusik - syntar började användas av många jazz-, rock- och popmusiker. I början av 2000-talet omfattar elektronisk musik ett brett utbud av stilar och genrer - från enskilda experiment av avantgardeartister till brett replikerad tillämpad musik .

Ursprung: sent 1800- och tidigt 1900-tal

Möjligheten att spela in ljud är ofta förknippad med idén om att producera elektronisk musik. Men det betyder inte att produktionen av elektronisk musik är målet för inspelningsprocessen.

År 1857 patenterade den franske förläggaren och bokhandlaren Edouard Léon Scott de Martinville en apparat han hade uppfunnit, fonoautografen .

Fonoautografen var den första enheten som tillät ljud att spelas in, men som inte kunde återge dem.

1878 patenterade den amerikanske uppfinnaren Thomas A. Edison fonografen . Edisons fonograf, liksom Scotts fonoautograf, använde cylindrar för att spela in ljud, men till skillnad från fonoautografen kunde ljud både spelas in och spelas upp.

1887 presenterade den amerikanske uppfinnaren Emile Berliner sin uppfinning - en skivfonograf.

1906 dök en stor uppfinning upp som hade en djupgående effekt på utvecklingen av elektronisk musik. Det var en triodrörsförstärkare ( audion ) designad av den amerikanske uppfinnaren Lee de Forest . Det var det första vakuumröret, bestående av ett glaskärl med en termionisk katod inuti, som gjorde det möjligt att generera och förstärka elektriska signaler. Uppfinningen av vakuumröret markerade början av radiosändningar och möjliggjorde uppkomsten av elektroniska datorprocesser.

Långt innan det fanns elektronisk musik fanns det en önskan bland kompositörer att använda ny framväxande teknologi för musikaliska syften.

Flera instrument skapades, i vilkas design både mekaniska och elektroniska komponenter användes. Det var dessa instrument som banade väg för framväxten av mer avancerade elektroniska instrument.

Under perioden 1898 till 1912 arbetade den amerikanske uppfinnaren Tadeusz Cahill med skapandet av ett elektromekaniskt instrument kallat telharmonium ( eng.  Telharmonium ). Men detta instrument accepterades inte på grund av dess dimensioner: dess 1906-version vägde cirka 200 ton, dess rörelse täckte en yta ungefär lika med 18 m².

Theremin anses vara det första elektroniska instrumentet . Theremin skapades av den ryske uppfinnaren Lev Theremin runt 1919-1920. Detta är ett instrument där ljudet extraheras genom rörelsen av artistens händer i det elektromagnetiska fältet hos två metallantenner.

Till tidiga elektroniska instrument hör också: ljudkorset ( fr.  Croix Sonore ), uppfann 1926 av den ryske kompositören Nikolai Obukhov , och Martenotvågorna , som uppfanns av den franske musikern Maurice Martenot under perioden 1919 till 1928. Det mest kända exemplet på användningen av Martenots vågor är Turangalila-symfonin av Olivier Messiaen och hans andra kompositioner. Instrumentet Waves de Martenot har också använts för att skriva musik av andra främst franska kompositörer som André Jolivet .

Skiss för en ny estetik av musikalisk konst

År 1907, bara ett år efter uppfinningen av audion, publicerade Ferruccio Busoni avhandlingen Sketch for a New Aesthetic of Musical Art (tyska: Entwurf einer neuen Ästhetik der Tonkunst ), där han övervägde möjligheten att använda elektriska och andra ljudkällor i framtidens musik. Han antog att oktaven i framtiden skulle delas upp i fler halvtoner än den klassiska stämningen, där oktaven består av 12 halvtoner, skulle vara möjlig, och detta skulle bli möjligt tack vare Cahills dynamofon: ”Bara en lång och noggrant utförd serie av experiment och ständig gehörsträning kommer att hjälpa en ny generation att göra detta obekanta material lämpligt för arbete och konst.

Också i sitt verk "Sketch of a new aesthetics of musical art" skriver Busoni (jämför musik med äldre konstformer - måleri, arkitektur och skulptur):

Musik som konst kommer knappast att fylla 400 år; musikens tillstånd för tillfället är bara ett av stadierna i dess utveckling, kanske det allra första steget bortom det koncept som accepteras idag, och vi - vi säger att den musikaliska form som har utvecklats idag är "klassiker" och "heliga traditioner" ! Och vi har pratat om det här ganska länge! Vi har skapat regler, fastställt principer, infört lagar; Vi tillämpar på barnet de lagar som skapats för en mogen person. Men barnet kan inget om ansvar! Det här barnet är ungt, vi inser att han på något sätt är speciell, och den här egenskapen får oss att förstå att han redan har gått längre än sina äldre systrar. Och lagstiftare kommer inte att se denna funktion, för annars är deras lagar avsedda till glömska. Den här bebisen svävar i luften! Han rör inte marken med fötterna. Detta barn är inte föremål för tyngdlagen. Han är immateriell. Den består av något genomskinligt material. Detta barn är gjord av resonansluft. Detta barn är nästan förkroppsligandet av naturen i hela dess väsen. Det är gratis! Men frihet är något som mänskligheten aldrig helt har förstått, aldrig insett dess sanna väsen. Människor kan varken förstå eller erkänna existensen av frihet. Lagstiftare förnekar detta barns uppdrag; de hänger ett tungt lass av regler och lagar på hans axlar. Han får knappast hoppa - medan det är hans natur - för att följa regnbågens linje och bryta solljusströmmarna med moln.

Busonis idéer uttryckta i denna avhandling hade ett djupgående inflytande på många musiker och kompositörer. Men mest av allt påverkade han sin elev Edgard Varèse :

Tidigare diskuterade vi tillsammans vilken väg musiken kommer att ta i framtiden, eller mer exakt, den ska gå, men kan inte eftersom den är bunden till händer och fötter av de regler som temperamentsskalan har satt. Han beklagade att hans klaviaturinstrument hade konditionerat våra öron för att bara uppfatta en oändligt liten del av naturens oändligt varierande ljud. Han var väldigt intresserad av de elektriska instrument vi hörde talas om och jag minns att jag läste om dynamofonen. I hans avhandling kan du hitta ett stort antal förutsägelser om framtidens musik, som gradvis förverkligas. Nu finns det inget som han inte kunde förutse. Till exempel: ”Jag är ganska säker på att det kommer att behövas maskiner för att skapa fantastisk ny musik. Kanske kommer branschen också att bidra till det konstnärliga uppsvinget."

Futurister

I Italien närmade sig futuristerna förändringen i musikalisk estetik från olika vinklar. Huvudidén med den futuristiska filosofin är att uppskatta "brus" och placera de konstnärliga och uttrycksfulla komponenterna i ljud som inte ens ungefär kan betraktas som musikaliska.

År 1911 släppte den italienske musikforskaren och kompositören Balilla Pratella "Tekniska manifestet för framtidens musik", enligt vilket Futuristernas credo är att: "Visa massornas musikaliska själ, stora fabriker, järnvägslinjer, transatlantiska linjefartyg , krigsfartyg, bilar och flygplan. Till de eviga huvudteman för musikaliska verk, lägg till andan av maskiner och elektricitet, som har trängt in i livets alla sfärer.

Den 11 mars 1913 publicerade futuristen Luigi Russolo sitt manifest The Art of Noises . Den 21 april 1914, i Milano, höll han den första konserten med "noise art". Denna konsert använde hans brusmaskiner, som Russolo själv beskrev som "akustiska brusinstrument, vars ljud (ylande, rytande, kortblandande, gurglande och liknande) gjordes för hand och nådde publiken genom horn och megafoner" . I juni gavs liknande konserter i Noterbung.

1920-1930-talen

Under dessa tio år dök många elektroniska instrument och de första kompositionerna till dem upp.

Det första elektroniska instrumentet var eterofonen, uppfann av Lev Theremin 1919-20 i Leningrad, senare omdöpt till theremin [1] . Med thereminens tillkomst dök också de första kompositionerna för elektroniska instrument upp. Dessa kompositioner skilde sig mycket från "shumovikernas" verk. Och det har lett till att syftet med att använda maskiner i musik har förändrats.

1927 utvecklade den amerikanske uppfinnaren JA O'Neill en enhet som använde magnetband - detta förde inspelningsprocessen till en ny nivå. Men den här enheten gav inte kommersiell framgång.

År 1928 uppfann Maurice Martenot , en fransk cellist, instrumentet " Martenot waves " och debuterade med det i Paris.

1929 skrev kompositören Joseph Schillinger en svit för theremin och orkester - "First Airphonic Suite" . Sviten presenterades först med Cleveland Orchestra , med Lev Theremin som solist. Samma år skrev den amerikanske kompositören George Antheil , för första gången i sitt arbete, delar till mekaniska instrument, elektriska brusmaskiner, motorer och förstärkare. Han skrev dessa delar till operan Monsieur Bloom, som han aldrig avslutade.

1930 grundade Lawrence Hammond (Hammond) sitt elektroniska instrumentföretag. Han började den utbredda produktionen av " Hammondorgeln ", som implementerade samma princip för ljudproduktion som i Cahills telharmonium . Hammond satte också andra uppfinningar i produktion, som det tidiga reverbet. Dessutom uppfann Hammond, i samarbete med John Hanert ( John Hanert ) och CN Williams ( CN Williams ), ett annat elektroniskt instrument - "novacord". Novacord var den första kommersiella polyfoniska synthesizern. För första gången presenterades "novacord" för allmänheten 1939 på världsutställningen i New York, men redan 1942 lades den ner.

Metoden för fotooptisk inspelning av ljud, som användes vid kinematografi, gjorde det möjligt att se en grafisk bild av en ljudvåg. Denna metod gjorde det också möjligt att implementera processen för ljudsyntes genom att grafiskt visa det framtida ljudet på filmens yta. Musikern var tvungen att bokstavligen måla musiken.

Under denna period började musiker som Tristan Tzara , Kurt Schwitters , Filippo Tommaso Marinetti och andra experimentera med "ljudkonst" eller ljudkonst .

Utveckling: 1940- och 1950 -talen

Elektroakustisk musik för magnetband

Lågkvalitativa solid-state magnetiska inspelningsmaskiner har använts sedan 1900. I början av 1930-talet började filmindustrin tillämpa metoden för fotooptisk ljudinspelning på ljudfilmer. Ungefär samtidigt utvecklade det tyska elektronikföretaget AEG den första magnetiska inspelningsapparaten, "Magnetophon" K-1, som presenterades i augusti 1935 på den internationella radioutställningen i Berlin [2] .

1940 fick den tyske ingenjören Walter Weber patent på högfrekvent växelströmsförspänningsteknologi, vilket avsevärt förbättrade kvaliteten på inspelning och uppspelning. 1941 släppte AEG en ny modell av bandspelaren (Magnetophon K4-HF), som var den första som använde den högfrekventa bias-teknologin som upptäckts av Weber. 1942 genomförde AEG experiment för att spela in ljud i stereo [3] .

Magnetband öppnade en mängd nya möjligheter att manipulera ljud för musiker, kompositörer, producenter och ingenjörer. Magnetband var en relativt billig och mycket pålitlig ljudbärare. Och det lät bättre än någon annan ljudbärare på den tiden. Men viktigast av allt, magnetfilm var lika lätt att använda som film. Precis som film kunde den modifieras enligt författarens idé: oönskade delar av filmen kunde tas bort eller flyttas till en annan plats; det gick att kombinera filmer från olika medier. Tejpen skulle kunna limmas ihop på ett sådant sätt att det skapas en loopeffekt av ett eller flera ljud. Filmens hastighet kan saktas ner eller snabbas upp. Bandet kunde spelas fram och tillbaka och spolas tillbaka.

Signalförstärkare och redigeringsutrustning har ytterligare utökat bandets kapacitet som inspelningsmedium, vilket gör att inspelningar (liveljud, tal, musik) kan multipliceras för att blandas ihop och spelas in på ett annat band med relativt liten förlust av ljudkvalitet. En annan oväntad överraskning var att bandspelare kunde konverteras till ekomaskiner som skulle spela komplexa, kontrollerbara högkvalitativa eko- och reverbeffekter . De flesta av dessa effekter kunde helt enkelt inte simuleras av mekaniska anordningar.

Produktionen av magnetiska inspelningsenheter, som sattes i drift, ledde omedelbart till uppkomsten av en ny form av elektronisk musik - elektroakustisk musik .

Det första elektroakustiska stycket skrevs 1944 av Halim El-Dabh, en student från Kairo , Egyptens huvudstad [4] . Halim El Dabh, närvarande vid den antika mystiska rensningsritualen zaar ( eng.  zaar ), spelade in ljuden av instrument och rösterna från sångarna med hjälp av en skrymmande bandspelare på en solid bärare (på en tråd). Han bearbetade det inspelade materialet i studion på en av de lokala radiostationerna och lade till eko- och reverbeffekter till inspelningen. Pjäsen kallades "The Musical Image of the Zaar Ceremony" ( Eng.  The Expression of Zaar ) och presenterades 1944 vid ett av de evenemang som anordnades i Kairos konstgalleri. Halim El-Dabhs magnetiska filmexperiment var inte kända utanför Egypten vid den tiden, men han är känd för sitt senare arbete inom elektronisk musik vid Columbia Universitys Princeton Center i slutet av 1950-talet.

Specifik musik

Kort efter introduktionen av det nya inspelningsmediet, bandspelaren och bandet, började kompositörer använda dessa medier för att skapa en ny teknik för att komponera musik, där det inspelade ljudet skulle spela en stor roll. Denna kompositionsteknik har kallats " konkret musik " ( franska  musique concrète ). Uppgiften för kompositören som använder denna teknik är att skapa ett fonogram från de inspelade fragmenten av naturliga och industriella ljud.

År 1918 skrev Arseniy Avraamov , under pseudonymen Revarsavr, "Hornsymfonin", som använde skott, motorvrål, fabrikshorn och stadsbrus [1] . De första verken som gjordes med denna teknik redigerades av den franske ljudteknikern och ingenjören Pierre Schaeffer . Den 5 oktober 1948 sände French Broadcasting Company ( Fr.  Radiodiffusion Française - RDF ) Schaeffers program med titeln "Concert of Noises". På programmet stod fem stycken, inklusive ett av kompositörens första verk, Etude  aux chemins de fer . Denna händelse markerade början på en ny musikalisk riktning - "tape music" ( eng.  tape music ). Sättet att framföra denna musik är offentligt spelande av det skapade fonogrammet.

1949 gick Pierre Henri till Schaeffer . Deras samarbete hade en djupgående och bestående inverkan på utvecklingen av elektronisk musik.

En annan kollega till Pierre Schaeffer var kompositören Edgard Varèse , som vid den tiden arbetade med pjäsen "Öknar" ( fr.  Déserts ) - en komposition för kammarorkester och film. Delar av bandet spelades in i Schaeffers studio och remastrades senare vid Columbia University .

1950 gav Pierre Schaeffer den första offentliga konserten med konkret musik på musikskolan i Paris. I denna föreställning använde Schaeffer ett ljudförstärkningssystem, flera skivspelare och flera mixerbord. Framträdandet gick inte smidigt, eftersom det är otroligt svårt och nytt att kombinera alla instrument som vanligtvis är sekventiellt monterade i en studiomiljö live [5] . Samma år arbetade Pierre Henri och Pierre Schaeffer på Symphony for a Lonely Man ( franska:  Symphonie pour un homme seul ), det första större stycket av konkret musik.

1951 öppnade RDF den första produktionsstudion för elektronisk musik. Efter den franska studion började liknande inspelningsstudior öppnas runt om i världen. Samma år komponerade Henri och Schaeffer en opera för specifika ljud och röster, Orpheus ( engelska:  Orpheus ).

Elektronisk musik

1949 publicerade den tyske fysikern Werner Meyer-Eppler boken "Sound Radiation: Electronic Music and Synthetic Speech" ( tyska:  Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und synthetische Sprache ), där han lade fram idén om hur man syntetiserar musik uteslutande från signaler som produceras av elektriska apparater. I detta skilde sig begreppet tysk elektronisk musik från begreppet konkret musik, där huvudidén var inspelningen av ljud, inte dess syntes.

För att undersöka möjligheten att syntetisera musikaliska signaler i Köln grundades en inspelningsstudio 1950 vid WDR -radiostationen . Trots det faktum att studion precis hade börjat byggas 1950, hade WDR Corporation redan börjat sända elektronisk musik 1951. Herbert Eimert blev den första chefen för studion i Köln. Snart anslöt sig Karlheinz Stockhausen och Godfried Michael König till studioteamet, bestående av Werner Mayer-Eppler, Robert Bayer .

Den mest kända och framstående figuren inom tysk elektronisk musik är K. Stockhausen. Han är författare till mer än 350 musikstycken, varav en betydande del tillhör området experimentell elektronisk musik. Stockhausen beskrev upplevelsen lyssnarna hade när de lyssnade på hans musik. Några av hans lyssnare hävdade att de hade känslan av att flyga, eller vara i rymden eller någon fantastisk overklig värld.

Sovjetisk elektronisk musik

1929 uppfann Nikolaj Obukhov det "klingande korset" (la croix sonore), jämförbart med principen om theremin [6] . På 1930-talet uppfann Nikolai Ananiev "ekolod", och ingenjören Alexander Gurov - neoviolena , I. Ilsarov - ilston [7] , A. Rimsky-Korsakov och A. Ivanov - emiriton [6] . Kompositören och uppfinnaren Arseniy Avraamov var engagerad i vetenskapligt arbete med syntes av ljud och genomförde en serie experiment som senare skulle ligga till grund för sovjetiska elektriska musikinstrument [1] . 1956 skapade Vyacheslav Meshcherin den första i USSR Ensemble of Electric Musical Instruments (EMI), som använde theremin , elektriska harpor , elektriska orglar, den första i Sovjetunionens synthesizer " Ekvodin " [6] och skapade också den första sovjetiska reverben . Stilen som Meshcherin-ensemblen spelade i kallades " Space age pop " i väst.» [1] . 1957 satte ingenjören Igor Simonov ihop en fungerande modell av en brustelefon (elektrolyfon), med vilken det var möjligt att extrahera olika klangfärger och harmonier av bruskaraktär [6] .

Både "Ekvodyn" synthesizer och " ANS " optiska synthesizer producerades i små serier; Det första massproducerade elektriska musikinstrumentet var den elektriska orgeln Yunost-70, utvecklad 1965. Moscow Experimental Studio of Electronic Music (MESEM) skapades av Evgeny Murzin 1966 och blev basen för en ny generation experimentörer - E. Artemiev , A. Nemtin , Sh. Kallosh , S. Gubaidulina , A. Schnittke , V. Martynov och andra [6] [1] .

I slutet av 1960-talet dök musikaliska grupper upp i Sovjetunionen som spelade lätt elektronisk musik ( elektronkvartetten , rokokoensemblen och olika jazzensembler ) . På statlig nivå började denna musik användas för att locka utländska turister till landet och för radiosändningar till främmande länder [8] . Kompositören A. Zatsepin designade på 70-talet en orkester - en version av mellotronen [9] .

I de baltiska länderna uppträdde även deras pionjärer: i Estland  - Sven Grunberg , i Litauen  - VIA "Argo" under ledning av Giedrius Kupryavicius, i Lettland  - grupperna " Opus " och " Zodiac " [1] .

Japansk elektronisk musik

I förkrigstidens Japan var tidiga elektroniska instrument som Martenot Waves , theremin och trautonium ( tyska:  Trautonium ) knappast kända. Men några kompositörer, inklusive Minao Shibata, visste att sådana instrument redan fanns. Några år efter andra världskrigets slut började japanska musiker experimentera med elektronisk musik. I vissa fall ledde dessa experiment till positiva resultat enbart på grund av institutionellt ekonomiskt stöd: musikerna hade möjlighet att arbeta med de senaste modellerna av ljudinspelnings- och ljudbehandlingsutrustning. Således har asiatisk musik blivit en del av den framväxande genren av elektronisk musik. Detta ledde senare till att Japan blev ledande inom utvecklingen av musikteknologi inom några decennier.

Amerikansk elektronisk musik

I USA skapades musik med elektroniska medel, och det syns tydligt i Morton Feldmans Marginal Intersection . Detta verk använder ljudet av blås, slagverk, stränginstrument, ljudfrekvensgeneratorer. Dessutom är denna pjäs speciell genom att den är skriven i Feldmans speciella "grafiska" notation .

Verken för Music for Magnetic Tape-projektet skrevs av medlemmar av New Yorks avantgardekonstgrupp ( New York School ), som inkluderade: John Cage , Earl Brown , Christian Wolfe , David Tudor och Morton Feldman . Denna grupp existerade i tre år: från 1951 till 1954.

Princeton Center, Columbia University

1951 köpte Columbia University en bandspelare, en professionell magnetisk inspelningsenhet från det amerikanska företaget Ampex , för att spela in konserter.

Vladimir Usachevsky , som arbetade på institutionen för musik vid Columbia University, fick ansvaret för den nya bandspelaren och började nästan omedelbart experimentera med att spela in musik.

Därmed öppnades Princeton Center for Electroacoustic Music vid Columbia University. 1959, efter att ha fått ett Rockefeller- stipendium , öppnades centret officiellt. Grundarna av centret är Vladimir Usachevsky och Otto Luening.

Stokastisk musik

Stokastisk musik klassas som avantgardistisk akademisk musik . Grundaren av metoden för stokastisk komposition anses vara den franska kompositören av grekiskt ursprung Janis Xenakis , "men i själva verket var grunderna för denna metod kända tidigare, och Xenakis historiska förtjänst i detta avseende ligger i att kombinera dessa grunder. med en hög nivå av musikalisk kompositionsteknik (som i kombination med originalitet och innehåll i själva de konstnärliga idéerna och gav hans verk innebörden av klassiska)” [10] .

Xenakis började tillämpa matematik (matematisk statistik, lagen om stora siffror, sannolikhetsteori) och några allmänna vetenskapliga discipliner (informationsteori, mängdlära) i musik 1954; namnet "stokastisk musik" dök upp två år senare, 1956 [11] .

Termen "stokastisk" i sannolikhetsteorin betyder en slumpmässig händelse. Ur stokastisk musiks synvinkel är en slumpmässig händelse ett enda ljud eller en ton. Ett enstaka ljud i en dator representeras som ett tal. I form av siffror kan du också visa ljudparametrarna (tonhöjd, varaktighet).

Matematisk statistik i musik används för att avslöja logiken i musikaliskt tänkande. Genom att analysera olika kompositörers arbete, beräknar de kompositionens struktur (till exempel antalet takter i kompositionen och intervallet för deras upprepning), reglerna för kompositionen (till exempel om fem toner går sekventiellt i en ökande riktning, då måste den sjätte gå ner och vice versa). När en viss uppsättning kompositionsregler bildas, kompileras ett program (algoritm) för en dator, enligt vilket toner väljs för att bygga en melodi.

Stokastisk musik är ett specialfall av algoritmisk musik.

Andra hälften av 1950 -talet

De australiska forskarna Trevor Pearcey och Maston Beard uppfann och byggde CSIRAC ,  en av de första digitala datorerna .  Det första testprogrammet genomfördes 1949. Mellan 1950 och 1951 användes maskinen för att spela musik. Matematikern Geoff Hill programmerade en dator för att spela populära musiklåtar från tidigt 50-tal. 1951 spelade datorn den populära militärmarschen " överste Bogeys marsch" . Datorn spelade dock bara standardrepertoaren och var inte involverad i musikskapande forskning. CSIRAC-repertoaren har aldrig spelats in, men musiken den spelar har mödosamt återställts.   

Den brittiska nationalsången och barnsången om det svarta fåret var de första inspelningarna av musik som spelades av en dator [12] . De reproducerades av Ferranti Mark 1-datorn ( eng.  Ferranti Mark 1 ) - en kommersiell version av Manchester Mark 1 . Programmet för att spela musik skrevs av den brittiske vetenskapsmannen Christopher Strachey . 

1954 skrev Stockhausen stycket "Electronic Etudes-2" - det första verket av elektronisk musik, vars partitur publicerades.

1955 dök flera studios upp för att experimentera med elektronisk musik.

En viktig händelse för världen av elektronisk musik var öppnandet av tre studior: Studio "Fonologiya" (Studio di Fonologia) i Milano; studior i byggnaden av det japanska TV -bolaget NHK , grundat av Toshiro Mayuzumi ; Philips studios i den holländska staden Eindhoven (1960 flyttades denna studio till Utrecht University och döptes om till Institute of Sound Studies ( eng.  Institute of Sonology )).

1956 gav världen ett antal betydande upptäckter och uppfinningar inom området elektronisk musik:

1. Louis och Bebe Barron skrev musiken till filmen Forbidden Planet .  Louis Barron designade själv elektroniska kretsar, bland vilka var ringmodulationskretsen . Kretsarna skapades för att producera ljud som surrande, knarrande, malande och ett antal "kosmiska" effekter. När alla nödvändiga ljud spelades in, avslutade Barrons, för ett ännu mer övertygande ljud, dem med delay , reverb , reverse, hastighetsändringar.  

2. Kemisten, programmeraren och kompositören Lejaren Hiller skapar tillsammans med Leonard Isaacson Iliac  Suite för stråkkvartett, den första datorkompositionen . Hiller var seriöst intresserad av informationsteori och hävdade att en dator kunde "lära sig" att skriva musik på egen hand om en speciell komponerande algoritm skapades för den, som kunde isoleras genom att analysera stora kompositörers musik.  

3. Karlheinz Stockhausen skriver pjäsen "Song of the Young" (Gesang der Jünglinge), en enastående pjäs för sin tid ,  som använder talsyntesteknik. Verket bygger på texten i profeten Daniels bok .

4. Den amerikanske kompositören och uppfinnaren Raymond Scott patenterade sin uppfinning - Clavivox enstämmig klaviatursynt, vars elektroniska kretsar designades, på Scotts begäran, av Robert Moog .

1957 skapade ingenjören Max Matthews , som arbetade på Bell , programmet MUSIC, det första programmet för datorljudsyntes.

1958, på den internationella utställningen i Bryssel, i Philips-företagets paviljong, framfördes Edgard Varèses "Elektroniska dikt" ( fr.  Poème électronique ) för första gången.

Från 1960-talet till nutid

1960-talet var fruktbara år för elektronisk musik. Framgång uppnåddes inte bara av musiker från akademisk elektronik, utan också av oberoende musiker - ljudsyntesteknik blev mer tillgänglig och som ett resultat dök de första synthesizers upp på fri försäljning.

Vid den här tiden hade en gemenskap av kompositörer och musiker som arbetar med nya ljud och nya instrument bildats och utvecklats tillräckligt.

I början av 1960-talet sågs uppkomsten av två betydande verk från två inflytelserika kompositörer av elektronisk musik:

I "kontakter" frångick Stockhausen den traditionella musikformen, som bygger på kompositionens konsekventa utveckling i tiden och den dramatiska klimaxen. Han propagerade idén om att "vara i musiken" som inte kräver "föregående" och "nästa" - att vara statiskt koncentrerad till varje givet ögonblick [13] . Stockhausen kallade sitt tillvägagångssätt för "ögonblicksform" (det liknar den filmiska tekniken att limma filmen rumpa-mot-rumpa, som användes i kinematografi i början av 1900-talet).

1963 dök den första synthesizern upp, författad av ingenjören och uppfinnaren Don Buchla . 

Thereminen har använts sedan 1920-talet, men den fick stor popularitet när den användes för att spela in ett antal science fiction-filmer från 1950-talet (till exempel Bernard Hermanns partitur för The Day the Earth Stood Still).

1958 grundades BBC Radiophonic Workshop i Storbritannien. Denna studio började i samband med släppet i början av 1960-talet på BBC:s science fiction-serie Doctor Who. Seriens temamusik komponerades av Ron Grainer och spelades in av medarbetaren Delia Darbyshire.

1961 grundade den israeliska kompositören Josef Tal Center for Electronic Music i Israel vid Hebrew University of Jerusalem .

1960-1970-talet: från psykedelia till elektronik

Början till elektronisk musik som en självständig riktning lades i början av 1960- och 1970-talen genom insatser från krautrockartister Can , Popol Vuh , Klaus Schulze och Tangerine Dream , Organization , Kraftwerk , Cluster , Neu! . Dessa musiker hämtade huvudidéer från både rymdrock och psykedelisk rock , såväl som det akademiska avantgardet Karlheinz Stockhausen och Janis Xenakis , och skapade experimentella ljudcollage. Huvudtanken var att använda elektronik som ett nytt uttrycksmedium som kunde trolla fram surrealistiska bilder.

I slutet av 1960-talet skapade Robert Moog sin första kommersiella synt, MiniMoog . Under hela 1970-talet blev synthesizers en fashionabel och populär innovation inom musik, som gradvis ersatte elektriska orglar. Den elektroniska musiken på 1970-talet är mest keyboard-synthmusik.

I början av 1980-talet etablerades tre huvudriktningar i utvecklingen av elektronik:

  1. Instrumentalmusik som använder elektriska musikinstrument för att skapa utökade stycken med "rymd"-teman. Ledarna för denna trend är Tangerine Dream , Vangelis . Det fanns nationella drag: representanter för Berlinskolan drogs mot psykedelisk musik (Tangerine Dream, Klaus Schulze ) och franska artister - till en lättare, mer populär stil ( Jean-Michel Jarre , Space ).
  2. Bakgrund "miljömusik", utan en tydlig rytm och en viss melodi, kallad " ambient ". Författaren till denna definition var Brian Eno , som med rätta anses vara stilens grundare.
  3. "Sång"-former av elektronisk musik ( synth-pop , elektro-pop , techno-pop ) kännetecknas av en tydlig, mekanisk dansrytm, demonstrativ artificiell ljud (synthesizers härmar inte längre ljudet av riktiga musikinstrument), användning av sång ( ofta robotic) som kontrapunktsyntharrangemang, minimalism och ostinatokompositionsstruktur . Texter har ofta ett socio-futurologiskt och sci-fi- fokus. Pionjärerna inom denna stil är gruppen Kraftwerk . Med tillkomsten av den nya vågen har denna riktning blivit utbredd och populär, och drivit upp på den stora scenen Depeche Mode- gruppen, som har blivit en trendsättare i världen av elektronisk musik, och många av deras kollegor i genren ( Pet Shop Boys , Gary Newman , OMD , The Human League , Ultravox och andra).

1980-1990-talen

I slutet av 1970-talet och början av 1980-talet kom ett antal nya teknologier och nya genrer förknippade med dem. Med tillkomsten av programmerbara trummaskiner , som Roland TR-808 , har levande trummor nästan försvunnit från elektroniken. Framväxten av breakbeat (broken beat) hade ett stort inflytande på musiken . Kompositionerna började använda inspelningar av andra artister, loopade eller bearbetade. Yrket som DJ (DJ, Disk Jockey) har flyttat in i elektronisk musik från diskotek och radio , som arbetar med skivor på en speciell skivspelare.

I spåren av pionjärernas framgångar har många musikaliska grupper vuxit upp och berikat elektronisk musik med nya idéer. " New Age " var influerad av elektronisk musik. Skickligheten att skapa lyriska elektroniska melodier blinkade japanska Kitaro . Polen Marek Bilinsky och det östtyska bandet Pond , ungraren Laszlo Benkö, bulgaren Simo Lazarov, jugoslaven Micha Krall bidrog till utvecklingen av den populära synthesizerstilen ; och i Sovjetunionen/Ryssland - Mikhail Chekalin , Janis Lusens och Zodiac -gruppen , Giedrius Kupryavicius och Argo -gruppen , Eduard Artemiev , Sven Grunberg , Lepo Sumera , Vadim Ganzha och den elektroniska musikduon New Collection (Igor Kezlya och Andrey Morgunov). Deras bästa verk är inte på något sätt sämre än de erkända hits av ärevördiga elektronikingenjörer. Kraftfull rytmisk musik med dansmotiv spelas av Laserdance och Koto . Men framför allt innehåller olika understilar och grenar technomusik . Kraftwerks idéer togs emot med råge på DJ-klubbar, och en ny stil av techno växte gradvis fram från klubbens underground, där rytm och effekter sätts i första hand. Melodin är inte obligatorisk, eftersom syftet med sådan musik är att uppnå teknotronisk extas. Det är ingen slump att kemiska stimulantia ofta användes på klubbfester för att förstärka effekten.

Men det finns också fler musikaliska varianter av techno. När techno och ambient kombinerades föddes IDM -stilen  – seriös technomusik, öppen för alla möjliga experiment. Detta spelas av Orb , Autechre , Aphex Twin . Ledarna för " psykedelisk trance " är Juno Reactor och Astral Projection . Och slutligen, genom att kombinera elektronisk och rockmusik, fick vi " techno-industrial ", representanter för Skinny Puppy , Front Line Assembly , Front 242 .

Under denna period börjar den elektroniska dansmusikens storhetstid, som inkluderar riktningar som techno, elektro , drum and bas , house och trance . Elektronisk dansmusik skapades av elektroniska musiker vars primära mål var att tillhandahålla kompositioner för sina DJs (DJs), typiska representanter för denna kultur var: Robert Miles , Moby , Tiesto , Paul Van Dyk , BT , ATB , Paul Oakenfold , Armin van Buuren och över och bortom . Men elektronisk dansmusik kan ofta hittas i formatet av ett fullfjädrat musikalbum, som "Pulse 1" och "512 KB" från pionjärerna inom rysk elektronisk musik Andrey Rodionov och Boris Tikhomirov .

2000-talet

Början av 2000-talet för elektronisk musik präglas av önskan om enhet genom en oändlig variation av former. Rena stilar förblev bara i teorin. I praktiken innehåller nästan alla verk delar av så många typer av musik, och komplexa sammansatta definitioner måste användas för att beskriva album. Idén att skapa techno-remixer på teman för kända kompositioner på 1970-1980-talet är mycket populär. Musiken av Jarre , Space , Vangelis , Tangerine Dream har genomgått en sådan bearbetning . Många teknomusiker lärde sig elektronisk musik från mästerverken från grundarna av genren, och nu inkluderar grundarna själva idéerna från innovatörer i sina verk. Jarres album " Metamorphoses " är gjort med en märkbar infusion av techno/pop/new age, och Klaus Schulze experimenterar aktivt med techno/trum- och basljud (albumen " Dosburg Online " och " Trance Appeal "). Techno, trance, ambient och industrial flätas samman på albumen Delerium , System 7 och Synaesthesia . Syntesen av tung alternativ punkrock och techno presenteras av Velvet Acid Christ och Wumpscut .

Se även

Anteckningar

  1. ↑ 1 2 3 4 5 6 Sovjetisk elektronisk musik
  2. ↑ 1935 AEG Magnetophon Bandspelare // Mix: Professionell ljud- och musikproduktion  (  mixonline.com). - 2006. Arkiverad den 8 februari 2013.
  3. ↑ Friedrich Engel, Peter Hammar; ytterligare redigering av Richard L. Hess. En utvald historia av magnetisk  inspelning . Richardhess.com (2006).
  4. ↑ Rob Young. Once Upon a Time: In Cairo  //  The Wire . - 2007. - Mars ( utg. 277 ). — S. 24 .
  5. ↑ Jeff Snyder. Pierre Schaeffer: Uppfinnare av Musique Concrete  (engelska)  (inte tillgänglig länk) . Arkiverad från originalet den 15 maj 2008.
  6. ↑ 1 2 3 4 5 "ANS", noisephone and theremin: hur sovjetisk elektronisk musik föddes
  7. ↑ Tidningen "Technology - Youth", nr 3 för 1960. Författare: B.Orlov
  8. ↑ Bakanov Konstantin. Glömd melodi. Musik som dömts till förstörelse för fyrtio år sedan hittades i ett skivbolags arkiv  // Novye Izvestia . - 2005. - 8 juli.
  9. ↑ Tatyana Antsiferova: "Jag hade ingen lust att erövra världen ..."
  10. ↑ Xenakis J. "Formaliserad musik", sid. 6
  11. ↑ Xenakis J. "Formaliserad musik", sid. 17
  12. ↑ Fildes, Jonathan . "Äldsta" datormusik avslöjad  (engelska)  (17 juni 2008).
  13. ↑ Savenko S. I. Karlheinz Stockhausen // XX-talet. Utländsk musik. Uppsatser. Dokument - Problem. 1.- M., 1995. S. 15-18.

Litteratur

Länkar

  Gå till Wikidata-objektet  Ordböcker och uppslagsverk
 Stilar av elektronisk musik