Postmodern musik kan ses som musik från den postmoderna eran, eller musik som följer postmodernismens estetiska och filosofiska linjer . Som musikstil omfattar postmodern de karaktäristiska särdragen för konstnärlig postmodern – det är konst efter modernism (se Modernism in music ). Den kännetecknas av en kombination av olika musikstilar och genrer. Självgrävande och ironi är också karaktäristiskt, viljan att sudda ut gränserna mellan "hög konst" och kitsch , (D. Albright. Daniel Albright, 2004).
När det gäller musikens position i den postmoderna miljön, oavsett stil eller riktning för den eller den musiken, kännetecknas denna position av följande egenskaper: om den moderna tidens musik ansågs vara ett uttryckssätt, då i den postmoderna era musik är snarare ett spektakel, en produkt av masskonsumtion och en indikator på gruppidentifiering, till exempel ett tecken som hjälper till att bestämma ens tillhörighet till en viss subkultur .
I modernismens tidevarv sågs skapandet av musik som en återspegling av den yttre världen, precis som en fotograf fångade en viss verklighet. Men med uppfinningen av magnetband på 1930-talet blev det möjligt att betrakta ljudinspelning som slutprodukten av musikalisk kreativitet. Under 1950-talet presenterades musik, inklusive populärmusik , som en fast föreställning, även om slutresultatet uppnåddes genom en blandningsteknik .
Ett förmöte om denna process kan hittas ett decennium tidigare. Med början i slutet av 1940-talet skapade akademiska kompositörer som Edgar Varèse , Pierre Schaeffer , Karlheinz Stockhausen och John Cage kompositioner som uteslutande existerade som ljudinspelningar genom att använda flerkanalsinspelning, redigera eller variera inspelningshastigheten för ljuden, vilket innebar att skapa musik som kunde inte spelas på traditionellt sätt, utan kunde bara existera som skiva.
En liknande teknik kom senare till elektronisk musik . De utarbetade flerspårsinspelningarna av många artister har blivit väldigt långt ifrån vad musikerna realistiskt kan skildra på scenen.
Under modernismens era sågs populärmusik som sekundärt till mer "viktigare" genrer. Postmodernitetens filosofi har dock ifrågasatt legitimiteten och acceptansen av uppdelningen av kultur i "högt" och "lågt".
Den tredje omgången av postmodern musik är förknippad med en fundamental förändring av idéer om vad musik ska handla om. I och med postmodernismens etablering hävdades tanken att musik är "i sig själv". Stilistiska anspelningar och citat har blivit inte bara en teknisk anordning, utan den väsentliga sidan av musik, som har vuxit från en möjlighet till ett behov. Detta visar också en avvikelse från det moderna paradigmet , då intonation, rytm och motiv ansågs vara huvudelementen i musikkonsten; postmodernismen anser att mediaströmmar, industriobjekt och enskilda genrer är konstens huvudämne. Postmodernismen reducerar med andra ord konstens roll till att kommentera konsumtionssamhället och dess produkter, och överge den moderna önskan att förstå universums "verklighet" i dess grundläggande former.
Möjligheterna till ljudinspelning och ytterligare mixning gav upphov till många idéer om att inkludera olika konstgjorda ljud, ljud, prover av den mänskliga rösten i musikaliska verk. Enskilda innovatörer, som Edgard Varèse , började experimentera med möjligheterna med ny elektronisk teknik, i synnerhet syntar och ljudslingor. John Cage använde band, radio och inspelningar av liveartister för att använda inspelade samplingar på en mängd olika sätt, vilket exemplifieras i verk som "Imaginary Landscape" och "Europera". Inom populärmusikområdet användes dessa teknologier i stor utsträckning av Abbey Road , Pink Floyd och representanter för dubmusikstilen, särskilt Lee Perry . I och med den digitala teknikens intåg , som avsevärt har underlättat arbetet med samplingar, har sådana tekniker blivit vanliga inom hiphop och speciellt inom Bastard-pop.
Tekniken att använda befintligt material återspeglas även i traditionell instrumentalmusik. Citat som referenser till redan existerande verk fanns även bland tonsättare från första hälften av 1900-talet. Till exempel använde Richard Strauss i sina symfoniska dikter och Charles Ives i sina "ljudvägar" citat från verk skrivna ett sekel tidigare. Under andra hälften av 1900-talet blir sådana exempel mycket fler. Till exempel innehåller D. Shostakovichs 15:e symfoni ett citat från G. Rossinis "William Tell" och R. Wagners "Nibelungens ring". Ett annat välkänt exempel på musikaliskt collage är tredje satsen av L. Berios symfoni , som citerar Gustav Mahlers uppståndelsessymfoni . Kompositören själv vägrar dock termen collage och hävdar att länkarna inte är slumpmässiga, utan symboliska i begreppet en kompositionshelhet.
Olivier Messiaen hänvisar till ett specifikt sätt att citera - i verk som "Exotic Birds" och " Catalog of Birds " med hjälp av en symfoniorkester försöker kompositören imitera fågelsången, samtidigt som han strävar efter maximal precision.
Ett kännetecknande fenomen inom postmodern akademisk musik har varit att kompositörens roll i musikalisk komposition har minskat, vilket inte bara tar sig uttryck i användningen av lånat musikmaterial, utan också i användningen av slumpen som kompositörs teknik. Förutsättningen för uppkomsten av aleatorisk musik var Arnold Schoenbergs dodekafoni , och senare serialismens teknik , som användes av ett antal kompositörer som P. Boulez, K. Stockhausen. Faktum är att redan i seriemusik är kompositörens roll "förskjuten" av rollen som matematiska algoritmer, på grundval av vilka serialistiska kompositioner skapas.
Senare överger dessa kompositörer, särskilt John Cage , kompositörens totala determinism och startar en aleatorisk riktning, som sätter slumpen som grunden för musikalisk komposition. I ett antal verk "tar" sig J. Cage helt från komponeringsprocessen. I det berömda stycket 4′33″ gör pianisten inget ljud, och själva kompositionen innehåller, enligt författaren, endast omgivande brus. I den aleatoriska musiken suddas alltså gränserna mellan artisten och publiken, eller mellan musikerna och omgivningen, ut, vilket är en postmodern trend.
Samtidigt växer det akademiska intresset för utomeuropeiska traditioner, förbarockmusik och populärmusik. Denna uppmärksamhet på alla musiktraditioner är ett typiskt postmodernt drag; uppdelningen i "hög" och "låg" konst anses vara illusorisk. György Ligeti blev intresserad av de rytmiska strukturerna i Pygmy-sången, som senare påverkade alla hans senare kompositioner. Olivier Messiaen studerade grundligt indisk raga och medeltida musik, vilket återspeglades i hans verk. Tan Dun , född i Kina, letade i sitt arbete efter sätt att kombinera kinesiska och västerländska musiktraditioner. Steve Reich har studerat västafrikanskt trumspel, indonesisk gamelan och hebreisk cantillation och har ibland jämförts med perotin eller rockmusik .
Om vi jämför inställningen hos kompositörerna från den moderna och postmoderna epoken till den "exotiska", utomeuropeiska musikkulturen, kan vi se ett väsentligt annorlunda tillvägagångssätt. Skillnaden ligger i penetrationsdjupet. Till exempel kan "Rondo alla Turca" av W. A. Mozart ha influerats av turkisk musik, men detta inflytande är väldigt ytligt och passar in i en ren klassisk form. Postmodernismen fortsätter den linje som i modernismen förkroppsligades i Bela Bartoks verk , som systematiskt och grundligt studerade grundprinciperna för "exotisk" musik. Som ett resultat penetrerar "exotiska" principer kompositörens handstil så subtilt att det är omöjligt att ens föreställa sig ursprunget till vissa element förrän de tydligt visas.
I slutet av 1950-1960-talet har ett antal stilar sitt ursprung på grund av postmodernismens situation.
Inom populärmusik, jazz , rhythm and blues och tidig rock and roll beror innovation på införandet av fundamentalt ny inspelningsteknik. Genom att skapa tredimensionellt ljud försöker dess producenter inte längre efterlikna det akustiska rummet i en konsertsal, vokalistens röst låter i förgrunden, medan resten av rösterna skapar en "vägg" i bakgrunden. Sedan mitten av 1960-talet har denna teknik blivit standarden för de flesta kommersiella radioapparater. Införlivandet av studiomixtekniker, elektronik och användningen av överdubbade ljudspår håller på att bli en integrerad del av rockmusiken. Popmusik undviker framträdandet av elektriska gitarrer, gynnar synthesizers , akustiska instrument och det generellt sett mjukare ljudet i rytmsektionen.
I början av 1970-talet öppnade New York DJ :s en ny väg inom postmodern musik. De försökte spela dansgolvsskivor, kontrollera uppspelningshastigheten på en skiva och använda en mixerbord för att applicera reverb och andra ljudeffekter . Samtidigt talade de i en mikrofon över musiken, vilket satte scenen för hiphopens framväxt .
En ytterligare utveckling av hiphop på 1990-talet lyftes fram under skivspelaren , där musik nästan helt skapas från blandning av vinylskivor. Bland de mest kända skivspelarens DJ:s är Q-Bert , Mixmaster Mike och J-Rocc och Babu från The Beat Junkies . Detta hände i viss elektronisk musik - i genren "breakbeat-hardcore" och efterföljande (gr. The Prodigy, etc.).
Termen post-rock kom att tillämpas på band som använde instrument förknippade med rockmusik, såväl som rytm, melodier, klang och ackordsprogression som inte är typiska för traditionell rock. Ett betydande antal grupper efter rockrörelser utvecklades under de sista åren av 1900-talet, särskilt Mogwai , Tortoise , Explosions in the Sky och andra. Deras melodiska, rika instrumentalism och starka känslomässiga rikedom har blivit ett kännetecken för postrock.
Inom akademisk musik kan minimalism betraktas som ett av de postmoderna fenomenen . Minimalismen var delvis en reaktion på elitismen och den typ av stramhet i modern akademisk musik (från Arnold Schoenberg och Anton Webern till Pierre Boulez och John Cage ). Tidiga minimalister inkluderar Schoenbergs student La Monty Young , som använde element av serialism i sina tidiga minimalistiska verk, och Terry Riley , vars verk är influerat av indisk musik och rockmusik.
Några av John Cages experiment (särskilt “ 4′33″ ”, experimentella stycken baserade på ett slumpmässigt urval av ljudfragment, “Europera”) kommer nära “gränsen mellan konst och icke-konst” [1] , baserat på ett lekfullt omtänkande av den etablerade genren, formella och meningsfulla stereotyper, genomsyrad av reflektion över de använda genrernas möjligheter [2] , sammansatt av färdiga musikfragment eller slumpmässigt utommusikaliskt material (till exempel radiostationernas aktuella luft). ).
Den postmodernistiska metoden för collage ( pasisha ) används flitigt av Luciano Berio , vars många verk (till exempel " Symphony ", " Opera ") är collage från klassiska verk av världsmusik (från Monteverdi till Mahler), såväl som heterogena. textfragment (från Beckett och Levy -Strauss till telefonsamtal).
Postmodernt spel med traditionella konsertformer realiseras i den så kallade " instrumentala teatern " av Maurizio Kagel ) [3] , där musiker kan röra sig på scenen, fritt byta toner och utföra andra handlingar utformade för visuell perception.
Ett exempel nära Berio och Kagel i rysk musik är Alfred Schnittkes första symfoni , där citat ur klassiska och populära musikaliska verk på ett originellt och humoristiskt sätt vävs in i kompositionens dramaturgi, blandat med varandra och bildar en komplex musikalisk symbios. , och musikerna, enligt partituret, rör sig regelbundet på scenen (dock i de flesta andra verk är kompositören fortfarande långt ifrån postmodernismens estetik och är mer benägen till seriös etisk och estetisk reflektion med hjälp av etablerade kulturella symboler).
Den postmoderna situationen för "kulturens slut" varierar i Vladimir Martynovs teoretiska konstruktioner och musikaliska verk . Från och med kompositionen " Opus posth " ( 1984 ) leker Martynov medvetet med färdiga stilistiska stereotyper, och betonar på alla möjliga sätt utmattningen av författarskapets estetik och konsertstilen. I några kompositioner från 1970 -talet (Album Leaf för violin, piano, kammarensemble och rockgrupp, rockoperan Seraphic Visions of Francis of Assisi, Hymns cycle för solist och rockgrupp) integrerar Martynov former av akademisk och icke-akademisk musik; på senare tid har dessa experiment utvecklats i gemensamma projekt med Leonid Fedorov .
Minimalism och andra försök att förenkla det musikaliska språket satte scenen för integrationen av ljus och akademisk musik, som avbröts med utvecklingen av modernismen . På 1970 -talet blev avantgardistiska rock- och popmusiker (som Suicide och Throbbing Gristle ) intresserade av elektronisk instrumentering, användningen av österländsk musikrytm och icke-traditionella instrument, monotona (Drone) eller repetitiva musikfraser som stilmässigt liknar minimalism ( såsom musiken från The Velvet Underground , Tangerine Dream , Kraftwerk och, senare, Stereolab ). Å andra sidan närmar sig sen minimalism – postminimalism – i många av sina yttringar på allvar icke-akademisk musik. Spridningen av minimalism i samtida musik har gett upphov till liknande strömningar inom elektronisk musik, som minimal house och minimal techno .
Ett annat inslag i konvergensen av ljus och akademisk musik är metoden med ljudslingor ("cut-paste") av Stockhausens senare verk (som använde element av både "hög" och "låg" konst). Metoden var mycket relevant för rockmusiker på 1970-1990-talet, till exempel för The Residents , som senare fann tillämpning i techno och housemusik, och scratch (manuellt dra ljudspåret) nära det i mening - i hiphop.
Postmodern jazz har också påverkat samtida pop- och rockmusik. Två utvecklingsfaktorer kan särskiljas - dessa är innovationerna av Charlie Parker under mitten av efterkrigstiden och arbetet av Arnold Schoenberg; sant, inte så mycket hans dodekafoni , utan snarare hans atonala stil före serien, där alla former av tonal organisation förkastades. Sammanslagningen av dessa två traditioner var en faktor i utvecklingen av frijazz på 1950-talet , särskilt i Ornette Colemans arbete , som inspirerade en ny generation musiker på 1960- och 1970-talen, inklusive figurer som John Coltrane , Albert Ayler och Sun Ra . Frijazz har haft ett betydande inflytande på många rockmusiker: The Stooges och Lou Reed är bland dem . Dessa artister påverkade i sin tur 1970- och 1980 -talens generation av punkmusiker (som The Lounge Lizards och The Pop Group ).
Ett av de tydligaste exemplen på en postmodern jazzmusiker är saxofonisten John Zorn . Från pjäser av Godard och Spillane till Naked City, Zorns musik är känd för att göra radikala stilistiska språng. Kritiker kan inte passa in hans verk i någon musikalisk riktning, och Zorn själv sa att konceptet med moderna stilar är mer av ett kommersiellt.