Fotografiets historia omfattar fotografiets utveckling som en av bildkonsten från mitten av 1800-talet till nutid.
Under fotografiets första årtionde var dess huvudsakliga teknologier daguerreotypi och, i mindre utsträckning , kalotyp ; på 1850-talet ersattes de gradvis av kollosionsprocessen , vilket gjorde det möjligt att avsevärt minska slutartiden vid fotografering (om Daguerre 1839 hade en exponeringstid på 10 minuter eller mer, och 1840-1841 hade den redan minskat till 10 sekunder, sedan under kollosionsprocessen reducerades slutartiden till flera sekunder och till och med mindre än en sekund [1] ). Traditionerna för europeisk målning och lång exponering ledde till behovet av posering, det vill säga till den iscensatta naturen hos tidig fotografi, om människor var närvarande i den [2] [3] .
Redan under de första åren började kommersiell fotografi utvecklas snabbt, främst porträtt- och landskapsfotografi. Många fotostudior öppnades för att göra porträtt (redan 1841 fanns det mer än tio av dem bara i Paris).År 1854 patenterade Dizderi tekniken för att göra "visitkort" - fotografier i småformat, som på grund av deras billighet snabbt blir omåttligt populära; Insamlingen av kändiskort börjar. Fotografer, som den berömda Felix Beato , åker till avlägsna länder för att skapa landskapsbilder - från Italien, Grekland och Egypten till Japan - och till och med öppna studior där; deras fotografier med landskap , arkitektoniska monument , genrescener säljs på plats till besökande turister eller publiceras när de återvänder från expeditionen i form av böcker.
Tillämpad fotografi utvecklas också - vetenskapligt (till exempel albumet "British Algae" av Anna Atkins , 1843) och medicinskt, polisiärt, arkitektoniskt (till exempel Heliografiska expeditionen 1851) och andra. [fyra]
Roger Fenton , som fångade Krimkriget 1855 , kallas den första krigsfotografen , och det amerikanska inbördeskriget, tack vare Matthew Bradys ansträngningar , blir Alexander Gardner , Timothy O'Sullivan , den första att ge upphov till en betydande mängd fotografiska dokument. På grund av tekniska begränsningar filmas inte själva stridshandlingarna, utan bara deras konsekvenser, som i det berömda fotografiet av O'Sullivan "The Harvest of Death" (1863), såväl som utsikt över militärlägret, porträtt av deltagare , etc. [4] Intressant nog att historiker i några kända militärfotografier hittar spår av manipulationer med scenen för att göra den mer uttrycksfull (till exempel i fotografiet "The House of the Rebellious Sniper" (1863) av A. Gardner , kroppen och geväret flyttades [5] , och på fotografiet " Dödens skuggas dal " (1855) av R. Fenton kan kanonkulor ha överförts).
Det är svårt att dra en tydlig gräns mellan det rent informationsmässiga ("protokollet", som förmedlar den faktiska bilden till betraktaren) och fotografiets estetiska funktioner; sålunda talar de nämnda manipulationerna under inspelningen av militära scener redan om önskan om konstnärlig effekt. Det väsentliga kriteriet här är fotografens själva avsikt. J. E. Mayall och Gabriel Harrison var bland de första som försökte förverkliga en sådan avsikt under andra hälften av 1840 -talet , och Gustave le Gres skrev 1852: "Min kära önskan är att fotografi istället att falla under industrins och handelns makt, skulle inkluderas bland konsterna. Detta är den enda platsen som är värdig henne , och det är i denna riktning som jag alltid kommer att försöka styra henne . På 1850-talet är fotografens inställning till sitt arbete inte längre en sällsynthet.
Bland genrerna för tidig konstnärlig fotografi, såväl som inom kommersiell och tillämpad fotografi, upptas en hedersplats av ett fotoporträtt - särskilt kändisar. Landskap är filmade - naturliga och urbana vyer , arkitektoniska strukturer. Mer eller mindre iscensatta genrescener som ärvts från genremåleriet är inte ovanliga . I det viktorianska Storbritannien , under andra hälften av 1850-talet, migrerade populära " levande bilder " [6] till fotografi , teatraliska porträtt och kostymscener skapades: trenden "fotografi som hög konst" ( Hög konstfotografi ) bildades - iscensatt i form och dragning mot kristen moral, allegori efter innehåll [2] .
De första stora fotografiska konstnärerna på 1800-talet var: Nadar , Gustave le Gré i Frankrike; representanter för högkonstfotografi OG Reilander , Henry Peach Robinson , Julia Margaret Cameron i England; David Hill med Robert Adamson i Skottland. Oscar Reilander var en av de första som använde en tidig form av fotomontage , komposittryck från flera negativ, 1855, och använde den senare för att skapa komplexa flerfigurskompositioner, varav den mest kända, Two Ways of Life (1857), trycktes med 30 eller 32 negativ. Gustave le Gré var särskilt känd för sina havslandskap, som han vanligtvis tryckte från två negativ för att öka fotografisk latitud . Mästaren på det psykologiska porträttet Nadar 1858 var den första som fotograferade från en ballong, och 1860-1862 tog han en serie fotografier av de parisiska katakomberna och avloppen .
Institutionellt erkännande är inte lätt för fotografering. Som regel visas fotografier i den vetenskapliga och tekniska delen av utställningar. På Salongen 1859 ställs således först ut Gustave le Grés kalotyper tillsammans med litografier, och när tekniken för deras skapande är klarlagd flyttas de till den vetenskapliga avdelningen. Som förberedelse för världsutställningen 1862 insisterar fotografer på en plats i sektionen för skön konst, men uppnår bara att "fotografi visas separat i allmänhet - varken som en teknik eller som ett konstnärligt skapande, utan som ett självständigt verksamhetsområde " [2] . Kampen för fotografiets erkännande fortsätter till slutet av seklet. [2]
På 1880-talet, tack vare Eastman Kodak , rullade celluloidfilm och amatörboxkameran Kodak No. 1 » (1888), som gjorde det möjligt för icke-professionella att få skarpa ögonblicksfotografier från sina händer: "Du trycker på knappen, vi gör resten" var reklamsloganen [1] . Att skaffa en enkel "dokumentär" bild upphör att vara ett problem, vilket stimulerar konstnärligt sökande.
PictorialismPå 1880- och 1910-talen var pictorialismens storhetstid – en internationell rörelse vars företrädare förkunnade fotografiets närhet till måleriet och försökte introducera bildtekniker och effekter i konstnärligt fotografi. Måleri brukade ha ett betydande inflytande på fotografi, men nu är modellen inte längre akademiskt måleri och prerafaeliterna , utan " impressionism (i betydelsen att bilden suddas ut) och symbolism (i betydelsen plot-genre)" [ 7] . För att uppnå en pittoresk effekt används linser med mjukt fokus som monokel (ibland även filter), retuschering av negativ och speciella utskriftsmetoder.
År 1892 etablerade veteranfotografen H. P. Robinson och medarbetare det pictorialistiska samhället The Closed Ring i Storbritannien 1902 grundade Alfred Stieglitz en liknande grupp , Photo-Secession och den inflytelserika tidskriften Camera Work , i USA . I Österrike 1897 förenades anhängarna av rörelsen Heinrich Kuhn , Hugo Henneberg och Hans Watzeck i gruppen "Trefoil" ( latin "Trifolium" , tyska "Kleeblatt" ). De största bildförfattarna var engelsmännen Frank Meadow Sutcliffe , teoretikern och praktikern Peter Henry Emerson , medlemmarna i Photo-Secession Alfred Stieglitz, Edward Steichen , Alvin Coburn , Clarence White , fransmannen Robert Demachy som representerade stilens ytterligheter [8] . År 1910 höll Photo-Secession en storskalig "internationell utställning av bildfotografi" på Albright Art Gallery och presenterade mer än 600 verk av 65 författare [9] .
I Ryssland bildades piktorialismen lite senare, men den utvecklades längre - från början av 1900-talet till andra hälften av 1930-talet ( Sergei Lobovikov , Alexei Mazurin , Anatoly Trapani , Nikolai Andreev , Nikolai Petrov , porträttmästaren Moses Nappelbaum , Vasily Ulitin , Alexander Grinberg , Yuri Eremin , Nikolai Svishchev-Paola och andra). [7] [10] [11]
P.G. Emerson . Shooting snipes, publ. 1886
A. Stiglitz . Station, 1892
E. Steichen . Järnhuset , 1904. Humbichromattryck
R. Demachy . Wrestling, publ. 1904. Gumbikromattryck
I USA på 1910-talet [13] började pictorialism att ersättas av direkt fotografi , vars första anhängare anses vara Paul Strand . Fotografi bör inte imitera målning alls, detta tillvägagångssätt hävdar: linser med mjuka fokus ersätts av skarpt fokus, tyngdpunkten i fotografens arbete överförs från utskriftsprocessen till filmningsprocessen. Stiglitz stöder Strand: "Fotografer borde lära sig att inte skämmas över att deras fotografier ser ut som fotografier", [14] skriver han 1913, och själv går han gradvis från bildskap till detta sätt.
Det handlar inte om en återgång till den tidiga fotografiets naiva naturalism, utan om modernism : abstrakta former avslöjas i stadsvyer och naturobjekt, industriell och maskinestetik bekräftas ( Charles Sheeler ).
Direktfotografering fortsatte att utvecklas på 1920-talet och nådde sin topp i arbetet med representanterna för gruppen F / 64 (1932-1935) - Edward Weston , Ansel Adams och andra. Weston utforskar strukturen och formerna hos naturliga föremål ( Sink , 1927 , Pepper No. 30 , 1930 ), skjuter nakenbilder ( Naked , 1936 ). Adams skapar klassiska svart-vita landskap och utvecklar ett zonsystem som låter dig justera exponerings- och filmbearbetningsparametrarna i enlighet med den kreativa avsikten.
Europeisk modernismDet europeiska fotografiet på 1920-talet togs också över av modernismen .
I Italien, redan på 1910 -talet, skapade A. J. Bragaglia en futuristisk trend inom konstnärlig fotografi - fotodynamik.
I Tyskland utvecklas konströrelsen " New Objectivity " i många avseenden nära den amerikanska modernismen [7] , som inom fotografiet representeras av Albert Renger-Patch , Karl Blossfeldt [16] och August Sander . De kännetecknas av önskan om en objektiv och detaljerad överföring av föremålet, i fallet Ranger-Patch och Blossfeldt - med en uttalad uppmärksamhet på formen.Sander på 1910-1920-talet arbetade med ett monumentalt fotoprojekt "People of the XX century", som ville fånga representanter för alla klasser och skikt av det tyska samhället i en serie dokumentära porträtt; hans första album, A Face of Our Time, skulle publiceras 1929. [17]
De tyska dadaisterna - John Heartfield med Georg Gross 1916 och Raul Hausmann med Hannah Höch 1918 - upptäcker tekniken för fotokollage [18] som snart skulle plockas upp av sovjetiska fotografer .
Den internationella avantgarderörelsen " New Vision " uttryckte i fotografi inflytandet från det tyska Bauhaus och den sovjetiska konstruktivismen . Verken i denna riktning kännetecknas av ovanliga förkortningar , diagonal sammansättning ("kosina"), stor beskärning, gravitation mot bildens abstrakthet; icke-standardiserade tekniker utforskas: solarisering vid Man Ray ; fotogram i Christian Schad , Man Ray, Moholy-Nagy ; fotomontage och collage av Mohoy-Nagy, Alexander Rodchenko och andra, multipel exponering . [7]
Surrealister är i första hand Man Ray , samt Maurice Tabar , Raoul Yubak , Hans Bellmer , Paul Nouget , Jacques-André Bouffard , Claude Caon , Philippe Halsman med flera - tillämpa aktivt de nämnda och några andra icke-standardiserade tekniker, skapa iscensatta bilder, involvera fotomaterial från tredje part i sitt konstnärliga utrymme [19] .
Germaine Krul , som började på 1910-talet med pictorialism, rör sig på 1920-talet närmare modernismens olika strömningar; 1928 publicerades hennes berömda fotobok "Metal".
Frantisek Drtikol , Josef Sudek , Jaromir Funke , Yaroslav Rössler arbetar i Tjeckien .
År 1929 hölls en stor utställning FiFo ( Film und Foto ) i Stuttgart , som visar den erfarenhet som fotografi samlat i olika länder; senare visas denna utställning i Österrike och Schweiz, och 1931 i Japan.
LatinamerikaFrån 1920-talet till slutet av seklet fortsätter karriären för mexikanen Manuel Alvarez Bravo , en av de största fotograferna i Latinamerika .
Edward Westons flickvän Tina Modotti arbetade med honom på 1920-talet i Mexiko och utövade ett märkbart inflytande på kulturlivet i Mexico City, inklusive den unge Alvarez Bravo.
Föregångarna till dokumentärfotografi inkluderar militärfotografer från 1850-1860-talen som filmade Krimkriget och inbördeskriget i USA , även om deras fotografier mestadels iscensattes på grund av den påtvingade långa exponeringen, och dessutom gjorde författarna det inte alltid veta hur man ska och försökte ge en rent reportagebild en estetisk dimension.
Tidig gatufotograferingAv samma tekniska skäl fanns det iscensatta scener och gatuscener som filmades på 1850-talet av Charles Negre , men redan på 1880-talet var exponeringarna betydligt reducerade.
Pionjärerna inom gatufotografering anses vara holländaren Georg Breitner , som arbetade på 1890 -talet, italienaren Giuseppe Primoli , britten Paul Martin (som fotade med en dold kamera och även fångade nattvyer i London by Gaslight-serien, 1895-1896). [tjugo]
Social fotograferingTillbaka på 1800-talet, trots tekniska begränsningar (som att fotografera från ett stativ på grund av långa slutartider), började social dokumentär att utvecklas . John Thomson publicerar 1876-1877 tidningen Street Life of London, och 1878 publicerar han en bok med samma namn. I New York filmade Jacob Riis livet i stadens slumområden under hela 1880-talet och gav ut en bokHow the Other Half Lives (1890), han anses vara den första fotojournalisten som använde blixt . Lewis Hine tar över och fotograferar amerikanska immigranters och industribarns hårda liv på 1900- och 1910-talen; på 1920- och 1930-talen fortsatte han att fotografera arbetarklassen på ett mer optimistiskt sätt och dokumenterade byggandet av Empire State Building i en välkänd serie bilder .
Walker Evans , Dorothea Lang och nio andra fotografer deltog i Farm Protection Administrations massiva sociala projekt (1935-1942) under ledning av Roy Stryker , och skapade ett dokumentärt porträtt av Amerika på landsbygden under den stora depressionen från tiotals år. tusentals fotografier (bland de mest kända: " Migrant Mother " av D. Lang, "Ellie Mae Burroughs, Sharecropper's Wife" [2] av W. Evans, "Dust Storm" [3] och den blekta skallen av en oxe [4] ] av A. Rothstein - alla 1936).
Åren 1935-1951 verkade den inflytelserika New York Photo League , en förening och skola för vänsterfotografer.
PropagandafotoI Sovjetunionen på 1920-1930-talet utvecklades dokumentär- och propagandafotografi snabbt [21] . De största fotograferna av denna tid, av vilka de flesta var medlemmar i Oktyabr konstförening - Alexander Rodchenko , Boris Ignatovich , Arkady Shaikhet , såväl som Abram Shterenberg , Boris Kudoyarov , Dmitry Debabov , Eleazar Langman och andra - bekräftar avantgardekonstruktivisten estetiken för "New Vision" (vinkelfotografering, snett, stor inramning).
Sedan början av 1930-talet har fotoreportaget spelat en ledande roll inom sovjetisk fotografi . Olika former av narrativa kombinationer av fotografier utvecklas: fotomontage (inklusive kombinationen av fotografiska bilder med affischtypografi och andra designelement [22] , - Alexander Rodchenko , El Lissitzky , Gustav Klutsis ), fotoserier [23] och fotobok .
De största utställningarna för denna tid är "Utställningen av sovjetisk fotografi i 10 år" (1928), "The First All-Union Exhibition of Photographic Art" (1937). [tjugo]
I Tyskland utvecklas fotomontageaffischens estetik av John Heartfield [24] .
FotojournalistikFramträdandet av halvtonstryck på 1880-1890-talen och offsettryck på 1900-talet gjorde det möjligt att återge fotografier i hög kvalitet i tidskrifter (innan dess gjordes en gravyr från ett fotografi, från vilket det redan gjordes tryck), och i början av 1900-talet hade "i nästan alla tidningar verkligen en sektion under det allmänna namnet av typen "Världen i bilder", där fotografier av kändisar, politiska figurer, representanter för det höga samhället publicerades, festliga evenemang var täckt” [25] . Introduktionen och förbättringen av fototelegrafen under 1910-1930-talen gjorde det möjligt att snabbt överföra bilder. Den enorma framgången för Leica - kameran, som lanserades på marknaden 1925, ledde till spridningen av småformatsfotografering - lätta, mobila kameror som inte kunde observeras. I slutet av 1920-talet ersattes bullriga och rökiga magnesiumblixtar med blixtlampor . Dessa fyra tekniska faktorer - och, naturligtvis, den växande efterfrågan på nyhetspressen - leder till att 1930-1950-talen blir " fotojournalistikens guldålder " (senare kommer initiativet att övergå till nyhets-tv). Illustrerade veckotidningar publiceras i miljontals exemplar: tyska Berliner Illustrirte Zeitung (1892-1945), Münchner Illustrierte Presse (1924-1944), franska Vu (1928-1940), American Life (1936-1972), British Picture Post (1938-1957).
Den tyske fotojournalisten Erich Salomon fick alleuropeisk berömmelse , från slutet av 1920-talet fram till att han greps av nazisterna 1940, filmade han - ofta med en dold kamera gömd i en hatt, portfölj, bok etc. - vid diplomatiska möten och i domstolar . Sedan slutet av 1920-talet har Alfred Eisenstadt filmat i Tyskland och senare i USA . Den ikoniske internationella fotojournalisten Robert Capa , som uttryckte sin trosbekännelse med orden "If your pictures are not good enough, then you were not close enough", dyker upp överallt där det pågår krig, från tidigt 1930-tal fram till hans död 1954. Den amerikanske fotojournalisten Vidzhi blev känd på 1930- och 1940-talen för sin nattkriminalkrönika i New York; hans stil påverkade amerikansk fotografi under andra hälften av 1900-talet.
Andra världskrigets tragedin blir en outtömlig källa till material för fotojournalistik ; många stora fotografer fotograferar militära aktioner och deras konsekvenser, och några - som Evgeny Khaldei , Dmitry Baltermants - är nu kända just för sina krigstida verk. Kända fotografier inkluderar: 11 bilder av landningarna i Normandie, som togs under kulor av Robert Capa och andra .
Författarens dokumentärfotograferingÄven under pictorialismens storhetstid arbetade den franske fotografen Eugene Atget på ett helt annat sätt än honom : han fotograferade det gamla, tillbakadragna till det Haussmannska Paris [26] , stadens dagliga liv sedan 1888, men erkännande kom bara till honom från 1920-talets andra hälft tack vare surrealister [27] och Berenice Abbott , som gjorde mycket för att bevara och popularisera Atgets verk och förkroppsligade hans tillvägagångssätt när de filmade New York på 1930-talet.
Sedan början av 1900-talet har Jacques-Henri Lartigue fotograferat sedan barndomen ; det var en utställning av hans tidiga fotografier på MoMA 1963 som gav honom berömmelse.
Den största mästaren i dokumentärfotografi var André Kertész , som arbetat i Ungern sedan 1912, sedan i Frankrike och senare i USA. Kertesz "var den första som i sitt arbete kombinerade linjerna funktionell (tidning-foto-reportage) [28] och författarens fotografi, vars dialektik nästan är huvudintrigen i hennes klassiska period" [20] . Som Cartier-Bresson senare sa , "vad vi än gjorde, gjorde Kertész det först" [20] .
August Sander står isär , vars verk från 1910-1920-talen innehåller inslag av både dokumentär - gatu- och socialfotografi och porträttfotografi.
Dokumentärfotografi fortsatte att utvecklas i Europa på 1930-talet, och kombinerade författarens och reportageprinciperna (journalistiska): många illustrerade tidskrifter fungerade som ett sätt att släppa bilder till allmänheten. Bland de mest anmärkningsvärda fotograferna vars kreativa väg började under detta decennium: den franska Brassai - som samarbetade med surrealisterna, men noterade att han "alltid försökte uttrycka verkligheten, för det finns inget mer overkligt" [7] , Henri Cartier-Bresson är en av de mest inflytelserika personerna i mediets historia, Robert Doisneau - en mästare i lyrisk, till och med sentimental gatufotografi, Willy Roni - som tillsammans med Cartier-Bresson och Doisneau anses [29] vara grundarna av "humanistisk" fotografering" ; Engelsmannen Bill Brandt . Gatufotografering är populärt , böckerna " 100x Paris " (1929) av Germaine Krul, " Paris at Night " (1929) av Brassai, " Paris through the eyes of Andre Kertész " (1934), " Night in London " (1938) av Bill Brandt publiceras.
I USA 1938-1941. Walker Evans filmar diskret passagerare på New Yorks tunnelbana och gömmer kameran under sin rock [5] ; dessa fotografier kommer dock inte att publiceras förrän 1966. Den framstående amerikanska fotojournalisten på 1930- och 1940-talen, Margaret Bourke-White , var influerad av sovjetisk fotografisk estetik [20] . En av de största amerikanska fotojournalisterna under slutet av 1930- och 1970-talen, grundaren av fotoessägenren var Eugene Smith . Samtidigt, på gatorna i Philadelphia , och efter kriget - i New York, Louis Faurer [ , lite känd för allmänheten, men uppskattad av sina kollegor och i sitt utseende och stil delvis föregripande poesi och teknisk frihet fotografi 1950- x - 1960-talet.
År 1955 organiserar Edward Steichen , curator för MoMA sedan 1947 , en av de mest betydelsefulla utställningarna i fotografiets historia, The Human Race, som kommer att sammanfatta det humanistiska dokumentärfotografiet under första hälften av 1900-talet.
USA. Sedan början av 1940-talet har den amerikanska formalismens traditioner utvecklats av Harry Callahan , som är benägen till abstrakt-minimalistisk komposition, använder fotografi som andlig praktik, Minor White och Aaron Siskind , som är nära förknippad med abstrakt expressionism . [trettio] Sedan slutet av 1940-talet har färgfotografiets pionjärer Saul Leiter och Ernst Haas gett gatuvyerna i New York City en abstrakt-målerisk kvalitet; lång exponering och kamerarörelse, som Haas ofta tar till för detta, används framgångsrikt i svartvit gatufotografering av en annan representant för New York School of Photography, Ted Kroner . På 1950-talet undervisar Callahan och Siskind på Chicago New Bauhaus ; Ray Metzker och Kenneth Josephson (den senare också under Minor White) studerade under dem , sedan 1960-talet har varit på väg mot att "modifiera dokumentärbilden till ett abstrakt mönster" [31] , med avancerad svartvit fotografering långt åt samma håll som Leiter och Haas - färg.
Tyskland. I det krigshärjade Europa fanns det ingen tid för formella experiment, och först i slutet av 1940-1950-talet återupplivade Otto Steinert och den konstnärliga gruppen Fotoform med honom i spetsen traditionerna från New Vision och Bauhaus under namnet " Subjektiv fotografering" .I motsats till denna strömning har Berndt och Hila Becher fotograferat industriella strukturer sedan slutet av 1950-talet, och ärvt det objektivistiska förhållningssättet från New Objectivity-skolan . 1976-1996 undervisar Bernd Becher i fotografi vid Dusseldorf Academy of Fine Arts , hans elever bildar Dusseldorf School of Photography . [trettio]
Italien. På 1940-talet - 1950 -talet filmar Giuseppe Cavalli , vars verk kännetecknas av en lätt tonalitet . Sedan 1950-talet har Mario Giacomelli , som var influerad av honom, arbetat och använt sig av olika fotograferings- och trycktekniker för att få bilder med extremt hög kontrast (serier med präster är särskilt populära [6] ).
Surrealism är fortfarande en inflytelserik rörelse. Dess estetik syns i verk av Bill Brandt , som efter kriget flyttade bort från dokumentärstilen och på 1950-talet sköt nakenbilder, bisarrt förvrängda av en vidvinkellins [32] [31] . Fotogramtekniken , introducerad i konstnärlig praktik av surrealisterna, har utvecklats i Tyskland sedan andra hälften av 1950-talet av Floris Neususs . Redan på 1930-talet började K. J. Laughlin , som kallas den första amerikanska surrealisten, filma i USA (hans mest kända bok, Ghosts Along the Mississippi, publicerades 1948); Sedan 1938 började Frederic Sommer som flyttade från Europa, fotografera . På 1950-talet tog amerikanerna Ralph Eugene Mityard och Jerry Welsman stafettpinnen och uppnådde en surrealistisk effekt med hjälp av fotomontage.Influerad av René Magritte och andra surrealistiska konstnärer skiljer sig Dwayne Michaels från både formalisterna och de dominerande dokumentärerna [ 33] på 1960 -talet [34] : han skapar serietidningsliknande berättande serier av fotografier, och i nästa decennium (1970-talet) började han också komplettera både enskilda fotografier och serier med handskriven text. Michaels och andra surrealisters inflytande syns i Francesca Woodmans erfarenheter på 1970-talet.
I och med televisionens utveckling på 1950-talet börjar dokumentärfotografiets reportagekomponent gradvis förlora sin betydelse och författarprincipen kommer i förgrunden: i USA formas fotografiet "dokumentärt i termer av material och individualistiskt-konstnärligt till sin typ". av dess tolkning" [30] , medan täckningen av det sociala materialet utökas till att omfatta några marginella och tidigare tabubelagda områden.
Gatufotografering utvecklas , det sker en gradvis befrielse från många tidigare kanoner. På 1930-talet i Europa, och sedan början av 1940-talet i USA, verkade Lisette Model , bland de berömda verken - en tidig serie porträtt av rika invånare i schäslonger på Promenade des Anglais i Nice 1934 [35] , då glaset "Reflections" och modernistiskt fragmenterade "Running Legs" under de första åren i New York; hennes närbild, "raka och brutala" [30] stil påverkade nästa generation av amerikanska fotografer.
På 1950-talet utvecklades och radikaliserades Models tillvägagångssätt av William Klein och Robert Frank . Deras fotografier kännetecknas av estetiken hos ett amatörfotografi : naturligt ljus, ofta en nedskrämd horisont, suddighet , grynighet . Till skillnad från, säg, Cartier-Bresson , försöker Klein och Franck inte att förbli osynliga: ibland ingår de i handlingen och fixerar deltagarnas reaktion till sig själva. 1956 publicerades W. Kleins bok med New York-fotografier, som snabbt blev en klassiker, i Paris; 1960 - en liknande bok om Rom, 1964 - böcker om Moskva och Tokyo. År 1958, också i Paris, publicerades R. Franks bok "The Americans " med 83 fotografier tagna på en resa längs USA:s vägar. Både Klein och Frank går efter en tids fotografering vidare till bio.
Lisette Model och Robert Frank, liksom Vigi och Walker Evans , blev referenspunkter för amerikanska fotografer på 1960-talet - representanter för fotograferingen av "Social Landscape", eller "New Documentary" [37] : Lee Friedländer , Harry Winogrand och Diane Arbus . Liksom sina föregångare uppvisar dessa fotografer ett uttalat socialt intresse (i fallet Diane Arbus, särskilt i marginalen), ett ännu mer individuellt utseende, och på den formella sidan en stark anslutning till estetiken hos ett amatörfotografi [38] .
1947 grundade Cartier-Bresson, Robert Capa och flera av deras kollegor Magnum International Agency , ett kooperativ som samlade fotojournalister vars arbete flyttar fokus "från sensationell, rent nyhetseffekt till personlig tolkning av händelsen" [20] . Snart ansluter sig sådana stora fotografer som Werner Bischof , Ernst Haas , Elliott Erwitt , Marc Riboud , René Bourri , Bruce Davidson och andra till byråns led.
På 1960-talet gick reportagefotograferingen i USA in i en krisperiod och förlorade gradvis sin informationsmässiga betydelse under tv:s anstormning. [30] I Europa spelar fotojournalistik, särskilt från hotspots, fortfarande en framträdande roll, traditionen med auteurfotojournalistik i stil med Magnum-byrån förs vidare av italienarna Gianni Berengo Gardin och Romano Cagnoni , fransmannen Raymond Depardon och Gilles Caron (död 1970 d.), britten Don McCullin , tjecken Josef Koudelka m.fl. I allmänhet håller den europeiska fotojournalistiken på 1960-talet, liksom den amerikanska dokumentären från 1950- och 1960-talen , gradvis på att "befria sig från humanistiskt patos, på väg mot uppriktigt subjektivt konstnärligt uttryck" [20] . Vladimir Lagrange har arbetat i Sovjetunionen sedan början av 1960-talet . Mästaren på sportfotografi var Lev Borodulin , som arbetade i tidningen Ogonyok på 1950- och 1960-talen .
Sedan början av 1950-talet har Vivian Mayer filmat på gatorna i New York och Chicago , men hon publicerade inte sina fotografier och berömmelse kom till henne först på 2000-talet, när ett enormt fotoarkiv upptäcktes efter hennes död. Gatulivet i Barcelonas missgynnade områden har diskret filmats av Joan Colom sedan slutet av 1950-talet .
I Sovjetunionen i slutet av 1950-talet och början av 1960-talet, med början av " upptinningen ", spräcktes monopolet för semi-officiell fotojournalistik som etablerades på 1930-talet: fotoklubbar öppnades över hela landet och amatörrörelsen blev den viktigaste skapande kraft i utvecklingen av fotografi. På 1960-talet dominerade dokumentär gatufotografi bland amatörfotografer; på 1970-talet inledde författarna ett stilistiskt sökande, aktivt tillgripande bearbetning av negativt och positivt i tryck och till fotomontage , och samtidigt som de bibehöll den allmänna sociala och dokumentära inriktningen i verken från denna period, den individuella-auktoriella principen, "principen om självuttryck" [39] (så precis som det hände i amerikanska dokumentärer från 1950-1960-talen ).
Anatoly Boldin har filmat i Moskva sedan slutet av 1950-talet , och Boris Smelov och andra i Leningrad sedan början av 1970-talet . Anhängare av off-plot fotografering Vyacheslav Tarnovetsky , Boris Savelyev , Sergey Lopatyuk och Alexander Slyusarev - alla utom den sista kom från ukrainska Chernivtsi - bildade "Group of Four", en utställning av vilken hölls 1978 på Museum of Photography i Siauliai . Särskilt starka skolor bildas i de friare Baltikum: i Litauen - Antanas Sutkus , Aleksandras Macijauskas , Rimantas Dikhavičius (verkar i nakengenren ), Vitaly Butyrin (surrealistiska fotomontage) och andra; i Lettland - Gunars Binde m.fl. [40]
Traditionen med rysk pictorialism har fortsatt sedan mitten av 1960-talet av Anatoly Yerin , och sedan slutet av 1970-talet av Georgy Kolosov , medlemmar av Novator Moskvas fotoklubb . [41]
Under 1900-talets tredje kvartal får färgfotografi gradvis sin plats i konsten . Trots den framgångsrika utvecklingen av färgfilm på 1930-talet, hindrade dess höga kostnad, svårigheter att bearbeta och fotografera under artificiell belysning, dess rykte som ett reklamverktyg [42] och det fotografiska samhällets allmänna estetiska preferenser under lång tid inträdet av färgfotografi till konstens rike.
Från 1948-1949. Saul Leiter (i New York) och Ernst Haas (världen) skapar en betydande samling färgfotografier . 1962 organiserar MoMA en 10-årig retrospektiv av Haas verk, museets första separatutställning av färgfotografi [43] , utan att räkna ut den amerikanske naturforskaren Eliot Porters utställning 1943 [44] . Sedan slutet av 1950-talet har fotojournalisten René Bourri filmat i färg tillsammans med svartvit film [45] . Färgverk är dock undantaget än så länge.
William Eggleston , som sedan mitten av 1960-talet har skapat noggrant utförda stiliseringar för en amatör ögonblicksbild , mättad med färg och fylld av vardagsliv utan dramatik, belönades 1976 med en utställning på MoMA , som - trots en svall av kritik - konsoliderar institutionellt erkännande färgfotografi. Representant för "New Topography" (efter titeln på utställningen 1975 ) Stephen Shore har fotograferat i färg, på en storformatskamera , lika vanliga vyer sedan början av 1970-talet; en utställning av hans färgverk hålls på MoMA samma 1976.
Bland pionjärerna inom färgdokumentär fotografi är japanen Ihei Kimura , som presenterade gatulivet i den franska huvudstaden i fotoboken Paris (1974), och Ragubir Singh : "Det var Singh som förde färg tillbaka till genren och gatufotografering på 1970-talet. Men den indiske mästarens mindre berömmelse jämfört med européerna får en att tänka på permeabiliteten av gränserna för den "västerländska kanonen"" [46] .
Sedan början av 1970-talet har fotografiet närmat sig samtidskonsten , både i kreativa miljöer och institutionellt. USA ligger i framkant av rörelsen. Redan 1940 öppnades L.W. Sipley American Museum of Photography i Philadelphia och avdelningen för fotografi vid MoMA , 1949 öppnades George Eastman Photographic Museum , sedan början av 1970-talet har avdelningar för fotografi dykt upp i andra stora museer i olika länder, internationella fotofestivaler anordnas, fler och fler fotogallerier (tidigare sällsynta undantag) dyker upp, fotografi går på auktioner. När det gäller kreativa attityder minskade vid den tiden - främst i USA - den sociala betydelsen av fotojournalistik, samtidigt uttrycktes teoretiska tvivel om dokumentärfotografiets objektivitet - faktiskt redan för amerikanska dokumentärfilmare från USA . 1950-1960-talen kameran var mer ett instrument för individuell konstnärlig vision än för objektiv fixering, på 1970-talet fördjupades detta tillvägagångssätt; allt detta, tillsammans med det ökade intresset för fotografi från samtida konstnärers sida, leder till ett brott med dokumentären: fotografi smälter samman med postmodernism och konceptualism .
…Foton är nu kopior utan original . Om det tidigare fanns en verklighet och ett fotografi från den, återstår nu bara ett fotografi. [47]
På 1990-talet blev digital bildbehandling utbredd . En gradvis övergång till digital fotografering börjar .
Efter mer än ett sekel av cirklar återvänder konstfotografiet på 1970-talet till iscensatta scener från vilka det, i imitation av måleri, en gång började. Istället för den berömda Leika använder många fotografer nu, som daguerreotypisterna från det förflutna, inte bara ett stativ och extra ljus, utan även storformatskameror för att förstora utskrifter till enorma storlekar, designade inte längre för en tidnings- och tidningssida , men för ett museum och gallerirum.
Fotografi följer en mängd olika strategier från postmodernismens arsenal: reflekterar över sin egen natur, hänvisar till tidiga och icke-traditionella fotografiska teknologier eller spelar dokumentär ; tillägnar sig färdiga verk och lånar metoder och teman annan bildkonst — och blir själv materialet och metoden ( fotorealism ) för dem; tvärtom, den drar sig tillbaka från sin egen visualitet och förvandlar sig själv till ett sätt att förmedla idéer .
Den här tidens konstnärliga fotografi (med undantag för konceptualisters verk) är oftast i färg.
Bio, målning, installation som metoderI sina synsätt och metoder följer det postmoderna fotografiet ofta den gamla och nya bildkonstens vägar.
Film. Sedan slutet av 1970-talet har kanadensaren Jeff Wall , som själv kallar sin metod " filmisk " [48] , filmat noggrant iscensatta scener med en storformatskamera som vid första anblicken verkar vara dokumentär; han visar sina fotografier på genomskinlig film i ljuslådor och har använt digital bildteknik sedan 1990-talet. Sedan andra hälften av 1970-talet har amerikanen Philip-Lorca Di Corsia blandat stilarna för dokumentär och iscensatt fotografi, "balanserat mellan det informella skottet och figurativiteten i den iscensatta kompositionen, spelat med naturligt och artificiellt ljus" [49] : bilder av hans första serie (" A Storybook Life ", " Familj och vänner ", 1970-talet—) är iscensatt, men stiliserad som dokumentär, och senare, när han fotograferade slumpmässiga förbipasserande, använde han dolda ljuskällor, vilket gav bilden en pittoresk-filmisk effekt (“ Streetwork ”, 1993-1999) och ryckande från mängden individer (" Heads ", 2000-2001). [50] Sedan 1990-talet har amerikanen Gregory Crewdson arrangerat och filmat med en storformatskamera scener från livet i förortsamerika – med en touch av surrealitet, filmisk i handlingen och noggrann belysning, ibland till och med med hjälp av kända skådespelare – enligt författaren, "filmer i en bild" ; sedan 2000-talet har han också tillgripit digital bearbetningsteknik, och hans Under the Roses -serie (2003-2005) jämförs i teknik och stilistisk effekt med verk av O. G. Reilander , som använde komposittryck redan på 1850-talet. [51]
Målning. Sedan 1970-talet har amerikanen Joel-Peter Witkin skapat chockerande fotografiska målningar fyllda med kroppslighet, deformitet och död, ärvt surrealisterna, fotografier från 1800-talet och målning från barocktiden .
Fotografer utforskar måleriets traditionella genrer , starkt influerade av det senare. Sedan början av 1990-talet har Rineke Dijkstra från Holland, med hjälp av en storformatskamera och blixt, tagit en serie fullängdsporträtt som har jämförts med verk av August Zander , Diana Arbus, gamla mästare ; särskilt känd är den tidiga serien "Beach Portraits" med tonåringar [52] . tyska Loretta Lux skapat originella barnporträtt, digitalt bearbetat och manipulerat fotografier och ibland kompletterat dem med målade bakgrunder. Sedan 1990-talet har stilleben fotograferats av Laura Letinsky från Kanada, som var influerad av den flamländska och italienska målartraditionen [53] ; sedan 2000-talet - Uta Barth från Tyskland. Urbana, konstgjorda, konstgjorda vyer blir den dominerande formen av landskapet . 1975 hölls den inflytelserika utställningen "New Topography" i USA , vilket markerade denna trend. Landskap omvandlade av mänskliga händer har tagits bort sedan 1980-talet av kanadensaren Edward Burtinsky .Sedan 1990-talet har Andreas Gursky , en representant för Düsseldorf School of Photography , skapat enorma, noggrant datoriserade fotografier, vanligtvis tagna från en hög utsiktspunkt, som skildrar "världen av modernt globaliserat vardagsliv" [54] , vilket satte rekord priser på auktioner. [55] Andreas Gefellers [ tillvägagångssätt är nära , med hjälp av datorbearbetning för att skapa vyer av konstgjorda landskap som är otillgängliga för vanlig syn: till exempel i Observations -serien (2002-2009) [7] , sammanfogade många bilder tagna från marken på en dator får han toppvy "från en punkt som inte finns i verkligheten" [56] . Sedan början av 2000-talet har tysken Michael Wolf och italienaren Olivo Barbieri fotograferat stadsmiljön , och gett scenerna tagna från en höjd ett utseende som miniatyrmodeller genom att flytta och luta linsen .
En pittoresk effekt ges till landskapet genom en lång exponering : vid slutartider på upp till 20 minuter, med en storformatskamera, på natten, tar den övergivna stadsvyer från 1990-talet av Ruth Blis Luxembourg [57] ; Britten Darren Almond började Full Moon -serien 1998 och fotograferade traditionella landskapsmålningar under en fullmåne vid exponeringar på 15 minuter eller mer [58] . Ännu långsammare slutartider och andra okonventionella tekniker har använts sedan 1990-talet i de traditionella genrerna landskap, porträtt och stilleben Michael Wesley , Chuck Close , Gary Schneider , Richard Learoyd , Chris McCaw och andra.
Fotografi vill inte släpa efter abstrakt måleri heller . En populär metod för att skapa abstrakta bilder är att skjuta ur fokus: denna väg följdes på 1990-talet av tyskan Uta Barth , som på så sätt disaggregerar syn på natur och interiörer (" Bakgrund ", 1992-1997), Amerikanen Bill Armstrong och Mondrian -influerade Gaston Bertin [ 8] , som täljer sina kompositioner från reproduktioner och färgat papper ; [59] Ett annat tillvägagångssätt är att göra bilden suddig med en långsam slutartid som Gabor Oz [60] [61] . Abstrakta färgbilder - kemigram och kemogram , luminogram och cyanotyper - skapas utan att använda kamera .
Installation. En annan riktning är skapandet av rumsliga objekt och scener för deras efterföljande fotografering. Sedan 1970-talet har Sandy Skoglund arbetat i USA på ett sätt nära surrealism : hon skapar och fotograferar sedan komplexa installationer , ofta fyllda med repetitiva objekt. Sedan mitten av 1970-talet har James Kasebere designat och fotograferat modeller av interiörer och hela stadsdelar Sedan 1990-talet har tysken Thomas Demand skapat av papper och kartong - vanligtvis från ett foto från någon tidning - och sedan fotograferat med en storformatskamera naturalistiska modeller av interiörer, ofta historiskt betydelsefulla rum (till exempel för 1994 års fotografi "Rum" - en modell av ett exploderat rum, där konspiratörerna försökte på Hitler ). Sedan 1990-talet har konstnären och fotografen Vladislav Efimov fotograferat sina nyckfulla föremål och installationer. Brasilianaren Vik Munis har fotograferat sina kortlivade "skrotmålningar" sedan 1990-talet.
Fotografi används för att fånga landkonstföremål , såväl som föreställningar , happenings och liknande fenomen inom samtidskonst; till exempel har amerikanen Spencer Tunick organiserat och fotograferat blixtmobs av hundratals och tusentals nakna människor sedan 1990 -talet.
Citering, appropriering, konceptualismFotografi tar villigt till sådana allmänna strategier för postmodernism som citat, appropriering och konceptualism .
Citat. Inte bara metoder, utan också teman, specifikt innehåll, fotografi står ofta i skuld till berömda dukar, mindre ofta till filmer eller fotografiska verk. Den tidigare nämnda Jeff Walls verk innehåller ofta anspelningar på klassiska målningar. Amerikanska Cindy Sherman fotograferar sig själv i en serie fotografier " Stillbilder från filmer utan titel " (1977-1980), stiliserade som ramar från icke-existerande filmer.Och i fotoserien " Historical Portraits " (1988-1990) framträder Sherman, med hjälp av falska kroppsdelar, som en modell från målningar av gamla mästare [62] (japanska Yasumasa Morimura skapar också liknande verk ). På 1990 -talet filmar Andrey Chezhin cykeln "Knapp och modernism" - anspelningar på klassiska målningar och fotografier. Sedan 2000-talet har Sharon Core återskapat stilleben av Raphael Peel , dukar av Wayne Thiebaud och andra målare i sina fotografier. Vadim Gushchin på 2010-talet fotograferar minimalistiska stilleben - med hans ord, "ämnesabstraktioner" - som förkroppsligar suprematism i färgfotografi [63] .
Anslag. En vanlig strategi är att inkludera "hittade" anonyma (amatör- eller arkivfoton) och även verk av andra författare i ens eget konstnärliga sammanhang . [64]
Förutom den -,]svLevineSherriochPrinceRichard,Barbara KruegertillägnarnaCindy Shermantidigare nämnda After Walker Evans -serie (1981) - någon annans fotografier. Bill Armstrong har collagerat fragment av reproduktioner av berömda målningar eller fotografier sedan 1990-talet och återfotograferat ur fokus; under samma 1990-tal i Storbritannien skjuter Emmanuel Perdon (f. 1965) ur fokus kvinnors ansikten från gamla målningar. [66] Sedan 2000-talet har en annan britt , Idries Khan , komprimerat lånade bilder - alla Bechers sfäriska gastankar [ ⇦ , alla sidor i Koranen , etc. - till en enda flerskiktsbild på gränsen mellan abstrakt och figurativt . Tillägnande finns också i sovjetisk underjordisk fotografi: till exempel, Boris Mikhailov handfärgade amatörfotografier som skapade en ny betydelse (Luriki, 1971-1985) [67] . Ett exempel på ren appropriering är Alien Photos (1987) av Alexei Shulgin [68] . Andrey Chezhin på 1990 -talet omvandlar hittade amatörnegativ vid utskrift, skapa bilder med deltagande av hans favoritkaraktär - knappen .
Den digitala revolutionen öppnar för nya möjligheter .Sedan slutet av 1980-talet har Thomas Ruff , en representant för Düsseldorf School of Photography , digitalt förvandlat andra människors bilder - från vetenskapliga bilder av rymden till pornografi från Internet. Sedan 1998 smälter den franska konstnären Orlan i sin Self-Hybridization-serie ihop sitt ansikte digitalt med porträtt av indianer, afrikanska masker, skulpturer och masker från det precolumbianska Amerika. I början av 2010-talet, med tillkomsten av tjänsten Google Street View , började några fotografer - Michael Wolf , John Rafman - låna ramar från automatiskt tagna gatuvyer.
Konceptualism. Appropriering är bara en av konceptkonstens metoder , för vilken den förkroppsligade idén är viktigare än det direkta estetiska intrycket.
Kenneth Josephson på 1960- och 1970-talen sin mest populära serie " Foton i fotografier ".En inflytelserik grupp bildad i San Diego : i slutet av 1960-talet skapade Martha Rosler feministiska och antikrigsfotocollage baserade på tillägnade tidningsbilder (serien " Beautiful body, or beauty knows no pain ", 1966-1972; " Beautiful hus: krig med hemleverans ", 1967-1972) [69] ; Eleanor Entin skickar ut en serie vykort [70] med 50 par stövlar på en episk resa genom USA (" 100 stövlar ", 1971-1973).
Fotografi används också som ett verktyg för radikala konceptualistiska uttalanden. Sålunda katalogiserar konstnären Ed Ruscha på 1960-talet enkla föremål i fotoboken 26 Gas Stations (1962) och andra. Douglas Huebler tog en serie på 10 fotografier 1969: han stod i Central Park och när han hörde fågelsång tog han en bild i ljudets riktning; året därpå ställde han ut en serie om 12 fotografier tagna varannan minut när han körde på vägen. Christopher Williams serie " Från Angola till Vietnam " (1989) bestod av 27 fotografier av glasblommor från Harvard Museum of Natural History , hemmahörande i länder där politiska försvinnanden inträffade 1985 [71] . Tysken Wolfgang Tillmans filmade 56 visningar av Concorde 1997 .
Fotografier paras ihop med texter - som i John Baldessaris serie " Wrong " (1966-1968), Keith Arnatt (" Trouser-Word Piece ", 1972-1989 [10] ) [72] , i det berömda verket av Martha Rosler " Bowery in two inadequate system of description " (1974-1975), i Duane Michaels ; med en videosekvens - som Eleanor Entin (" Caught Red-handed ", 1973) [73] .
På 1980-talet spred sig konceptualismen även inom sovjetisk fotografi: olika alternativ för att kombinera fotografier med texter som hittats eller inskrivna av fotografens hand finns till exempel i Vladimir Kupriyanov ("Till minne av Pushkin", 1984; "Avvisa mig inte från ditt ansikte ...", 1990 ; etc.), i verk av medlemmar i Moskva-gruppen " Indirekt fotografering " Boris Mikhailov , Ilya Piganov , Igor Mukhin och andra. [74] En annan medlem i denna grupp, Sergei Leontiev , filmar programserien "Erfarenheter i hård fotografering" (1988) [75] .
Konceptualistiska verk dök också upp på 1990-2000-talet, till exempel av Gillian Waring (serien "Signs that say what you want to say, and not what others want to hear from you", 1992-1993; "Album", 2003).
Fotobaserad konstRedan på 1950-1960-talet började representanter för samtidskonst kombinera fotografi med andra material och tekniker i sina verk, till exempel Robert Rauschenberg , Andy Warhol , Gerhard Richter , sedan 1970-talet - Gilbert och George med flera. Sedan 1960-talet har konceptualisten Robert Heineken collagerat bilder av masskultur - tidskrifts- och tv-bilder: "Using overlay, juxtaposition and other contextual change, I act as a visual guerilla" 76] . Lucas Samaras , i serien " Phototransformations " (1973-1976) , bearbetar polaroidfotografier genom att agera på emulsionen under framkallning; David Hockney på 1980-talet sätter ihop enorma kubistiska collage från dussintals polaroids. Ovannämnda Barbara Krueger har sedan slutet av 1970-talet tillämpat typografi i konstruktivisternas på fotografier lånade från reklam och media , affischstil . I Ryssland har verk baserade på fotografi skapats sedan 1980-talet av Ilya Piganov , Mikhail Ladeyshchikov , konstgruppen AES+F med flera.
Närmande med dokumentärfotografiDet finns en viss suddighet i gränserna mellan konstnärligt och dokumentärt fotografi. För det första stiliseras iscensatt fotografi som en dokumentär ( Jeff Wall , Philip-Lorca Di Corsia ) . Joan Fontkuberta och Waleed Raad skapar konceptuella pseudodokumentära verk. [77] För det andra används konstnärliga tekniker vid gatuskytte : samma Philip-Lorca Di Corsia använder dold artificiellt ljus; Alexey Titarenko använder långsam slutartid och kamerarörelser [78] ; Paul Graham i sin serie " American Night " (1998-2002) överexponerade kraftigt bilder av fattiga stadsdelar, vilket gav en stilistisk kommentar om social ojämlikhet [79] . Mötande trafik märks från sidan av reportagebilden.
Tidiga och okonventionella teknologierDet är allmänt praktiserat att fotografera utan hjälp av kamera. Belgaren Pierre Cordier 1956 uppfinner och börjar använda chemigram för att skapa abstrakta bilder - processen att bearbeta fotografiskt papper med olika kemikalier; 1974 kallar tysken Josef Neumann sin modifiering av processen för ett kemogram . Robert Rauschenberg redan 1950-1951. experimentera med cyanotyp ; på 2000 -talet återkommer Christian Marclay till det - i en mer abstrakt version . De konstnärliga möjligheterna med svartvita och färgfotogram har utforskats sedan 1970-talet av amerikanen James Welling , sedan 1980-talet av britten Susan Durges (doppande fotografiskt papper i flodvatten i månsken) och Adam Fass , sedan 1990-talet — britten Christopher Bucklow och många andra. Abstrakta färgluminogram - ett slags fotogram - har skapats sedan 1990-talet av Harry Fabian Miller , och sedan 2000-talet av Wolfgang Tillmans och Walid Beshti . [80]
Intresset för olika tidiga och icke-traditionella fotografiska tekniker återupplivades märkbart under 1990-talet. Entusiaster återupplivar daguerreotypien , eftersom kraftfulla ljuskällor gör det möjligt att klara sig utan långa slutartider, som tidigare - till exempel fotograferar konstnären Chuck Close porträtt med denna teknik [81] ; andra vänder sig till blöt kollosion , som Sally Mann för landskap. Och Abelardo Morell , Vera Lutter och Gabor Oz börjar fånga bilderna som en ännu mer uråldrig camera obscura ger , och förvandlar förmörkade rum till de sista; Sedan 2000-talet har britten Richard Learoyd använt samma teknik och erhållit porträtt i storformat och stilleben med exceptionell skärpa [82] .
De experimenterar också med att fotografera med en kamera utan objektiv - en stenop . [83]
Tillbaka på 1970- och 1980-talet fotograferade japanerna Hiroshi Sugimoto och Hiroshi Yamazaki ( se ) vid långa exponeringar, istället för Bressons "avgörande ögonblick", och fångade själva tidens gång i bilden. På 1990-talet tar tysken Michael Wesley detta tillvägagångssätt till det extrema, fotograferar stilleben, naturliga och urbana landskap med en specialdesignad väggmonterad bild vid ultralånga exponeringar från flera dagar till flera år. Gary Schneider från Sydafrika , som flyttade till USA, skapar på 1990-2000-talet porträtt med en exponering på 8 minuter (Heads-serien, från 1989) till en timme för fullängdsporträtt (Nudes, 2001-2005) , i totalt mörker, långsamt flytta en svag ljuskälla runt modellen. Fotograf sedan 2000-talet, Chris McCaw [11] låter solen bokstavligen bränna ett spår i en fotoemulsion på några timmar och använder effekten av solarisering . [84]
På 1970-talet var reportagefotojournalistiken i USA i stort sett uttömd, den lades ner, förlorade mot TV för publik och reklamintäkter, Life och andra fotojournaler. Gallerier, museer och bokpublikationer blir det främsta utloppet för dokumentärfotografi. [85]
Dokumentärfotografi från denna period är mångsidig: den blandar författare och reportage, sociala och estetiska principer i olika proportioner, använder och utvecklar fynd från 1950-1960-talen i större eller mindre utsträckning, tillgriper eller tar inte till färg (svart och vitt är bilden lika populär som färg, åtminstone fram till den digitala tidsålderns tillkomst).
Documentary CrisisDen dokumentära renheten, fotografiets "äkthet" ifrågasätts.I USA, medlemmar av San Diego-gruppen [86] i kreativ praktik ( Martha Rosler , " Bowery in two inadequate systems of description ", 1974-1975; Eleanor Entin , " Red-handed ", 1973 [73] ) och teoretiska artiklar [87] kritiserade traditionell dokumentärfotografi, som påstår sig vara humanistisk och objektiv, i synnerhet social dokumentärfilmskapande med dess tendens att "motsätta sig 'vår' hälften och den andra hälften , medelklass och lägre klass , jag och andra” [88] ; faktiskt, fotografi, skriver de, är inte så mycket protokoll som uttrycksfullt, förståelsen av fotografi bestäms av det kulturella sammanhang i vilket det togs och uppfattades, och "den abstrakta mänsklighetens triumf blir i alla politiska situationer triumfen för ett passivt offers värdighet" [89] . Denna linje av dokumentär kritik fortsatte Susan Sontag i samlingen On Photography (1977) och särskilt i det senare verket Looking at Others' Suffering (2003).
För sin del förvärrades frågan om sanningsenlighet av den digitala revolutionen , som började med tillkomsten av persondatorer i slutet av 1970-talet och början av 1980-talet och gav obegränsade möjligheter att manipulera bilden . Det första uppmärksammade fallet av digital manipulation var Gordon Gahans National Geographic - fotografi i februari 1982 två egyptiska pyramider tryckta ihop för att passa på ett vertikalt omslag . Den framstående mexikanske dokumentärfilmaren Pedro Meyer , som har filmat sedan början av 1960-talet, övergår till digital manipulation av sitt material i början av 1990-talet, och insisterar på att det "dokumenterar erfarenhet" [91] , inte fakta, och att fotografi, där man till exempel kombinerar delar av två på varandra följande bilder av en gatubild, är varken mer eller mindre "sant" än traditionell dokumentär med sin ramkonstruktion, inslag av posering och iscensättning, inramning , bearbetning vid tryckning, etc. [92 ] .
Engagerade dokumentärerEn variant av att övervinna det humanistiska dokumentärfotografiets laster blir rent ut sagt subjektiv, involverad dokumentär. Med början 1963 har Larry Clark fotograferat ungdomarna i sin hemstad – vännerna han umgås med – och droger, vapen och sex fyller sidorna i hans hyllade fotobok Tulsa 1971). Sedan 1970-talet har Nan Goldin utvecklat detta tillvägagångssätt: hennes fotografier i amatörstil är en sorts dagbok, en återspegling av personliga erfarenheter av livet i HBT-samhället , bland narkotikamissbrukare. I slutet av 1980-talet och början av 1990-talet kröniserades den tyska ungdomskulturen av tysken Wolfgang Tillmans .
Familjefotografering kan också hänföras till denna riktning, och om Emmett Gowin , som har tagit bilder sedan andra hälften av 1960-talet, eller på bilderna av Sally Mann , tagna under andra hälften av 1980-talet och samlade i boken " Immediate Family " tittar modeller ofta i kameran, sedan i den storskaliga serien " Family " av Alain Laboile , som har filmat sina barn sedan andra hälften av 2000-talet, är fotografens ingripande minimal.
Närmande till konstnärligt fotografiEn annan trend, som redan nämnts , är att "gå bortom uppdelningen i reportage och konstnärlig fotografi" [31] .Från 1970-talet till nutid har traditionen av dokumentärkonst, inklusive social , fortsatt av den största brasilianska fotografen Sebastian Salgado , under vars lins ett svartvitt reportagefotografi förvandlas till en episk "foto-bild". ” [31] ; Susan Sontag i den nämnda boken från 2003 förebrår honom för estetiseringen av våld och påståendet om impotens, i "falskt humanistisk retorik". Däremot har den ironiske britten Martin Parr , som är extremt långt ifrån både estetiskt och humanistiskt patos, i prålig färg visat upp "de fula och löjliga sidorna av mänsklig existens" sedan 1980 -talet [93] .
För att fortsätta på linje med S. Leiter och E. Haas har den formella estetiken för färgdokumentär fotografi utvecklats sedan 1960-talet av Harry Gruyer , sedan 1970-talet av den sovjet-franska fotografen Georgy Pinkhasov . Sedan 1990-talet har Australian Trent Park skapat både färg och svartvita verk i en liknande stil .
Adam Brumberg och Oliver Chanerin har arbetat på gränsen till dokumentär och konceptualism sedan början av 2000-talet ; i en konceptuell protest mot militär fotojournalistiks partiskhet, reste de till Afghanistan utan kameror och exponerade en 6 meter lång rulle fotografiskt papper för solljus i 20 sekunder (The Day No One Died, 2008) [94] .
På 2000 -talet skapar Alec Soth , på sina resor runt om i landet, med en storformatskamera "märkliga, charmigt vanliga bilder av det moderna Amerika" [95] . Ett nära förhållningssätt till fotografi och det motsatta förhållningssättet till materialet demonstreras av Peter Hugo från Sydafrika , som under samma år skapar gatuporträtt, fotograferande i afrikanska länder "marginella eller ovanliga grupper av människor" [96] , för vilket han klandras [97] just i den voyeurism och exotism som till exempel Erik Prasetya uttalar sig emot . Amerikanen Roger Ballen , som också filmade i Sydafrika, upptäcker på 1970- och 1990-talen ett växande intresse för marginalkaraktärer i stil med Diana Arbus , tills han i början av 2000-talet helt överger dokumentären till förmån för surrealistiska bilder.
FotojournalistikTrots teoretiska dispyter ger traditionell reportagefotografering upphov till nya namn. Sedan 1970-talet har den tjeckisk-amerikanske fotojournalisten Antonin Kratochvil arbetat - en djärv experimenterare inom området social , militär och andra dokumentärer, såväl som porträttfotografering. Krig och konflikter har filmats sedan 1970-talet av fransmannen Gilles Perez , från 1980-talet av amerikanen Steve McCurry , på 1990-2000-talet av fransyskan Alexandra Bula . På 1980-talet fick raden av sociala och militära dokumentärfilmare sällskap av fransmannen Luc Delaier , amerikanen James Nachtwey och på 1990-talet av amerikanen Stanley Greene . Sedan 1990-talet har amerikanen Fazal Sheikh (som vanligtvis tar porträtt), sedan 2000-talet amerikanen Manuel Rivera-Ortiz , varit engagerad i social dokumentärfilmskapande i problemområden i världen . Fotojournalisten Sergei Maksimishin har arbetat i Ryssland sedan 2000 -talet .
Mode- och kändisfotografi, som är kommersiellt i sig, i vissa författares verk samexisterar och gränsar ibland till konstfotografi. Kändisfotografi härstammar från uppkomsten av "telefonkort" 1854, modefotografi har formats som en genre sedan början av 1900-talet. Kommersiell fotografi har influerats av alla befintliga trender - från pictorialism till modernism, surrealism, och sedan fotouppsats etc. Av de stora mode- och kändisfotograferna, bland andra, Edward Steichen (under perioden 1923-1938) och Man Ray shot . Andra mästare i genren: sedan slutet av 1800-talet, bildförfattaren Baron Adolf de Meyer , sedan 1920-talet — Baron Georges Goyningen-Hühne , Cecil Beaton , sedan 1930-talet — Horst P. Horst , Erwin Blumenfeld , Martin Munkacsy , med 1940-talet - Irvine Penn , Richard Avedon , sedan 1950-talet - Guy Bourdain , sedan 1960-talet - David Bailey , sedan 1970-talet - Helmut Newton (som också sköt tidigare, men sedan början av 1970-talet - på ett radikalt erotiskt sätt). [98] Från 1940-talet till slutet av sitt liv arbetade Arnold Newman i genren porträttfotografi i en naturlig miljö som han uppfann . Mästaren på porträtt på 1940-1980-talet var Yusuf Karsh .
Varhelst huvudströmmen av fotografi har tagit, har det alltid funnits mästare som, med Susan Sontags ord, "slutit sig i sin besatthet (som Lewis Carroll med tjejerna eller Diana Arbus med Halloween-firande)" [99] . Wilson Bentley (och i Ryssland - Andrey Sigson ) fotograferade snöflingor i mikroskop redan på 1800-talet. Karl Blossfeldt , med hjälp av en egen kamera, ägnade sig åt makrofotografering av växter; hans verk publicerades första gången 1928 i boken Urformen der Kunst . Lennart Nilsson undersökte människokroppens blodkärl och inre håligheter med sin lins; hans fotografier av mänskliga embryon i livmodern samlades i A Child Is Born (1965). Harold Egerton utvecklade en teknik för höghastighetsfotografering som gjorde att han kunde fånga fallet av en droppe mjölk, flykten av en kula, de första millisekunderna av en kärnvapenexplosion och mycket mer; från slutet av 1930-talet samarbetade Gyen Mili med honom , såväl som Edgerton, känd för att fotografera med ett stroboskop .
Sedan början av 1970-talet har den iranske fotojournalisten Abbas Attar arbetat
Fotojournalisten Shahidul Alam har fotograferat i Bangladesh sedan början av 1980-talet
Den vietnamesiske fotojournalisten Nick Ut tog den berömda bilden "The Horror of War" ("Napalm i Vietnam") 1972.
Den filippinske fotojournalisten Alex Baluyat har arbetat sedan 1980-talet. [100]
Den indonesiske gatufotografen Erik Prasetya arbetade 1997 med Salgadu och, efter att ha lärt sig mycket, kom han till en i stort sett motsatt inställning - "det banalas estetik" [101] ; i förordet till hans bok Jakarta. The Aesthetics of the Banal" (2011) Firman Ishsan skriver att Prasetya "kritiserade det traditionella estetiska tillvägagångssättet och noterade att de flesta fotografer har en medelklassestetik som lutar mot voyeurism eller romantik , om inte exotism, en situation som en fotograf måste övervinna när skjuta för att komma till "sanningen"" [102] .
Den malaysiska fotografen Che' Ahmad Azhar har gjort gatufotografering i Kuala Lumpur sedan 2000.
Den singaporske konceptualisten John Klang i serien "Time" (2009) skapar collage av trasiga och limmade fotografier.
Allmänhetens och konsthistorikernas intresse för problemet med att förfalska gamla fotografier av historiskt och konstnärligt värde väckte en stämningsansökan 1978 mot konstnären Graham Ovenden och fotografen Howard Gray. De skapade fotografier i stil och teknik med tidig viktoriansk fotografi och tillskrev dem till en aldrig existerande fotograf som påstås levde på 1840-talet, Francis Hetling . Dessa fotografier ställdes ut på London Portrait Gallery och såldes sedan till privata samlare. Rätten friade förfalskarna [103] .
Historiker inom fotografi och experter tvingades erkänna att fallet med Francis Hetling visade hur lätt det är att förfalska gamla fotografier: "Det finns ingen historisk fotografisk process som inte kunde reproduceras idag", sa konsthistorikern Isabelle Anscombe [103] .
![[2]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Allie_Mae_Burroughs.jpg){kind=link}
![[3]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Farmer_walking_in_dust_storm_Cimarron_County_Oklahoma2.jpg){kind=link}
![[4] ]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Arthur_Rothstein_-_The_bleached_skull_of_a_steer,_South_Dakota_Badlands,_1936.jpg){kind=link}
![[6]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Giacomell_series_Priests.jpg){kind=link}
![[1]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Carleton_E._Watkins,_Late_George_Cling_Peaches,_1889,_Albumen_silver_print,_32.8_x_50.3_cm,_MoMA,_896.2010.png){kind=link}
