Porträtt

Porträtt ( franskt  porträtt , av fornfranskt portraire  - "att reproducera något åt ​​helvete med" [Komm 1] , föråldrad parsuna  - från latin persona  - "personlighet; person") - en bild eller beskrivning av en person eller grupp människor som finns eller har funnits i verkligheten [1] , inklusive konstnärliga medel ( målningar , teckningar , gravyrer , skulpturer , fotografi , tryckning , video ), såväl som inom litteratur och rättsmedicin  ( verbalt porträtt ) [2] .

Ett porträtt i litteraturen är ett av medlen för konstnärlig karaktärisering, som består i det faktum att författaren avslöjar sina hjältars typiska karaktär och uttrycker sin ideologiska inställning till dem genom bilden av hjältarnas utseende: deras figurer, ansikten, kläder , rörelser, gester och sätt [3] .

Inom bildkonsten är ett porträtt en självständig genre , vars syfte är att visa modellens visuella egenskaper. "Porträttet skildrar det yttre utseendet (och genom det den inre världen) av en konkret, verklig person som existerade i det förflutna eller existerar i nuet" [4] . Ett porträtt är en upprepning i plastiska former, linjer och färger av ett levande ansikte, och samtidigt dess ideologiska och konstnärliga tolkning [5] .

Den här artikeln ägnas åt porträttet inom de sköna konsterna.

Termen

I europeisk kultur betydde ordet "porträtt" ursprungligen "bildreproduktion" av vilket föremål som helst, med hänvisning till begreppet reproduktion i allmänhet. Till exempel, i boken med prover och skisser "Livre de portraiture", använder Villard de Honnecourt ( 1200-talet ) det motsvarande franska ordet "förfalskning" (från latinets  "contrafacere"  - "imitera") inte bara för bilder av människor men också för djur. Separationen av djur- och människovärlden angående ordet "porträtt" inträffade mycket senare än det ögonblick då porträttet etablerades som en genre, och de tidiga renässanscyklerna uomini illustri ("berömda män") blev vanliga. Den franske gravören från 1600-talet, Abraham Boss , använder till exempel fortfarande "porträtt" som ett "allmänt ord för målning och gravering", och likställer ordet "porträtt" i denna mening med "tablå" ("bild, bild"). [6]

Den första som föreslog att termen "porträtt" uteslutande skulle användas för "avbildningen av en (konkret) människa" var André Félibien , en vän till Poussin . Félibien föreslog också att termen "figur" skulle användas för avbildningar av djur, medan ordet "representation" användes för avbildningar av vegetabiliska eller oorganiska former, det vill säga växter och mineraler. Denna förändring, uppkomsten av ett "modernt", antropocentriskt bruk som drar en tydlig gräns mellan människan och andra varelser, markerar kanske slutet på "symbiosen" mellan människa och djur. (Kom ihåg att djur på medeltiden ansågs vara subjekt ur rättssynpunkt, de kunde kallas in till förhör, dömas och torteras). Den hierarkiska konstruktion som Félibien föreslagit antyder att individuation bara kan röra en människa. Arthur Schopenhauer diskuterar frågan om att djur i sig inte kan porträtteras - "djur har bara en generisk karaktär, inte en individuell." Porträtt kan bara målas av en människa vars utseende visar rent estetisk kontemplation [6] [7] .

Bilder av ansikten på Jesus Kristus , Guds moder och helgon är inte "porträtt", eftersom de inte är målade från en specifik person, inte från naturen, utan är generaliserande idealbilder. Undantag är porträtt av helgonen från New Age, skapade under deras livstid eller kort efter döden från minnesbilder, eller "porträtt i bilden av ett helgon" (se nedan - Porträttundergenrer ).

Historik

Utvecklingen av porträttgenren påverkas av två trender - utvecklingen av tekniska visuella färdigheter, till exempel behärskning av anatomi och komposition, förmågan att bygga en duk, såväl som utvecklingen av idéer om betydelsen av den mänskliga personligheten [ 8] , individualitet [9] . Porträttet når sina största höjder under perioden av tro på en persons möjligheter, hans sinne, hans effektiva och förvandlande kraft [10] . "Ett porträtt i sin moderna funktion är en produkt av den europeiska kulturen i modern tid med dess idé om individens värde i en person, att idealet inte står emot individen utan förverkligas genom honom och i honom" [11] . Det är därför genren är på tillbakagång under 1900-talet: "hur kan den blomstra när vi är fulla av så många självtvivel?" [12] Porträttets storhetstid anses vara ett romerskt skulpturporträtt , ett porträtt av renässansen, 1600- och 2:a hälften av 1700-talet.

Porträttfunktioner

Porträttfunktioner

Definitionen av ett porträtt som ett konstverk i den västerländska kulturen i New Age inkluderar 3 punkter [13]

Porträtt har en mängd olika funktioner. Många av dem var förknippade med magi: en liknande bild av en person var ett substitut för denna person. I det romerska riket var porträtt av kejsaren ett obligatoriskt attribut för rättsliga förfaranden, vilket indikerar närvaron av härskaren själv vid mötet. Dödsmaskerna som tagits från förfäderna förvarades i husen, och dessa porträttskulpturer gav familjen beskydd. Vid begravningen av en medlem av familjen bars dessa masker i en begravningståg, som betecknade de avlidna släktingarna och förfäderna. Andra sällskap använde också porträttet som ett minnesmedium: egyptiska porträttskulpturer, gyllene mykenska begravningsmasker , Fayum-porträtt användes vid begravningar. Likhet krävdes här för magiskt-heliga syften - så att det i livet efter detta, i förhållandet mellan den givna kroppen och själen som lämnade den, inte skulle finnas någon förvirring och missuppfattning. I Japan skapas skulpturala porträtt av avlidna munkar, och dödskallar som gipsas över för att återigen återge ansiktet är också minnesobjekt i Oceanien.

Jag skriver för att bevara mänskliga bilder efter deras död, sa Albrecht Dürer [14] [15] .

Det finns en utbredd tradition av bröllopsporträtt eller porträtt av nygifta, som förevigar det fullbordade sakramentet som ett "vittne".

”Porträttkonstens enorma möjligheter har länge varit känt och känt av mänskligheten. När allt kommer omkring kan porträttet ersätta en frånvarande eller död person och därmed fungera som hans dubbelgångare, ett drag som ofta används i litteraturen som ett motiv för att vitalisera duken. Denna funktion gör porträttet viktigt inte bara offentligt, utan också i dess privata eller familjära kapacitet. Betydande i ett socialt perspektiv och förekomsten av upprepningar och kopior av bilder av samma person i flera närstående familjer. (...) Porträtt kan fånga människoliv från spädbarn till hög ålder. Tack vare detta kan de göra anspråk på historisk autenticitet, representera ett slags visuellt begriplig familjekrönika och vara bärare av en familjelikhet”, skriver forskare av det ryska porträttet om vikningen av familjeporträttgallerier [16] .

Bilden gör att frånvarande människor är närvarande, och de döda verkar levande, - sa Leon Battista Alberti [14] [17] .

I många samhällen betraktas porträtt som ett viktigt sätt att beteckna makt och rikedom. Under medeltiden och renässansen inkluderades ofta porträtt av donatorer i ett konstverk, vilket bekräftade donatorns beskydd, makt och värdighet , som om de betonade vem som exakt betalade för skapandet av detta målat glas , altarbild eller fresk . Under den föregående perioden - Bysans och den mörka medeltiden - var porträttets huvuddrag inte en likhet, utan en idealiserad bild, en symbol för vem modellen var (se porträtt av kejsarna Konstantin och Theodosius II ).

I politiken används ofta porträttet av statschefen som en symbol för själva staten. I de flesta länder är det vanligt att hänga upp ett porträtt av ledaren i viktiga regeringsbyggnader. Det är traditionellt att använda den nuvarande linjalen (för monarkier) eller de förflutnas härskare (för demokratier) på sedlar och mynt, såväl som på frimärken. Överdriven användning av ledarporträtt är ett av kännetecknen för en personlighetskult (t.ex. Stalin , Turkmenbashi ).

Som forskarna noterar, de flesta av de porträtt som har överlevt till denna dag "skapades inte för deras museum eller utställningsexistens. Ett relativt litet antal porträtt, vanligtvis ceremoniella eller dekorativa, beställdes till offentliga lokaler (institutioner, härskarpalats), där deras bekräftande, glorifierande och i slutändan ideologiska genomslag utformades för ett stort antal tittare. Med utvecklingen av familjen, vardagen och intresset för den mänskliga personligheten kommer porträttets funktioner närmare våra moderna idéer: "Oftare var det faktum att beställa ett porträtt, och dess senare liv, en familjär, intim angelägenhet. . Porträttmålningen blev en del av interiören, "konstnärslivet"" [18] , vilket påminde om släkt och vänner.

Det fanns andra aspekter: "Porträtt prydde salarna i godsägarnas gods, som tillhörde barer, ibland långt ifrån något andligt liv, men på grund av mode eller arrogans ansåg de att det var nödvändigt att ha sina egna och sina förfäders "personer ” i sina hem, och märkte inte den komiska eller ens den satiriska effekten som deras pompösa och knotiga ansikten producerade. Slutligen fanns det rum, i enlighet med tidens mode, speciellt designade för porträtt, "porträtt" rum, där alla väggar var helt upphängda med bilder av regerande personer, generaler, stora män från förr och nu (t.ex. , det berömda rummet i Sheremetev-gården i Kuskovo , Vinterpalatsets militärgalleri) . I samtliga fall hade porträttet, även om det förblev mättat med mänskligt och estetiskt innehåll, också en annan viktig funktion - en del av vardagen relaterad till arkitektur, möbler, bruksföremål, invånarna i bostaden själva, deras dräkter, vanor. Nya porträtt målades i enlighet med livets nya smaker, med nya stildrag av hela konstnärslivet. [18] "I varje fall är de kompositionella och koloristiska dragen hos dukarna inte desamma och varierar beroende på den dominerande stilriktningen, konstnärens personlighet och kundens önskemål. Följaktligen minskar antalet tillbehör och ökar sedan; porträttet kan se ut i interiören antingen mer pretentiöst eller mer blygsamt. Dess roll bestäms till stor del av mode, som föredrar en eller annan färgskala, och, naturligtvis, av det sammanhang som det ser ut i - den absoluta storleken och proportionerna för ett givet rum, färgen på väggklädsel, gardiner och möbler, funktionerna av andra verk av måleri, skulptur och grafik [19] .

Porträtt undergenrer

Temat för porträttet är en persons individuella liv, den individuella formen av hans väsen. ”Om teman förlorar sin självständighet går porträttet utöver sin genrespecifika karaktär. Så, till exempel, om temat är en händelse, har vi framför oss inte ett porträtt, utan en bild, även om dess hjältar kan porträtteras i porträtt. [fyra]

Gränserna för porträttgenren är mycket flexibla och ofta kan själva porträttet kombineras i ett verk med inslag av andra genrer. [tjugo]

Av bildens natur [21] [22] :

Valet av porträttkonceptet vid beställning (stort/litet, lyxigt/lakoniskt, formellt/intimt) påverkades av dess funktion, den uppgift kunden tilldelade det, eftersom det stora flertalet porträtt inte var avsedda för museer utan för vardagsliv. Om porträttet var avsett att dekorera den storslagna interiören, så dikterade i det här fallet den specifika rollen som var förutbestämd för duken konstnären inte bara dess storlek, utan också dess bild- och plastdetaljer, eftersom porträttet inte behövde gå vilse bland lyxen. , prakt för den arkitektoniska och dekorativa utformningen av hallen [23] . Om porträttet omedelbart är avsett för museet är konstnären friare i sitt arbete, eftersom bakgrunden till sådana väggar initialt är neutral [24] .

Dessutom påverkas uppfattningen av ett porträtt (liksom alla målningar) av dess design - en tunn passepartout , en magnifik förgylld ram, etc.

Bakgrund och attribut

Användningen av symboliska element - attribut placerade runt karaktären (inklusive tecken, husföremål, djur och växter) återfanns ofta i porträttet (särskilt före realismens era). Attribut utförde funktionen av tips, skapade en undertext som bestämde modellens moraliska, religiösa eller professionella status. "Det mest förenklade sättet för den interna karaktäriseringen av ansiktet som avbildas i porträttet skapades genom att introducera detaljer från ett visst följe på duken (till exempel bilden av en befälhavare mot bakgrund av en strid) och förvandlades mycket snart till en för lätt igenkännlig kod”, skriver Y. Lotman. [11] Var och en av undergenrerna för porträtt är tydligt definierade av attributen skrivna på duken, såväl som av ytterligare funktioner, i synnerhet av en sådan till synes mindre detalj som bakgrunden.

Egenskaper, bakgrund och kostym hjälpte till att visa hela skalan av egenskaper hos en person eller hans sociala grupp. För detta använde konstnären en viss bakgrund - ett lantligt eller urbant landskap, en lyxig interiör, vilket gjorde det möjligt för honom att ge information om modellens karaktär, hennes livsstil och utse hennes status. Kolumn och draperi är traditionella attribut för ett formellt porträtt . Ibland används ytterligare ett steg i förgrunden (ibland knappt märkbart), vilket visar att modellen befinner sig i någon högre sfär, skild från betraktaren.

Ett porträtt kan föreställa en skulptur, en skulptural byst – det blir ett attribut som modellen kan föra en osynlig dialog med. ”I sammanställningen av människa och skulptur finns en antydan om en andlig koppling mellan dem. Skulptur - en dubbel, som kan förses med egenskaperna hos en viss personlighet, tjänar samtidigt som ett tillfälle för djupa känslor och reflektioner av en helt annan ordning - från specifika som relaterar till denna karaktär till universums öde. (...) I detta sammanhang kan den skulpturala ”idolen”, som är utgångspunkten för reflektion, också betraktas som en slags materialisering av upplevelseämnet, för att tydliggöra och konkretisera den miljö som skapats med bildliga medel” [25 ] .

Det finns också porträtt på en neutral grå eller svart bakgrund - i dem är all betraktarens uppmärksamhet enbart fokuserad på ansiktet av den avbildade. I italiensk måleri skedde övergången från att avbilda en person mot en landskapsbakgrund istället för en neutral på 1470-talet: från en sådan ersättning blev bilden mer poetisk, färgerna mjukare och kompositionen rymligare och luftigare. Bilden av en person mot himlens bakgrund, istället för en mörk, ger honom omedelbart en annan känslomässig färg.

  • Antonello da Messina. "Condottiere"

  • Antonello da Messina. "Porträtt av en ung man"

  • Edouard Manet. " Flöjtist "

  • Edouard Manet. "Nana"

Bystpartiet och tajtheten i bildkanten skapar intrycket av maximal närhet till betraktaren, en närbild. Neutral bakgrund distraherar inte uppmärksamheten från ansiktet. Bristen på gester fokuserar också uppmärksamheten på honom. Om bakgrunden är döv och ogenomtränglig mörk, och huvudet tolkas av voluminös chiaroscuro, uppstår effekten av att "skjuta ut" bilden i betraktarens utrymme [26] . Bakgrunden låter dig beteckna utrymmet som abstrakt. I den mogna konsten från New Age används rumslig konstruktion "utanför", från betraktaren - från en yta till en annan; Barocken kännetecknas av effekten av rymdens oändlighet, som skapas av att den rumsliga konstruktionen kommer inifrån, mot betraktaren. I en sådan duk läses inte gränserna för bildens utrymme på djupet och sammanfaller inte med dukens yta (en villkorlig barriär mellan den avbildade och den verkliga världen) [27] .

Visuella egenskaper

Teknik

Typifiering med hjälp av bild:
  • grafik (penna, akvarell, gravyr)
  • bild (olja, tempera, gouache)
  • relief (till exempel på medaljer och mynt)
  • skulptural
  • fotografiska porträtt

Tekniken som porträttet görs i är en av de viktiga faktorerna som påverkar bilden av det skapade porträttet. Under den antika historien förblev prioritet för porträtt gjorda i sten. Under renässansen kom oljeporträtt i förgrunden och än i dag behåller de sin företräde.

I modern tid upptog porträtt gjorda med billigare och mindre arbetskrävande medel (först penna och akvarell, sedan gravyr, senare fotografi) nischen av populära och ofta replikerade porträtt, som existerade parallellt med de pittoreska. Skulpturporträtt i modern tid har en minnes- och minnesfunktion och skapas mer sällan än pittoreska. Bildmediet påverkar uppfattningen av ett porträtt - det är omöjligt att göra ett högtidligt formellt porträtt i tekniken för en penna, och en intim genre är bekvämare för en miniatyr. Gravyr användes ofta för att replikera välkända bildporträtt.

Porträtt från ett fotografi

De så kallade "porträtten från fotografier " betraktas inte av konsthistoriker som riktiga porträtt, eftersom det är omöjligt att skriva ett verkligt värdefullt konstverk i porträttgenren utan att posera. Så, Delacroix inkluderade inte porträtt baserade på reproduktioner som porträtt, eftersom fiktion och feltolkning blandas med sådana bilder. [28] Vanligtvis är de bara en mekanisk reproduktion av ansiktsdrag, utan att förmedla modellens karaktär.

Det konstnärliga värdet av sådana verk, till skillnad från minnesvärdet, värderas högt av konstkritiker. För att förmedla modellens karaktär måste konstnärer förlita sig på en annan persons verk - en fotograf som arbetade före dem; och deras produkt visar sig verkligen vara sekundär. Den största fördelen med denna metod är det lägre priset och frånvaron av modellens tid på posering.

Samtidigt är många porträtt som annonseras på Internet från fotografier ofta målade med digitala penslar och färger, och först därefter tryckta på duk. I sådana fall, efter att kunden har skickat in sitt fotografi, kör den digitala konstnären bildmanipuleringsprogrammet och målar porträttet ovanpå fotografiet. Utvecklingen av mjukvara i början av 2000-talet gjorde att konstnärer kunde imitera olika akademiska tekniker som målning, akvarell och penna, samt skapa porträtt i helt nya digitala tekniker. Efter att ha skapat ett digitalt porträtt skrivs det ut på canvas.

Storlek och antal bilder

En viktig egenskap hos ett porträtt, när det uppfattas i verkligheten, och inte från en reproduktion, är dess storlek. Således skiljer sig dukar som skapats för visning i ett museum eller för att dekorera interiörer extremt från kammarporträtt, som en klient lätt kan ta med sig. En bra konstnär måste ta hänsyn till vilket utrymme hans verk är avsett för.

Storleksskrivning:

Enligt antalet bilder på en duk, utöver det vanliga, finns det dubbel- och gruppporträtt. Parade (eller hängsmycke  - pandan ) kallas porträtt målade på olika dukar, om de överensstämmer med varandra i komposition, format och färg. Oftast är det porträtt av makar. Det är märkligt att kvinnoporträttet i allmänhet genom historien dök upp senare och var mindre vanligt, vilket tydligen berodde på den omogna nivån av kvinnlig frigörelse [29] . Med tiden utjämnas den kvantitativa könsskillnaden gradvis.

Ofta bildar porträtt hela ensembler – porträttgallerier. De avbildar vanligtvis representanter för samma släkte, inklusive levande familjemedlemmar och deras förfäder. Porträttgallerier skapas ibland på yrkesmässiga, administrativa, familjemässiga och andra grunder (till exempel porträttgallerier av medlemmar i ett företag, skrå, regementsofficerare, etc.). [21]

Formulärskrivning:

  • Rektangulär
    • Vertikalt format - i fallet med ett enda porträtt, det mest populära av formaten
    • Horisontellt format - i fallet med ett gruppporträtt, används sällan i fallet med en bild av en modell
  • Fyrkantig (sällsynt)
  • Oval - visas i det utvecklade stadiet av porträttgenren. Eftersom det är utsökt förbättrar det porträttets dekorativa funktion [30]
  • Rund (så kallad tondo ) - sällsynt

Komposition

Porträttets kompositionella invariant är en sådan konstruktion, som ett resultat av vilken modellens ansikte är i centrum av kompositionen, i fokus för betraktarens uppfattning. Historiska kanoner inom området porträttkomposition föreskriver en viss tolkning av ansiktets centrala position i förhållande till pose, klädsel, miljö, bakgrund etc. [4]

  • Efter format (pittoresk):
    • huvud axel)
    • bröst
    • midja
    • upp till höfterna
    • generationsvis
    • i full tillväxt

Bilden av en person i de två första versionerna, utan att visa händer och en komplex vinkel på figuren, kräver inte hög akademisk utbildning (kunskap om grunderna för akademisk ritning, förmågan att komponera en duk), därför ofta ( till exempel i Ryssland på 1700-talet) tog amatörporträttmålare till det [ 31] .

Föredragna porträttformat i stafflimålning ändras med tiden. I den tidiga perioden av utvecklingen av porträttet (till exempel det västeuropeiska medeltida porträttet eller Ryssland på 1500-talet) avbildas bara huvudet, eller axelbilden, där ansiktet fortfarande är det viktigaste. Sedan, i takt med att genren utvecklas, leder viljan att visa personen mer konkret till det och leder, med en indikation av hans sociala egenskaper med hjälp av attribut, till att det uppstår sekulära halvlånga porträtt, sedan helporträtt. Mer och mer uppmärksamhet ägnas åt tolkningen av kostymen och utrymmet kring modellen. I framtiden kommer porträttkompositionen alltmer att berikas med verkliga vardagsinteriörer och attribut [32] .

För bildporträtt spelar synvinkeln från vilken konstnären "ser" på modellen också betydelse: om det är lite underifrån, ger detta bilden en touch av monumentalitet, och om ovanifrån, då mer mobil. Bilder ansikte mot ansikte är de mest neutrala för tittaren.

  • Efter format (skulptur):
    • herma (ett huvud med nacke)
    • byst (huvud och överkropp, ungefär till bröstet)
    • staty (hel figur, topp till tå)
  • Huvudsväng :
    • hel ansikte ( fr.  en face , "från ansiktet")
    • i tre fjärdedelar ( fr.  en trois quarts )
    • ett halvt varv
    • kvartssväng höger eller vänster
    • i profilen . Profilbilden antyder en viss form av idealisering av modellen, som påminner om antika kaméer och den romerska medaljen. Ett profilporträtt är en av de äldsta formerna, eftersom det krävde mindre teckningsfärdigheter för att skapa det - en person ritades i vissa fall inte från naturen utan genom en upplyst genomskinlig skärm där hans siluett var skisserad.
    • den s. k . fr.  en profil perdu (bokstavligen förlorad profil ), det vill säga föreställande ansiktet från bakhuvudet, så att endast en del av profilen är synlig. Nästan aldrig använd i porträtt, ses sällan på gruppbilder.

I det västeuropeiska måleriet är profilporträttet det tidigaste. Sedan ”utvecklas” modellen mot betraktaren: ett kompositionssymptom på bildandet av den europeiska porträttgenren under den tidiga renässansen kallas Exit from the profile to the front [4] . Bilden av en person som är strikt framför utvecklas under påverkan av bilder av Jesus Kristus och helgon, och tittar direkt på betraktaren. Även om en sådan miljö ibland finns, förblir den atypisk och är en ganska stark konstnärlig anordning, speciellt använd av konstnären, eller används för att avbilda monarker (som Kristus som sitter på en tron). När porträttgenren utvecklas, etableras ett tre fjärdedels varv av det avbildade [32] i den , en favorit för de flesta porträttmålare och bekvämt för att skildra en karaktär, eftersom den, till skillnad från profilen och ansiktet, inte är statisk. Profil perdu är extremt sällsynt och kan faktiskt inte tillfredsställa porträttets direkta uppgift.

Med frontpositionen av modellens kropp upplevs porträttet som tungt och statiskt, vilket förvärras om figuren är placerad längs dukens centrala axel och armarna och benen är placerade symmetriskt. Ett sådant sätt var till exempel karakteristiskt för forntida egyptisk konst, och grekerna uppfann motpost , som ger "liv" till bilden av en person. Nästa steg mot bildningen av teorin introducerades av William Hogarth med hans koncept av S-formad böjning , som andas in maximal elegans i bilden.

  • Fram:
    Antoine Watteau . "Gilles"

  • Motpost:
    Antoine Watteau. "Likgiltig"

  • S-böj:
    Antoine Watteau. "Mezzetin"

En mer professionell konstnär äger förhållandet mellan den volymetrisk-spatiala bilden av en person och den linjärt-rytmiska konstruktionen av duken, och skapar en siluett av modellen så att den är mer i linje med figurens position i rymden; medan den "svagare" mästaren skapar verk där linjär-siluettprincipen har en nästan självförsörjande dekorativ ornamentalitet. De lakoniska linjerna som skisserar modellens siluett är ofta förknippade med en orubblig statisk pose [33] .

Ideologi och innehåll

Konstnärer skapar porträtt på uppdrag - för privatpersoner och offentliga organisationer, eller inspirerade av sitt eget intresse eller tillgivenhet för modellen. Porträtt kan vara viktiga tillstånds- eller familjetecken, skapade för att föreviga minnet av det avbildade. Ofta inkluderar konstnärens arv ett stort antal porträtt av hans familjemedlemmar - inte bara på grund av hans fäste vid dem, utan också för att släktingar är gratis och mest bekväma sitter. (Till exempel lämnade stackars Cezanne 27 porträtt av sin fru, som han inte riktigt älskade).

Skillnaden mellan ett porträtt och ett icke-poserat fotografi

Yuri Lotman skriver: "Vardagliga föreställningar tenderar att identifiera funktionen av ett porträtt och fotografi: objekten för båda är reflektion av ett mänskligt ansikte, och denna reflektion är i grunden mekanisk ... Porträttet verkar vara den mest "naturliga" genren av måleri som inte behöver teoretisk motivering. Det verkar som om vi säger något i stil med: Ett porträtt är en målning som utförde fotografiets funktion när fotografiet ännu inte uppfanns , då kommer vi att uttömma de viktigaste frågorna som ofrivilligt uppstår i oss när vi börjar tänka på denna genre av måleri. Ord om "mystiskhet" och "obegriplighet" i porträttets funktion i kulturen verkar långsökta. Under tiden vågar vi, utan att vara rädda för invändningar av detta slag, hävda att porträttet fullt ut bekräftar den allmänna sanningen: ju mer begripligt, desto mer obegripligt ... Fotografi har inget förflutet och ingen framtid, det är alltid i nuet. Porträttets tid är dynamisk, dess "nutid" är alltid full av minne av det förflutna och förutsägelser om framtiden... Porträttet pendlar ständigt på gränsen till konstnärlig fördubbling och mystisk återspegling av verkligheten." [elva]

1700-talets porträttmålare Latour delade med sig av sina känslor i ett av sina brev: ”Hur mycket koncentration, förmågan att kombinera, hur mycket smärtsamma sökningar som krävs för att kunna bibehålla rörelsens enhet, trots de förändringar som sker i ansiktet , i alla former från tankarnas fluktuationer, från själens känslor; och varje förändring skapar ett nytt porträtt, för att inte tala om ljuset, som ständigt förändras och får färgtonerna att förändras i enlighet med solens och tidens rörelse. [10] Sålunda kan man formulera att ett porträtt, till skillnad från ett fotografi, är ett "tillverkat" konstverk, på vilket mycket tid och mentala ansträngningar av författaren har lagts ner, på grund av vilket kvalitetsmässigt och djupet av överföring, kommer det att bli ett mycket mer komplext arbete på flera nivåer, mycket bättre än att förmedla personlighet.

Likhet i porträtt

Bilden av en karaktärs utseende är det enda sättet att konstruera en konstnärlig bild av en person inom bildkonsten. (Alla dessa och följande krav uppfylls för det mesta inte i 1900-talsporträtt som närmar sig icke- figurativ konst , se: Porträttets historia ). I modern tid blev verifierbar likhet ett viktigt kriterium för porträtt från slutet av medeltiden och början av renässansen [34] .

Ett porträtt kan anses ganska tillfredsställande när det återger originalet exakt, med alla drag av hans utseende och inre individuella karaktär, i hans mest bekanta ställning, med hans mest karakteristiska uttryck. Att uppfylla dessa krav är en del av konstens uppgifter och kan leda till mycket konstnärliga resultat om det utförs av begåvade konstnärer som kan lägga sin personliga smak, talang och skicklighet i reproduktionen av verkligheten.

Likheten i porträttet är resultatet av inte bara den korrekta överföringen av det yttre utseendet hos den person som porträtteras, utan också det sanna avslöjandet av hans andliga väsen i enheten av individuellt unika och typiska egenskaper som är inneboende i honom som representant för en viss historisk epok, nationalitet, social miljö. Men på grund av den praktiska omöjligheten att jämföra bilden med modellen av betraktaren, kallas ett porträtt ofta vilken individualiserad bild av en person som helst om det är det enda eller åtminstone huvudtemat för ett konstverk.

- Stora sovjetiska encyklopedin [20]

Vanligtvis görs en skillnad mellan yttre likhet , som har ett värde som historiskt dokument eller släktklenod, och inre likhet  - estetik, som övertygar om att det är så den person som avbildas ska vara [35] .

Filosofen Collingwood skriver: "Vi kan fritt anta att i porträtten av så stora målare som Raphael , Titian , Velázquez eller Rembrandt , har likheten uppnåtts. Men oavsett hur rimligt vårt antagande är så är det bara ett antagande och inget mer. Sittarna har för länge sedan dött, så likheten kan inte längre verifieras. Därför, om den enda fördelen med ett porträtt var dess likhet med naturen, skulle vi inte kunna skilja (med undantag för de fall då de avbildade personerna fortfarande lever och inte har förändrats alls) ett bra porträtt från ett dåligt. <...> Ändå lyckas vi skilja bra porträtt från dåliga, och vår förmåga att göra detta beror på det faktum att även om kunden, när han beställer ett porträtt, inte kräver ett konstverk, utan bara likheter, Konstnären, som uppfyller sitt krav, kan ge ut mer än vad som krävdes - både liknande och konstverk." [36] Teoretiker noterar: "Vi kan uppfatta en teckning utan att fråga om likheten, men tills vi tror på dess likhet kommer vi inte att kalla det ett porträtt." [35]

”Vad bygger de sin konstnärliga bedömning av porträttet på, förstöra eller godkänna? Alltid och framför allt på likhet, på jämförelsen av modellen och bilden, på sökandet efter motsvarande egenskaper, på igenkännandet av ett levande original. Om originalet är bekant, jämför direkt; om han är okänd försöker de i sin fantasi föreställa sig honom som han var eller borde vara i verkligheten. Och detta jämförelsearbete, denna konfrontation mellan bild och verklighet går vanligtvis så långt att ett konstverk, ett porträtt, upphör att vara i centrum för uppmärksamheten, förvandlas till något sekundärt, till någon sorts gåta, ett bedrägligt trick som behöver att rivas upp, för att genom den återvända till samma verklighet. Som om den huvudsakliga och självförsörjande rollen i porträttet inte spelas av själva porträttet, inte av bilden, utan av det levande originalet som står bakom”, skriver Boris Vipper . [37] Grashchenkov tillägger att ju starkare den konstnärliga charmen av denna "likhet" är, desto mindre är behovet av att jämföra porträttbilden med originalet, eftersom betraktaren tror konstnären att personen var precis sådan.

Det bör noteras att begreppet "likhet" i olika historiska epoker hade ett helt annat innehåll [38] : från en magisk dubbel , där utseendet förevigas med maximal tillförlitlighet, till en vacker mask , genom de idealiska egenskaperna hos som modellens individualitet kan framstå. Grashchenkov påpekar att i begreppet "porträttlikhet" syntetiseras ibland två principer, och ibland argumenterar de - dokumentär och estetisk. Den repetitiva typen av bild som konstnären väljer kan också uppmuntras av kunder och vara populär [39] .

I österländska kulturer är likhet inte alls en viktig egenskap hos porträtt - konstnärens (och betraktarens) uppmärksamhet riktas huvudsakligen mot noggrannheten i överföringen av tillbehör.

Realism

För att skapa ett riktigt bildporträtt måste konstnärer behärska den sensoriska uppfattningen av en person i hans miljö, samt behärska skickligheten i realistisk målning. Under utvecklingen av porträttgenren har konstnärer letat och försökt objektivt förmedla den verkliga bilden av en person. Men under olika perioder av konstens utveckling är dessa framgångar olika. Under vissa perioder, i enlighet med historiska förhållanden som begränsar konstens kognitiva möjligheter, tar realismen komplexa former i porträttet. Således har realistiska sökningar i porträttbilden av varje specifik era sina egna kvalitativa drag [40] .

Överföring av den inre världen och reträtt från verkligheten

Ett välmålat porträtt, tror man, borde visa modellens inre väsen ur konstnärens synvinkel - inte bara fysiska utan också andliga egenskaper. Ett sådant behov formulerades i början av det europeiska porträttet, när Pietro d'Abano 1310 sa att porträttet skulle spegla både det yttre utseendet och modellens psykologi [41] . (Således sa Latour om sina modeller: " De tror att jag bara fångar dragen i deras ansikten, men utan deras vetskap går jag ner i djupet av deras själ och tar den i besittning helt och hållet " [42] ).

Poängen är inte att verket liknar originalet (i det här fallet kan bilden kallas "bokstavlig" ), utan att känslorna som väcks av verket liknar de känslor som orsakas av originalet (detta är redan en "emotionell" bild) . När det sägs att porträttet ser ut som personen som porträtteras betyder det att betraktaren som tittar på porträttet "känns som om" han är i denna persons närvaro. Det är denna likhet som konstnären strävar efter. Han vet vilka känslor han ska väcka hos publiken och skapar sitt verk på ett sådant sätt att han väcker samma känslor. Till viss del uppnås detta genom en bokstavlig naturskildring, men bortom denna punkt uppnås effekten genom en skicklig avvikelse från den bokstavliga skildringen. [36] Denna "likhet är likhet, men inte identitet. Att avvika från identitet inom likhetens gränser är inte bara tillåtet utan också nödvändigt för porträttets syften. [4] Ett bra porträtt krävs för att med maximal noggrannhet återge alla karakteristiska anatomiska egenskaper hos huvudet, rörelser - men detta betyder inte att en sådan bokstavlig teckning kommer att vara identisk och sammanfalla med det inre och yttre tillståndet hos den person som porträtteras . En direkt yttre likhet med den som porträtteras (foto), hur stor den än är, är ännu inte bevis på konstnärlig likhet.

Detta betyder alltså att för att uppnå känslomässig likhet kan konstnären ge upp vissa egenskaper av bokstavlig likhet. Faktum är att likhet inte alltid är huvuduppgiften för porträttmålaren - han kan medvetet ändra utseendet på en person på duken, dekorera eller förbättra sin bild för att betona eller dölja vissa egenskaper hos modellen. Ibland berömmer tittarna mest av alla de verk som tycks vara helt annorlunda än originalet när det gäller anatomi - och bara för att dessa porträtt har fångat någon outsäglig egenskap hos modellen. ”Porträttmålaren strävar inte efter bokstavlig likhet. Han ignorerar medvetet några av de synliga elementen, han modifierar andra och introducerar till och med element som han inte alls ser hos sitter. Allt detta görs skickligt och systematiskt för att ge kunden en känsla av att porträttet "ser ut som" originalet." [36] Likheten i porträttet formuleras i slutändan som vad konstnären presenterade som ett generaliserat, viktigt, utvalt från den verkliga uppsättningen av vad en person är. [35] Ett fotografi fångar ett fruset uttryck i ett ögonblick, medan en teckning ger ett samlat intryck av ansiktet.

Tredjepartsfaktorer påverkade också uppnåendet av likhet. Under klassicismens period , bland konstkännare, utvecklades till och med ett antonymt par evaluerande termer - "sanning" (en exakt imitation av naturen) och "smicker". Det senare speglade till exempel porträttmodellens ganska naturliga önskan att se bättre ut på bilden än i verkligheten. Konstnärer förväntades kunna försköna "naturen" med hjälp av ett porträtt, samtidigt som de bibehåller en koppling till den genom likhet. Giacomo Casanova skrev om sådana porträtt : "sällsynta och mycket sällsynta är de som är helt lika och som samtidigt förmedlar en svårfångad skönhetsnyans till ansiktet som är präglat på dem. Sådana artister är värda den förmögenhet de tjänar. Sådan var parisaren Nattier ; han var åttio år gammal, när jag gjorde honom bekantskap i det femtionde året av detta århundrade. Han målade ett porträtt av en ful kvinna; hon hade exakt samma ansikte som han avbildade på duken, och trots att hon i porträttet tycktes alla vara en skönhet. Tittade noga och kunde inte se skillnaden. Han adderade och subtraherade, men det som är okänt” [43] [44] .

Influenser utifrån Kundernas förväntningar Ett utdrag ur en liknelse

Fufana beordrade att hennes porträtt skulle målas,
Men hon sa till målaren:
Du förstår, jag är sned;
Skriv dock att jag inte är sådan

A.P. Sumarokov [43]

Porträttteoretikern Norbert Schneider skriver: ”Det är viktigt att komma ihåg att porträtt alltid är en produkt av kompromisser. De är resultatet av en överenskommelse mellan konstnär och modell, mellan en estetik som bestäms av genrens relativt oberoende regler eller traditioner, och beskyddarens individuella krav .

Förkroppsligandet i duken av både modellens förväntningar och hennes verkliga utseende är en viktig aspekt av porträttmålarnas arbete. Som regel är varje konstnär konsekvent i sin inställning till att skildra likheten: kunder som gick till Joshua Reynolds visste att de skulle få ett sekulärt idealporträtt, medan Thomas Eakins modeller inte tvivlade på att de skulle målas så realistiskt som möjligt. "Här är det viktigt att förstå att konstnärens stil inte är ett infall av hans lekfulla sinne och inte beroende av ett visst material eller teknologi, utan typen av hans relation till världen. Han kan inte annat. Rembrandt kunde till exempel inte ens på beställning skriva ljusare och mer genomskinliga porträtt på samma sätt som Renoir  - tungt och mörkt. [46]

En modell som beställer ett porträtt representerar vanligtvis precis vad hon behöver. En sällsynthet var kravet på fullständig realism från puritanen Oliver Cromwell , som krävde av konstnären att han skulle skriva det utan utsmyckning: " Mr Lely , jag hoppas att du kommer att lägga all din konst på att måla mitt porträtt precis som jag, utan något smicker genom att notera alla dessa rynkor, finnar och vårtor du ser. Annars kommer jag inte att betala dig ett dugg för det ." [Komm 2] Modeller strävade i allmänhet efter ett mer presentabelt utseende. Ofta, innan man målade ett porträtt, kunde konstnären och kunden ingå ett skriftligt avtal där kunden diskuterade sina krav [45] .

”Förhållningssättet till likheten i porträttet av kunden och konstnären är annorlunda. Om kunden, betraktaren, med ett porträtt enbart och uteslutande förstår det som har en otvivelaktig likhet med ett visst originalansikte, så bygger konstnären, utgående från originalet, som han bara uppfattar som en modell, sin egen speciella konstnärliga värld. Och missförståndet av denna skillnad i åsikter ledde ibland till verkliga kuriosa i porträttets historia. [47] Ibland är en klient eller familj missnöjd med ett konstverk, och konstnären ställs inför behovet av att skriva om verket eller avstå från royalties. Så det berömda " Porträttet av Madame Recamier " av J. L. David avvisades av modellen, precis som det inte mindre berömda " Porträttet av Madame X " av John Sargent . Vipper talar till och med om en direkt "fientlighet" mellan porträttmålaren och kunden, eftersom de båda har helt olika uppgifter: den ena måste skapa ett konstverk, den andre måste se sin inre värld på duken. [37] ”Det finns en speciell synpunkt på likheten i porträttet – åsikten hos den som porträtteras. Det är oftast rakt emot konstnärens åsikt ... En person ser väldigt sällan sig själv som han är, och om han får reda på det blir han vanligtvis mycket förvånad om konstnären skildrat sitt utseende sanningsenligt. [48]

Den store Enner gjorde damen på skam och grät att hennes porträtt inte alls såg ut som det. "Åh, frun! - sa den berömde Alsace, - när du dör, kommer dina arvingar att anse det som ett nöje att få ett vackert porträtt signerat av Enner, och de bryr sig inte alls om du ser ut som eller inte. [49]

Grashchenkov skriver [50] : ”en persons livsbedömningar om sin egen personlighet, om hans utseende, karaktär och inre värld är långt ifrån identiska med vad konstnären tycker om detta. Och ju mer deras åsikter går isär, desto skarpare kan konflikten bli mellan kundens krav och konstnärens vilja. (Detta blir särskilt uppenbart när man jämför självporträtt av konstnärer och bilder av sina egna kollegor).

  • Den akademiska konstnären Vicente López y Portaña såg Goya som en respektabel och värdig mästare

  • medan Goya själv skriver sina självporträtt väldigt dystert, till exempel i form av en sjuk och mycket trött person som behöver stöd av en läkare

  • Marie-Suzon Roslin positionerar sig i sitt självporträtt som en konstnär, en mästare som fick förtroendet att skapa ett porträtt av Maurice Latour

  • och hennes man Alexander Roslin ser henne som en charmig och attraktiv kvinna med ett visst mysterium (se The Veiled Lady )

Konstnärens personlighets inflytande på porträttet

I ett porträtt, inklusive ett fotoporträtt (till skillnad från vanlig fotografi), åtföljs en objektiv bild av verkliga ansiktsdrag av vissa relationer mellan mästaren och modellen. Denna tolkning speglar mästarens egen världsbild, hans estetiska credo, etc. Allt detta, förmedlat på ett specifikt individuellt konstnärligt sätt, introducerar en subjektiv författares färgsättning i porträttbilden [20] och gör porträtt som tillhör de bästa mästarnas pensel. porträttgenren, som samtidigt och maximalt exakt förmedlar modellens psykologi och bär dragen av konstnärens omedelbart igenkännliga hand. "Porträttet skildrar inte bara en persons individualitet, utan uttrycker också individualiteten hos författarens konstnärliga personlighet. Konstnären vänjer sig vid modellens utseende, tack vare vilken han förstår den andliga essensen av mänsklig individualitet. Sådan förståelse sker endast i handlingen av empati (reinkarnation) i processen att slå samman modellens jag och författarens jag. Resultatet är en ny enhet, liknande den mellan skådespelaren och hans roll. Tack vare denna sammansmältning ser modellen i porträttet ut som om den faktiskt vore vid liv” [4] , “porträttet är frukten av originalets andliga samlag 'a med konstnären” [49] .

Författaren till ett porträtt är som regel inte en passionerad registrator av de yttre och inre egenskaperna hos den person som porträtteras: konstnärens personliga inställning till modellen, hans egen världsbild, hans kreativa sätt lämnar ett synligt avtryck på verket. Nikolai Evreinov noterar att det bland folk med liten kultur finns en vidskeplig fördom mot porträttet, baserad på tron ​​att en persons levande själ övergår i en målad bild; men i själva verket fångas porträttmålarens själ i en ögonblicks-, minut- eller timmesupplevelse av den. [49] Tack vare detta känns porträttmålarens "hand" lätt igen i hans verk. Alphonse Daudet , som tittar på det åt andra hållet, sammanfattar: "en konstnär som har en lång näsa tenderar att förlänga näsorna i alla porträtt han målar." I vissa fall kan vi prata om den idealiserade "masken" som målaren belönar alla sina modeller. Det är därför porträtt gjorda av samma person av olika konstnärer kan skilja sig helt åt i överföringen av den inre världen.

Så, till exempel (till aspekten av den avsiktliga förvrängningen av modellens utseende av konstnären och förkastandet av vissa detaljer), finns det en berättelse med ett porträtt av Ambroise Vollard av Picasso. Vollard gillade inte porträttet, och målningen såldes till Morozov i Moskva. Ändå, trots att bilden är gjord i kubismens stil , tror man att Picasso porträtterade Vollard mer framgångsrikt och insiktsfullt [51] än sina kollegor, som målade Vollard realistiskt.

Dessutom påverkas betraktarens känslor från porträttet av skillnaden i social status mellan modellen och konstnären - mästaren på ett visst stadium i samhällets utveckling återspeglar social distans, drag av klasstillhörighet. Till exempel reflekterade en barockmålare från 1600-talet, som var på maximalt avstånd från solkungen , i sitt porträtt av kungen endast hans ceremoniella prakt, makt. Och minskningen av det sociala avståndet mellan modellen och betraktaren leder till att konstnären vill tränga in i en persons inre värld [52] , tecknen på allegoriska övertoner, distinktheten i den sociala rollen [53] är förstört .

Erans inflytande på porträttet och dess kulturella avtryck

Anledningen till framgången för ett porträtt är inte alltid den exakta likheten som tillfredsställer kundmodellens åsikt, utan också några andra aspekter: till exempel om porträttet bäst matchar den visuella representationen av individer, fängslande och talangfullt återspeglar deras karaktär, social status eller yrke - i det här fallet ligger det nära porträtttypen (se nedan om undergenrerna till porträttet ).

Dessutom, "ett bra porträtt är inte så mycket en bedömning av en viss person, utan en uppfattning om livsstilen för människor från vissa epoker, deras ideal och idéer om en person ... Ett porträtt ger den moderna betraktaren möjlighet till en helt unik kommunikation. Konstnärens dialog med sig själv eller modellen utvecklas till en intern dialog mellan mänskligheten." [28] Boris Vipper , som noterar denna unika egenskap hos porträttet, talar om det som "ett listigt kringgående av den gudomliga viljan, som inte gav en person odödlighet." [37] ”Begreppet personlighet i ett porträtt är i ett komplext beroende av världsbilden, estetiska och sociala ideal, av sin tids stil. Relationen mellan konstnären och den porträtterade personen är inte ett konstant värde - dynamiken i bildbildningen för varje historisk period har sina egna egenskaper. Bakom porträttet och modellen, i en eller annan form, finns självmedvetenheten om deras tid. Problemet med "porträtt och tid" är problemet med socialpsykologi i porträttet... porträttet är en slags synlig tidskrönika." [54]

”Sammensättningen av porträtt som målades under samma period skapar en levande bild av samhället, berättar mycket om liv och tid (...) Porträttet innebär inte bara överföringen av det yttre utseendet, utan också avslöjandet av det inre livet hos en person, hans karaktär och psykologi, och viktigast av allt, i de individuella egenskaperna hos den person som porträtteras, måste konstnären se och spegla det typiska, gemensamma som förbinder en person med modernitet” [55] , menar forskarna.

I The Estetics uttryckte Hegel en synpunkt som en gång i tiden blev nästan normativ: han rasade om "nästan frånstötande realistiska porträtt" och krävde att porträttmålaren skulle smickra sin modell genom att ägna mindre uppmärksamhet åt utseendet, och "visa oss vad som betonar allmänt ämnets karaktär och oföränderliga andliga egenskaper. Enligt denna uppfattning måste den andliga naturen förutbestämma vår skildring av människan. Denna föreställning om personlighet härrör från principen om inneboende natur i tysk idealistisk filosofi. [34] Porträtt från 1700- och 1800-talen är verkligen mindre realistiska än under föregående period.

Idealisk i ett porträtt

Viktor Grashchenkov skriver att för att förstå porträttet bör man ta hänsyn till det ideal som låg till grund för de konstnärliga strävanden från eran när målningen skapades. [56] Detta ideal, som återspeglades i skildringen av en specifik person, bildades från en sammansmältning av sociala, religiösa, etiska och estetiska åsikter och var en ganska tydlig standard som bestämde karaktären hos den person som avbildades i porträttet och dikterade för konstnären sättet att avbilda modellen. Men detta ideal kan naturligtvis aldrig helt sammanfalla med verkligheten, och ibland kan det till och med avvika från det, och denna motsättning mellan det ideal som dikterats av epoken och den avbildade personens väsen kommer oundvikligen att återspeglas i porträttet. "I sitt arbete, medvetet eller omedvetet, måste konstnären smälta samman det enda som är inneboende i utseendet på en individuell modell, med det spekulativa personlighetsideal som genereras av hans fantasi."

I sin avhandling om måleri uttrycker Giovanni Paolo Lomazzo (1538-1600) huvudmålet för de nya normer som uppstod under renässansen, och kräver från porträttet att konstnären "betonar den mänskliga varelsens värdighet och storhet och uttrycker segern för Naturen" [57]

Således kan definitionen av ett porträtt formuleras på följande sätt:

Ett porträtt är en förståelse av en individuell personlighet genom prismat av den dominerande världsbilden av en given era [58] .

För porträttmålarens penetrationsdjup i modellens personlighet är det viktigt i vilken historisk period av konstens utveckling bilden skapades. Så om en konstnär arbetade vid en tidpunkt då individualitet var föremål för hantverks-företagsenhet, var detta en viss garanti för framgång med att skapa ett porträtt under villkoren för underutvecklingen av kulturen i denna genre. Å andra sidan, på grund av detta, uppstår tydliga objektiva begränsningar i tolkningen av bilden av en person (som till exempel med Antropov). Bärarna av denna metod, med en holistisk vision, kan inte fördjupa sig i modellens inre värld (även om modellen och situationen provocerar det), eftersom de riskerar att tappa mark under fötterna. I sådana porträtt kan det inte finnas några vardagliga, vardagliga situationer ens i de mest kammare, intima bilderna [59] .

Abstrakt idealitet kan återspeglas i den fasta karaktären hos modellens rörelser - händernas kokettiga position, det lutande huvudet etc. [60] . Verken från vissa historiska perioder kännetecknas av stolt posering, otillgänglighet: porträttmodeller visar sina förtjänster och erbjuder betraktaren att uppfatta sig själv som en modell och en ouppnåelig modell, som betraktaren bör sträva efter, men det är osannolikt att kunna uppnå. . "Därmed uppstår en slags paradox: modellen vill se inte bara ut i mode (med andra ord, som alla andra), utan också som hennes trendsättare, och insisterar på att hennes "jag" är det bästa möjliga" [61] . Den figurativa strukturen av ett porträtt påverkas av ideologin från den tid då det skapades, så i upplysningstiden kan duken, på grund av den betonade demonstrativiteten hos modellernas poser och gester, bli ett sätt för pedagogiskt inflytande med hjälp av ett omfattande och välutvecklat system av sätt att kommunicera med tittaren. Modellen kan vara "intresserad" av betraktarens reaktion, kan räkna med ömsesidig förståelse och "ihärdigt tilltala betraktaren" (med gester, se nedan), eller klara sig utan omvärldens reaktion, så att hennes inre värld kan vara rik [62] .

Visuella egenskaper

Humör, ansiktsuttryck, ögon och händer

Nyckelpunkten för ett framgångsrikt porträtt är ett bra kunskaper om att rita och en djup kunskap om plastisk anatomi av konstnären , vilket gör att han kan förmedla modellens utseende och personlighet korrekt.

En persons ansikte är asymmetriskt, mästaren måste reproducera det, med hänsyn till de subtila skillnaderna mellan båda sidor - alla avvikelser från symmetri är viktiga för porträttlikhet. Dessutom ska konstnären kunna avbilda naturen i förhållande till miljö, ljussättning och med hänsyn till själva modellens färgdrag.

Konstnärer kan kämpa för fotografisk realism eller impressionistisk liknelse - men alla dessa skiljer porträttet från karikatyren , som försöker visa modellens karaktär genom att överdriva hennes fysiska drag. I allmänhet bör konstnären försöka en representativ bild - “ Det enda uttryck som tillåts i porträtt är uttryck som förmedlar karaktär och moraliska egenskaper; och ingen tillfällig, flyktig, slumpmässig grimas "( E. Burne-Jones ).

I de flesta fall resulterar detta i att modellen porträtteras med ett seriöst uttryck, bara ibland med ett lätt leende. Munnen är vanligtvis neutral, och därför förmedlas det mesta av ansiktsuttrycket genom ögonen och ögonbrynen. Modellen i porträttet är i en speciell form av vara - kontemplation-tänkande, koncentration, upptagande av världen, fördjupning i sig själv. [4] En person är befriad från passion, slumpmässig stämning, nedsänkt i tankar. I ett porträtt agerar en person vanligtvis inte, talar inte. ”På porträttet är personen tyst, men det här är en vältalig tystnad. Affekter (ilska, ilska, våldsam munterhet, etc.) är kontraindicerade för porträttet - en stark kortvarig känsla förknippad med en aktiv motorisk reaktion. Porträttet kännetecknas av animerad frid. [4] Själen överförs som regel genom ögonens uttryck, genom blicken fäst på betraktaren. Ögon är ett av de mest uttrycksfulla tecknen, eftersom de förmedlar det viktigaste av de fem sinnena. " Frysta och vidöppna , de är designade för att uppfatta den gränslösa världen som ett ordnat kosmos, där sensuell skönhet tar sin bestämda, tilldelade plats." Och " en blick riktad mot betraktaren är riktad till hela mänskligheten" [63] .

Dessutom är porträttet kontraindicerat komiskt. (Där modeller skrattar i ett porträtt är porträttgenren på gränsen till andra genrer - en sketch, en sketch, en "genre" etc.). Ett leende dyker dock upp ibland på porträtt. Grasjtjenkov skriver [64] : ”Ett leende, även ett knappt märkbart leende, befriar ansiktet från obarmhärtig distansering; det avslöjar liksom en persons inre värld, vilket gör den mer bestämd och tillgänglig för nyfikna ögon. Den minsta rörelsen av läpparna förändrar omedelbart hela ansiktsuttrycket, ögonens uttryck, ger hela ansiktet en levande enhet. Liksom ögonen säger läpparna alltid något.

Ett viktigt ögonblick som skapar stämningen i porträttet är utseendet: modellen kan titta direkt på betraktaren, som om den bjuder in honom till en konversation, eller så kan blicken ledas bort, saknar en aktiv riktning, verkar osedd och fokuserad på hennes egna tankar. Av detta verkar den avbildade personen mer eftertänksam och lugn. Om huvudvändningen är riktad i en riktning och pupillerna i den andra, det vill säga personen ser sig omkring, så att säga, uppstår rörelse i porträttet. Om blicken och rörelsen är riktad åt samma håll framstår modellen som lugnare [65] .

Den viktiga rollen för modellens kroppsspråk nämns : "Det viktigaste porträttproblemet för en målare (liksom en skulptör, grafiker, författare) är överföringen av ett mänskligt ansikte och hans händer. Ansiktet och händerna förmedlar nästan all information om en viss person till oss. Samtidigt fokuserar vi i ansiktet vår blick främst på ögonen och i händerna på fingrarna. Inte konstigt att de säger att ögonen är spegeln av en persons själ, och händerna är spegeln av hans kropp. [47] Grasjtjenkov skriver [66] att skildringen av händer är ett av de viktigaste medlen för psykologisk karaktärisering. "Efter ansiktet och ögonen kunde händerna på personen som porträtteras berätta mycket om honom för tittaren. Deras form, deras rörelser och gester, hur de rör vid något eller hur de håller ett föremål - allt detta blir en unik del av en persons individuella utseende. Hållning är också ett viktigt sätt att betona modellens individualitet. Dessutom låter ansiktsuttryck och handgester dig helt enkelt etablera kontakt med betraktaren, och det fristående "urgamla egyptiska" ansiktet förblir en sak i sig själv. Om en persons gest inte riktar sig direkt till betraktaren, utan till en viss publik, som om den befann sig utanför duken, uppstår en känsla av ett slags kronisk avskildhet [67] . Smycken, frodigt hår, kläder är naturligtvis också en väsentlig del av modellens figurativa egenskaper.

  • El Greco . "Porträtt av en caballero med en hand på bröstet", ca. 1580

  • mycket mer vördnadsfull än hans eget "Porträtt av en Caballero av familjen de Leyve" utan gester

  • Valentin Serov . " Porträtt av skådespelerskan Yermolova " . Den stora skådespelerskan avbildas med en accentuerad stolt hållning.

Förutom anatomiska likheter uppmärksammar porträttmålaren överföringen av andra egenskaper hos modellen - social status, nationalitet, ålder, religiösa och moraliska egenskaper, karaktär och så vidare. Samtidigt varnar teckningsböcker för att det ibland händer att en konstnär, som har tränat på att överföra likhet med en modell, kanske inte alls förvärvar förmågan att uttrycka sin karaktär - trots allt är det mycket lättare att uppnå fysisk likhet i en ritning än uttrycker en persons inre väsen. [48] ​​Vi bör inte glömma denna fara: "ett naturalistiskt skarpt återgivet utseende kan förbli en ren mask, bakom vilken det inte finns något individuellt andligt. Detta hände ofta i de tidiga stadierna av utvecklingen av ett illusionistiskt porträtt .

Skönhet i ett porträtt

Akademikern Likhachev skriver: ”Ibland är den synvinkel från vilken man närmar sig ett konstverk helt klart otillräcklig. Här är den vanliga "otillräckligheten": ett porträtt betraktas bara på detta sätt: det "ser ut" eller "gillar" inte originalet. Om det inte ser ut så är det inte alls ett porträtt även om det kan vara ett vackert konstverk. Tänk om det bara "ser ut"? är det tillräckligt? När allt kommer omkring är det bäst att leta efter likheter i konstnärligt fotografi. Det finns inte bara likheter, utan också ett dokument: alla rynkor och finnar är på plats. Vad krävs i ett porträtt för att vara ett konstverk, förutom enkel likhet? För det första kan likheten i sig vara av olika djup av penetration i en persons andliga väsen.

Bra fotografer vet också detta, försöker fånga det rätta ögonblicket för fotografering, så att det inte finns några spänningar i ansiktet, vanligtvis förknippat med att vänta på fotograferingen, så att ansiktsuttrycket är karakteristiskt, så att kroppens position är fri och individuell, karaktäristisk för denna person. Mycket beror på denna "inre likhet" för att ett porträtt eller fotografi ska bli ett konstverk. Men det handlar också om en annan skönhet: skönheten i färg, linjer, komposition. Om du är van vid att identifiera skönheten i ett porträtt med skönheten hos det som avbildas i det, och tror att det inte kan finnas en speciell, bildmässig eller grafisk skönhet i ett porträtt, oavsett skönheten i det avbildade ansiktet, kan du fortfarande inte förstå porträtt. [69] Det är därför porträtt av gamla människor, som Rembrandts, är så kända - trots att modellernas ungdom och skönhet redan har passerat, tycker porträttisten om att förmedla sin rika inre värld och inre skönhet.

En indikation på påverkan av visuella medel på bilden är märklig: tolkningen av duken i en färgnyckel kan vara en slags metafor för mänskligt temperament [70] .

Posera

Porträtt kan föreställa människor, både eftertryckligt poserande, och i vardagen - för någon sysselsättning. Under vissa historiska perioder var syftet med porträttet att fånga och visa kraften och kraften hos de avbildade, så det så kallade " ceremoniella porträttet " var utbrett; under andra epoker var konstnärer mer ivriga att återspegla livets spontanitet, naturlighet och fullhet.

Historiskt sett förevigade porträtt främst minnet av den här världens inflytelserika och mäktiga. Med tiden började genren av beställda porträtt att spridas mer och mer till rika representanter för medelklassen. Idag beställs fortfarande porträtt av regeringar, företag, klubbar och privatpersoner.

Att skapa ett porträtt brukar vara tidskrävande, vanligtvis kräver flera poseringssessioner. Så till exempel krävde Cezanne mer än 100 sessioner av modellen. [71] Å andra sidan kunde Goya måla ett porträtt på en lång dag. [72] Det genomsnittliga antalet sessioner är fyra. [73] På 1700-talet tog det ungefär ett år att färdigställa ett porträtt. Den samtida brittiske konstnären Sergei Pavlenko målade ett formellt porträtt av drottning Elizabeth II under ett år, under vilket hon gav honom 6 poseringssessioner.

Ibland förser porträttmålare sina modeller med flera skisser, från vilka kunden väljer den pose de gillar (detta gjordes till exempel av Joshua Reynolds ). Några, till exempel, Hans Holbein Jr. , målade bara ansiktet från naturen och utförde resten av duken redan utan en poserande modell. Van Dyck målade ofta graciösa händer och figurer för beställda porträtt från modeller med mer perfekta kroppsformer. [11] Velázquez bar sina prinsessors klänningar på skyltdockor i studion och målade kläderna separat från livet.

När du skriver ett porträtt ombeds modellen vid poseringssessionen att ta en avslappnad och naturlig pose. Konstnären undersöker sedan sitt motiv och letar efter det ansiktsuttryck som han tycker bäst fångar modellens essens. Man tror att komponenterna som förmedlar stämningen inte bara är ansiktet, utan också hållningen och gesterna, såväl som kostymen för personen som poserar. För att hålla modellen sysselsatt och inte uttråkad kommer en skicklig artist att hålla en konversation med henne - vilket samtidigt gör att du kan lära känna hennes karaktär bättre. Elisabeth Vigee-Lebrun tipsade om att smickra kvinnor och berömma deras utseende så att stämningen vid poseringstillfällena var så positiv som möjligt. Intern begränsning ger bilden isolering och självtvivel. [74]

För komplext arbete gör konstnärer vanligtvis en skiss (med penna, kol, etc.), vilket är särskilt användbart i fall där modellen inte kan posera under lång tid. I de flesta fall slutar ansiktet först och resten följer. Många stora konstnärer målade bara huvudet och händerna själva och anförtrodde kläderna och bakgrunden för att färdigställas av sina elever. Det fanns till och med hantverkare som specialiserade sig uteslutande på draperier.

Utan att posera är det omöjligt att skriva ett verkligt värdefullt konstverk i porträttgenren (se ovan om "porträtt från fotografier" ). Så, Delacroix inkluderade inte bland porträtten de där funktionerna hos en känd person som författaren till bilden inte såg idealiserade, liksom porträtt baserade på reproduktioner, eftersom fiktion och feltolkning blandas med sådana bilder. [28]

Inom samtidskonst

Det är ett obestridligt faktum att på 1900-talet, med tillkomsten av den icke-figurativa konstens era och personlighetens kris, är porträttgenren på tillbakagång [12] (för mer information, se: Porträttgenrens historia i 1900-talet ). De flesta av de teoretiska slutsatserna som ges i den här artikeln kan inte tillämpas på verken från denna period, eftersom de upphörde att vara ett sätt att fånga ett mänskligt ansikte och bara blev till variationer på vissa teman. Vissa noterar till och med att i ett traditionellt porträtt "är det nödvändigt att visa en person som han är, och inte som konstnären skulle vilja mäta honom med hans traditionella arshin ... I porträttet, mindre än i andra genrer, alla typer av friheter och utvikningar är tillåtna, vilket är annorlunda när en gång avslöjats som förfining av smak och kreativ innovation” [28] , det vill säga ett porträtt av 1900-talet, som inte uppfyllde dessa krav, för det mesta upphörde att vara ett riktigt porträtt i den meningen att detta koncept har investerats i under de senaste århundradena.

Vipper skriver: ”Den moderna konstnären strävar mest av allt efter att undanröja varje misstanke om att han kopierar verkligheten, att hans målningar har någon direkt relation till den omgivande naturen, till den förnuftiga världen. Enligt en modern konstnär målar han inte ett porträtt av detta ansikte, han syntetiserar sin uppfattning om världen och det levande, han översätter tingens språk till den fjärde dimensionens språk, han uttrycker sin stämning om ett slumpmässigt föremål. Alltså två motsatta poler. Om en modern betraktare förstår ett porträtt endast som ett fokus med likhet, som en lista med tecken, om han i ett konstverk bara fångar en blek skugga av verkligheten, så vill den moderna konstnären inte ens höra något om verkligheten, ca. den verkliga världen tar han bort från porträttet varje skärpa av individuell känsla, varje fladder från människokroppen. Men låt oss ta en närmare titt, och då visar det sig att i kraven från de två fientliga parterna, kunden och konstnären, uttryckta av mig i skarp kontrast, talar vi inte alls om likhet, utan om något annat, bådas estetiska credo tillåter inte några porträtt. När allt kommer omkring behöver den moderna betraktaren inte en likhet, utan en upprepning, inte ett porträtt, utan ett exakt intryck. Och för en modern konstnär kan ett porträtt inte existera, eftersom han inte känner igen inte bara likheter utan även korrelationer. [37]

Porträttmotiv i litterära verk

Se även

Kommentarer

  1. ↑ Etymologisk ordbok för det ryska språket av Max Fasmer: "porträtt", gammal. även "patret", konst. marin- 1724 (Smirnov 233). Genom ny-in.-n. Porträt (ofta omkring 1700; se: Schulz-Basler 2, 604) från fransmännen. porträtt; se: Konvertera. II, 110.
  2. ↑ Oliver Cromwell , talade 1657 (?) till den berömda porträttmålaren Sir Peter Lely.

Anteckningar

  1. ↑ [mirslovarei.com/content_bes/Portret-49145.html Porträtt // Large Encyclopedic Dictionary]
  2. ↑ Verbalporträtt // Great Soviet Encyclopedia
  3. ↑ [dic.academic.ru/dic.nsf/enc_literature/3762 Porträtt // Literary Encyclopedia]
  4. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 E. Ya. Basin. Porträtt i de sköna konsterna  // Encyclopedia " Krugosvet ".
  5. ↑ Grashchenkov V. N.  Porträtt i italiensk målning av den tidiga renässansen. M., 1996. T.1. S. 57
  6. ↑ 1 2 Norbert Schneider. The Art of the Portrait: Mästerverk av europeiskt porträttmåleri, 1420-1670. Taschen 2002. S. 11-12
  7. ↑ A. Schopenhauer . " Världen som vilja och representation ". 1819; Bok. 3, 45 §
  8. ↑ Grasjtjenkov V.N. Där. S. 55
  9. ↑ Sharandak N. P. Rysk porträttmålning från Peter den stores tid. Leningrad, 1987, s. 7
  10. ↑ 1 2 A. S. Grivnina. 1700-talskonst i Västeuropa Arkiverad 29 juni 2008 på Wayback Machine
  11. ↑ 1 2 3 4 Yu. M. Lotman. Porträtt // Artiklar om semiotik av kultur och konst. - St Petersburg. : Akademiskt projekt, 2002. - S. 349-375. - (Konstens värld).
  12. ↑ 12 Norbert Lynton . Måla århundradet: 101 porträttmästerverk 1900-2000 // Porträtt från ett pluralistiskt århundrade. - NY, 2001. - P. 7. - ISBN 1-85514-289-9 .
  13. ↑ Pradomuseet. Utställning tillägnad porträttets historia
  14. ↑ 1 2 Art is Life: Retrieving the Artistic Impetus  (nedlänk)
  15. ↑ Albrecht Dürer - L. Jessie Allen
  16. ↑ Evangulova O. S. , Karev A. A. Porträttmålning i Ryssland under andra hälften av 1700-talet. M., 1994. P.21
  17. ↑ Den tidiga renässansen i Florens // National Gallery of Art (otillgänglig länk) . Hämtad 9 december 2012. Arkiverad från originalet 15 december 2012. 
  18. ↑ 1 2 Ryska porträtt av 1600- och början av 1800-talet
  19. ↑ Evangulova, Karev. Där. P.23.
  20. ↑ 1 2 3 Porträtt -artikel från Great Soviet Encyclopedia . L. S. Zinger . 
  21. ↑ 1 2 Porträtt Arkiverad 17 maj 2009. Ordbok för konst och arkitektur
  22. ↑ Evangulova, Karev. Där. S. 27.
  23. ↑ Aleshina L. S., Sternin G. Yu. Bilder och människor från silveråldern. M., 2002. C. 8
  24. ↑ Aleshina, Sternin. Ibid, sid. 13
  25. ↑ Evangulova, Karev. Där. S. 121.
  26. ↑ Evangulova, Karev. Där. S. 36
  27. ↑ Evangulova, Karev. S. 45.
  28. ↑ 1 2 3 4 B. V. Lushnikov. Dekret. op. - S. 5-6.
  29. ↑ Evangulova, Karev. Där. S. 29
  30. ↑ Evangulova, Karev. Där. S. 28
  31. ↑ Evangulova, Karev. Där. S. 26.
  32. ↑ 1 2 E. S. Ovchinnikova. Porträtt i rysk konst på 1600-talet. Material och forskning. M., 1955. S. 19
  33. ↑ Evangulova, Karev. Där. S. 65.
  34. ↑ 1 2 Norbert Schneider. Där. S. 15.
  35. ↑ 1 2 3 B. V. Lushnikov. Bild. Porträtt: Lärobok för universitet . - M. , 2004. - S. 9-10. — ISBN 5-691-01224-X . Arkiverad kopia (inte tillgänglig länk) . Hämtad 24 mars 2009. Arkiverad från originalet 8 mars 2009. 
  36. ↑ 1 2 3 R. J. Collingwood . Konstprinciper
  37. ↑ 1 2 3 4 Vipper B. R. Bilaga II. Problemet med likhet i porträttet // Introduktion till konsthistoriska studier .
  38. ↑ Grasjtjenkov. Där. S. 57
  39. ↑ Evangulova, Karev. Där. S. 110.
  40. ↑ Ovchinnikov. Där. S. 9
  41. ↑ Prado-utställning. Entre Flandes e Italia. Origen y desarrollo tipologico del retrato
  42. ↑ Konsthistoria i främmande länder under XVII-XVIII-talen / Ed. V. I. Razdolskaya. - M . : Konst, 1988.
  43. ↑ 1 2 A. Karev. Klassicism i rysk måleri. M., 2003. S. 27
  44. ↑ Giacomo Girolamo Casanova. Mitt livs historia
  45. ↑ 1 2 Norbert Schneider. Där. S. 20
  46. ↑ S. A. Ivlev. Konst och utvecklingen av mänskligt medvetande
  47. ↑ 1 2 S. A. Ivlev. Porträtt i europeisk kultur
  48. ↑ 1 2 B. V. Lushnikov. Dekret. op. - S. 12-13.
  49. ↑ 1 2 3 Evreinov N. N. Kapitel 1. Paradoxala självporträtt // Original om porträttmålare. Dekret. op.
  50. ↑ Grasjtjenkov. Ibid, sid. 55-56.
  51. ↑ M. Pritzker. Runt Vollard Arkiverad 18 november 2006 på Wayback Machine
  52. ↑ Evangulova, Karev. Där. S. 42.
  53. ↑ Evangulova, Karev. Där. S. 98.
  54. ↑ Nathan Altman. Porträtt av Akhmatova Arkiverad 3 maj 2009 på Wayback Machine
  55. ↑ Okända och bortglömda porträttmålare från 1700- och 1800-talen från Odessas konstmuseums fonder. Odessa, 1994. S. 3
  56. ↑ Grasjtjenkov, ibid., sid. 55.
  57. ↑ Norbert Schneider. Där. S. 18
  58. ↑ Grasjtjenkov, ibid., sid. 58.
  59. ↑ Evangulova, Karev. Där. S. 43
  60. ↑ Evangulova, Karev. Där. S. 48
  61. ↑ Evangulova, Karev. Där. S. 110
  62. ↑ Evangulova, Karev. Där. S. 114
  63. ↑ Karev A. Klassicism i rysk målning. M., 2003. S. 195.
  64. ↑ Grasjtjenkov. Där. S. 245
  65. ↑ Grasjtjenkov. Dekret. op. S. 268.
  66. ↑ Grasjtjenkov. Där. S. 220
  67. ↑ Evangulova, Karev. Där. S. 77
  68. ↑ Grasjtjenkov. Där. S. 56.
  69. ↑ D. S. Likhachev. Brev om det goda och det vackra". Brev 32. Understanding the Art Arkiverad 22 februari 2009 på Wayback Machine
  70. ↑ Evangulova, Karev. Där. S. 90
  71. ↑ Gordon C. Aymar. Dekret. op. — S. 51.
  72. ↑ Gordon C. Aymar. Dekret. op. — S. 72.
  73. ↑ Robin Simon. Porträttet i Storbritannien och Amerika. - Boston: GK Hall & Co., 1987. - P. 131. - ISBN 0-8161-8795-9 .
  74. ↑ Evangulova, Karev. Där. S. 55.

Litteratur

  • Andronikova M.A. Om porträttkonsten. — 1975.
  • Andronikova M. Porträtt. Från hällmålningar till ljudfilm. — 1980.
  • Andronikova M. Porträtt och porträttlikhet // Konstnär. - 1974. - Nr 10 .
  • Anikushin M. Om porträtt // Konstnär. - 1973. - Nr 3 .
  • Basin E. Ya . Till definitionen av porträttets genre (på materialet i det sovjetiska bildporträttet från 1960-1970-talet) //Sovjetisk konsthistoria. -M., 1986. -Utgåva. 20.
  • Basin E. Ya. Porträtt och personlighet (om porträttets utveckling i västeuropeisk målning under de sena XIX-XX århundradena. // Philosophical Sciences . - 2004. - Nr. 5. - S. 5-27.
  • Vipper B. R. Likhetsproblemet i porträttet // I boken. Samlingar av Moskva Merkurius om historien om litteratur och konst. 1. M., 1917, sid. 163-172; i bok. Vipper B. R. Artiklar om konst. M., 1970, sid. 342-351.
  • Gabrichevsky A. G. Porträtt som bildproblem // Porträttkonsten. - M. , 1928.
  • Gabrichevsky A.G. Porträttkonsten. — M.: Konst, 1984.
  • Evreinov N. N. Original om porträttmålare (Om subjektivismens problem i konsten) // Original om porträttmålare / Sammanställd, förberedd text och kommentarer. T.S. Dzhurova, A. Yu. Zubkov och V.I. Maksimov. — M. : Tillfällighet, 2005. — 399 sid. — ISBN 5-86402-146-6 . Arkiverad 2 april 2008 på Wayback Machine
  • Sångaren L. S. Om porträttet. Realismens problem i porträttkonsten. - M. , 1969.
  • Zinger L. S. Uppsatser om porträttets teori och historia.
  • Sångaren L. S. Vägen till porträtttypen // Artist. - 1980. - Utgåva. 9 .
  • Konsten att porträttet / Ed. A. G. Gabrichevsky. - M. , 1928.
  • Kisunko V. Porträtt - en plastisk bild av tiden // Konstnär. - 1977. - Nr 2 .
  • Kinesiska avhandlingar om porträtt. - L. , 1971.
  • Porträttproblem. - M. , 1974. - (Material of the scientific conference, 1972).
  • Romanychev A. Möjligheter för ett porträtt // Konstnär. - 1973. - Utgåva. 6 .
  • Sidorov A. A. Porträtt som ett problem för konstsociologin (erfarenhet av problematisk analys). - Konst, 3. M., 1927, bok. 2-3, sid. 5-15.
  • Stasevich V. N. Porträttets konst. - M. , 1972.
  • Tukhengold Ya. A. "Om porträttet", 1912 // Apollo, 1912. Nr 8, s. 33-52; I bok. "Problem and Characteristics", sid., 1915).
  • Friche V. Sociology of Art., Kapitel "Porträttgenre". M.-L., 1926, sid. 144-150
  • Shchakson A. Om likhet // Artist. - 1963. - Nr 9 .
  • Gordon C. Aymar. Konsten att måla porträtt . — Philadelphia: Chilton Book, 1967.
  • Furst H. Porträttmålning. Dess natur och funktion. London, 1927
  • Schneider, Norbert. The Art of the Portrait: Mästerverk av europeiskt porträttmåleri, 1420-1670. Taschen 2002.
  • Waetzoldt W. Die Kunst des Portrats. Leipzig, 1908; Einführung in die bildenden Künste, 1-2. Leipzig, 1912

Länkar

  Gå till Wikidata-objektet  Ordböcker och uppslagsverk
  Porträttets historia
forntida egyptiska porträtt Romerskt skulpturporträtt Medeltida porträtt Proto-renässans porträtt Italiensk renässansporträtt barockporträtt Ryskt porträtt