Sculpture in Israel är en samling skulpturala verk skapade i landet sedan 1906, tiden för grundandet av Bezalel Academy of Arts . Processen att konsolidera israelisk skulptur utvecklades under inflytande av internationell bildkonst . I de tidiga dagarna av existensen av israelisk konst, repatrierade många berömda skulptörer, vars konst syntetiserades under inflytande av Europaskolan och den judiska nationella identiteten,till Eretz Israel .
Trenden att skapa en lokal riktning för skulpturkonst började utvecklas på 30-talet av XX-talet med framväxten av verk av "kanaanitisk" skulptur , skapad under inflytande av europeisk konst med motiv hämtade från österländsk, främst mesopotamisk konst. Syftet med att tillämpa dessa motiv, utformade i nationella förhållanden, var att spegla förhållandet mellan sionismen och fosterlandet. Trots ambitiösheten hos abstrakt konst , som uppstod i Israel i mitten av 1900-talet under inflytande av New Horizons-rörelsen , fokuserade på skapandet av universell skulptur, hade israelisk skulpturkonst alla kännetecken för en "kanaaneisk" riktning. Under 70-talet av XX-talet, under inflytande av internationell konceptkonst, fick israelisk skulpturkonst nya uttrycksformer. Dessa metoder förändrade avsevärt definitionen av skulptur och gjorde det möjligt att uttrycka politiska och sociala protester, som dittills inte hade återspeglats i israelisk skulpturkonst.
Erfarenheterna av att hitta inhemska nationella resurser för utvecklingen av israelisk skulptur från 1800-talet var problematisk i två avseenden. För det första hade både konstnärerna och det judiska samfundet i Israel inte tillräcklig nationell sionistisk motivation för att följa utvecklingen av framtida israelisk skulptur. För det andra, i konsthistorien fanns det inga traditioner av skulpturell kreativitet vare sig bland de judiska samfunden i Israel, eller bland de araber och kristna som bebodde Eretz Israel på 1800-talet. Forskning utförd av Yitzhak Einhorn , Haviva Peled och Jonah Fischer identifierade de konstnärliga traditioner som är karakteristiska för perioden: främst utsmyckningar av religiös karaktär (judisk och kristen) skapade för pilgrimer , och även för export och inhemsk konsumtion. Dessa föremål inkluderar dekorativa kalendrar, präglade tvålar, sigill, etc., med motiv lånade till största delen från den grafiska konstens traditioner [1] .
I boken "The Sources of Sculpture of Eretz Israel" [2] kopplar den israeliska konsthistorikern Gidon Efrat samman perioden då den israeliska skulpturen började bildas med grundandet av konstskolan i Bezalel 1906. Han noterar dock de svårigheter som uppstod med att karakterisera denna typ av konst i Israel vid den tiden. Anledningen var påverkan av olika områden inom europeisk konst på skulpturell kreativitet i Eretz Israel med ett relativt litet antal israeliska skulptörer, av vilka många arbetade länge i europeiska länder .
Samtidigt, inte ens på konstskolan i Bezalel, som grundades av skulptören Boris Shats , ägnades inte riktningen för den skulpturala konsten tillräcklig uppmärksamhet, och skolans specialisering var målning och tillämpad konst av grafik och design . I den nya skolan "Betsalel", skapad 1935 , fick skulpturen inte heller någon betydelse. Även om en skulpturavdelning skapades på skolan stängdes den ett år senare eftersom den uppfattades som en hjälpateljé, och inte som en fristående avdelning. Istället för avdelningen för skulptur öppnades avdelningen för keramik [3] . Under dessa år presenterades faktiskt separatutställningar av stora skulpturer på Bezalel-museet och Tel Avivs konstmuseum , men dessa var isolerade fall som inte speglade kopplingen mellan skulptur och tredimensionell konst. Denna inställning till skapandet och utvecklingen av skulpturkonst i Israel rådde fram till 60-talet av XX-talet.
Början av bildandet av skulpturkonst i Israel, såväl som israelisk konst i allmänhet, är grunden för Bezalel- skolan i Jerusalem 1906 . Boris Schatz , grundaren av Bezalel, som specialiserade sig på att skapa basreliefporträtt och skulpturer på judiska teman i akademisk stil , studerade skulptur i Paris med Mark Antokolsky och skickades av honom till Jerusalem .
Schatz arbete var genomsyrat av en ny känsla av judisk sionistisk tillhörighet. Detta återspeglades i förkroppsligandet av tomterna och hjältarna från Tanakh , som avbildades i traditionerna för europeisk kristen konstnärlig uppfattning. Schatzs staty "Mattatiyahu Hasmonean" (1894) föreställer till exempel den nationella ledaren, den judiske prästen Mattathias Hasmonean , som håller ett svärd och trampar på en grekisk soldats kropp. Denna idé är förknippad med ideologin om "det goda"s seger över "det onda", vilket återspeglas till exempel i Perseus skulptur ( XV-talet ) [4] . En serie minnesreliefer för att hedra Yishuv - ledare skapas också i traditionen av klassisk konst , kombinerat med jugenddekor . Den klassiska konstens och renässanskonstens inflytande är tydligt i alla kopior av Schatz skulpturer som placerats i Bezalelakademins hem för funktionshindrade som idealiska modeller för skolans elever. Bland dessa verk fanns en kopia av hans staty "Mattatiyahu Hasmoney" ( 1894 ), som representerade den nationella ledaren, en judisk präst, och kopior - "David" och "Foto med en delfin" ( 1465 ) av Andrea Verrocchio [5] .
I Bezalelskolans riktning kunde målarkonsten , illustrationen och formgivningen urskiljas , medan arbetet i riktning mot skulpturkonsten var begränsat. Bland de få seminarier som startade i skolans avdelningar fanns träsnideri och basreliefworkshops till minne av sionismens ledare och det judiska folket, samt workshops om dekorativ konst : kopparplåtsteknik, inläggningsarbete och liknande. År 1912 öppnades avdelningen för elfenbenssnideri , som också specialiserade sig på tillämpad konst [6] . I sin promemoria noterade Schatz institutionens verksamhet inom olika områden, inklusive skapandet av stenskulpturer av studenter för serien "Judiska legionen" och en träsnideriverkstad [7] .
Från de första dagarna av skapandet av Bezalel-skolan arbetade flera andra skulptörer tillsammans med Schatz. 1912 , på inbjudan av Schatz, kom Zeev Raban till Israel , som undervisade i skulptur och anatomi i Bezalel . Raban studerade skulptur vid Münchens konstakademi och sedan vid Paris Beaujart och vid Belgiska kungliga akademin. Med hjälp av erfarenheten av sin grafiska praktik skapade Raban figurativa skulpturala basreliefer i en akademisk stil med orientaliska inslag. Således presenteras sammansättningen av terrakottafigurerna "Ali och Samuel" ( 1914 ) i form av jemenitiska judar . Emellertid var Rabans huvudsakliga skulpturala aktivitet i skapandet av dekorativa element i basrelief [8] .
Andra konstnärer, även lärare i Bezalel, skapade realistiska verk i en akademisk stil . Eliezer Strich , till exempel, skulpterade byster av Yishuv- ledare . En annan konstnär, Itzhak Syrkin , ristade porträttbasreliefer från trä och sten.
Det huvudsakliga bidraget till skulpturkonsten under denna period gjordes av Abraham Melnikov , som arbetade på Bezalel-skolan. Melnikov skapade sin första staty 1919 , efter att han anlände till Eretz Israel för att tjäna i den judiska legionen . I slutet av 1920 -talet skapade Melnikov flera karakteristiska stiliserade terrakottastenskulpturer . Bland hans mest kända verk finns en serie symboliska verk som representerar den judiska nationella väckelsen, som Yehudas uppvaknande ( 1925 ), monumenten över Ahad-ha-Am ( 1928 ) och Max Nordau ( 1928 ). Dessutom presenterades Melnikovs verk på en utställning med israeliska konstnärer i Davids torn .
Det rytande lejonmonumentet ( 1928-1932 ) var en fortsättning på denna trend, men vid den tiden visade det sig ligga utanför ramen för den judiska allmänhetens traditionella konstuppfattning. Monumentet finansierades av Histadrut , National Committee och Sir Alfred Mond . Den monumentala statyn av ett lejon är huggen i granit under inflytande av primitiv konst och mesopotamisk skulptur från 700- och 800 - talen f.Kr. [9] . Detta återspeglas mest i karaktärens anatomiska designstil.
TrettiotaletVerken av skulptörer som arbetade i Israel i slutet av 1920 -talet och början av 1930 -talet visar ett brett spektrum av stilistiska influenser. Bland skulptörerna var några anhängare av Bezalel-skolan, medan andra, särskilt de som kom till israelisk konst efter att ha studerat vid European Schools of Painting and Sculpture, var influerade av postmodernism eller expressionism (främst tyska ).
Bland konstverken av eleverna i Bezalel-skolan framträdde särskilt de skulpturala verken av Aaron Pryver , som gick in i Bezalel 1926 . Hans verk är gjorda i en kombination av realism med en arkaisk stil , eller moderat primitivism . 1930-talets kvinnliga karaktärer representeras i hans verk genom böjda linjer och schematiska ansiktsdrag. En annan student, Nachum Gutmann , mer känd för sina målningar och illustrationer, åkte till Wien 1920 och sedan till Berlin och Paris , där han studerade skulptur. Hans verk, som är miniatyrskulpturer av föremål, var expressionistiska till sin natur och uttryckte trenden av symbolisk primitivism.
Verken av David Ozeransky fortsatte traditionen av dekorativt arbete av Zeev Raban. Han hjälpte Raban att skapa skulpturala kompositioner för YMCA- byggnaden i Jerusalem . Ozeranskys huvudsakliga arbete under dessa år var den skulpturala kompositionen "Tio Tribes" ( 1932 ), gjord av tio kvadratiska dekorativa basreliefer, symboliskt skildrar tio kulturer associerade med Israels historia. Ett annat verk av Ozeransky, skapat av honom 1935, är en staty av ett lejon framför Generali-byggnaden i Jerusalem .
Verken av David Polus , som inte var professionellt utbildad i skulptur, gjordes i den judiska akademiska traditionen, fastställd av grundaren av Bezalel-skolan, Boris Schatz. Polus började skapa skulpturer och kombinerade kreativitet med en murares arbete i ett bygglag . Hans första betydande verk, där det stilistiska inflytandet från Bezalel-skolan märktes, var statyn av David Shepherd ( 1936 - 1938 ), utställd på en utställning i Ramat David. En annan monumental skulptur "Monument till Alexander Zayd" ( 1938 ), en struktur gjuten av betong , visade karaktären av "väktaren" - Alexander Zayd , med utsikt över Jisreeldalen . Monumentets centrala skulptur presenterades realistiskt, men i tolkningen av karaktären fanns en tendens att prisa med betoning på det jordiska ödet. Grunden för monumentet, skapat av Polus 1940 , var två tematiska basreliefer - "Skog" och "Herde", gjorda i en arkaisk-symbolisk stil [11] .
1910 reste skulptören Hana Orlova från Israel till Frankrike , där hon började studera vid School of Decorative Arts (École Nationale des Arts Décoratifs). I hennes verk, inklusive de som skapades under hennes studier i Frankrike, finns ett betydande inflytande från strömningarna av fransk konst under det tidiga 1900-talet, främst kubismen . Volumetriska statyer, skisserade av en slät kontur, huggen i sten och trä, är främst tillägnad representanter för det franska samhället på den tiden [12] . Förbindelsen med hennes hemland avbröts dock inte, och 1935 demonstrerade Khan Orlova sina verk på en separatutställning i Tel Avivs konstmuseum och 1949 - i Haifas konstmuseum [13] .
En annan skulptör i vars verk kubismens inflytande märks är Zeev Ben-Zvi . 1928 , efter examen från Bezalel-skolan, fortsatte Ben-Zvi sina studier i Paris . När han återvände till sitt hemland undervisade han i skulpturkonst under en kort period vid New Bezalel School. 1932 presenterade Ben-Zvi sin första utställning i Bezalels statliga hem för funktionshindrade, och ett år senare öppnade hans utställning på Tel Avivs konstmuseum . Statyn av Ben-Zvi "Pionjärsådd" presenterades på utställningen av konsten i Mellanöstern i Tel Aviv 1934 . Precis som Khana Orlovas verk är detta verk, gjort i kubismens stil , ganska realistiskt och motsäger inte normerna för traditionell konst [14]
Inflytandet från den franska realismens tendenser är märkbar i skulpturala verk av sådana europeiska konstnärer från det tidiga 1900-talet som Auguste Rodin , Aristide Maillol och andra. Idéns och formens symboliska karaktär är inneboende i verk av israeliska mästare inom skulptur och målning: Moshe Strenshus , Rafael Hamitser , Moshe Zifer , Yosef Constant (Konstantinovski ) ) och Dov Feigin ; de flesta av dem utbildades i skulpturkonst i Frankrike .
Inflytandet från tysk konst och särskilt tysk expressionism syns i verk av en grupp konstnärer som kom till Israel efter utbildning i olika städer i Tyskland och i Wien . Mästare som Jacob Brandenburg, Truda Chaim, Lily Gomferz-Byatos, Georg Schnitzer skapade skulpturala bilder, mestadels porträtt, med en palett av olika stilar, från impressionism till moderat expressionism.
En av dessa galaxer var Batya Lishansky , som studerade målning först vid Bezalel Academy, och sedan studerade skulpturkonsten vid Beaujar Academy i Paris . Efter att ha återvänt till Israel, influerad av Rodins konst , skapade hon uttrycksfulla, eftertryckligt realistiska skulpturala bilder. Lishansky är känd som författaren till en serie monument, varav det första - "Arbete och skydd" ( 1929 ), - installerades på graven av Ephraim Chizhik , hjälten från Haganah , som dog i strid . i Herzl- skogen . Denna skulpturs natur återspeglar dåtidens sionistiska utopi - en heroisk död för deras hemland.
Ett anmärkningsvärt inflytande på denna grupp konstnärers konst var Rudolf Lehmanns verk . Han började undervisa i skulpturkonsten i sin egen ateljé i slutet av 1930-talet. Lehman var elev till den tyske skulptören Federmeier, som specialiserade sig på att skapa bilder av djur. I Lehmans skulpturala bilder kan expressionismens inflytande spåras ; detta understryks av valet av skulpturalt material och arten av konstnärens verk. Trots den allmänna uppskattningen av Lehmans arbete noterade många israeliska konstnärer vikten av att studera hans metoder för att skapa verk av klassisk sten- och träskulptur.
I slutet av 1930 -talet skapades en grupp "kanaaniter" i Israel – en rörelse inom litteratur och konst, vars syfte var att jämställa alla de folk som levde i landet Israel under det 2:a årtusendet f.Kr. e. , med det judiska folket som bodde i Israel på 1900-talet , och skapandet av en ny kultur som bryter mot den judiska traditionen. En konstnär som identifierades med denna rörelse var skulptören Yitzhak Danziger , som återvände till Israel 1938 från England , där han studerade konst. Den nya nationella "kanaaneiska" konsten som föreslagits av Danziger, anti-europeisk, full av sensualitet och exotism från öster, speglade åsikterna hos många medlemmar av den judiska gemenskapen i Israel. "Drömmen om generationens samtida ", skrev Amos Kanan efter Danzigers död, " var att förenas i landet och på jorden för att skapa en bild, i synnerhet, med egenskaperna hos det som finns här och hos oss, och lämna en speciell prägel på historien. Det var först genom nationalismen som expressionistisk symbolisk skulptur fick en exceptionell stil, i den moderna brittiska skulpturens anda. [15] .
På gården till sjukhuset som ägdes av hans far skapade Danziger 1939 en konststudio där unga skulptörer arbetade: Benjamin Tammuz , Koso Elul , Yechiel Shemi , Mordechai Gumpel m.fl. [16] . I denna studio var Danziger engagerad i undervisningsaktiviteter och skapade också sina första betydande verk "Nimrod" ( 1939 ) och "Shabaziah" ( 1939 ). Dessutom blev studion känd bland tidens många konstnärer, som använde den för kreativ kommunikation.
Omedelbart efter presentationen blev statyn av "Nimrod" den främsta "stridspunkten" i Israels kultur . Statyn av Danziger presenterade den bibliska jägaren i bilden av Nimrod - en mager ung man, naken och oomskuren , med ett svärd hårt pressat mot kroppen och med en falk sittande på hans axel. Bilden skapad av Danziger påminner om de primitiva skulpturerna från den assyriska , egyptiska och grekiska civilisationen, i kombination med den europeiska andan från 30-talet av XX-talet. Statyn kombinerade en unik homoerotisk hednisk skönhet och avgudadyrkan . En sådan symbios har blivit centrum för kritiken från det judiska samfundets religiösa kretsar. Men i motsats till detta fanns det en annan tolkning av bilden - visionen av en judisk ung man av en ny formation i honom. År 1942 skrev den israeliska tidningen Morning: ”Nimrod är inte bara en staty, han är kött av vårt kött, andan i vår andlighet. Han är en symbol och ett monument. Kombinationen av mentalitet och mod, monumentalitet, ungdomsuppror, som pekar på en hel generation... Nimrod kommer att vara för evigt ung...” [17] .
Presentationen av statyn som en del av "Första grupputställningen av konstnärer från Eretz Israel" i maj 1944 på Habima Theatre [18] väckte en debatt kring den "kanaaneiska" gruppen . Efter utställningen berättade Danziger att Jonathan Ratosh , en av rörelsens grundare, bad om att få träffa honom. Kritiken mot "Nimrod" och "kanaanierna" kom inte bara från det religiösa samfundet, som protesterade mot avgudadyrkan, utan också från representanter för den sekulära kulturen, som protesterade mot förnekandet av judarna i judendomen. Således var "Nimrod" i centrum för en kontrovers som började långt innan själva statyn skapades.
Även om Danziger i efterhand inte såg statyn av Nimrod som ett exempel på israelitisk kultur, mottogs den kanaanitiska gruppens skulpturkonst positivt av många konstnärer. På 70-talet av 1900-talet dök skulpturala bilder av idoler och symboliska bilder upp i israelisk konst, gjorda i primitivismens traditioner . Dessutom sträckte sig inflytandet från denna skulptur till bildkonsten i New Horizons-gruppen , vars många representanter skapade "kanaaneiska" skulpturer under den inledande perioden av deras arbete.
Skulptur av New Horizons-gruppen1948 grundades New Horizons- rörelsen , som identifierades med den europeiska modernismens konstnärliga värden , särskilt abstrakt konst . Grundarna av gruppen var skulptörerna Koso Elul, Moshe Sternshus och Dov Feigin; senare anslöt sig andra skulptörer till dem. Israeliska skulpturer dominerade inte bara på grund av deras ringa antal, utan främst på grund av att målarkonsten, bildad av medlemmar i en grupp ledd av konstnären Iosif Zaritsky , ansågs vara en prioritet . De flesta medlemmarna i gruppen skapade verk av "rent" abstrakt skulptur, dessa verk hade också drag av metafysisk abstrakt symbolik, som inte har något värde för konst - som föråldrade och irrelevanta. Moshe Sternshus beskrev till exempel det interna trycket på gruppmedlemmarna att skapa konstverk med figurativa element. Det var en lång kamp som började redan 1959 , och ett år senare noterades att konstgemenskapen bevittnade en "abstraktionens triumf" [19] , som nådde sin höjdpunkt i mitten av sextiotalet. Sternshus sa att det fanns ett fall då en konstnär verkligen ville presentera en avantgardistisk staty av sitt eget verk. Hon hade dock ett huvud, och därför avvisade en av ledamöterna i kommissionen konstnärens förslag [20] .
Gidon Efrat, i sin uppsats om gruppen, spårar ett nära samband mellan konsten i New Horizons och konsten i den kanaanitiska gruppen . Trots den internationella betoningen av verken är många av dem kopplade till Israels mytologiska landskap. I december 1962 , till exempel, initierade Koso Elul det internationella symposiet om skulpturkonsten, som ägde rum i Mitzpe Ramon . Denna händelse var ett exempel på det växande intresset för skulptur i landskapets land ( särskilt ökenlandskapet ) . Landskapet uppfattades på den tiden som grunden för många monument och minnesmärken. I sin studie av konsten från 60-talet av XX-talet, föreslog Yona Fischer att intresset för landskapet och öknens magi "orsakades inte bara av nostalgi för en romantisk natur, utan också spelade en roll i uppfattningen av den israeliska kulturen som saknar samband med civilisationen" [22] .
Studiet av konstverk av varje grupp av konstnärer visade på tvetydigheten i uppfattningen om abstraktion och landskap. Karaktärsbildningen i Dov Feigins abstrakta skulptur var en del av en process av konstnärligt utforskande influerad av den internationella skulpturkonsten, i synnerhet verk av Julio González , Constantin Brancusi och Alexander Calder . Den huvudsakliga vändpunkten i Feigins arbete ägde rum 1956 , då han började skapa kompositionsdynamiska metallskulpturer [23] , såsom "Bird" och "Flight", materialet för vilka var svetstråd. Övergången till fullskaliga verk, med hjälp av tråd och böjd plåt, blev en naturlig process för utvecklingen av Feigins konstnärliga skicklighet, som påverkades av Pablo Picassos arbete , som använde en liknande teknik i sitt arbete.
I jämförelse med Feigin kännetecknas Moshe Sternshus verk av en mer gradvis utveckling av övergången till abstraktion. Efter att ha avslutat sina studier vid Bezalel studerade Sternshus skulpturkonsten i Paris . I slutet av 1934 återvände han till Tel Aviv och blev en av grundarna av Avni Institute of Art and Design . Den tidens verk av Sternshus hade karaktären av modernistisk akademisk skulptur, men de förkroppsligade inte de nationella sionistiska bilderna som var karakteristiska för Bezalelskolan. Sedan mitten av 40-talet har det funnits en märkbar trend mot skapandet av abstrakta skulpturer med en ökande användning av geometriska former som föreställer mänskliga figurer. Ett av de första sådana verken är skulpturen "Dance" ( 1944 ), utställd som en del av en grupputställning av Eretz Israel- konstnärer tillsammans med en staty av Nimrod. Sternshus verk var faktiskt inte helt abstrakta, eftersom de inte speglade symboler, utan en persons inre värld [24] .
Yitzhak Danziger började skapa metallskulpturer 1955 när han återvände till Israel och gick med i New Horizons-gruppen. Den skulpturala stilen han utvecklade var till stor del inspirerad av konstruktivistisk konst , uttryckt i formell abstraktion. Men många delar av Danzigers arbete var tydligt landskap i naturen, inklusive skulpturer förknippade med Tanakh som The Horns of Hattin ( 1956 ), The Burning Bush ( 1957 ), eller de skapade på platser som Ein Gedi ( 1950 -talet ) - " Sheep of the Negev" ( 1963 ) och andra. På många sätt indikerade denna kombination den "kanaaneiska" inriktningen av dessa verk [25] .
Yechiel Shemi , också en av Danzigers eleverbörjade skapa metallskulpturer1955Detta bidrog till att stärka den abstraktionistiska karaktären i hans verk. Kompositioner gjorda med lödning, svetsning och folieteknik var bland de första verken av gruppen som tillämpade dessa metoder [26] . Verk som The Myth (1956) visade till exempel ett betydande samband med kanaanetisk konst. Därefter vägrade Shemi att skapa verk med ett eftertryckligt symboliskt sammanhang.
Ruth Tzarfati föddes i Israel och studerade skulptur i en studio med Moshe Strenshus, som hon gifte sig med. Trots New Horizons-konstnernas stilistiska och sociala släktskap har Tsarfatis verk en distinkt oberoende stil som skiljer sig från de andra medlemmarna i gruppen. Detta återspeglades främst i figurativa skulpturer skapade med rundade linjer. Statyn "Sittande" (1953, till exempel, föreställer en kvinnlig figur utan identitet, men dess uttrycksfulla linjer är karakteristiska för expressionistisk europeisk skulptur, som i verk avHenry Moore. I en annan serie skulpturer, "Baby" (1959), figurer av barn och spädbarn presenterade i ovanligagroteskaposer av dockdockor.
På 1960-talet började påverkan av amerikansk konst, särskilt abstrakt expressionism , popkonst och senare konceptuell konst , att genomsyra den israeliska kulturen . Förutom nya konstformer var även popkonstens och konceptkonstens inflytande en direkt referens till tidens politiska och sociala verklighet. Israeliska konstnärer tenderade att utveckla personliga teman i sina verk, och ignorerade till stor del deltagande och diskussion om den israeliska politiska verkligheten. Skulptörer, anhängare av sociala eller nationalistiska teman, uppfattade konstinstitutionen som en anakronism [27] .
En av de första konstnärerna vars verk inte bara speglade inflytandet från internationell konst, utan också en politisk inriktning, var skulptören Yigal Tumarkin . 1961 , efter att ha avslutat sitt arbete som scenograf på Bertolt Brechts Berliner Ensemble , återvände han till Israel med rekommendationer från Yona Fischer och Sam Dubiner ( . De första verken av Tumarkin var kompositioner bestående av olika typer och delar av vapen. Skulpturen "Ta mig under dina vingar" ( 1965-1964 ) är gjord i form av ett metallskal, från vilket pistolpiporna sticker ut. På 60- och 70-talen var ett karakteristiskt drag i Tumarkins politiska konst kombinationen av nationella teman med lyriska (men inte erotiska) teman [29] . Ett liknande tillvägagångssätt tillämpades också på skapandet av den berömda skulpturen "Han gick genom fälten" ( 1967 ), där en utmaning mot den mytiska bilden av "sabran" manifesterades : hans sårade mage sattes på display, i vilken, som ett foster i livmodern, en rundad bomb. I sina verk från 70-talet använde Tumarkin nya material som skapar den så kallade "land art" -effekten , såsom jord, trädgrenar och tyger. Med deras hjälp försökte konstnären förstärka uppfattningen av politisk protest som en ensidig offentlig protest mot den arabisk-israeliska konflikten .
Efter sexdagarskriget i den israeliska konsten började sätt att uttrycka protester dyka upp mot de som Tumarkin föreslog. Dessa verk var dock inte vanliga skulpturer gjorda av trä eller metall. Under inflytande av avantgardekonsten , som utvecklades huvudsakligen i USA , var unga israeliska konstnärers verk föremål för önskan om konstnärlig verksamhet, som suddade ut gränserna mellan olika konster och inte alienerade konsten från det sociala och politiska livet. Skulptur började på den tiden inte uppfattas som ett självständigt konstobjekt, utan som ett direkt uttryck för fysiskt och socialt rum.
Plats, idé och handling: landskapsskulptur i konceptkonstEn ytterligare aspekt av de nya konstnärliga trenderna dök upp i det växande intresset för det israeliska landskapet . Utförda under inflytande av landart , återspeglade sådana verk det dialektiska förhållandet mellan landskapet i Eretz Israel och landskapet i öst . Rituella och metafysiska fenomen och karaktärer blev föremål för många verk , vilket gör att vi kan spåra det direkta inflytandet på landskapsskulpturen under den perioden av den kanaanitiska gruppens konst och den abstrakta konsten från New Horizons.
Ett av de första projekten av detta slag inom israelisk konceptkonst föreslogs av skulptören Yeshua Neustein . 1970 samarbetade Neustein med Georgette Bellier och Gerard Marquez för att utveckla Jerusalem River Project. Projektet inkluderade ljud förstärkta av "ramcoles" producerade av bruset från vattenflödet i östra Jerusalem , i territoriet från foten av Abu Tor och St. Clair till Kidrondalen . Den imaginära floden gav inte bara en anledning till icke-museikonst, utan också en ironisk anspelning på den messianska känslan av frälsning efter sexdagarskriget, i andan av Hesekiels och profeten Sakarias böcker (kap. XIV) [30 ] .
Den konceptuella aspekten i utvecklingen och omvandlingen av israelisk landskapskonst återspeglas i verk av Yitzhak Danziger , ägnat åt det lokala landskapet i flera år. Enligt Danziger var det nödvändigt att återställa den trasiga relationen mellan människan och hennes omgivning. Detta tillvägagångssätt fick honom att utveckla projekt som syftade till att återuppliva attraktioner, ekologi och kultur. 1971 debuterade Danzigers "Canopy Landscape" i en utställning på Israel Museum . I detta arbete, tillverkat av ett upphängt tyg målat med olika färger av fläckar, applicerades plastemulsion, cellulosafibrer och kemiska gödningsmedel, Danziger använde ljus och ett bevattningssystem för att odla gräs. Med hjälp av diabilder som presenterades tillsammans med tyget visade han hur stor skada på naturen som den moderna industrialiseringen orsakar. Utställningens ledmotiv var konst tillägnad människans och naturens enhet [31] .
"Korrigeringen" av landskapet, som ett konstuppdrag, fann sin fortsättning i projektet "Rehabilitering av Nesher Quarry ", på Karmelbergets västra sluttningar . Projektet utvecklades av Danziger tillsammans med ekologen Zeev Nava och markforskaren Joseph Morina. Målet med projektet, som aldrig slutfördes, var att använda olika tekniska och ekologiska medel för att skapa en ny miljö på resterna av stenbrottet. "Naturen återgår inte till sitt tidigare tillstånd ," sa Danziger, " du måste hitta ett sätt att skapa ett nytt allmänt koncept för att kunna använda naturen på nytt" [32] . Efter att den första fasen av projektet avslutats 1972, visades resultatet av restaureringsarbetet i en utställning på Israel Museum .
1973 började Danziger samla material till en bok som dokumenterade hans arbete. Vid utarbetandet av boken samlades dokument in från arkeologiska platser för tillbedjan och de regioner i det moderna Israel, som fungerade som en inspirationskälla för författaren. Boken "Plats" med fotografier av verk, skisser för projekt och miljöidéer presenterade i betydelsen abstrakt skulpturkonst (som "Regnvattenskörd" och liknande), gavs ut 1982, efter Danzigers död. En av yishuverna som beskrivs i den här boken, Bustan Khiyat vid Sikhfloden i Haifa , grundades 1936 av Aziz Khiyat . Tillsammans med Danzigers workshops på Technion och implementeringen av designupplevelser, ägnade han också mycket uppmärksamhet åt stödet och utvecklingen av Bustans gröna utrymme.
1977 planterades 350 ekplantor på Golanhöjderna för att hedra avtäckningen av ett minnesmärke över Egozbrigaden . Vid skapandet av monumentet föreslog Danziger, som fungerade som skiljedomare i planerings- och designtävlingen, att man skulle ägna särskild uppmärksamhet åt landskapet , vilket enligt hans åsikt skulle ge minnesmärket en mer funktionell karaktär: "Vi förstod att en vertikal struktur, gjorda i form av en skulptur, även om den är mycket imponerande, kan inte konkurrera med bergskedjan. När vi klättrade upptäckte vi att stenarna, som såg ut som struktur på långt håll, är äkta och har en speciell karaktär . Detta bekräftades av studiet av de heliga platserna för beduinerna och palestinierna i Israel, platser där träden bredvid de rättfärdigas gravar är speciella karaktäristiska symboler. Genom att lyda känslornas kraft hänger människor klarblåa och gröna tyger på dessa ekar och gör önskningar [34] .
Unga konstnärer, anhängare av Danziger, skapade 1972 en serie verk i området mellan Kibbutz Metzer och den arabiska byn Meyser. Micha Ulman grävde , med hjälp av ungdomar från båda samhällena, ett hål i var och en av dem och gjorde ett symboliskt utbyte av landområden. Moshe Gershuni organiserade en ceremoni där han delade upp Kibbutz Metzers land mellan sina vänner. Avital Geva öppnade ett improviserat bibliotek på territoriet som skiljer de två samhällena åt, sammansatt av böcker tryckta på papper från Amnirfabriken [35] .
Inspirerad av Danzigers idéer färdigställde Yigal Tumarkin i början av 1970-talet en serie verk som kallas "Staket av olivträd och ekar", som inkluderade verk av tillfällig skulptur omgiven av träd. Precis som Danziger förknippade Tumarkin dessa verk med bildandet av popkulturens liv , i synnerhet i arabiska och beduinska byar, och skapade dem på ett säreget morfologiskt konstnärligt språk, enligt metoden att skapa skulpturen Poverty bricolage .
Teman för vissa verk relaterar inte bara till fredlig samexistens, utan också till israelisk politik. Tumarkins verk som "The Crucifixion of the Earth" ( 1981 ) och "The Bedouin Crucifixion" ( 1982 ) är tematiskt ägnade åt att fördriva palestinier och beduiner och upprättandet av "korsfästelsens pelare" på deras marker [36] .
En annan grupp som agerade i samma anda att skapa metafysiska verk med judiska teman var Leviathan , som inkluderade Avraham Ofek, Michael Grobman och Shmuel Akkerman. 1975 publicerade de ett manifest där de karakteriserade det nuvarande konstläget genom att hänvisa till tre huvudelement: det primitiva, symbolen och tecknet. Den här gruppens arbete kombinerade konceptuell konst , landart och judisk symbolik. Abraham Ofek var främst intresserad av skulpturens koppling till symbolik och religiös bildspråk. En serie av hans verk har spegelbilder av hebreiska bokstäver , ord med religiösa symboler, kabbalistiska och andra skildringar av landskap eller byggnader. I Light Signals ( 1979 ), till exempel, projiceras bokstäver på människor, tyger och landet i Judean Desert . I ett annat verk - "America, Africa, Green Card" ( 1980 ) - finns orden avbildade på väggarna på en av gårdarna i Tel Hai [37] .
Abstrakt skulptur: mellan mytologi och modernismFör att studera abstrakt skulptur åkte Menashe Kadishman till London i början av 60-talet . Den konstnärliga stil han utvecklade under dessa år var en följd av det starka inflytandet från brittisk skulpturkonst, varav Anthony Caros verk , en av Kadishmans lärare , var framstående exempel . Men i likhet med Danzigers och andra israeliska skulptörers konst sipprade hans stil in i landskapsskulpturer och skildringar av rituella föremål. Under sin vistelse i Europa skapade Kadishman en serie skulpturala bilder av människor och rituella altare med inslag av primitivism [38] . Några av dessa verk, som "Stress" ( 1966 ) eller "Rise" ( 1967-1976 ) , återspeglar tydliga geometriska former.
I slutet av årtiondet, i verk som "Aqueduct" ( 1968-1970 ) eller "Segments" ( 1969 ) , använde Kadishman glas för att separera stenblock, vilket orsakade strukturella spänningar mellan olika delar av skulpturen. När han återvände till Israel i början av 1970-talet skapade han verk i landkonstens anda . Ett av nyckelprojekten var en komposition ( 1972 ) där en gul fyrkant placeras vid basen av Israel Museum . Verket uppfattades som ett globalt monument över naturen, som är föremål och föremål för den kreativa processen [39] .
Andra israeliska skulptörer skapade också abstrakta symboliska verk. Medan skulpturerna av Michael Gross tolkade det israeliska landskapet på ett abstrakt sätt, innehöll Yaakov Aghams verk en aspekt av judisk teologi. Dessutom var Agama-skulpturen ett innovativt försök att skapa kinetisk konst . Hans verk, som 18 Degrees ( 1971 ), suddade inte bara ut gränsen mellan betraktare och skulptur, utan manade också till aktivt utforskande.
Olika typer av symbolik är också synliga i Dani Karavans verk . Skulpturer skapade av Caravan i naturen, från "Monument till Negev-brigaden" ( 1963-1968 ) till "Vita torget" ( 1989 ), var kända i europeisk avantgardekonst som verk av abstrakt symbolik som skildrar det israeliska landskapet . Med hjälp av modernistisk arkitekturs metoder , särskilt brutalistisk arkitektur, samt placeringen av skulpturer i museirummet, skapade Karavan ett slags utbytbara landskap, formade dem på nytt, som en utopi eller ett försök till dialog med samma landskap [40] .
Micha Ullman fortsatte och utvecklade begreppet natur och underjordiska strukturer, artikulerat med en minimalistisk estetik. Hans verk The Third Shift ( 1980 ) presenterar avloppsrör som innehåller avfallet från den vanliga mänskliga existensen [41] .
Buki Schwartz absorberade inflytandet från konceptkonst främst under sin tid iNew York. Schwartz verk formar och förstör samtidigt betraktarens relation till konstverket. Ivideokonstfilmen"Video" (1978-1980)visadeSchwartzillusionmed hjälp av optiska medel, vilket betecknar en illusorisk form i rymden och förstör den genom att introducera närvaron av en kropp [42] . I skulpturala verk som "Hover" (1976) eller "Reflection/Thinking Triangle" (1980) vände Schwartz sig till tung geometrisk form, genom att lägga till speglar för att uppnå illusionen av att "flyga i luften" i stil med Kadishmans verk.
Personlighet, kropp och handling: skulptur och konst på 1970-taletBildkonstens inflytande, som började utvecklas i USA på 60-talet av 1900-talet, trängde in i israelisk konst i slutet av samma decennium med aktiviteterna i gruppen Ten Plus , ledd av Rafi Lavi och Third Eye-gruppen, ledd av Jacques Cutmore[43] . För en kritisk analys av rymden använde många skulptörer de olika möjligheter som tekniska framsteg gav dem. Trots det faktum att det i den periodens verk finns ett förkastande av behovet av en verklig fysisk representation, är samtidigt konstnärernas entydiga inställning till rymden i politiska, sociala och genusmässiga aspekter uppenbar.
Pinchas Cohen-Gan skapade under dessa år en serie verk av politisk karaktär. Kompositionen "Touching the Border" (7 januari 1974) representerar fyra järnstänger på gränsen till Israel, där israeliska medborgare arresterades och placerade på dem information om landetsdemografi. Verket "Actions in the Jericho Refugee Camp" speglar händelserna som ägde rumden 10 februari 1974,nordost omJericho, nära Khirbet al-Fajr. Cohen-Gan skildrade sin egen upplevelseav immigrationoch upplevelsen av palestinska invandrare som byggde ett tält som såg ut som ett båtsegel. Cohen-Gan initierade också kallelsen till Israel om 25 år, år 2000. Denna vädjan sade: "En flykting är en person som inte kan återvända till sitt hemland" [44] .
Konstnären Efrat Nathan skapade en serie konstverk som återspeglar bristningen i relationen mellan betraktaren och konstverket, i ljuset av kritiken av israelisk militarism efter sexdagarskriget . Bland hennes mest kända verk är skulpturen "Head", en mask huggen i trä på konstnärens huvud. Nathan uttryckte det på dagen efter Tsakhal- paraden 1973 och gick genom de centrala gatorna i hela Tel Aviv . Formen på masken i form av bokstaven "T" liknade ett kors eller ett flygplan och begränsade synfältet [45] .
En serie verk skapade på 70-talet av skulptören Moshe Gershuni visade en kombination av politisk och konstnärlig kritik med poesi. I hans verk, som under dessa år blev känt som konceptuell skulptur, sågs problemet med att definiera estetisk konst som motsvarigheten till ett politiskt problem i Israel. Ett av de verk som speglar denna trend var verket "Gentle Hand" ( 1975 - 1978 ), där Gershuni kombinerade ett tidningsreportage om övergrepp mot palestinier och en sorglig dikt om kärlek av Zalman Shneur , återgiven av Gershunis röst. själv, från en högtalare placerad på taket till Tel Avivs konstmuseum . I detta arbete användes en minimalistisk och konceptuell estetik för att kritisera sionismen och det israeliska samhället [46] .
Verken av Gidon Gechtman , skapade under dessa år, ägnas åt det komplexa förhållandet mellan konst och konstnärens liv, såväl som dialektiken i konstnärlig representation och verklighet [47] . I ett collage från serien Exposition ( 1975 ) skildrade Gechtman till exempel ceremonin att raka kroppshår som förberedelse för hjärtkirurgi, med hjälp av en dokumentär stil av fotografering, medicinska journaler och röntgenbilder som visar en ventil implanterad i kroppen. I ett annat verk, "Brushes" (1974-1975 ) , presenterades Gechtmans och hans familjemedlemmars hår i form av olika arvegodsborstar, inhysta i träfodral, dekorerade i en anda av en sträng minimalistisk estetik.
Gechtmans viktiga arbete under denna period var kompositionen som presenterades på utställningen "Open Seminar" ( 1975 ) på Israel Museum . Utställningen ägnades åt att summera det sociopolitiska resultatet av det så kallade "judiska arbetet" och inkluderade verk av Gechtman som skaparen av en ny avdelning av museet. På utställningen lade Gechtman upp en dödsruna med titeln "Jewish Labour" och fotografier av arabiska arbetare på byggarbetsplatser. Detta verk, som innehöll bilder av representanter för enskilda politiska partier, visade tydligt det mångfacetterade förhållandet mellan konstnären och samhället.
På 1980-talet började den internationella postmodernismens inflytande tränga in i den israeliska kulturen . Främst påverkan av tänkare som Jacques Derrida och Jean Baudrillard , som skapade det filosofiska konceptet semantisk och relativ verklighet. Tanken att representationen av ett "simulacrum" , det vill säga ett föremål i relationen mellan det märkbara och det markerade, inte är dess direkta tilltalande, har skapat en uppfattning om konstobjektets status i allmänhet och i skulptur i synnerhet .
Gidon Gechtmans verk speglar övergången från 70- och 80-talens konceptuella tillvägagångssätt till en ny strategi som förvandlar ett verkligt föremål (en dödsruna, en sjukhussäng eller en leksaksvagn) och gradvis blir ett konstverk [48] . Egna element skapades på nytt med hjälp av olika konstgjorda material. Dödsannonsen var till exempel upplyst i neon som en skylt. Ytterligare material som användes av Gechtman under denna period - formike (eldfast plast) och konstgjord marmor , vittnade också om konstgjordheten hos konstnärliga representationer och deras separation från verklig tolkning.
Skulptur i plywood på 80 -taletPå 1980 -talet kännetecknades arbetet av några israeliska skulptörer av användningen av plywood som huvudmaterial. Användningen av plywood, som regel, i traditionen av snickeri, betonade volymen av föremålet som skapades. Konceptet med en sådan skulptur, som betonade frånvaron av det heroiska, och nådde sin höjdpunkt under dessa år, är förknippat med stilen "fattigdom på material" . En av de första konstnärerna som skapade sådana skulpturer i en konceptuellt minimalistisk stil på 70-talet var Nachum Tevet . I motsats till hans arbete på 70-talet, som utfördes i traditionen av en seriös estetik , framstår arbetet från det tidiga 80-talet som en rad alltmer dissekerade strukturer skapade i snickeriverkstäder. Dessa verk karakteriserades som "en fälla för att locka ögonen till penetration (...), hitta falska frestelser, av vilka några blockerar vägen som leder till målet" [49] . Den skulpturala gruppen kallad "Drawing Lessons", som bildades under denna period och inkluderar skulpturer som "The Big Dipper (Eclipse)" ( 1984 ) och "Jamma'in" ( 1986 ), återspeglade många synpunkter, "som demonstrerade instabiliteten i objektet i den postmoderna världen" [50] .
Verken av Drora Domini demonterades och återmonterade delar av husgeråd, såsom trasiga möbler. Hennes abstrakta skulpturala kompositioner, relativt små, kännetecknas av absurda kopplingar mellan olika objekt. I slutet av decenniet introducerade Domini ytterligare bilder i sina verk, förkroppsligade i poetiska skulpturala kompositioner [51] .
Yitzhak Golombek skapade sina träskulpturala strukturer i slutet av årtiondet. Dessa verk är vissa föremål gjorda av plywood, i strid med deras naturliga storlek. Föremål och strukturer presenteras staplade ovanpå varandra. Itamar Levyi sin artikel med titeln "Little Big Head" [52] kopplingen mellan betraktaren och Golombeks verk som ett försök att separera uppfattningen av det visuella och uppfattningen av betydelse. De verk som Golombek skapade var osammanhängande strukturer, vilket orsakade avvisande av betraktaren, som strävar efter en homogen identitet och enhetlig tolkning. Medan formen på föremålen indikerade en tydlig identitet ("Nyckel", "Fall", "Tand"), avvisade och förstörde inkarnationen elementens fysiska betydelse.
Olika typer av skulpturala installationer skapades, från mitten av 80-talet, av gruppen "Zik" . Verk gjorda av trä med kombinationer av olika konstnärliga tekniker var avsedda för storskaliga föreställningar och ceremoniella evenemang. Som regel var klimaxen för sådana händelser en offentlig brinnande ceremoni av den skulpturala strukturen. På 1990-talet fokuserade gruppen sin verksamhet på omvandling av material och övergav ritualerna för bränning [53] .
Postmoderna tendenser i israelisk skulpturkonstEn annan effekt av det postmodernistiska förhållningssättet var att försöka störa den sociala historiens mening. Konsten sågs inte längre som en ideologi som stödjer eller motsätter sig den israeliska hegemonens diskurs som en grund för att spegla en pluralistisk och öppen verklighetsdiskurs. Publikationen "Political Revolution" från 1977 hävdar att samhällsskikt fortfarande inte figurerar i "identitetsdiskursen".
I början av 1980-talet började fiktion dyka upp i det israeliska samhället som avslöjade temat för Förintelsen . I den "andra generationens verk" dök bilder och karaktärer upp, hämtade från andra världskrigets historia och kombinerade i ett försök att identifiera deras tillhörighet till judarna och till Israel. Noterbart bland dessa banbrytande verk var Moshe Gershunis The Red Chasing: Theatre ( 1980 ) och Chaim Maors . Detta tema upprepades tydligare under 1990-talet. En stor grupp verk skapade av Yigal Tumarkin bestod av monumentala verk som speglar olika aspekter av Förintelsen: från dess fasor till dess tolkning i den civiliserade världen. I Penny Yasurs skrifter presenteras till exempel Förintelsen i en rad strukturer och mönster, inklusive krigsrelaterade anspelningar och citat. Verket "Screens" ( 1996 ) - en järnvägskarta över Tyskland 1938 i form av en basrelief på gummiplattor, för första gången demonstrerad på utställningen "Dokument", speglar sambandet mellan offentligt och personligt minne [54 ] . Andra material som används av Yasur i olika arkitektoniska utrymmen, metall och trä, skapar en atmosfär av alienation och skräck.
En viktig aspekt av minnet av förintelsen var förknippad med repatriering och återvändande under de tidiga decennierna av Israels statsskapande. Den motsvarande konstnärliga upplevelsen åtföljdes av en protest mot bilden av den "israeliska sabran" och en särskild uppmärksamhet på bilderna av repatrierade. Skulptören Philipp Ranzer presenterade en serie verk som föreställer invandrare och flyktingar. I hans verk, som skapas som en samling av olika färdiga material, återspeglas motsättningen mellan beständighet och en känsla av instabilitet. Ranzers skulptur Boxen från Ness Ziona ( 1998 ) föreställer en orientalisk kamel , som på ryggen bär bostaden för Ranzers egen familj, belägen (förr i tiden) i Ness Ziona . Figurer av medlemmar av familjen Ranzer presenteras i form av skelett [55] .
Utöver temat förintelsen fanns det en växande trend inom israelisk konst på 1990-talet att spegla traditionella motiv. Även om sådana motiv tidigare förekom i verk av konstnärer som Arye Aroch , Moshe Kastel och Mordechai Ardon , tog den judiska symbolismens värld en speciell plats i verk av konstnärer från början av 90-talet. Bland konstnärerna som använde dessa motiv var Belo-Simion Fainaro . I hans verk utgör hebreiska bokstäver och andra symboler grunden för föremål av metafysisk och religiös betydelse. I verket "There" ( 1996 ) skapade till exempel Fainaro en sluten struktur, vars fönster är avbildade i form av den hebreiska bokstaven "ש" - "shin" . Ett annat verk är en synagogamodell ( 1997 ) med fasta fönster i form av bokstäverna "א - ז" - " alef - zayin ", som representerar världens skapelsedagar [56] .
På 90-talet började olika konstverk med kön och sexuell läggning dyka upp. Sigal Freemore presenterade verk som speglar den västerländska kulturens kvinnliga bilder. I en utomhusskulptur ( 1989 ), belägen på Hen Boulevard i Tel Aviv - Jaffa , är bänkar avbildade som rostfria stålkonstruktioner på ett sådant sätt att kompositionen som helhet indikerar ett gap mellan privat och offentligt rum. I många av Frimors verk finns det en ironisk inställning till bilden av "Bruden", inspirerad av Marcel Duchamps verk "Det stora glaset". I Freemores verk The Bride blir huvudpersonen ett begärsobjekt, gestaltat i gjutna metallmaterial, kombinerat med bilder gjorda med olika konstnärliga metoder, som fotografi.
I sitt kompositionsvideokonstverk "Dinner Dress (Stories about Dora)" ( 1997 ) förvandlade Tamar Raban ett fyra meter i diameter festmatsbord till en enorm klänning på en krinolin och satte upp ett grandiost spektakel, som ägde rum under och ovanför matbordet. Allmänheten bjöds in till en middag förberedd av den kända israeliska kocken Tzachi Boxstrom och såg vad som hände under bordet genom monitorer monterade under genomskinliga mattallrikar [57] . Presentationen tog upp frågan om skillnaden mellan uppfattningen om minne och personlighet. Under showen berättade Rabann olika historier om sin mamma Dora, med hänvisning till personen "Dora" ( Ida Bauer , en av Sigmund Freuds hysteriska patienter ). Vid denna tidpunkt, i hörnet av hallen, broderade konstnären Pnina Reichman en fras på engelska: "all thouse lost words" ("alla dessa förlorade ord") eller "contaminated memory" ("förorenat minne"), tala jiddisch .
Många israeliska konstnärer har påverkats av genusdiskursens centrala plats i världens konst och kultur. Hilas videokonstverk Lulu Lin visar tydligt ett försök att förändra traditionella idéer om kvinnlig sexualitet. I No More Tears ( 1994 ) dricker Lulu Lin en äggula. Vissa konstnärer försökte inte bara uttrycka homoeroticism och känslor av skräck eller död i sina verk, utan också att utforska den sociala legitimiteten hos homosexuella och lesbiska i Israel. Av dessa konstnärer kan ett par lyftas fram - Nir Nader och Erez Harodi , Samt verken av konstnären Dani Seckheim .
I allmänhet, på 90-talet av XX-talet, tenderade utställningen av israelisk konst (obemärkt av många konstnärer) att sträva efter "visualisering av den delade upplevelsen" [58] , vilket uttrycktes i skapandet av funktionella skulpturella strukturer av stora storlekar med hjälp av teatralisk teknologi, särskilt inom videokonsten . Ämnet för många sådana strukturer var en kritisk genomgång av rymden. Bland konstnärerna i denna trend kan man peka ut Ohada Maromi eller Michal Rovner , som skapar videostrukturer där mänskliga handlingar förvandlas till dekorativa textmönster. Verken av Uri Zeig domineras av användningen av videoinstallationer för nära observation av mänskliga handlingar. På Peace Square ( 2006 ) skapade Zeig till exempel en videokonst med två fotbollslag och två bollar på planen. Genom att ändra de etablerade reglerna skapades olika varianter av spelet och nya handlingar för spelarna.
En annan framstående konstnär som skapar storskaliga videokonststrukturer är Sigalit Landau . Landau skapar uttrycksfulla strukturer som inkluderar många skulpturala element, och visar huvudsakligen social och politisk allegori. Landaus apokalyptiska shower, som "Country", "Earth", ( 2002 ) och "Infinite Resolution" ( 2005 ), kunde etablera sig i konsten och få erkännande från olika publik.
I Israel skapas monument främst för att fira många olika händelser i statens historia, särskilt förintelsen och israeliska krig. Monumenten ställs ut på allmänt tillgängliga platser och är ett populärt uttryck för respektive tids konst. Det första stora monumentet i Eretz Israel var statyn av det rytande lejonet , skapad av skulptören Avraham Melnikov och installerad i Tel Hai . Monumentets stora storlek och statliga finansiering för verket var en innovation inom israelisk konst på den tiden. Eftersom det är ett skulpturverk, tillhör monumentet den "kanaaneiska" konsten från den tidiga perioden.
De monument som restes i Israel i början av 1950 -talet , av vilka många skapades för att hedra de soldater som stupade i krigen för landets befrielse och självständighet, kännetecknas av kompositionernas bildspråk och den "elegiska" ton som frammanar Sionistiska känslor bland den israeliska allmänheten [59] . Monumenten är utformade som ett teaterrum. Den allmänt accepterade modellen av monumentet består av en mur av sten eller marmor, vars baksida inte används. På utsidan är namnen på de döda ingraverade och med dem en basreliefbild av en skadad soldat eller en allegorisk bild, till exempel bilden av ett lejon . De viktigaste monumenten placerades i en riktning vinkelrät mot ceremonin för att ge en högkvalitativ vy från alla sidor [60] .
En av de välkända skaparna av skulpturala monument under de första decennierna efter skapandet av staten Israel är Natan Rapoport , som immigrerade till Israel 1950 efter att ha vistats i Warszawas getto . Många av de monument som uppförts av Rapoport och tillägnat händelserna i samband med frihetskrigen är skulpturala verk av uttrycksfull karaktär, hämtade från den neoklassiska stilen. Mittpunkten i Rapoports "Torg i Warszawas getto"-monument som restes vid Yad Vashem ( 1971 ) är en basrelief med titeln "Gå till döden", som föreställer en grupp judar som bär en Torahrolle . Till vänster installerade Rapoport en kopia av monumentet som skapats för Warszawas getto. På så sätt skapades en berättelse om Förintelsen, som inte bara betonade tragedin utan också offrens heroiska mod.
Utformningen av monument tar hänsyn till skillnaderna mellan uppfattningen av minne, karakteristiska för olika perioder. Medan monumentet till den "unga försvararen", till exempel, hänvisar till en grupp hjältemonument skapade av Natan Rapoport i Yad Mordechai ( 1951 ) eller i söder ( 1953 ), där en betydande erfarenhet av att uttrycka de ideologiska och sociala aspekterna av konst märks, och är ett uttryck gemenskaper, monument av intim karaktär eller tillägnade naturen restes i Kibbutz Artzi, som till exempel "Mother and Child", skapade av Hana Orlov och installerade i Kibbutz Ein Gev ( 1952 ); eller monumenten av Yechiel Shemi vid Kibbutz HaSolelim ( 1954 ). Dessa verk speglar individens inre värld och är exempel på abstrakt konst [61] .
I motsats till exempel på figurativ konst, i de skulpturala monument som skapades på 50-talet, märks dominansen av den abstrakta trenden. I mitten av "Monument to the Pilots" (50-talet), skapat av Benyamin Tammuz och Aba Elhannani i Independence Park i Tel Aviv - Jaffa , finns en bild av en fågel som svävar över Tel Avivs klippa strand. Abstrakta konsttrender kan också hittas i David Palombos verk , som skapade reliefer och monument för regeringsbyggnader som Knesset eller Yad Vashem ; och i många andra verk, som Shlomo Ben Yosefs monument ( 1957 ) av Yitzhak Danziger på Rosh Pina . Men vändpunkten för trenden med figurativ representation uttrycks i Monumentet till "Negev-brigaden" ( 1963 - 1968 ), skapat av Dani Karavan i utkanten av staden Beer Sheva . Monumentet är gjort i form av figurativa element med en intern metaforisk betydelse, vars sammansättning skapar en fysisk kontakt mellan själva föremålet och ökenlandskapet .
Kombinationen av symbolik och abstraktion märks i "Skulpturen till minne av förintelsens offer", installerad på Rabintorget i Tel Aviv (tidigare "Torget för Israels kungar"). Yigal Tumarkin , när han skapade monumentet, använde ett element av symbolisk form - en omvänd pyramid gjord av stål, betong och glas. Även om glasmonumentet var tänkt att spegla vad som hände i staden [62] utan att spegla det nya utrymmet, smälte det harmoniskt in i det övergripande landskapet. Den konstnärliga tolkningen, uttryckt i produkten av en pyramidform med en triangulär bas, målad i gult, symboliserar "skam". Två kombinerade strukturer bildar Davidsstjärnan . Tumarkin jämförde bildligt monumentet med en "öppen fängelsecell". I en intervju förklarade Tumarkin att pyramiden också fungerar som ett bevis på en klyfta mellan ideologi och resultatet av förslavandet: "Vilken läxa lärde vi oss av konstruktionen av pyramiderna för 4200 år sedan […] är tvångsarbete och död ett uttryck för frihet?" [63] .
På 90-talet av 1900-talet började byggandet av monument av spektakulär natur, som inte är verk av abstrakt konst, i Israel. I "Children's Memorial" ( 1987 ), skapat av Moshe Safdie , eller i "Helicopter Crash"-minnesmärket, skapat 2008 , råder tendensen (tillsammans med symboliska former) att använda olika metoder som skapar känslomässig uppfattning.
Israelisk fin skulpturkonst kännetecknas av en tvetydig inställning till den realistiska skildringen av människokroppen. Den israeliska skulpturens födelse sammanföll med avantgardets och modernismens boom i europeisk konst, vars inflytande också manifesterades i skulptur skapad från 1930 -talet till nutid. På fyrtiotalet rådde tendensen till primitivism bland lokala konstnärer , och med tillkomsten av "kanaaneisk" skulptur uttrycktes åsikten att utvecklingen av människokroppen "har karaktären av landskapet i Eretz Israel ".
Ökenlandskapet var det centrala temat för många konstverk fram till 1980-talet. Användningen av sten och marmor samt traditionella materialbearbetningsmetoder som snidning minskade samtidigt som gjutning och svetsning föredrogs. Detta blev särskilt märkbart i mitten av 1900-talet, när den abstrakta konstens popularitet "New Horizons" ökade . Det var dock dessa metoder som gjorde det möjligt för konstnärerna att skapa skulpturala verk av monumentala proportioner som tidigare inte var vanliga i israelisk konst.
|
Vinnare av Dizengoffpriset
|
Vinnare
|
Israels pristagare
|
Vinnare av
|
|
| Israel i ämnen | ||
|---|---|---|
| Berättelse | ||
| Symboler | ||
| Politik | ||
| Försvarsmakten och specialtjänst | ||
| Administrativ indelning | ||
| Geografi | ||
| Befolkning | ||
| Ekonomi | ||
| Kommunikation och media | ||
| kultur |
| |
| Arabisk-israelisk konflikt | ||
| ||