Porträttets historia är utvecklingen av porträttgenrens utveckling från antiken till idag. De första proverna av porträttet är skulpturala och tillhör det antika Egypten. Detta följdes av porträttets storhetstid under antiken, genrens nedgång under medeltiden, nya upptäckter, uppkomsten och övergången till tekniken för stafflimåleri under renässansen, och sedan vidareutveckling under efterföljande århundraden.
Utvecklingen av porträttgenren påverkas av två trender:
Återgivningen av naturen i ett porträtt har varit huvudprincipen för porträttgenren i århundraden. Men under olika perioder fanns olika tolkningar av begreppet "likhet". Processen att imitera naturen och översätta den till en konstnärlig bild varje gång hade sina egna karakteristiska drag, som berodde på periodens allmänna ideologiska och estetiska förutsättningar, såväl som på den specifika kreativa praktiken - den kreativa metoden, stilen och medlen för konstnärligt uttryck [6] .
I det skulpturala porträttet gick utvecklingen av ett realistiskt porträtt på två sätt:
Det skulpturala porträttet, på grund av sin taktila imitationsförmåga, var i de tidiga stadierna av dess utveckling före bildporträttet när det gäller evolutionens hastighet, vilket i viss mån påverkade dess stil. Målarens uppgift har alltid varit svårare, eftersom för att förmedla volym på ett plan behövde han fullt ut bemästra teckningen, chiaroscuro och färg.
Utvecklingen av porträttgenren kännetecknas av följande principer: för det första, demokratisering. Om porträttordningen till en början bara förblev aristokratins privilegium, täckte genren med tiden hela det sociala spektrumet. Den andra principen är förändringen i storlek på grund av integreringen av porträttet i interiören. Till en början gjordes porträtt små och förvarades i lådor (möbler), sedan ökade deras roll och storlek, och de blev en fullvärdig del av dekoren [7] .
Det äldsta kända försöket att avbilda ett mänskligt ansikte är 27 000 år gammalt. I grottan Villonaire nära staden Angouleme (departementet Charente) hittades ett krita "porträtt" på väggens naturliga utbuktningar, som liknade ett ansikte till formen. Ritade horisontella linjer i ögon och mun och en vertikal rand som anger näsan [8] .
De första betydande exemplen på porträttet finns i forntida orientalisk, främst forntida egyptisk skulptur . (De överlevande bilderna av ansikten från den föregående perioden - konsten i Mesopotamien , är opersonliga bilder av gudar och har inga individuella drag).
Syftet med porträttet i egyptisk konst beror på kult, religiösa och magiska uppgifter. Det fanns ett behov av "duplicering" av modellen (det vill säga porträttet var en dubbelgång av den avlidne i efterlivet). Därför projicerades de faktiska individuella dragen hos modellen på den kanoniska typen av bild (som förkroppsligar något oförändrat). Ju mer porträttet såg ut som en modell, desto mer garanterat var kopplingen mellan stenbilden och den avlidne själv: hans livskraft (" Ka ") och hans själ (" Ba ") lämnade personen vid hans död, men Ka kunde hitta tillbaka till kroppen, för vilken det var nödvändigt att hålla den så hel och lika som möjligt - så uppstod principen om mumifiering och porträtt.
Kända porträtt av Gamla kungarikets period : statyer av det gifta paret Rahotep och Nofret , adelsmannen Ti, Khafre ( Kairomuseet ), skrivaren Hemon ( Louvren ), Ranofer. Prover på porträttskulpturer i trä har bevarats - den så kallade "Village Headman" (statyn av Kaaper - Sheikh el Beleda, Kairo). En av de tidigaste kungliga statyerna är den av farao Khasekhem ( II dynastin ). Inom skulptur etableras strikta kanoner för vissa typer av komposition - typen av en gående figur med ett ben framåt (alltid vänster), typen av en knästående figur, en figur som sitter på huk eller på en tron, med händerna symmetriskt placerade på knäna . Statyer målades (på vissa monument fanns färger bevarade). Ögoninlägg användes i statyer gjorda av halvädelstenar [9] . Gamla kungarikets porträttskulptur är fortfarande i full kontakt med arkitekturen och lyder geometriserade principer. Alla porträtt av det gamla kungariket kännetecknas av en generaliserad modellering av ansiktsformen, en näsa som expanderar nedåt och framhävda stora läppar. Under den 5:e dynastin försvagas faraos makt gradvis, och porträtt av den landsatta adeln och privatpersoner börjar dyka upp. Kroppens proportioner förlängs, silhuettens vackra linje ökar.
Avvikelsen från de kanoniska porträttbilderna skedde under farao-reformatorn Akhenatons regeringstid. Denna tid kännetecknas av en speciell Amarnakonst med sin realism, som ibland övergår i naturalism och samtidigt symbolik. Bilder av faraon och hans familj är fortfarande större, men de är inte längre nödvändigtvis idealiserade [10] . Hovskulptören Bek lämnade en anteckning om att Akhenaton bad konstnärer att skildra allt så realistiskt som möjligt [11] . Härskaren framstår inte som en erövrande krigare eller en jägare, utan som en far, en make. Han avbildas ofta med sina döttrar på knä och kramar försiktigt sin fru Nefertiti , familjescener och scener av dyrkan och dyrkan av Aton är inte ovanliga [12] . Det mest slående exemplet på konst från Amarna-perioden är bysten av Nefertiti , vanligtvis tillskriven en kunglig skulptör vid namn Thutmose den yngre , i ruinerna av vars verkstad bysten upptäcktes av Ludwig Borchardt 1912.
De gamla grekerna hade inte ett porträtt i ordets strikta bemärkelse på länge. De hade en sed att belöna vinnarna av sportspel genom att sätta upp sina statyer på offentliga platser, men dessa var idealfigurerna för idrottare som endast avbildade dem i allmänna termer, idealiserade och avrättades enligt den ideala skönhetskanonen . De grekiska republikerna förbjöd till och med offentliga personer och privatpersoner att beställa sina realistiska porträtt, eftersom de trodde att de kunde utveckla fåfänga hos medborgarna och stred mot principen om jämlikhet dem emellan. Under klassikernas tidevarv skapades generaliserade, idealiserade skulpturala porträtt av poeter, filosofer och offentliga personer.
Först på 500-talet f.Kr. e. för första gången dök riktiga porträtthermer och statyer upp bland grekerna , nämligen bland verk av Demetrius av Alopek , som levde under Perikles tid .
Den realistiska riktningen etablerades slutligen i porträttskulptur i hellenistisk konst - under Alexander den store , tack vare Lysippus och hans bror, Lysistratus , som var den första att forma masker från naturen. "Hellenistiska porträtt, samtidigt som de behåller principen om typifiering som är karakteristisk för grekiska konstnärer, förmedlar ojämförligt mer individuellt inte bara egenskaperna hos det yttre utseendet, utan också olika nyanser av modellens känslomässiga upplevelse. Om mästarna från den klassiska tiden i porträtten av representanter för samma sociala grupp först och främst betonade särdragen av gemensamhet (detta är hur typerna av porträtt av strateger, filosofer, poeter uppstod), så uppstod de hellenistiska mästarna, i liknande fall, som bevarar bildens typiska grund, avslöjar de karakteristiska egenskaperna hos denna speciella person" [13] . Från slutet av 400-talet före Kristus e. det antika grekiska porträttet blir mer och mer individualiserat, och så småningom dras det mot dramatiseringen av bilden.
"Individualismen under den hellenistiska eran uppträder å ena sidan i form av självbekräftelse av en stark egoistisk personlighet, som med alla medel strävar efter att höja sig själv över det sociala kollektivet och underordna det dess vilja. En annan form av hellenistisk individualism är förknippad med människans medvetenhet om sin impotens inför varats lagar. Det visar sig i vägran att slåss, i fördjupning i ens inre värld. Båda dessa former återspeglas i det hellenistiska porträttet, där två huvudlinjer kan urskiljas: den typ av porträtt av de hellenistiska härskarna, där konstnärens uppgift är att förhärliga en man med stark vilja och energi, som skoningslöst sopar bort alla hinder. på sin väg att uppnå sitt egoistiska mål, och den typ av porträtttänkare och poeter, vars bilder speglade medvetenheten om verklighetens motsättningar och maktlösheten att övervinna dem. [13]
Källor berättar om förekomsten av ett bildporträtt i Grekland, särskilt Apelles prisas , men ingenting från denna period har överlevt.
Från Grekland övergick porträttkonsten till romarna, som lade en ny sort till de tidigare släktena av plastporträttbilder (staty och herm) - bysten . Många grekiska hantverkare arbetade i Rom, dock redan i enlighet med den romerska kundens önskemål.
Utvecklingen av det antika romerska porträttet förknippades med ett ökat intresse för en viss person (i motsats till intresset för en person i allmänhet för antikens Greklands konst), med utvidgningen av kretsen av de porträtterade. Grunden för den konstnärliga strukturen i det antika romerska porträttet är en tydlig och noggrann överföring av modellens unika egenskaper, samtidigt som enheten hos individen och det typiska bibehålls. Till skillnad från det antika grekiska porträttet med dess tendens till idealisering (grekerna trodde att en god människa måste vara vacker - kalokagatia ), visade sig det romerska skulpturporträttet vara så naturalistiskt som möjligt och anses fortfarande vara ett av de mest realistiska exemplen på genren i konsthistorien. De gamla romarna hade sådan tro på sig själva att de ansåg en person värd respekt i den form som han är, utan utsmyckning och idealisering, utan att dölja tecken på åldrande och fysiska defekter (se t.ex. porträttet av kejsar Vitellius ).
En av rötterna till sådan realism var tekniken: det romerska porträttet utvecklades från dödsmasker , som togs från de döda och hölls vid hemaltaret (lararium) tillsammans med figurer av lars och penates [14] . De var gjorda av vax och kallades imagines . I händelse av att en medlem av familjen dog, bars förfäders masker i begravningsprocessionen för att betona antiken i den aristokratiska familjen. (Detta var en rest av kulten av förfäder ) [15] . Förutom vaxmasker förvarades brons-, marmor- och terrakottabyster av förfäder i lararium. Gjutna masker gjordes direkt från den avlidnes ansikten och bearbetades sedan för att ge dem en större naturlig likhet. Detta ledde till en utmärkt kunskap av de romerska mästarna om egenskaperna hos musklerna i det mänskliga ansiktet och dess ansiktsuttryck, vilket ledde till utmärkta resultat även med vanlig posering. Rötterna till en sådan begravningskult togs av romarna från etruskerna , vars porträtt också var extremt utvecklad [16] .
Under republiken blev det brukligt att resa statyer (redan i full längd) av politiska tjänstemän eller militära befälhavare på offentliga platser. En sådan ära tillhandahölls genom beslut av senaten, vanligtvis till minne av segrar, triumfer, politiska landvinningar. Sådana porträtt åtföljdes vanligtvis av en dedikerande inskription som berättar om meriter ( cursus honorum ). I händelse av ett brott mot en person förstördes hans bilder ( damnatio memoriae ). Med imperiets uppkomst blev porträttet av kejsaren och hans familj ett av de mäktigaste propagandamedlen.
Tillsammans med porträttbyster och statyer blev porträtt på mynt, cameos etc., delvis bildporträtt , utbredda . Myntkonsten var så utvecklad att moderna forskare känner igen omärkta marmorhuvuden från profilerna på mynten (tillsammans med inskriptioner). Tidiga exempel på staffliporträtt är Fayum-porträtt (det hellenistiska Egyptens territorium, I-IV århundraden e.Kr.), som fungerade som begravningsmasker . Till stor del förknippade med traditionerna från det antika orientaliska porträttet och med religiösa och magiska idéer, samtidigt som de skapades under inflytande av antik konst, direkt från naturen, bar de en uttalad likhet med en specifik person, och i senare prover - en specifik andlighet.
Det bysantinska och västromerska riket ärver inte det realistiska romerska porträttet. Mästarna i dessa perioder skildrar sina modeller på ett generaliserat och spirituellt sätt, dessutom finns det en betydande regression av teknisk skicklighet, på grund av vilken porträtten av olika kejsare praktiskt taget inte kan särskiljas, och det är nästan omöjligt att identifiera en marmorbyst ( även gjorda enligt kanon) av enhetliga profiler på mynt.
Under nästa årtusende tillhandahåller Europa inga porträttprover av hög kvalitet. Det finns en fullständig nedgång av genren. Den medeltida kulturen var inriktad på kampen mellan spiritistiska och spontana materialistiska tendenser, vilket lämnade ett särskilt avtryck på porträttets utveckling. Den medeltida konstnären, begränsad av strikta kyrkkanoner, vände sig sällan till porträttet. Den personliga början i hans förståelse upplöstes i religiös katolicitet. Under medeltiden är ett realistiskt, naturalistiskt porträtt mycket sällsynt. De förenklade och standardiserade dragen hos den avbildade karaktären gör det möjligt att identifiera honom endast med en viss social roll.
Det medeltida porträttet i de flesta av sina exempel är opersonligt. Samtidigt har vissa gotiska skulpturer, såväl som fresker och mosaiker av bysantinska, ryska och andra kyrkor, en andlig egenskap, en tydlig fysiognomisk säkerhet: konstnärerna ger gradvis helgonen ansiktsdragen hos verkliga människor. Självporträtt finns i miniatyrer av skriftlärda, som i Hildegard av Bingens verk .
Mer eller mindre börjar porträttet återvända till konsten från 10-1100-talen, men kvarstår ändå i underordnade roller. Den är en del av kyrkans arkitektoniska och konstnärliga ensemble, bevarad i gravstenar, på mynt och i bokminiatyrer (särskilt i porträtt av kunder till vilka böcker erbjöds. Dess modeller är huvudsakligen ädla personer - härskare och medlemmar av deras familjer, följe, donatorer av kloster och kyrkor." Den långa vägen till realistiska porträttbilder börjar med bilder av beskyddaren", skriver forskarna. [17] Ett av de första sådana verken är porträttet av Enrico Scrovegni av Giotto på väggarna i Scrovegni-kapellet i Padua 1304-1306.
Så smått börjar porträttet tränga in i stafflimåleri. Ett av de första exemplen på ett staffliporträtt från denna period är "Porträttet av Johannes den gode" (ca 1349 ). Under åren 1360-1380 gav det franska hovet i Valois en avgörande impuls till utvecklingen av porträttet; tidiga exempel på det europeiska porträttet tillhör denna period [18] .
Bilder av linjaler på mynt, kända i antiken, saknas också under medeltiden. Myntbildens födelse i Västeuropa förknippas med ett mynt som präglats av Sigismondo Malatesta för staden Brescia först omkring 1420 . Detta var början på ett avsteg från den medeltida traditionen att återge den symboliska bilden av härskaren vid prägling och som ett resultat övergången till bilden av en specifik person [17] .
Utanför EuropaI territorierna i öst (där det inte fanns några mörka medeltider ) var situationen med porträttgenren vid den tiden mer gynnsam. (Det kinesiska porträttet går troligen tillbaka till 1000 f.Kr., även om de överlevande monumenten går tillbaka endast till 1000 e.Kr.). Medeltida kinesiska porträtt kännetecknas av stor konkrethet (särskilt från Song-perioden , 10-1200-talen). Trots att de var föremål för en strikt typologisk kanon, skapade medeltida kinesiska mästare många ljust individualiserade sekulära porträtt, som ofta avslöjade intellektualism i modeller. Vissa porträtt av medeltida japanska målare och skulptörer är psykologiskt skärpta (till exempel " Porträtt av Minamoto no Yoritomo "). Höga exempel på porträttminiatyrer skapades av mästare från Centralasien, Azerbajdzjan, Afghanistan ( Kemaleddin Behzad ), Iran ( Reza Abbasi ), Indien ( Mir Hashim ).
Mochica -indianernas peruanska kultur (I-VIII århundraden) var en av de få gamla civilisationerna i den nya världen där porträtt fanns. Dessa verk representerar exakt de anatomiska egenskaperna hos människor. Modellerna avbildades så igenkännligt att det inte behövdes attribut eller signaturer med namn. Vi känner lätt igen medlemmar av eliten, präster, krigare och till och med hantverkare. Det finns människor i olika åldrar. Inga kvinnoporträtt har ännu hittats. Det finns en särskild betoning på presentationen av detaljer om huvudbonader, frisyrer, kroppsdekorationer.
Vändpunkten i porträtt, som återigen blev framträdande, kom under renässansen . Det var förknippat med en förändring i tidens ideologi. Renässansmänniskan var full av humanistisk realism, det vill säga att hon lossade religionens bojor och trodde på individens makt, började betrakta sig själv som alltings mått – och därför kom han fram i konsten.
I Italien återuppväcktes porträttet framför allt av skulptörer - Desiderio da Settignano , Mino da Fiesole , Antonio Rossellino , Luca della Robbia , Donatello , etc. De uppnådde snabbt lysande resultat i sin önskan att reproducera mänskliga ansikten i enlighet med verkligheten, definitivt uttrycka karaktärer och observera adelns stil. De första porträtten var baserade på antika mynt och medaljer, och visar därför ofta modellen i profil . Det tog lite tid och mental ansträngning att "veckla ut" personen som poserades i hel ansikte och tre fjärdedelar (efter att ha målat dem på samma sätt som före Kristus och helgonen i heliga målningar). T.n. Utgången från profilen till fronten är ett kompositionssymptom på bildandet av den europeiska porträttgenren under den tidiga renässansen [19] . En annan viktig komponent i utvecklingen av porträtt var uppkomsten av oljemålningstekniken , som gjorde att skrivandet blev mer subtilt och psykologiskt.
Den nya ideologin krävde en ny struktur för porträttet. Renässansens porträttmålare idealiserade till stor del modellen, men samtidigt försökte de verkligen förstå dess väsen. ”Genom att föreställa sin hjälte i en viss jordisk miljö placerade konstnären modellen fritt i rymden. Och modellen uppträdde allt oftare inte mot en villkorlig, surrealistisk bakgrund, som den var i medeltidens konst, utan i enhet med en realistiskt tolkad interiör eller landskap, ofta i direkt livekommunikation med fiktiv (mytologisk och evangelisk) tecken. I monumentala målningar, bland andra karaktärer, avbildar konstnären också ofta sig själv" [20] .
Renässansporträttets särdrag skildras delvis redan i porträttet av XIV-talet ( Giotto , Simone Martini ) och fast etablerade på XV-talet. ( Masaccio , Domenico Veneziano , Domenico Ghirlandaio , Sandro Botticelli , Piero della Francesca , Pinturicchio , Mantegna , Antonello da Messina , etc.).
Under andra hälften av 1400-talet var "porträtt" i fresk mycket vanligt. Vid denna tidpunkt börjar ett isolerat porträtt utvecklas särskilt intensivt. Skulptörer skapar en typ av individuella porträtt tidigare än målare, detta beror på inflytandet från det romerska antika porträttet. Formen på bystprofilporträttet, som fanns i Italien under hela 1400-talet, brukar förknippas med inflytande från antika medaljer. Pisanellos bild- och medaljongporträtt spelade också en exceptionellt viktig roll i utvecklingen av porträtt på 1400-talet. Men utvecklingen av genren i det republikanska Florens hämmades av inställningen till varje försök från en individ att sticka ut från det civila kollektivet. Och i de norditalienska furstendömenas hovmiljö utvecklades porträttkonsten obehindrat. Ferrara var centrum varifrån den "pisanelliska" traditionen kom till det norditalienska måleriet.
Profilporträtt behåller sitt kompositionsminne av att de tillhör någon redan existerande helhet. Själva profilpositionen av figuren ger upphov till intrycket av asymmetri, förskjutning av kompositionen. Varje profilporträtt av Quattrocento var tänkt som en del av en sidofigur placerad till höger eller vänster om den obefintliga huvudfiguren. Denna tydligt kände närvaro av ett osynligt centrum, till vilket alla dessa profilporträtt vänds, som tycks dyka upp, låter i dem som ett eko av medeltida katolicitet.
Den kompositionella bristen på oberoende, fragmenteringen av profilporträttet av Quattrocento återspeglas också i det faktum att det ständigt, så att säga, kräver ett tillägg. Därav spridningen av parporträtt. Få av dem har överlevt, men det är troligt att många av enstaka porträtt ursprungligen var diptyker, senare spridda. I ett antal fall kan man tala om mer komplexa ensembler, som förutom porträtt även innefattade symboliska eller heraldiska bilder.
Renässansens antropocentrism kommer särskilt starkt fram i porträttarbetet av högrenässansens mästare. Leonardo da Vinci , Raphael , Giorgione , Titian , Tintoretto fördjupar innehållet i porträttbilder ytterligare, utrustar dem med intellektets kraft, en känsla av personlig frihet och andlig harmoni, uppdaterar avsevärt medlen för konstnärligt uttryck (Leonardo das flygperspektiv Vinci, Tizians koloristiska upptäckter). Det mest kända porträttet i världen - " Mona Lisa " av da Vinci målades under denna era. Det mest kända mansporträttet vid denna tid var Rafaels porträtt av Baldassare Castiglione (enligt dess betydelse hängde det i Louvren mittemot Mona Lisa).
De italienska renässansmålarnas prestationer föregicks av framgångarna för representanterna för den nordliga renässansen , särskilt mästarna inom tidig nederländsk målning , inklusive Jan van Eyck och Hans Memling , Robert Campin . "Med en viss stilistisk likhet med det italienska porträttet utmärker sig deras verk av en större andlig skärpa av egenskaper och subjektiv noggrannhet i bilden. Om italienarna så att säga ofta höjer sin hjälte över världen, så framställs här ofta den person som porträtteras som en integrerad del av universum, organiskt inkluderad i dess oändligt komplexa system” [20] – för detta, både en detaljerad ordination av materialmiljön runt omkring, och de minsta rynkor i ansiktet användes.
Av de tyska målarna från denna period är porträttmålarna A. Dürer och Hans Holbein Jr särskilt kända . Mindre kända är de franska mästarna ( Jean Fouquet , François Clouet , Corneille de Lyon ).
Manieristiskt porträttI konsten att manerism (XVI-talet) förlorar porträttet renässansbildernas klarhet. Den avslöjar drag som återspeglar en dramatiskt störande uppfattning om erans motsättningar. Porträttets kompositionsstruktur håller på att förändras. Nu har den en accentuerad skärpa och rikedom av andliga uttryck. Detta är karakteristiskt för olika grader av porträtt av italienarna Pontormo och Bronzino , spanjoren El Greco .
I denna era uppstår nya former av gruppporträtt i olika länder. Hieratiskt frusna porträttgrupper från medeltiden ersätts av flerfigurskompositioner fulla av livliga och aktiva relationer mellan karaktärerna. De första betydande exemplen på grupp- och parporträtt i stafflimålning håller på att skapas. Typen av historiska porträtt utvecklas också i olika former.
På 1600-talet skapades de högsta prestationerna inom porträttgenren av arvingarna till den nederländska målningen. Vid denna tidpunkt var den uppdelad i två oberoende grenar - de flamländska och holländska skolorna. För konstnärerna i dessa skolor blev porträttet viktigare och viktigare, och tekniken förbättrades avsevärt.
Under denna period ägde grundläggande förändringar rum i livet i europeiska länder - sociala, ideologiska och vetenskapliga. De påverkade bildandet av nya former av porträtt, som nu är fylld av en förändrad världsbild. Det bröt med den antropocentrism som var inneboende i renässansen. Personligheten upplevde en kris, synen på verkligheten var inte längre harmonisk, en persons inre värld blev mer komplicerad. Mer komplexa kopplingar till omvärlden uppstod, men samtidigt fanns en önskan om djupare självkännedom. Därför pågår en sökning i porträttet: skaparna letar efter större lämplighet för modellens verkliga utseende och försöker avslöja hennes karaktär på många sätt. Det sker en djup demokratisering av porträttet, vilket märks särskilt i Holland. Porträtten visar personer som representerar de mest olika sociala skikten i samhället, nationella och åldersgrupper. Under denna period överförs nyckelpositionerna i porträttet till genren stafflimålning.
På grund av borgerlighetens förstärkning ökar antalet kunder för porträtt. I Holland börjar gruppporträttet bli utomordentligt populärt. Dessutom börjar konstnärer skapa porträtt-typer av människor från folket ( Diego Velazquez , Hals ). Det ökade suget hos konstnärer efter självförverkligande, hävdandet av en kreativ personlighet bidrar till utvecklingen av självporträttformer ( Rembrandt , hans elev Karel Fabricius , Anthony van Dyck , Nicolas Poussin ). Liksom tidigare tappar inte det aristokratiska porträttet mark: Rubens, Velasquez, van Dyck skapar både formella porträtt och genomträngande lyriska, intima ting. Målningstekniken är på en mycket hög nivå, utvecklingen av uttrycksfulla medel pågår: ”en övertygande överföring av ljus-luft-miljön genom ljus- och skuggkontraster, nya skrivsätt med täta korta, ibland separata drag, som ger bilden en hittills okänd vitalitet, verkligen påtaglig rörlighet” [20] .
Grunden för sammansättningen av många porträtt av denna period är rörelse, medan en stor roll ges till modellens uttrycksfulla gest. Plottsammankopplingen av gruppporträtthjältarna aktiveras, dess tendens att växa till en gruppporträttbild indikeras märkbart (till exempel Rembrandts nattvakt ).
Betydelsen av 1600-talets största porträttmålare sträcker sig långt utöver epoken. De största porträttmålarna bland flamlänningarna var Peter Paul Rubens och Anthony van Dyck, och mellan holländarna - Rembrandt, Franz Hals. Periodens spanska målare, Diego Velasquez, anses vara en av de största porträttmålarna i genrens historia. Av andra länders porträttmålare kan man nämna Vittore Gislandi (Italien), Francisco Zurbaran (Spanien), Samuel Cooper (England), Philippe de Champagne , Mathieu Le Nain (Frankrike).
Samtidigt växer även negativa trender fram i porträttgenrens utveckling: i många ceremoniella porträtt bryter det realistiska redan med svårighet igenom barockformernas konventioner . Ett antal porträtt bär redan på en uppriktig idealisering av en högt uppsatt kund ( Pierre Mignard , Antoine Coisevox , Peter Lely ).
Med vikningen av det akademiska måleriet, den sk. en hierarki av genrer med en villkorlig uppdelning av konstgenrer i "hög" och "låg", och porträttet började hänföras till de "låga" genrerna (i motsats till de "höga" mytologiska och historiska genrerna). Denna situation fortsatte fram till impressionisternas seger över den franska akademin i slutet av 1800-talet.
Med slutet av 1600-talet hindrade manér och konventioner, som slagit rot i alla typer av måleri, porträttet från att hålla sig på den höjd det nått. Genren försämrades och förpassades till bakgrunden både inom måleri och skulptur. Prestationer av ett realistiskt porträtt hänvisas till glömska. Kunden, både en aristokrat och en borgerlig, kräver villkorslöst smicker av konstnären. En sockersöt sentimentalitet, kall teatralitet, betingad representativitet dyker upp i verken.
Den franska kulturen, som sätter tonen i alla former av konst, avgör vid denna tid utvecklingen av porträttet. Den typ av hovaristokratiska porträtt som blomstrade vid Ludvigs hov blir dominerande. För Europa blir provet av officiell konst som skapas där en referens - ceremoniella, falskt idealiserande, mytologiserade porträtt, där modellens dekorativa elegans spelar den första rollen. Samtidigt faller utrustningen, "dockansikten" dyker upp.
Som forskare av det ryska porträttet av 1700-talet skriver, "den naturliga underordningen av individualitet till hantverk-företagsenhet inom ramen för denna metod är en viss garanti för framgång i att skapa ett porträtt under villkoren för underutvecklingen av denna kulturs kultur. genre” [21] .
Målare från denna period: Hyacinthe Rigaud , Jean Nattier , Francois Hubert Drouet , redan nämnda Pierre Mignard , Larzhiliere . "Konsten av hovporträttet från 30-50-talet av 1700-talet, som svarade på aristokratins smak, satte sig som uppgift att skapa en utåt elegant, dekorativ och sensuell bild av en modell i rokokostil . Konstnärer mjukade upp och utsmyckade ansiktsdrag, de uppskattade mycket överföringen av toaletternas elegans, den sofistikerade prakten av draperier och tillbehör och fint beräknade dekorativa effekter. Nattier kom med ett "mytologiskt" porträtt: han porträtterade hovdamer i form av nymfer, Diana, Venus och andra antika gudinnor, som extremt avlägset förmedlade likheten och skamlöst smickrande sina modeller . I mitten av århundradet var Raphael Mengs frusna idealverk extremt populära vid europeiska domstolar .
Närmare den sista tredjedelen av 1700-talet började dock situationen förbättras. Ett nytt realistiskt porträtt växer fram och tar fäste, till stor del förknippat med upplysningens humanistiska ideal. Dessa är analytiska bilder av målaren Maurice Latour (till exempel "Porträtt av Abbé Hubert"), målningar av Avede , Lyotard , skulptörerna J. A. Houdon och J. B. Pigalle , de sena verken av Antoine Watteau , enkel och uppriktig "genre" porträtt av Chardin , pasteller B. Perronno , porträtt av Fragonard ; i Storbritannien - W. Hogarths akuta sociala verk . Men än så länge har de inte uppmärksammats av huvudkunden. Pastelltekniken utvecklas , bekväm för att förmedla stämningar och ansikten, men inte idealisk för att skildra pompös dekor. Den italienska porträttskolan höll en hög kvalitet under hela 1700-talet, men med några få undantag ( Rosalba Carriera ) åtnjöt inte stor berömmelse.
Mot slutet av 1700-talet hävdade sig skolan för engelska porträttmålare, och producerade sådana första linjens mästare som Joshua Reynolds , George Romney , Thomas Lawrence och Thomas Gainsborough . I Spanien börjar Goya arbeta i porträttgenren , och till och med det ryska imperiet förklarar sig äntligen i världskonsten som förstklassiga målare - dessa är Levitsky och Borovikovsky . I deras verk återkommer noggrannheten av sociala egenskaper, subtiliteten i psykologisk analys, avslöjandet av den inre världen och rikedomen av känslor.
Under andra hälften av 1700-talet fick ett porträtt gjort med billigare medel (gravyr, akvarell, penna) stor spridning. Dessutom präglades denna period av uppblomstringen av porträttminiatyren , en självständig gren av porträttgenren.
Denna situation med ett privat porträtt som minnessak höll i sig fram till 1850 -talet, då fotografi verkade tillgängligt för nästan alla delar av samhället .
Lotman skriver: ”1700-talets målning. godkände två stereotyper av porträttet. En av dem, baserad på en utvecklad genreritual, pekade ut ett tillstånd, högtidligt hög essens i en person. Ett sådant porträtt krävde noggrant iakttagande av hela ritualen av order, rang och uniformer. De symboliserade liksom den avbildade personens tillståndsfunktion, och det var denna funktion som förkroppsligade personlighetens huvudsakliga betydelse. Om personen som avbildas i det högtidliga porträttet har någon defekt i utseende, försöker konstnären dölja det, medan tecknen på utmärkelser och kläder framhävs på alla möjliga sätt. Den fortsatta utvecklingen av porträtt, å ena sidan, leder till en ökad uppmärksamhet på de psykologiska egenskaperna, till exempel i Borovikovsky , och å andra sidan till det faktum att hushålls-, hemtillbehör ersätter de officiella paraderna. Inte utan inflytande från Rousseau föll detaljer från trädgården och parkens omgivningar in i porträttet. I enlighet med den allmänna tendensen att i porträttet inte spegla en existentiell norm, inte en hierarki av kulturella värden, utan ett direkt separat ögonblick som ryckts ur livet, förändras också förhållandet mellan barn- och vuxenfigurer på duken. Om de tidigare distribuerades enligt en skala av hierarkiskt värde, nu föredrar konstnären att kombinera dem i en enda genrekomposition och medvetet betona spelets livliga oordning och den minutiösa slumpen i det ögonblick han har valt. [3]
Utvecklingen av porträttet på 1800-talet var förutbestämd av den franska revolutionen , vilket bidrog till lösningen av nya uppgifter i denna genre. I konsten blir en ny stil dominerande - klassicismen , och därför tappar porträttet pompa och socker från 1700-talets verk och blir mer strikt och kallt. Av de porträttmålare som arbetade vid årsskiftet XVIII-XIX är den mest anmärkningsvärda Jacques Louis David . Andra, mindre kända mästare: Francois Gerard , Paul Delaroche (Frankrike).
Debuten av romantikens era bidrog till att skarp realism penetrerade porträttet. Den har en kritisk linje. Spanjoren Goya anses vara en enastående mästare under denna period , som skapade gruppen "Porträtt av familjen av Charles IV" - ett verk beställt som ett ceremoniellt porträtt och som ett resultat återspeglar den härskande dynastins fulhet. Han skapar också passionerade och känslomässiga porträtt och självporträtt.
Romantiska tendenser utvecklas under 1:a halvlek. XIX-talet i verk av Gericault och Delacroix , skulptören Francois Rude (Frankrike), Orest Kiprensky och Karl Bryullov , delvis Tropinin (Ryssland), Philip Otto Runge (Tyskland).
De klassiska porträtttraditionerna som finns parallellt med de romantiska fortsätter att utvecklas och fylls med nytt innehåll. Bland mästarna under denna period är Ingres särskilt känd .
Namnet på fransmannen Honore Daumier är förknippat med framväxten av de första betydande exemplen på ett satiriskt porträtt i grafik och skulptur. Samtidigt, i mitten av seklet, tog en ny standard av ett ceremoniellt specialtillverkat porträtt form (till exempel Winterhalter ).
2: a våningen 1800-taletMed start från ser. 1800-talsporträtt av realism dyker upp . Han kännetecknas av ett intresse för modellens sociala egenskaper, försök att avslöja dess etik, värdighet och tränga in i psykologin.
Det geografiska utbudet expanderar, ett antal nationella porträttskolor växer fram, en mängd stilistiska trender representerade av olika kreativa individer: Gustave Courbet (Frankrike); Adolf von Menzel , Wilhelm Leibl (Tyskland); Alfred Stevens (Belgien); Erik Werenshöll (Norge); Jan Matejko (Polen); Mihai Munkacsy (Ungern); Quido Manes (Tjeckien); Thomas Aikins (USA), i Ryssland - the Wanderers .
Med fotografiets födelse uppstår och utvecklas ett fotografiskt porträtt under starkt inflytande av porträtt , vilket i sin tur stimulerar sökandet efter nya former av figurativ struktur, både bild- och skulpturala och grafiska porträtt, otillgängliga för fotokonsten.
Impressionismen , som uppstod under den sista tredjedelen av 1800-talet, ledde till att porträttets ideologiska och konstnärliga koncept förnyades. Upptäckten av impressionisterna och konstnärerna nära dem ( Édouard Manet , Auguste Renoir , Edgar Degas , Auguste Rodin ) baserades på förkastandet av den maximala sannolikheten som lämnades till det fotografiska porträttet, med fokus på variationen i en persons utseende och hans beteende i en föränderlig miljö.
I varierande grad är impressionismens drag inneboende i porträtten av verken av svensken Anders Zorn , tysken Max Lieberman , amerikanerna J. M. Whistler och J. S. Sargent , den ryske konstnären Konstantin Korovin .
Målen och bilderna av det impressionistiska porträttet var helt motsatta arbetet av deras samtida - Paul Cezanne , som försökte uttrycka i en monumental bild några stabila egenskaper hos modellen. Samtidigt skapade Vincent van Gogh , vars porträtt återspeglar en annan aspekt - de brinnande problemen med det moraliska och andliga livet för den moderna människan.
I slutet av 1800- och 1900-talen kommer jugendstilen i förgrunden , vilket ger porträttet en lakonisk skärpa, som ibland ger modellen ett groteskt drag ( Toulouse-Lautrec , Edvard Munch , Alphonse Mucha ). Mästarna på salongens frontporträtt från slutet av århundradet är Giovanni Boldini , Philip de Laszlo - deras arbete kännetecknas av borstens lätthet och en viss ytlighet.
På 1900-talet är porträttet, liksom all figurativ konst, på tillbakagång. Genren avslöjar komplexa trender i konstens utveckling, såväl som en allmän kris i förståelsen av den mänskliga personligheten. På basis av modernismen uppstår verk som nominellt betraktas som ett porträtt, men som saknar dess specificitet. De avviker med eftertryck från modellens verkliga utseende, reducerar dess bild till ett villkorligt, abstrakt schema. ”Fotografi har fått funktionen att dokumentera, bevara, få en bild för olika behov, ett konstnärligt porträtt har blivit föremål för en rent konstnärlig uppgift. Under Modigliani och Picassos era var konstnärens syn på karaktären, originaliteten och unikheten i denna syn mycket viktig, medan fotografi möjliggjorde en cirkulationsbild och respekterade även dokumentär och autenticitet" [22] .
Samtidigt fortsätter sökandet efter nya realistiska medel i porträttet. Realistiska traditioner fortsätter i grafiken av Käthe Kollwitz (Tyskland), i målningen av William Orpen (Irland), O. John, i skulpturen av Bourdelle , Aristide Maillol , Charles Despio .
I porträttverket av 1900-talets största västeuropeiska mästare ( Picasso , Matisse , André Derain , Georges Rouault , Modigliani i Frankrike, Georges Gros , Otto Dix , Ernst Barlach i Tyskland, Oskar Kokoschka i Österrike), motsägelsefulla ideologiska och konstnärliga tendenser samexisterar, ibland kolliderar. Bra exempel på art déco- estetik är Tamara Lempickas verk . Representanter för den amerikanska realistiska skolan på 1920- och 1930-talen var Robert Henry och George Bellows . Ett exempel på ett gruppporträtt från denna tid är Max Ernsts målning Alla vänner tillsammans.
I mitten av 1900-talet blir porträttets utveckling komplex, präglad av ännu fler krisdrag. Den avsiktliga förstörelsen och deformationen av en persons utseende blir mer och mer uppenbar.
Vissa mästare försöker hålla ribban för ett realistiskt porträtt: Renato Guttuso (Italien), Hans Erni (Schweiz), Diego Rivera och Siqueiros (Mexiko), Andrew Wyeth (USA), Maeda, Saison (Japan), skulptörerna Xavier Dunikovsky ( Polen), Väinö Aaltonen (Finland), Giacomo Manzu (Italien), Joe Davidson och Jacob Epstein i USA). Intresset för porträtt avtog dock generellt under 1940- och 1950-talen till följd av ett ökat intresse för abstrakt och nonfigurativ konst.
På 1960- och 1970-talen skedde en viss återupplivning av porträttet. Engelska mästare som Lucian Freud och Francis Bacon skapade kraftfulla verk. Vidare har många samtida konstnärer som Andy Warhol , Alex Katz och Chuck Close gjort det mänskliga ansiktet till huvudfokus i sitt arbete. Warhols Marilyn Monroe har blivit en ikon. Popkonst är alltså en av 1900-talets få konströrelser som använder det mänskliga ansiktet utan relativ förvrängning. Close specialiserar sig på hyperrealistiska vägg-till-vägg-huvudporträtt baserade på fotografier. Jamie Wyeth fortsätter i sin far Andrews realistiska tradition och skapar berömda porträtt av alla från presidenter till grisar.
Samtidigt når porträttfotogenren sin topp och lockar ett stort antal mästare i genren. Särskilt nischen för ett realistiskt porträtt upptas nu av omslagen till tidningar som Time eller Esquire , dekorerade med bilder av berömda samtida.
Marat Gelman skriver: ”i samband med sen postmodernism, betraktarens inställning till porträttet, har bilden förändrats mycket jämfört med den klassiska eran. Alla bilder idag kan villkorligt delas in i flera kategorier: de är informativa (politiska och sociala sammanhang), reklam, kult (subkulturell), konstnärliga och privata ... betraktaren, mottagaren uppfattar nu vilken bild som helst som en simulacrum, ett tecken på en produkt, makt, politik, mode, popkulturer och så vidare. Därför är betraktarens uppfattning nu betingad, kontextuellt och mytiskt... porträttet som genrekategori är mer dött än levande. Men om vi tar hänsyn till alla nuvarande praxis idag, och om det finns några levande manifestationer av porträttgenren, så är detta snarare livet efter döden” [22] .
Utländsk konst:
Rysk konst:
| Porträttets historia | |||
|---|---|---|---|
| forntida egyptiska porträtt Romerskt skulpturporträtt Medeltida porträtt Proto-renässans porträtt Italiensk renässansporträtt barockporträtt Ryskt porträtt | |||