Barockmusik

Barockmusik är  utvecklingsperioden för klassisk musik i slutet av 1500-talet - första hälften av 1700-talet [1] .

Ursprung

Barockmusik dök upp i slutet av renässansen och föregick klassicismens musik . Ordet "barock" kommer förmodligen från det portugisiska "perola barroca" - en oregelbundet formad pärla; eller från lat.  baroco  är en mnemonisk beteckning för en av typerna av syllogism i traditionell logik [2] (det är anmärkningsvärt att liknande latinska ord "Barlocco" eller "Brillocco" också användes i en liknande betydelse - en ovanligt formad pärla som inte har en symmetriaxel [3] ). Visserligen kännetecknades den här periodens bildkonst och arkitektur av mycket utarbetade former, komplexitet, pompa och dynamik. Senare tillämpades samma ord på den tidens musik.

Barockens skriv- och framförandeteknik har blivit en integrerad och betydande del av den klassiska musikaliska kanonen. Den tidens verk är mycket utförda och studerade. Barocktiden producerade verk som Johann Sebastian Bachs fugor, Alleluia-kören från oratoriet Messias av Georg Friedrich Handel , De fyra årstiderna av Antonio Vivaldi , Vesper av Claudio Monteverdi . Den musikaliska prydnaden har blivit mycket sofistikerad, notskriften har förändrats mycket , sätt att spela instrument har utvecklats. Gränserna för genrer har vidgats, komplexiteten i att framföra musikaliska verk har vuxit, och en sådan typ av komposition som opera har dykt upp . Ett stort antal musikaliska termer och begrepp från barocktiden används än idag.

Stilar och trender

Konventionellt kallas barockmusik för de många kompositörstilar som funnits i 150 år (1600-1750; 1750 - året för J.S. Bachs död) i en vidsträckt, i geografisk mening, västeuropeisk region. I förhållande till musik förekommer ordet "barock" först på 1730-talet. i den ironiska kontroversen kring Jean-Philippe Rameau's operor (särskilt Jean-Baptiste Rousseau talar i en dikt från 1739 om "barockackord" i "Dardanus"). År 1746 var N. A. Plyush , i nästa volym av sin grundläggande avhandling "Natural Spectacle", den första som föreslog att man skulle förstå barockmusik som en term, och kontrastera den med "sjungande musik" som en som "vill överraska med ljudens fräckhet". " ( fr.  veut surprendre par la hardiesse des sons ) [4] . Senare förekommer denna term i Musikordboken (1768) av J.-J. Rousseau . I alla dessa fall betyder ordet "barock" "konstig", "ovanlig", "bisarr" musik. I G. Kochs "Musical Dictionary" (1802) åtföljs ordet barock av sådana musikkvaliteter som "förvirring", "pompöshet", "barbarisk gotik". Långt senare hävdar B. Croce , i The History of the Italian Baroque (1929), att "historikern inte kan utvärdera barocken som något positivt; detta är ett rent negativt fenomen... detta är ett uttryck för dålig smak” [5] .

"Så, ödet för ordet "barock" motsvarar nyansen av extravagans som är inneboende i det. Till en början utpekade den inte stilen på eran alls (särskilt eftersom klassiska tendenser dominerade i den franska konsten på 1700-talet, som var exemplarisk för hela Europa - poesi, måleri, teater), utan var bara en utvärderande kategori - ett negativt smeknamn för "obegriplig" konst (en liknande situation - och inte av en slump! - dyker upp på 1900-talet med ordet "modernism")." [6]

Endast Kurt Sachs 1919 [ 3] tillämpade systematiskt barockteorin utvecklad av Heinrich Wölfflin på musik , sedan 1940, i en artikel av Manfred Bukofzer , gjordes ett försök att utveckla begreppet musikalisk barock utan direkt jämförelse med andra konstformer. Och fram till själva 1960 -talet avtog inte debatten i akademiska kretsar om det var legitimt att tillämpa en enda term på verk av så olika kompositörer som Jacopo Peri , Antonio Vivaldi , C. Monteverdi , J.-B. Lully , Domenico Scarlatti och J.S. Bach ; men ordet fast och används nu ofta för att hänvisa till ett brett utbud av musik. Så den sovjetiske musikforskaren Konstantin Rozenshild motsatte sig kategoriskt klassificeringen av verk av J. S. Bach eller G. F. Handel som barockmusik. Den amerikanske forskaren Manfred Bukofzer ansåg att det var helt legitimt att tillämpa denna term på dessa författares musik. Det är dock nödvändigt att skilja barockens musik från den föregående renässansen och den efterföljande klassicismen . Dessutom anser vissa musikforskare att det är nödvändigt att dela in barocken i själva barockperioden och i den maneristiska perioden , för att överensstämma med den uppdelning som används inom bildkonsten.

Skillnader mellan barock och renässans

Barockmusiken tog över från renässansen bruket att använda polyfoni och kontrapunkt . Dessa tekniker användes dock annorlunda. Under renässansen byggdes harmoni på det faktum att i polyfonins mjuka och lugna rörelse uppträdde konsonanser sekundära och som av en slump . Inom barockmusiken blev emellertid den ordning i vilken konsonanser uppträdde viktig: den manifesterade sig med hjälp av ackord byggda enligt ett hierarkiskt schema av funktionell tonalitet . Omkring 1600 var definitionen av vad tonalitet var till stor del felaktig, subjektiv. Till exempel såg några en viss tonal utveckling i madrigalernas kadenser , medan i själva verket i de tidiga monodierna var tonaliteten fortfarande mycket obestämd. Den svaga utvecklingen av teorin om lika temperament systemet påverkas . Enligt Sherman föreslog italienaren Giovanni Maria Lanfranco för första gången först 1533 och införde ett system med lika temperament [7] . Och systemet blev utbrett långt senare. Och först 1722 dyker det vältempererade klaveret av J.S. Bach upp (volym I). En annan skillnad mellan barockens och renässansens musikaliska harmoni var att i den tidiga perioden inträffade toniska skiftet oftare i tredjedelar , medan modulering i fjärdedelar eller femtedelar dominerade under barockperioden (utseendet på begreppet funktionell tonalitet påverkades). Dessutom använde barockmusiken längre melodiska linjer och en mer rigorös rytm. Huvudtemat skulle expandera antingen på egen hand eller med basso continuo ackompanjemang . Sedan dök hon upp med en annan röst. Senare började huvudtemat uttryckas genom basso continuo, inte bara med hjälp av huvudrösterna. Hierarkin av melodi och ackompanjemang var suddig.

Stilistiska skillnader bestämde övergången från renässansens ricerbilar , fantasier och kanzoner till fugor , en av barockmusikens huvudformer. Monteverdi kallade denna nya, fria stil för seconda pratica (andra formen), i motsats till prima pratica (första formen) som karakteriserade motetter och andra former av kör- och ensemblemusik av renässansmästare som Giovanni Pierluigi da Palestrina . Monteverdi själv använde båda stilarna; hans mässa " In illo tempore " är skriven i den gamla stilen, och hans " Vespers of the Blessed Virgin " i den nya stilen.

Det fanns andra, djupare skillnader i stilarna från barocken och renässansen. Barockmusik strävade efter en högre nivå av känslomässig tillfredsställelse än renässansmusik. Barockskrifter beskrev ofta någon, specifik känsla (jubel, sorg, fromhet och så vidare; se teorin om affekter ). Barockmusik skrevs ofta för virtuosa sångare och musiker och var oftast mycket svårare att framföra än renässansmusik, trots att detaljerad inspelning av instrumentdelar var en av barocktidens viktigaste innovationer. Användningen av musikaliska utsmyckningar , ofta improviserade av musikern, blev nästan obligatoriska . Sådana uttrycksfulla anordningar som notes inégales blev universella; framförs av de flesta musiker, ofta med stor tillämpningsfrihet.

En annan viktig förändring var att passionen för instrumentalmusik överträffade passionen för vokalmusik. Vokalstycken, som madrigaler och arior , sjöngs faktiskt inte, utan framfördes instrumentalt. Detta bevisas av bevis från samtida, såväl som antalet manuskript av instrumentala stycken, vars antal översteg antalet verk som representerade sekulär vokalmusik [9] . Det gradvisa uppkomsten av en ren instrumental stil, skild från 1500-talets sångpolyfoni, var ett av de viktigaste stegen i övergången från renässansen till barocken. Fram till slutet av 1500-talet skilde sig instrumentalmusik knappast från vokalmusik och bestod huvudsakligen av dansmelodier, bearbetningar av välkända populära sånger och madrigaler (främst för klaviatur och lut ) samt polyfoniska stycken som kunde karakteriseras som motetter , kanzoner , madrigaler utan poetisk text.

Även om olika variationsarrangemang, toccator , fantasier och preludier för lut- och klaviaturinstrument varit kända sedan länge, har ensemblemusiken ännu inte vunnit en självständig existens. Den snabba utvecklingen av sekulära vokalkompositioner i Italien och andra europeiska länder var dock en ny impuls till skapandet av kammarmusik för instrument.

Till exempel i England blev konsten att spela viola  , stränginstrument av olika intervall och storlekar , utbredd . Violspelare gick ofta med i sånggruppen och fyllde i för saknade röster. Denna praxis blev vanlig, och många utgåvor märktes "Fit for Voices or Violas".

Många vokalarior och madrigaler framfördes som instrumentala stycken. Således, till exempel, är Silver Swan madrigal av Orlando Gibbons utpekad och presenterad i dussintals samlingar som ett instrumentalt stycke [9] .

Skillnader mellan barock och klassicism

I klassicismens era , som följde på barocken [10] , minskade kontrapunktens roll (även om utvecklingen av kontrapunktskonsten inte stannade), och musikverkens homofoniska struktur kom i förgrunden [11] . Det finns mindre ornament i musik . Verkens struktur har blivit tydligare, mer universell, särskilt i de skrivna i sonatform . Modulationer (nyckelbyte) har blivit ett strukturerande element, som betonar verkets dramatiska innehåll. I klassicismens kompositioner avslöjades ofta många känslor inom en del av verket, medan en del i barockmusiken bar en tydligt spårad känsla. Och slutligen, i klassiska verk, nåddes vanligtvis en känslomässig höjdpunkt, som löstes i slutet av verket. I barockverk, efter att ha nått denna kulmen, till den allra sista tonen, fanns det en lätt känsla av huvudkänslan. Den mångfald av barockformer utgjorde utgångspunkten för utvecklingen av sonatformen och utvecklade många variationer av de grundläggande kadenserna .

Andra funktioner i barockmusik

• basso continuo  - kontinuerlig bas, generalbas, digital bas - ett förenklat sätt att spela in harmonier med en basröst och siffror under den, vilket indikerar konsonanser i de övre rösterna, såväl som själva basrösten med siffror som används i denna metod för att spela in harmonier [12] ;
• monodi  - en solosångstil med homofoniskt ackompanjemang (instrumentellt ackompanjemang), som utvecklades i Italien på 1500-talet. och väckte liv i ett antal nya former och genrer ( aria , recitativ , opera , kantat , etc.) [13] ;
• homofoni  - en typ av polyfoni, kännetecknad av uppdelningen av röster i huvud och ackompanjerande. Denna ''homofoni'' skiljer sig från polyfoni ;
• bel canto ;
• dramatiskt uttryck;
• hocket ;
• iscensatta former av musikaliska verk ( opera , musikdrama );
• kombinerade vokal-instrumentala former som oratorium och kantat ;
• nya tekniker för att spela musikinstrument, såsom tremolo och pizzicato ;
• ren och linjär melodi ;
• notes inégales ("ojämnt spel", "ompekande") - en spelteknik där toner skrivna med samma varaktighet ändå spelas rytmiskt ojämnt;
• aria ;
• ritornello  - korta instrumentala avsnitt som utför funktionerna i en introduktion, mellanspel eller koda;
• concertato  - en stil som innebär "tävling" av orkestergrupper, körer etc.
• korrekt notering av musik (under renässansen var detaljerad notering av noter för instrument mycket sällsynt);
• idiomatisk inspelning av instrumentala delar: bästa användningen av egenskaperna hos specifika musikinstrument ;
• komplikation av musik, komponera verk utformade för virtuos framförande;
• ornamentik ;
• utvecklingen av moderna västerländska musikformer ( dur och moll ).

Genrer av barocken

Barockkompositörer arbetade inom olika musikgenrer. Opera , som dök upp under den sena renässansen, blev en av barockens främsta musikaliska former. Man kan minnas verk av sådana mästare i genren som Alessandro Scarlatti (1660-1725), Handel , Claudio Monteverdi och andra. Oratoriegenren nådde sin höjdpunkt i verk av J. S. Bach och Händels; operor och oratorier använde ofta liknande musikaliska former (som den mycket använda aria da capo ).

Heliga musikformer som mässan och motetten blev mindre populära, men kantatformen fick uppmärksamhet från många protestantiska kompositörer, inklusive Johann Bach. Sådana virtuosa kompositionsformer som toccator och fugor utvecklades .

Instrumentala sonater och sviter skrevs både för enskilda instrument och för kammarorkestrar. Concerto- genren uppstod i båda dess former: för ett instrument med en orkester, och som en concerto grosso , där en liten grupp soloinstrument står i kontrast till en hel ensemble. Många kungliga hovens pompa och prakt tillkom också av verk i form av en fransk ouvertyr , med sina kontrasterande snabba och långsamma partier.

Keyboardstycken skrevs ganska ofta av tonsättare för egen underhållning eller som undervisningsmaterial. Sådana verk är de mogna kompositionerna av J. S. Bach, de universellt erkända intellektuella mästerverken från barocktiden: " The Well-Tempered Clavier ", " Goldberg Variations " och "The Art of Fugue ".

En kort historia av barockmusik

Barockkompositörer

Tidig barockmusik (1600–1654)

Skapandet av hans recitativa stil av den italienske kompositören Claudio Monteverdi (1567-1643) och den konsekventa utvecklingen av italiensk opera kan betraktas som en villkorlig övergångspunkt mellan barocken och renässansen . Början av operaföreställningar i Rom och särskilt i Venedig innebar redan erkännandet och spridningen av den nya genren över hela landet [14] . Allt detta var bara en del av en större process som fångade alla konster och var särskilt utpräglat inom arkitektur och måleri.

Renässanskompositörer ägnade uppmärksamhet åt utarbetandet av varje del av ett musikaliskt verk, och ägnade liten eller ingen uppmärksamhet åt att dessa delar placerades samman. Separat kunde varje del låta utmärkt, men det harmoniska resultatet av tillägget var mer en fråga om slumpen än regelbundenhet [15] . Generellbasens utseende indikerade en betydande förändring i musikaliskt tänkande - nämligen att harmoni , som är "tillsatsen av stämmor till en helhet", är lika viktig som de melodiska stämmorna ( polyfonin ) i sig. Fler och mer såg polyfoni och harmoni ut som två sidor av samma idé att komponera välljudande musik: när man komponerade harmoniska sekvenser ägnades samma uppmärksamhet åt tritoner när man skapade dissonans. Harmoniskt tänkande fanns även hos vissa kompositörer från den tidigare eran, som Carlo Gesualdo , men under barocktiden blev det allmänt accepterat. Det bör tilläggas att termen "harmoni" används här i betydelsen "kombinera ljud till konsonanser och deras regelbundna följd", det vill säga hierarkisk, ackord, tonal harmoni. Före tonal harmoni fanns det den så kallade modal harmonin , baserad på lägen som inte hade skillnader i ljudsammansättning, utan centraliserad tonal gravitation. Musikforskaren Robert W. Wienpahl genomförde  en studie av mer än 5 000 kompositioner från perioden 1500 till 1700 och sammanställde en tabell som visar kompositörernas övergång från modala till tonala harmonier.

De delar av verken där det är omöjligt att tydligt skilja modalitet från tonalitet, markerade han som blandad dur, eller blandad moll (senare för dessa begrepp introducerade han termerna "monal dur" respektive "monal moll") [17] . Tabellen visar hur tonal harmoni redan under den tidiga barocken nästan ersätter harmonin från den tidigare eran.

Italien blir centrum för en ny stil. Påvedömet , även om det tillfångatogs av kampen mot reformationen , men ändå hade enorma ekonomiska resurser som fylldes på av habsburgarnas militära kampanjer , letade efter sätt att sprida den katolska tron ​​genom att expandera kulturellt inflytande. Med arkitekturens, konstens och musikens prakt, storslagenhet och komplexitet argumenterade katolicismen , så att säga, med asketisk protestantism . De rika italienska republikerna och furstendömena konkurrerade också kraftigt inom de sköna konsterna. Ett av de viktiga centra för musikalisk konst var Venedig , som vid den tiden stod under både sekulärt och kyrkligt beskydd .

En betydelsefull figur under den tidiga barocken, vars position var på katolicismens sida, som motsatte sig protestantismens växande ideologiska, kulturella och sociala inflytande, var Giovanni Gabrieli . Hans verk tillhör stilen " Högrenässansen " ( renässansens storhetstid ). Några av hans innovationer inom instrumentering (tilldelningen av specifika uppgifter till ett visst instrument) indikerar dock tydligt att han var en av kompositörerna som påverkade uppkomsten av en ny stil.

Ett av de krav som kyrkan ställde på kompositionen av sakral musik var att texterna i verk med sång var läsbara. Detta krävde en övergång från polyfoni mot musikaliska tekniker, där orden kom i förgrunden. Sången blev mer komplex, utsmyckad jämfört med ackompanjemanget. Så här utvecklades homofonin .

Monteverdi blev den mest framstående bland den generation av kompositörer som kände konsekvenserna av dessa förändringar för sekulär musik. År 1607 blev hans opera Orpheus en milstolpe i musikhistorien, och demonstrerade många av de anordningar och tekniker som senare blev förknippade med den nya skolan för komposition, kallad seconda pratica , i motsats till den gamla skolan, eller prima pratica . Monteverdi, som komponerade högkvalitativa motetter i gammal stil, som var utvecklingen av Luca Marenzios och Jacques de Werths idéer , var en mästare i båda skolorna. Men det var verken skrivna av honom i den nya stilen som öppnade upp för många tekniker som kunde kännas igen även under den sena barocken.

Den tyske kompositören Heinrich Schutz (1585–1672), som studerade i Venedig, gjorde ett stort bidrag till spridningen av nya tekniker . Han använde nya tekniker i sitt arbete medan han tjänstgjorde som körledare i Dresden . I England, där grundläggande förändringar ägde rum i det statliga och sociala systemet under den tidiga barocken, utvecklades musiken i en ny riktning och stil av hovkompositören av Charles I William Lowes , som förblev tronen till slutet och dog i en av striderna med Cromwells soldater .

Musik från den mogna barocken (1654-1707)

Perioden av centralisering av den högsta makten i Europa kallas ofta för absolutism . Absolutismen nådde sin zenit under Ludvig XIV av Frankrike . För hela Europa var Ludvigs hov en förebild, inklusive musiken som framfördes vid hovet. Den ökade tillgängligheten av musikinstrument (särskilt klaviatur ) gav impulser till utvecklingen av kammarmusik .

Den sena barocken skiljer sig från den tidiga barocken i den nya stilens överallt och den ökade separationen av musikaliska former, särskilt inom opera. Liksom i litteraturen ledde tillkomsten av strömmande tryckning av musikverk till en expansion av publiken; utbytet mellan musikkulturens centra intensifierades.

Inom musikteorin definieras mogen barock av kompositörers fokus på harmoni och försök att skapa sammanhängande system för musikaliskt lärande. Under efterföljande år ledde detta till uppkomsten av många teoretiska verk. Ett anmärkningsvärt exempel på sådan verksamhet är verket från den sena barocken - " Gradus ad Parnassum " ( Ryska. Steg till Parnassus ), publicerad 1725 av Johann Joseph Fuchs (1660-1741), en österrikisk teoretiker och kompositör. Detta arbete, som systematiserade teorin om kontrapunkt, var det viktigaste verktyget för att studera kontrapunkt nästan fram till slutet av 1800-talet [18] .

En enastående representant för hovkompositörerna vid Ludvig XIV:s hov var Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Redan vid 21 års ålder fick han titeln "hovkompositör av instrumentalmusik". Redan från början var Lullys skapande arbete nära kopplat till teatern. Efter organiseringen av hovkammarmusiken och sammansättningen av " airs de cour " började han skriva balettmusik. Ludvig XIV dansade själv i baletter, som då var hovadelns favoritunderhållning. Lully var en utmärkt dansare. Han råkade delta i produktioner och dansade med kungen [14] . Han är känd för sina samarbeten med Molière , vars pjäser han komponerade musik till. Men det viktigaste i Lullys arbete var fortfarande att skriva operor. Lully skapade överraskande en komplett typ av fransk opera; den så kallade lyriska tragedin i Frankrike ( fr.  tragedie lyrique ), och nådde en otvivelaktig kreativ mognad under de allra första åren av sitt arbete på operahuset. Lully använde ofta kontrasten mellan orkesterdelens majestätiska klang och de enkla recitativen och ariorna. Lullys musikaliska språk är inte särskilt komplicerat, men definitivt nytt: harmonins klarhet, rytmisk energi, klarheten i artikulationen av formen, texturens renhet talar om segern för principerna för homofoniskt tänkande [14] . Lullys framgångar berodde i ingen liten utsträckning också på hans förmåga att välja ut musiker till orkestern och hans arbete med dem (han genomförde själv repetitioner). En integrerad del av hans arbete var uppmärksamhet på harmoni och soloinstrumentet.

Kompositören och violinisten Arcangelo Corelli (1653–1713) är känd för sitt arbete med utvecklingen av concerto grosso- genren . Corelli var en av de första kompositörerna vars verk publicerades och framfördes i hela Europa. Precis som Lullys operaverk bygger concerto grosso-genren på starka kontraster; instrument är uppdelade i de som deltar i ljudet av en hel orkester och i en mindre sologrupp. Musiken bygger på skarpa övergångar från högljudda till tysta partier, snabba passager står i motsats till långsamma. Bland hans anhängare fanns Antonio Vivaldi , som senare komponerade hundratals verk byggda på Corellis favoritformer: triosonater och konserter . En framstående representant för den italienska violinskolan som var aktiv i England var Matthijs Nicola . Hans namn är förknippat med påståendet om den italienska stilen i engelsk musik för stråkinstrument.

I England präglades den mogna barocken av Henry Purcells (1659-1695) briljanta geni. Han dog ung, 36 år gammal, efter att ha skrivit ett stort antal verk och blivit vida känd under sin livstid. Purcell var bekant med Corellis och andra italienska barockkompositörers arbete. Men hans beskyddare och kunder var av en annan sort än den italienska och franska sekulära och kyrkliga adeln, så Purcells skrifter skiljer sig mycket från den italienska skolan. Purcell arbetade inom ett brett spektrum av genrer; från enkla religiösa psalmer till marschmusik, från storformatsvokalkompositioner till iscensatt musik. Hans katalog innehåller över 800 verk. Purcell blev en av de första kompositörerna av keyboardmusik, vars inflytande sträcker sig till nutid. Begåvad och berömd på sin tid var hans bror Daniel Purcell (1664-1717).

Till skillnad från ovanstående kompositörer var Dietrich Buxtehude (1637-1707) ingen hovkompositör. Buxtehude arbetade som organist, först i Helsingborg (1657–1658), sedan i Helsingör (1660–1668), och sedan, med början 1668, vid St. Maria i Lübeck . Han tjänade inte pengar på att ge ut sina verk, utan genom att framföra dem, och han föredrog att komponera musik framför kyrkliga texter och framföra egna orgelverk framför adelns beskydd. Tyvärr har inte alla verk av denna kompositör bevarats. Buxtehudes musik är till stor del byggd på skalan av idéer, rikedom och fantasifrihet, en förkärlek för patos, dramatik och något oratorisk intonation [14] . Hans verk hade ett starkt inflytande på kompositörer som J.S. Bach och Telemann .

En stor kompositör i Nederländerna vid denna tid var Sibrand van Noord (den yngre) , som blev berömd för sina instrumentala verk.

Musik från den sena barocken (1707-1760)

Den exakta gränsen mellan mogen och sen barock är en fråga om debatt; den ligger någonstans mellan 1680 och 1720. Mycket av komplexiteten i dess definition är det faktum att i olika länder har stilar förändrats ur synk; innovationer som redan accepterats som regel på en plats var nya upptäckter på en annan. Italien, tack vare Arcangelo Corelli och hans elever Francesco Geminiani och Pietro Locatelli , blir det första landet där barocken övergår från den mogna till den sena perioden. En viktig milstolpe kan betraktas som tonalitetens nästan absoluta dominans som en strukturerande princip för att komponera musik. Detta är särskilt tydligt i det teoretiska arbetet av Jean Philippe Rameau , som tog Lullys plats som den främsta franska kompositören. Samtidigt, med tillkomsten av Fuchs verk , gav renässanspolyfoni grunden för studiet av kontrapunkt. Kombinationen av modal kontrapunkt med kadensernas tonala logik skapade känslan av att det finns två skrivstilar i musiken - homofon och polyfon, med imitationsteknik och kontrapunkt.

De former som upptäckts av den föregående perioden har nått mognad och stor variation; konsert , svit , sonat , concerto grosso , oratorium , opera och balett hade inte längre några uttalade nationella särdrag. Allmänt accepterade scheman av verk har etablerats överallt: en repeterande tvådelad form (AABB), en enkel tredelad form (ABC) och en rondo .

Antonio Vivaldi (1678-1741), italiensk kompositör, född i Venedig. 1703 fick han rang av katolsk präst. Den första december samma år blir han maestro di violin på det venetianska barnhemmet " Pio Ospedale della Pieta " för flickor. Det var inte konsertframträdanden eller förbindelser vid hovet som gav Vivaldi berömmelse, utan publiceringen av hans verk, som inkluderade hans triosonater , violinsonater och konserter . De publicerades i Amsterdam och spreds brett över hela Europa. Det var till dessa, som vid den tiden fortfarande utvecklade instrumentala genrer (barocksonat och barockkonsert), som Vivaldi gjorde sin viktigaste insats. Vissa tekniker är karakteristiska för Vivaldis musik: en trestämmig cyklisk form för concerto grosso och användningen av en ritornello i snabba partier. Vivaldi komponerade över 500 konserter. Han gav också programmatiska titlar till några av sina verk, såsom den berömda " The Four Seasons ". Vivaldis karriär visar på en ökad möjlighet för kompositören att existera självständigt: på inkomster från konsertverksamhet och publicering av hans kompositioner.

Domenico Scarlatti (1685-1757) var en av sin tids ledande klaviaturkompositörer och artister. Han började sin karriär som hovkompositör; först i Portugal och från 1733 i Madrid , där han tillbringade resten av sitt liv. Hans far Alessandro Scarlatti anses vara grundaren av den napolitanska operaskolan . Domenico komponerade också operor och kyrkomusik, men hans berömmelse (efter hans död) säkerställdes av hans verk för klaviatur. Några av dessa verk skrev han för sitt eget nöje, några för sina ädla kunder.

Men den kanske mest kända hovkompositören var Georg Friedrich Handel (1685-1759). Född i Tyskland studerade han i tre år i Italien , men 1711 reste han till London , där han började sin lysande och kommersiellt framgångsrika karriär som oberoende operakompositör, och utförde uppdrag åt adeln. Med outtröttlig energi omarbetade Handel materialet från andra kompositörer och omarbetade ständigt sina egna kompositioner. Han är till exempel känd för att ha omarbetat det berömda Messias -oratoriet så många gånger att det nu inte finns någon version som kan kallas autentisk. Även om hans ekonomiska förmögenheter ökade och avtog, fortsatte Händels berömmelse, baserad på publicerade verk för klaviatur, ceremoniell musik, operor, concerto grossos och oratorier, att stiga. Efter sin död erkändes han som en ledande europeisk kompositör och studerades av musiker från den klassiska eran. Händel blandade i sin musik de rika traditionerna av improvisation och kontrapunkt. Konsten att musikaliska ornament nådde en mycket hög utvecklingsnivå i hans verk. Han reste över hela Europa för att studera andra kompositörers musik och hade därför en mycket bred bekantskapskrets bland kompositörer av andra stilar.

Bland Frankrikes kompositörer sticker Otteter ut , författaren till den berömda avhandlingen om att spela flöjt (1707), en avhandling om improvisation (1719) och en guide till att spela musette (1737), en utmärkt flöjtist. Otteters mest kända kompositioner är sviter för flöjt och bas, stycken för soloflöt och två flöjter samt triosonater.

År 1802 publicerade Johann Nicolai Forkel den första mest kompletta biografin om Johann Sebastian Bach . År 1829 framförde Felix Mendelssohn Bachs Matteuspassion i Berlin . Framgången med denna konsert väckte ett enormt intresse för Bachs musik i Tyskland och sedan i hela Europa.

Johann Sebastian Bach föddes den 21 mars 1685 i Eisenach , Tyskland. Under sin livstid komponerade han över 1 000 verk i olika genrer, förutom opera. Men under sin livstid nådde han ingen nämnvärd framgång. Bach flyttade många gånger och ändrade den ena inte alltför höga positionen efter den andra: i Weimar var han hovmusiker vid Weimar-hertigen Johann Ernst , och blev sedan vaktmästare av orgeln i kyrkan St. Bonifatius i Arnstadt accepterade några år senare tjänsten som organist i kyrkan St. Vlasia i Mühlhausen , där han endast arbetade i ungefär ett år, varefter han återvände till Weimar, där han tog plats som hovorganist och arrangör av konserter. Han hade denna position i nio år. År 1717 anställde Leopold , prins av Anhalt-Köthen , Bach som kapellmästare, och Bach började bo och arbeta i Köthen . 1723 flyttade han till Leipzig , där han stannade till sin död 1750. Under de sista åren av hans liv och efter Bachs död började hans berömmelse som kompositör minska: hans stil ansågs gammaldags jämfört med den spirande klassicismen. Han var mer känd och ihågkommen som artist, lärare och far till Bachs Jr., främst Carl Philipp Emmanuel, vars musik var mer känd.

Endast utförandet av Passionen enligt Matteus av Mendelssohn, 79 år efter J.S. Bachs död, återupplivade intresset för hans verk. Nu är J. S. Bach en av de mest populära kompositörerna genom tiderna (till exempel, i omröstningen "Bästa kompositör av millenniet" som hölls på Cultureciosque.com, tog Bach första platsen [19] ).

Andra ledande kompositörer från senbarocken: Georg Philipp Telemann (1681-1767), Jean Philippe Rameau (1683-1764), Josse Boutmy (1697-1779).

Barockens inflytande på senare musik