Modern

Den aktuella versionen av sidan har ännu inte granskats av erfarna bidragsgivare och kan skilja sig väsentligt från versionen som granskades den 21 juni 2022; kontroller kräver 10 redigeringar .
Art Nouveau stil
Från vänster till höger, uppifrån och ned: Paris tunnelbanestation "Abbes" , Hector Guimard , ( 1900 ); Litografi, Alphonse Mucha , ( 1898 ); Lampa, Louis Comfort Tiffany , ( 1900-1910 ) ; Väggskåp, Louis Majorelle ; Trappa i Tassel's Mansion , Victor Horta , ( 1893 ). Ingår i listan över UNESCO:s världsarv .
Begrepp avvisande av symmetri; stilisering av naturliga former, blomsterdekorationer, användningen av folkmotiv, symbolisternas , prerafaeliternas , impressionisternas verk
Stiftelsedatum 1880-talet
Förfallsdatum 1914
 Mediafiler på Wikimedia Commons

Modern ( fr.  moderne  - new, modern) är en internationell konströrelse vid sekelskiftet 1800-1900, som syftade till att utveckla ett nytt konstnärligt konstspråk och genom detta skapa en ny konstnärlig stil [1] . I engelsk och franskspråkig litteratur fästes termen "art nouveau" ( fr.  art nouveau ), som betyder "ny konst", till fenomenet . I olika länder har jugend fått andra namn.

Synen på jugend som en enda etablerad konstnärlig stil anses vara något föråldrad, i analogi med klassificeringen av konststilar som accepteras inom akademisk vetenskap - gotik , barock , klassicism , och så vidare. Också betraktad som föråldrad är definitionen av modernitet som en "bro" mellan historicism och modernism - ett extremt populärt tidigare begrepp, uttryckt av Nicolus Pevsner på 1970 -talet [2] .

Art Nouveau var ett komplext fenomen som omfattade en mängd olika konstnärliga trender och skolor, förenade av den anti-eklektiska idén att övervinna konsten från den tidigare eran. De främsta konstnärliga dragen i jugend är ornamentalitet och dekorativitet.

Begreppets historia och dess tolkningar

Art Nouveau fick en märkbar internationell framgång redan i slutet av 1890-talet, men hade inte något enda namn: olika länder utvecklade sina egna termer för att referera till fenomenet. Det största problemet med att välja namnet var det faktum att samtida inte hade någon aning om ursprungsplatsen för stilen. Britterna, som inte förstod sitt eget viktiga bidrag till stilutvecklingen, kallade det den franska termen "art nouveau" ( fr.  art nouveau  - "ny konst"). Man tror att lexemet lånades från namnet på det parisiska galleriet "House of New Art" ( fr.  Maison L'Art Nouveau ), som öppnades den 26 december 1895 av den fransk-tyske affärsmannen Siegfried Bing [3] .

I Frankrike betecknades stilen ursprungligen med en mängd olika namn: ibland kallades den den engelska termen "modern style" ( Engelsk  modern stil ) [K 1] ; inom grafisk konst kallades det skämtsamt "nudelstil" ( fransk  stil nouille ); ibland - med en mer rak term "stil av entrépaviljonger i tunnelbanan" ( fransk  stil de bouche de métro ). Arkitekten Hector Guimard , som ritade paviljongerna i Paris Metro, trodde att fenomenet borde döpas efter honom - "Guimard-stil" ( fransk  stil Guimard ). Författaren Edmond de Goncourt , som var försiktig med modernitetens strömlinjeformade linjer, myntade den nedsättande termen "yachting stil" för att beteckna den . Som ett resultat tilldelades termen "art nouveau" ( fr.  art nouveau ) fenomenet i Frankrike [5] .

I Tyskland kallades stilen ursprungligen "Belgishe" och "Veldeshe" efter belgaren Henri Van de Velde , som flyttade till Tyskland 1897 och blev ledare för jugend i det landet. Ibland betecknades Art Nouveau av termen "Studio-Stil" enligt en av de engelskspråkiga publikationerna som beskrev Arts and Crafts-rörelsens arbete. Ibland kallades stilen mer fantasifullt: "squiggle style" ( tyska  schnürkelstil ) eller "bandmask stil" ( tyska  bandwurmtil ). Icke desto mindre var termen "Jugendstil" ( tyska  jugendstil ) - "ung stil", med namnet på den illustrerade tidskriften Jugend som grundades 1896 , mest utbredd och fixerad i tyska ordböcker [5] .

I Österrike kallades stilen " Secession " ( tyska :  Secessionstil ), efter namnet på utställningsorganisationen " Viennese Secession ". Skotska artister kom på ett högljutt självnamn " School of Glasgow " ( eng.  Glasgow school ). I Spanien har termen "Modernismo" ( spanska  modernismo ) fått fäste. I Italien kallades jugendstilen ursprungligen "blomstil" ( italiensk  stile floreale ), men senare tilldelades den termen "Liberty style" ( italiensk  stilfrihet ), efter namnet på en butik i London och textilier, främst på det orientaliska språket . stil, som såldes i denna butik. I Belgien kallades jugendstilen "ålstil" ( holländska.  paling stil ) eller " Society XX style " ( holländska.  Le Style des Vinght ) eller "fri estetik" ( holländska.  La Libre Esthétique ). De två sista termerna användes för att identifiera jugend med sammanslutningarna av konstnärer med samma namn, vilket förde Bryssel till spetsen för den nya konströrelsen [3] .

Rysk konstkritik på 1900-talet använde termen "ny stil" i relation till symbolik och modernitet , och konstkritikern Vladimir Stasov , som talade negativt om båda, förenade dem under det gemensamma namnet "dekadens" [6] . I rysk konstlitteratur dök termen "modern" upp på 1920-talet, i verk av Eduard Stark ("Gamla teatern", 1922) och Alexei Fedorov-Davydov ("Russian Art of Industrial Capitalism", 1929) [7] .

Ibland används termen "nationalromantik" som beteckning för modernitetens nationalromantiska gren , som oftast förstås som Finlands och de skandinaviska ländernas byggnadsstil under det sena 1800-talet och början av 1900-talet, men som också används i en bredare betydelse, som betecknar alla nationella stilströmningar från periodens historicism i slutet av 1800-talet och moderniteten [8] . I Sverige syftar begreppet ”nationalromantik” till exempel på 1870–1920-talens konsthantverk, medan efter tysk förebild perioden 1895 till 1905, då landets konstnärliga kultur drogs mest mot västeuropeisk modernitet. hänvisas till som "art nouveau" [9 ] . Framväxten av en rent rysk term "nordmodern" [K 2] förknippades med termen "nationalromantik" . Det dök upp första gången i Vladimir Lisovskys avhandlingsarbete 1966; Lisovsky föreslogs att använda termen av Andrey Punin . Under "nordmodern" avsågs den nationalromantiska grenen av modern i Skandinavien och Finland, samt dess regionala gren i S:t Petersburg [10] .

Teoretiska begrepp för jugend

Frågan om ämnet för begreppet "modern" är kontroversiell. amerikanske konsthistorikern Martin Eidelberg

Problemet med att exakt definiera art nouveau har varit en långvarig debatt. Är jugend en distinkt stil, eller representerar den en allmän trend mot förnyelse av konsten vid sekelskiftet? Denna kontrovers går tillbaka till Bings egen tid. Bing trodde att termen "Art Nouveau" endast betydde sökandet efter en ny stil. Men historien om hans galleri visar att även om det från början inte fanns något tydligt koncept [för den nya stilen] när han startade 1895, hade situationen redan 1900 förändrats och Byng slog sig fast på en extremt sammanhängande design, vars huvudelement var lånad från uttrycket för Van de Veldes abstrakta, linjära stil. Faktum är att kritiker alltid nämner whiplash-stilen när de försöker definiera "hög art nouveau" och först då, som om de inte är kränkta, nämner andra konstformer. Som ett resultat förblir frågan om exakt definition förvirrande. Guimards och Galles estetik kan endast beskrivas med en term om denna term betecknar en kronologisk period snarare än en enda stil. Men om vi bestämmer oss för att termen jugend bara ska beteckna en kronologisk period, förblir ett annat problem olöst - hur man ska namnge och förstå de stilar som uppstod under denna period.

— Martin Eidelberg, 1989 [11]

De problem som identifierats av Eidelberg kan illustreras genom att försöka definiera modernitet genom Henri van de Veldes teoretiska essäer: konstnärens syn på modern konst hjälper till att förstå det "geometriska" stilbegreppet i tysktalande länder, men om detta begrepp är strikt följt, då faller Gaudí ur kretsen av moderna konstnärer. I detta avseende var den norske konsthistorikern Stefan Tschudi-Madsen en av de första, 1967, som noterade att jugend faktiskt var en hel rad stilar som skilde sig åt i sin originalitet i olika delar av Europa, men som var samma i sina grundläggande principer [12] .

I rysk historieskrivning har flera tolkningar och teoretiska begrepp av "modern konst" utvecklats. Den första, akademiska och vanligaste, hävdar termen "modern" som namnet på en viss konstnärlig stil som har blivit utbredd under en given kronologisk period. Ett sådant tillvägagångssätt föreslogs särskilt av D.V. Sarabyanov i boken "Modern Style" (1989), utan att ge ett övertygande teoretiskt argument. Svårigheten ligger i det faktum att olika stiltrender, konstskolor och kreativa föreningar samexisterade under denna korta men intensiva period av konstnärligt liv. När det gäller innehåll och former skilde de sig väsentligt från varandra, vilket strider mot den allmänna stildefinitionen i konsten.

Ett annat koncept försvarades av G. Yu. Sternin , baserat på det faktum att huvudinnehållet i den moderna periodens kultur var "önskan att syntetisera olika källor, ofta motstridiga metoder och stilar, olika former och tekniker" [13 ] . G. Yu. Sternin drog en logisk slutsats att "modern konst inte kan förstås genom att endast beskriva dess allmänna stilistiska egenskaper... Trots ett visst plastiskt språk... är det inte bara en konststil, utan framför allt en livsstil." "Modern" som en vetenskaplig term "är mer lämplig att rangordna inte med rent stilistiska kategorier, utan med ett sådant historiskt och kulturellt koncept som Biedermeier ... Vi kan säga att Biedermeier och jugend är början och slutet på en hel historisk fas av romantiken" [14] .

Arkitekturforskarna V. S. Goryunov och M. P. Toubli närmade sig detta problem ännu mer radikalt : "Konst, som relativt nyligen kallades dekadent, blir allt tydligare betydelsen av ett stadium som fullbordar den storslagna cykeln av utveckling av europeisk kultur, som började tillbaka i antiken. Det råder ingen tvekan om att försöket som gjordes vid sekelskiftet att generalisera mänsklighetens estetiska erfarenheter, att syntetisera de konstnärliga traditionerna från väst och öst, antiken och medeltiden, klassicism och romantik åtföljdes och till en viss omfattning, genererades av nedgångsfenomen, krisen i systemet med vetenskapliga, estetiska och etiska värden” [15] . Dessa ord återspeglar dåtidens entusiasm och idealistiska stämning. Det verkade för många som om en helt ny konst skapades framför deras ögon, därav termen "modern". "Vi är toppen av en stigande våg", skrev V. Ya. Bryusov, initiativtagaren till symbolismen i rysk poesi under "Silveråldern" [16] .

Estetiska och konstnärliga idéer om jugend

Den huvudsakliga konstnärliga idén som dominerade denna period var en anti-eklektisk orientering, önskan att övervinna eklekticismens kaos i konsten från tidigare tid, sökandet efter harmoni mellan konst och liv i den industriella eran. Masters of Art Nouveau strävade efter att kombinera de skapade verkens konstnärliga och utilitaristiska funktioner, att involvera alla sfärer av mänsklig aktivitet i skönhetssfären, att förverkliga idéerna om att "förvandla livet genom konstens medel." I detta följde de traditionerna romantik och symbolism . Art Nouveau-periodens kännetecken var uppblomstringen av konst och hantverk och det växande intresset för ny teknik. Symbolismen var en av strömningarna inom den moderna tidens konst och till stor del dess ideologiska grund, om än inte den enda. Namnet "Silveråldern" eller det franska uttrycket "belle époque" ("vackra era"), som var knutet till denna period av rysk kultur, är också vägledande.

Under den moderna perioden skedde ett snabbt, radikalt omtänkande av det gamla och upptäckten av nya konstnärliga former och tekniker, konvergens och sammansmältning av olika typer och genrer av konst. Art Nouveau-konstnärer, som strävade efter en "stor syntes" och "stor stil", bröt djärvt de vanliga normerna och gränserna. Det tyska uttrycket "Jahrhundertwende" ("sekelskiftet") i detta avseende, som noterats av A. A. Rusakova , definierar periodens innehåll bättre än det mer vanliga franska "fin de siècle" ("slutet av seklet") [17] .

Önskan om integritet är huvudmålet för konsten under jugendperioden. Samtidigt, mångfalden av konstnärliga former och övergångstidens komplexitet, dess korta varaktighet tillät inte integritetsprincipen att förverkligas fullt ut i alla verk. Bilden av konstens utveckling vid den tiden kompliceras av det faktum att det under den moderna perioden fanns verk inte bara i "modern stil". Inom arkitekturen fortsatte kompositioner att skapas i historicismens anda och stiliseringar i linje med den nationalromantiska rörelsen [18] .


Modernitetens förhistoria

Bildandet av en ny estetik påverkades av idéerna från det tidigare stadiet i utvecklingen av västeuropeisk konst: William Morris and the Arts and Crafts- rörelsen, samt begreppet " konstens enhet " ( tyska:  Gesamtkunstwerk ), som innebär inte en syntes av olika typer av konst, utan en organisk och holistisk interaktion i en sammansättning av element av arkitektur, ljus, färg och musik [19] .

De grundläggande principerna för den "nya konsten" (Art Nouveau) implementerades framgångsrikt av konstnären och teoretikern Henri Van de Velde i den så kallade "floral stilen" (baserad på stilisering av växtformer och böjda linjer) och i " symboliskt koncept för kreativitet" utvecklat av honom. Art nouveau-stilen följdes av Henri Obrist, Hector Guimard , som blev känd för gallret av luftentréer till Paris tunnelbana, Victor Horta , Louis Majorelle , Victor-Emile Prouvé .

En annan, "geometrisk trend" bildades i Österrike, i den så kallade moderna wienskolan av Otto Wagner , hans elever och anhängare: Josef Hoffmann , Josef Olbrich , Jan Kotera och andra, samt Adolf Loos , som lade fram den berömda slogan "Form utan prydnad". Ett betydande bidrag till bildandet av en ny estetik gjordes av deltagarna i Wienverkstäderna (Wiener Werkstätte).

En separat plats upptas av den franska skolan i Nancy : verken av den berömda Emile Galle och bröderna Dom , liksom arbetet av Charles Rennie Mackintosh och Glasgow School som leds av honom .

I de nordliga länderna: Sverige, Finland, de baltiska länderna Estland, Lettland, Nordtyskland har det så kallade nordmoderna utvecklats , av experter tillskrivet den nationalromantiska rörelsen, eftersom konstruktiva innovationer i denna konst kombineras med nationella och folkliga teman och motiv [20] [21] .

En liknande stilistisk trend utvecklades under samma period i S: t Petersburgs arkitektur , men experter tillskriver den inte nationalromantiken, eftersom den matades av externa källor, och den "nyryska stilen" tog platsen för nationalromantikern rörelse [22] [23] .

De nationalromantiska strömningarna i modern konst i olika länder livnärde sig på folk, inklusive litterära folklorekällor . Därav namnet "vernacular style" ( lat.  vernaculus  - infödd). Ett märkbart inflytande på bildandet av den europeiska modernismens kultur utövades av orientalisk konst, främst Japan , som blev tillgänglig i västerlandet med början av Meiji-eran  - färgträsnitt, upptäckta av impressionisterna , och sedan av W. Van Gogh , den så kallade japanismen , samt målningar av kinesiskt porslin och sidentyger . Under inflytande av orientalisk konst tog den ursprungliga konstnären James Whistlers verk form .

Orientalisk konst handlades i Paris av en av initiativtagarna till den nya konströrelsen, Siegfried Bing , som öppnade butiken China Gate (La Porte Chinoise), där han började sälja konstverk från Kina och Japan. I december 1895 skapade Bing sitt berömda galleri "House of New Art" (Maison de l'Art Nouveau) i Paris, där han visade inte bara produkter från länderna i öst, utan också verk av unga franska konstnärer i " ny stil". Namnet på butiken var knutet till stilen för den nya franska konsten: "Art Nouveau" [24] . Galleriet visade keramik och glas, möbler, tyger från William Morris verkstad , smycken från chefen för School of Nancy Emile Galle , samt Louis Comfort Tiffany , Henri Van de Velde Eugène Grasse , Edvard Colonna, René Lalique , konstnärer av Nabis - gruppen Pierre Bonnard , Jean-Edouard Vuillard , Henri de Toulouse-Lautrec , norske Edvard Munch , engelske konstnären Frank Brengvin . Auguste Rodin och Constantin Meunier ställde ut sina verk i galleriet . Reklambroschyrerna hävdade att "House of New Art" var designat för att övervinna eklekticism och dålig smak i parisarnas hem och ingjuta sann skönhet i vardagen. Livets omvandling med hjälp av konst är huvudidén för modern kultur.

I England, och sedan i Frankrike och Italien, öppnades samma butik av Arthur Lasenby Liberty , från vars efternamn ett av namnen på västeuropeisk art nouveau kommer: "liberty style".

De viktigaste stadierna i utvecklingen av modern konst

Konventionellt finns det tre huvudstadier i utvecklingen av modern konst:

I det första skedet av utvecklingen av den "nya stilens konst", enligt sloganen som framfördes av A. Van de Velde: "Tillbaka till naturen", försökte konstnärerna att befria sig från de överflöd av dekoration som är inneboende i eklekticism av " viktoriansk stil ", det andra imperiet , nybarock och " nyrenässans ". I det andra skedet gick modernistiska arkitekter över till en holistisk design av byggnaden "inifrån och ut" (tidigare dominerades den motsatta metoden för separat design av fasaden genom att lägga till element av olika stilar enligt "lagerkaka"-principen) . Samtidigt återupplivades den gamla traditionen, när arkitekten ritade allt "ned till sista spiken": från den allmänna skissen av byggnaden till ritningarna av dörrhandtag, fönsterhöljen, lampor och eldstäder. Dessutom kan vilken lock som helst eller annat litet element väljas som det huvudsakliga formativa motivet. Så till exempel kan mönstret på en ventilationsgrill bli en dominerande motivsymbol, som upprepar sig som ett eko i andra former och i helhetens sammansättning. Detta gav lite mystik, mystik och räddade den "moderna stilen" från överdriven rationalitet. Därför verkar inte ens en abstrakt dekorativ komposition som föreställer en ögla krökt cyklamenstam på en gobeläng av Henri Obrist (1895) – en linje som av kritiker kallas ett "gisselslag" - avslappnad, utan full av konstruktiv spänning. I Hector-Germain Guimards verk - designen av ingångarna till Paris tunnelbana (1898-1904) - är den "organogena" början karakteristisk, som förvandlar metallstrukturer till intrikat böjda stjälkar och blommor av osynliga växter. De bioliknande, blommiga formerna av Paris tunnelbanas räcken, skapade av Guimard, motsvarade smakerna i den nya stilen i en sådan utsträckning att jugendkonst i Paris en gång kallades "metrostilen" eller "Guimardstilen". ”. 1892-1899 byggde den belgiske arkitekten Victor Horta flera byggnader i Bryssel som blivit kända i arkitekturhistorien: Solvay, Tassel, Van Evelde herrgårdar, "Old England" och hans eget hus (Atelier Horta). Beståndsdelar av byggnadsstrukturen i Hortas byggnader smälter samman med intrikat böjda dekorlinjer: strukturen förvandlas smidigt till form och formen till dekor på plana eller krökta ytor.

Den "nya stilen" utvecklades så intensivt att i Victor Hortas relativt sena verk - "Folkets hus" i Bryssel (1896-1899) - blir inslag av konstruktivism mer märkbara. Arkitekten definierade sitt credo på följande sätt: "Jag vill uttrycka planen och konstruktionen av byggnaden i fasaden som den gjordes i gotiken, och, liksom gotiken, avslöja materialet och visa naturen i en stiliserad dekor" [ 26] .

I slutskedet av utvecklingen av modern kultur inom arkitektur, nyklassicism , en nyklassicistisk trend, den så kallade "moderna klassicismen", rationalism , på grundval av vilken funktionalism och konstruktivism uppstod, såväl som en symbolisk trend, representerad av verk av Erich Mendelssohn , hans anhängare, och Antonio Sant'Elia , förebudet om futurism .

Utvecklingen av jugend i olika länder

I ett antal europeiska länder verkade både enskilda mästare och sammanslutningar av konstnärer inom den moderna estetikens gränser: Exhibition Society of Arts and Crafts ( 1888 ) i Storbritannien, World of Art ( 1890 ) i Ryssland [27] , Dresden och München "United Artistic-craft workshops" ( 1897 ), " School of Nancy " ( 1901 ) i Frankrike, " Wiennese workshops " ( 1903 ) i Österrike, " Tyska verkstäder " ( 1907 ) i Tyskland.

Utveckling av jugend i Storbritannien

Art Nouveau-kulturen bildades tidigt i Storbritannien, i idéerna från Arts and Crafts - rörelsen, skapad på 1860 -talet och nådde internationellt erkännande på 1880 -talet . Rörelsen efterlyste ett återupplivande av konsthantverk och hämtade inspiration från medeltida hantverk och natur. [28]

McMurdos verk, den berömda mahognystolen och omslaget till boken "City Churches of Rennes", skapad 1881 och 1883, är bland de första verken av den "nya engelska stilen" [29]

En annan viktig innovatör i Storbritannien var Aubrey Beardsley, vars teckningar och grafiska verk innehöll de böjda linjerna som blev stilens mest igenkännliga inslag.

Arbetet av brittiska grafiker Walter Crane och Charles Ashby var också viktigt i utvecklingen av stilen. [trettio]

Libertys varuhus i London spelade en viktig roll i utvecklingen av konst och hantverk, tack vare de föremål som skapats specifikt för försäljning i butiken av konstnären Archibald Knox för olika ändamål: textilier med färgglada stiliserade blommönster, silver, tenn och smycken, där formerna och materialen som används helt "bryter sig loss" från smyckesdesignens historiska traditioner.

För jugendarkitektur och möbeldesign var det viktigaste utvecklingscentrumet i Storbritannien Glasgow, ledd av Charles Rennie Mackintosh och Glasgow-skolan som han skapade , vars arbete influerades av stilen hos de skotska baronerna , japansk konst och Wiens secession . [31] McIntosh ställde ut sina mönster på internationella utställningar i London, Wien och Turin. Hans arkitektoniska skapelser inkluderade Glasgow Herald-byggnaden (  1894 ) och biblioteket vid Glasgow School of Art (1897). Han etablerade sig också som möbeldesigner och dekoratör, i nära samarbete med sin fru, Margaret Macdonald Mackintosh . Tillsammans skapade de livfulla mönster som kombinerade geometriska raka linjer med mjukt böjda blomdekorationer.

Leon-Victor Solon gjorde ett viktigt bidrag till utvecklingen av keramik i jugend. Han specialiserade sig på plaketter och rörformade vaser, samt utvecklade textildesign. [32]

Utveckling av jugend i Belgien

Belgien var ett tidigt centrum för jugendutveckling, mycket tack vare arkitekten Victor Horta, som designade ett av de första jugendhusen, Tassel herrgård, som är ett av stilens mest kända landmärken [33] [34] , samt tre andra herrgårdar i ny stil. Alla är nu FN:s världsarv. Horta hade ett starkt inflytande på den unge Hector Guimards arbete, som kom för att se herrgården under uppbyggnad och senare hävdade att Horta var "uppfinnaren" av jugendstilen. I utformningen av fasader och interiörer använde Horta ett överflöd av glas för att utöka det öppna utrymmet och belysa rummen med ljus, och järn för att dekorera pelare och räcken med böjda vegetativa former. Orta designade även möbel- och mattdesigner.

Paul Ankar var en annan pionjär inom Bryssel Art Nouveau. Hans eget hus , byggt 1903, samma år som Tassels herrgård, hade en sgraffitofresk på fasaden . Ankaras arbete var starkt influerat av idéerna från Viollet-le-Duc och den engelska "arts and crafts"-rörelsen. Hans koncept var att kombinera konsthantverk och konst till en helhet. Han gav skulptören Alfred Crick och målaren Adolf Crespin i uppdrag att dekorera husens fasader med sina verk. Det mest anmärkningsvärda exemplet var huset och ateljén som byggdes för målaren Albert Ciamberlani i Bryssel, för vilken han skapade en färgstark fasad täckt av sgraffito med målade figurer och ornament, som återskapade den dekorativa arkitekturen från 1400-talets Italien . Ankaras verk fick erkännande efter hans död 1901. [35]

En annan framstående Brysselarkitekt var Gustave Stroven , innan han började sin egen praktik vid 21 års ålder var han Hortas assistent Hans mest kända verk är Maison Saint-Cyr i Bryssel. Med en bredd på endast fyra meter är den helt dekorerad uppifrån och ned med en svängd prydnad, i jugend-barockstil.

Andra anmärkningsvärda belgiska Art Nouveau-mästare var arkitekterna Henry van de Velde, dekoratören Gustave Serruzier-Bovy och grafikern Fernand Khnopff . [36] [37] .

Utvecklingen av jugend i Frankrike

Efter världsutställningen 1900 blev Paris "huvudstad" i jugendstilen. De mest extravaganta byggnaderna ritades av arkitekten Jules Lavirot , vars fasader var helt täckta av keramisk skulpturell dekoration. Det mest anmärkningsvärda exemplet på hans arbete är Lavirottihuset . Kontorsbyggnader och varuhus hade höga dörrar täckta av målat glas och keramiska detaljer. Stilen var särskilt populär i designen av interiören på restauranger och kaféer.

Paris status lockade utländska konstnärer till staden. Den schweiziskfödde konstnären Eugène Grasse var en av de första skaparna av franska jugendaffischer. Han deltog i inredningen av kabarén "Black Cat" ( fr.  Le Chat Noir ) 1885, han gjorde även affischer för Parisutställningen och en affisch för Sarah Bernhardt . 1896 skapade Theophile-Alexandre Steinlen den berömda affischen för Black Cat-kabarén. Den tjeckiske konstnären Alphonse Mucha anlände till Paris 1888 och 1895 målade han en affisch för Victor Sardous pjäs Gismonda på Renaissance Théâtre .  Framgången med denna affisch ledde till ett kontrakt för att producera affischer för ytterligare sex pjäser av Sarah Bernhardt.

Staden Nancy i Lorraine blev jugends andra huvudstad i Frankrike. År 1901 grundades en provinsiell allians av konstindustrin, även känd som " Nancy-skolan ", som var tillägnad att bryta hierarkin - måleri och skulptur borde placeras högre än konst och hantverk. De främsta företrädarna för skolan var: Emile Galle , Louis Majorelle , Henri Sauvage och andra.

Den franska stilen fick stor spridning genom tidningar, inklusive Studio, Art and Ideas ( franska:  Arts et Id'es ) och Art and Decoration ( franska:  Art et D'coration ), vars fotografier och färglitografier gjorde stilen känd överallt världen.

I Frankrike nådde stilen sin topp 1900 och föll sedan snabbt ur modet och försvann praktiskt taget från Frankrike 1905. Art Nouveau var en lyxig stil som krävde högt betalda hantverkare för att göra, och föremål tillverkade i denna stil kunde inte vara lika lätta och billiga att göra som massproducerade föremål. En av de få jugendartiklar som masstillverkades på den tiden var René Laliques parfymflaskor, som har masstillverkats till denna dag med stil.

Utveckling av jugend i Tyskland

Art Nouveau i Tyskland uppstod bland olika sammanslutningar av avantgardekonstnärer, arkitekter och hantverkare, såsom konstnärskolonin i Darmstadt , Münchensecessionen , Berlinsecessionen , Werkbund med flera. Centrum för stilutveckling i Tyskland var städerna: München , Darmstadt , Karlsruhe , Nürnberg , Leipzig , Berlin , Hagen , etc.

Tysk jugend är känd som Jugendstil ( tyska:  Jugendstil  - "Ung stil"). Namnet kommer från namnet på konsttidningen Jugend, som gavs ut i München . Publikationen grundades 1896 av Georg Hirt , som förblev redaktör för tidskriften till sin död 1916 . Publikationen gavs ut till 1940 . I början av 1900-talet var tidningen helt ägnad åt konst. [38] Senare lånades termen Jugendstil av andra länder i Östersjön och norra Europa för att namnge stilen i dessa länder. [39]

1892 valde Georg Hirt namnet Munich Secession för sammanslutningen av Münchens konstnärer. Vienna Secession och Berlin Secession lånade sina namn från namnet på Münchengruppen. Viktiga deltagare i modernitetens utveckling i Tyskland var: tidskrifterna "Jugend" och " Simplicissimus " ( tyska:  Simplicissimus ), utgivna i München, samt tidskriften " Pan " ( tyska:  Pan ), utgiven i Berlin.

Otto Eckmann var en av de mest kända tyska konstnärerna förknippade med tidningarna Jugend och Pan. Liksom sina föregångare i Storbritannien var han intresserad av japansk konst, men han var särskilt intresserad av den platta representationen av naturliga motiv. Hans favoritdjur, svanen, har blivit ett av ledmotiven i jugendstilen.

Jugendstil kombinerade slingrande kurvor med geometriska linjer som användes för att designa bokomslag, annonser och utställningsaffischer. Designers skapade ofta originella typsnittsstilar som blandade harmoniskt med bilder, som Arnold Böcklins typsnitt från 1904 .

1899 grundades Darmstadts konstnärskoloni av Ernest Ludwig , som byggde storhertigens hus, samt kolonins största byggnad, Bröllopstornet. Kända medlemmar av kolonin var Joseph Maria Olbrich  - en av grundarna av Wiensecessionen, Peter Behrens och Hans Christiansen .

Ett annat anmärkningsvärt förbund i Tyskland var " Deutsche Werkbund " ( tyska :  Deutscher Werkbund ), som grundades 1907 i Munich på initiativ av Hermann Muthesius . Från 1896 till 1903 arbetade Muthesius i England, där han studerade arkitekturen i ett traditionellt engelskt hus, och var nära idéerna från Arts and Crafts-rörelsen. Under inflytande av prestationerna från den nya engelska konsten, den rationalistiska arkitekturen och verken från Charles Macintoshs Glasgow School, hade Muthesius idén om en ny förening. Grundarna av Werkbund var: Peter Behrens  - en av grundarna av industriell design, Theodor Fischer , Joseph Hoffmann , Wilhelm Kreis , Max Lauger , Adelbert Niemeyer , Joseph Maria Olbrich , Bruno Paul , Richard Riemerschmid , Jacob Julius Scharvogel , Paul Schulze- Naumburg , Fritz Schumacher .

Utveckling av jugend i Österrike-Ungern

Österrike

Se även Vienna Secession

Wien blev centrum för en separat variant av jugend som är känd som " Wiensecessionen ". Rörelsen tog sitt namn från namnet Münchensecessionen, som skapades 1892 . Vienna Secession grundades i april 1897 av en grupp konstnärer som inkluderade Gustav Klimt , Koloman Moser , Josef Hoffmann , Joseph Maria Olbrich , Max Kurzweil , Ernst Störi med flera. [40] Gustav Klimt blev ledaren för rörelsen. Den nya rörelsen motsatte sig den konservativa historicistiska inriktningen av Wien Künstlerhaus , det  officiella konstnärsförbundet. The Secession grundade en tidning, " The Sacred Spring " ( Latin  Ver Sacrum ), för att främja hans arbete. [41] Joseph Maria Olbrich designade den kupolformade byggnaden av " Secession " i den nya stilen, som blev ett skyltfönster för Gustav Klimts och andra konstnärer i rörelsen.

Klimt var den mest kända av de konstnärer som var involverade i rörelsen. I hans verk utraderades gränsen mellan fint och dekorativt måleri. En annan viktig medlem av rörelsen var Koloman Moser. Han var en extremt mångsidig mästare i jugend - hans arbete inkluderade tidningsillustrationer, arkitektoniska byggnadsdesigner, silver, keramik, porslin, textilier, målat glas och möbler.

Den mest berömda arkitekten av Wien-secessionen var Otto Wagner [42] som anslöt sig till rörelsen kort efter starten för att följa sina elever Hoffmann och Olbrich. Hans huvudsakliga projekt omfattade flera stationer på stadsbanan, Karlsplatz-stationen - för närvarande utställningshallen för Wienmuseet, etc.

1899 flyttade Joseph Maria Olbrich till Darmstadts konstnärskoloni och 1903 grundade Koloman Moser och Joseph Hoffmann Wienerverkstäderna  , en utbildningsskola och verkstad för designers och hantverkare av möbler, mattor, textilier och dekorativa föremål. [43] 1905 skiljde sig Koloman Moser och Gustav Klimt från Wiens utbrytning, senare 1907 lämnade Koloman Moser också Wiener Werkstütte och dess andra grundare Joseph Hoffmann gick med i tyska Werkbund. Gustav Klimt och Joseph Hoffmann fortsatte att samarbeta och 1908 organiserade de en utställning i Wien och byggde Stocklet-palatset i Bryssel (1905-1911), som förutsåg början av modernistisk arkitektur . [44] [45] År 2009 skrevs den upp på FN:s världsarvslista.

Ungern

Den ungerska secessionens pionjär var arkitekten Ödön Lechner , vars projekt markerade övergången från historicism till den ungerska versionen av jugend. [46] Funktioner i dess arkitektur var användningen av keramik och magyariska motiv. I sina verk använde han pygorgranit, som tillverkades vid Zsolnays porslinsfabrik och användes vid byggandet av den ungerska parlamentsbyggnaden och omstruktureringen av Matyaskyrkan. Även Lechners verk inkluderar Museum of Applied Arts , Institutet och Museum of Geology, och Post Office Savings Bank-byggnaden. [47] Men på grund av motstånd mot det ungerska arkitektoniska etablissemanget, efter inledande framgångar, kunde Lechner inte senare ta emot byggorder som var jämförbara med de ursprungliga byggnaderna. Men Lechners arbete inspirerade ytterligare nästa generation av arkitekter och spelade en stor roll för att popularisera den nya stilen.

En annan viktig arkitekt var Kara Kosh , som var en anhängare av John Ruskin och William Morris. Kosh använde den finska nationalromantikrörelsen som modell för sina mönster. [48] ​​Några av hans byggnader: kyrkan i Zebegeni, paviljongerna i Budapest Zoo och National Székely Museum i Shepshisentdörde.

Rörelsen som främjade den ungerska konstutskiljningen var konstkolonin Gödöllő , grundad 1901 av Aladar Körösföy-Krish , professor vid School of Applied Arts , också en anhängare av Ruskin och Morris. [48]

En medlem av Gödölle konstkoloni, [49] Mikga Roth var involverad i flera projekt av rörelsen, inklusive Gresham Palace (målat glasfönster, 1906) och Török Bank (mosaik, 1906), och skapade även mosaiker och målade glasfönster för kulturpalatset (1911–1913) i Marosvasarhei .

Den berömda möbeldesignern Eden Farago kombinerade i sitt arbete traditionell och orientalisk arkitektur, såväl som modernitetens pittoreska riktning. Pal Horthy , en annan ungersk möbeldesigner, presenterade en mycket mer återhållsam och funktionell stil i sitt arbete. Hans arbete utfördes i ek med fina mönster i ebenholts och mässing.

Tjeckien, Slovakien, Slovenien, Galicien

Den mest produktiva slovenska arkitekten var Cyril Metod Koch . [50] Han studerade hos Otto Wagner i Wien och satt i stadsfullmäktige i Laibach (nu Ljubljana , Slovenien ) från 1894 till 1923. Efter jordbävningen i Laibach 1895, mellan 1900 och 1910 [50] ritade han många sekulära byggnader i Secession-stil: Pogačniks hus (1901), Chudens byggnad (1901), Bondens lånebanksbyggnad (1906-07), en restaurerad byggnad Hauptmann (1904). Hans karriär kulminerade i designen av en lånebanksbyggnad i Radmannsdorf (nuvarande Radovljica ) 1906. [50]

De mest kända jugendbyggnaderna i Prag är exempel på "total konst" med original arkitektur, skulptur och målningar. [51] Huvudjärnvägsstationen (1901-1909) designades av Josef Fanta , dekorerad med målningar av Vaclav Jansa , skulpturer av Ladislav Szaloun och Stanislav Sucharda . The Public House (1905–1912), med skulpturer av Josef Maratka och Ladislav Shaloun, designades av Oswald Polivka och Antonin Balshanek , dekorationen gjordes av den berömda tjeckiske konstnären Alfons Mucha, och senare målade Mucha de målade glasfönstren i St. Vitus-katedralen i sin ursprungliga stil. Polivka, Maratka och Shaloun deltog samtidigt i byggandet av det nya rådhuset (1908-1911) tillsammans med Stanislav Sucharda ,

Stilen, som kombinerade den ungerska secessionen och nationella arkitektoniska element, var karakteristisk för den slovakiske arkitekten Dušan Jurković . Hans mest originella verk är kulturhuset i Šakolce (nuvarande Skalica i Slovakien , 1905), byggnaderna för spaet i Luhacovice (nu Tjeckien , 1901-1903). Samt 35 militärkyrkogårdar nära New Zmigrud i Galicien (nuvarande Polen ), varav de flesta är gjorda med starkt inflytande från lokal Lemko (Rusyn) folkkonst (1915-1917).

Utveckling av jugend i Polen

Den polska versionen av "Scession" var en av de internationella trenderna inom jugend. Stilen utvecklades mest i Polen 1890-1910.

Den polska modernismens huvudcentra var städerna: Krakow , Lodz , Wroclaw , Poznań och Bydgoszcz . Warszawa var före andra världskrigets början också en stad med ett stort antal arkitektoniska byggnader i jugendstil, men endast ett litet antal av dem har bevarats till denna dag, eftersom staden under kriget nästan totalförstördes och de flesta av byggnaderna gick förlorade.

Kända polska arkitekter var: Franciszek Monczynski , Tadeusz Stryienski , Ludwik Wojtychko , Slawomir Odzhivolsky , Benjamin Torbe , Romuald Miller , Viktor Myarchinsky och andra.

Den polska modernitetens riktning i arkitekturen kompletterades också av den arkitektoniska stilen i Zakopane, som var en del av den polska moderniteten. Dessutom finns byggnader gjorda i stil med Wien-secessionen också i olika städer i Polen.

Polska konstnärer anammade många av de blommiga och organiska motiven i jugendstilen. Polsk jugendmålning var främst koncentrerad till staden Krakow. Stanisław Wyspianski var den "huvudsakliga" jugendkonstnären i Polen. Hans målningar, teaterprojekt, målade glasfönster och byggnadsinteriörer visas nu flitigt på Nationalmuseet i Krakow .

Utveckling av jugend i Nederländerna

I Nederländerna, i motsats till den belgiska böjda och blommiga trenden i jugendstil, utvecklades en annan riktning - mer konstruktiv och funktionell. Han var influerad av de geometriska och stiliserade formerna av den tyska Jugentstilen och Wien-secessionen.

Den viktigaste nederländska arkitekten och möbeldesignern var Hendrik Petrus Berlage , som fördömde historiska stilar och förespråkade funktionell arkitektur. Han skrev:

"Man måste bekämpa illusionens konst, känna igen lögnen, för att hitta essensen, inte illusionen."

[52]

Han var också ett fan av Viollet-le-Ducs arkitekturteorier, [52] som strävade efter rigorös funktionalitet och respekt för träets naturliga former, utan vridning och vridning av metall. När han tillverkade möbler använde han egyptiska möbler med räta vinklar som exempel. Hans första och mest kända arkitektoniska verk var Bers van Berlage Commodity Exchange-byggnaden i centrala Amsterdam ( 1896-1903 ), som han byggde i enlighet med konstruktivismens principer. Allt var funktionellt, inklusive linjerna av nitar som prydde väggarna. Han inkluderade ofta höga torn i sin byggnadsdesign för att göra dem mer synliga. Denna praxis användes också av andra dåtidens jugendarkitekter, inklusive Joseph Maria Olbrich i Wien och Eliel Saarinen i Finland. [53] Ett annat berömt verk av honom var American Hotel ( 1898-1900 ).

Andra anmärkningsvärda nederländska arkitekter var Hermann Hendrik Baanders och Gerrit van Arkel . De färdigställde konstruktioner för Astoria- byggnaderna (1904-1905) i Amsterdam; järnvägsstation i Haarlem ( 1906-1908 ) och Holland America Lines tidigare kontorsbyggnad ( 1917 ) i Rotterdam .

En anmärkningsvärd jugendgrafiker och illustratör var Jan Thorop , vars arbete tenderade mot mystik och symbolik. I hans arbete med design och färg kan inflytandet från konsten på ön Java spåras . [53]

Viktiga mästare i tillverkning av keramik och porslin var Jurrian Kok och Theo Colenbrander . I sina verk använde de ett färgglatt blommönster. Tillsammans med traditionella jugendmotiv använde de ovanliga former av keramik, kontrasterande mörka och ljusa färger, lånade från Java batiksmycken. [54]

Utveckling av jugend i Spanien

Se även katalansk modern

En mycket originell version av jugend dök upp i Spanien i Barcelona, ​​ungefär samtidigt som i Belgien och Frankrike. Det kallades katalansk modernism. Mer än 100 arkitekter ritade byggnader i den nya stilen, men de främsta är tre arkitekter: Antonio Gaudi , Lluis Domènech i Montaner och Josep Puig i Cadafalch .

Den mest kända representanten för den katalanska jugendstilen var Antoni Gaudí. Gaudi använde flitigt av blommiga och organiska former i sitt arbete, särskilt i utformningen av Parc Güell . Arkitekturen i parken kombinerade element från konst- och hantverksrörelsen, symbolism, expressionism och rationalism och påverkade många former och tekniker för 1900-talets arkitektur. [55] [56] [57]

I sina verk: Pavilion Güell (1884-1887) och Park Güell (1900-1914) tillämpade han en ny teknik kallad Trencadis . Hans projekt, Casa Batlo (1904–1906) och Casa Mila (1906–1912), hade en nära stilistisk koppling till jugend, men arkitektens huvudverk , katedralen Sagrada de Familia , kombinerade inslag av jugend med nygotik .

Förutom Gaudís dominerande ställning i Katalonien var Lluís Domènech y Montaner också en framstående arkitekt. Han byggde också sina byggnader i Barcelona: De tre drakarnas slott (1888), huset Lleo y Morera (1902-1906), Palatset för katalansk musik (1905) och sjukhuset Sant Pau (1901-1930). Alla byggnader finns med på FN:s världsarvslista.

En annan viktig figur i den katalanska jugendstilen var Josep Puig y Cadafalch, som designade huset Martí , huset Macaya , huset av Amatler , Palau del Bare de Quadras och andra.

Förutom Katalonien i Spanien utvecklades jugend i Valencia. Några av de framstående arkitekterna är: Demetrio Ribes Marco , Vicente Pascual Pastor , Timoteo Briet Monto och José María Manuel Cortina Pérez . Valencias jugend kännetecknades av användningen av keramik i dekoration, både i fasader och ornament, samt användningen av regionala motiv.

En annan variant av jugend i Spanien var Madrid-varianten av jugend ( spanska:  Modernismo madrileño ), med anmärkningsvärda arkitektoniska byggnader som Longoria-palatset , Madrids kasino eller Cementerio de la Almudena . De mest kända Madrid-arkitekterna var: José López Sallaberry , Fernando Arbos y Tremanti och Francisco Andrés Octavio .

Utveckling av jugend i Italien

Art Nouveau i Italien var känd som "Liberty style". Stilen har fått sitt namn från namnet på butiken - Liberty & Co, grundad 1874 i London av den brittiske entreprenören och populariseraren av jugend Arthur Lasenby Liberty , som specialiserade sig på att importera textilier och konstföremål från Japan och Fjärran Östern, vilket var särskilt populära i Italien.

Liberty-stilen skilde sig mycket från de vanliga jugendstilarna och följde ofta historiska stilar, särskilt barocken. Husens fasader var ofta översållade med dekorationer och skulpturer. Färgglada fresker, målade eller keramik, och skulptur, både inomhus och utomhus, var ett populärt inslag i italiensk jugend. De förlitade sig på både klassiska och blommiga teman.

Den viktigaste italienska art nouveau-designern var Carlo Bugatti . Hans arbete var exotiskt, inklusive silver, textilier och keramik, men han är mest ihågkommen för sina innovativa möbeldesigner, som först visades på Milanos konstmässa 1888 . Hans möbler skilde sig ofta i konstruktion och hade ovanliga ytbehandlingar, inklusive pergament och siden, och elfenbensinlägg.

En liknande välkänd italiensk jugenddesigner var Galileo Cini , som var känd som målare och scenograf; han designade scenografin till Puccinis två berömda operor Gianni Sicchi och Turandot . [58] [59] .

Utveckling av jugend i Ryssland

Den ryska varianten av jugend är en mycket färgstark variant av jugend som dök upp i Moskva och St. Petersburg 1898, med början med en publicering av de ryska konstnärerna Alexander Benois och Léon Bakst i konsttidningen Mir Iskusstva . Därefter anordnade publikationen utställningar av ledande ryska konstnärer som Mikhail Vrubel , Konstantin Somov , Isaac Levitan , bokillustratören Ivan Bilibin och andra idéer om rysk folklore och sagor. Det största bidraget från "Konstens värld" till utvecklingen av jugendstilen var skapandet av en ny baletttrupp "Russian Ballet" ledd av Sergei Diaghilev med kostymer och kulisser designade av Bakst och Benois. Premiären av det nya balettkompaniet ägde rum i Paris 1909. I framtiden hölls hennes föreställningar varje år fram till 1913. De exotiska och färgglada uppsättningarna designade av Benoist och Bakst hade ett stort inflytande på fransk konst och design. Kostymerna och kulisserna återgavs i de ledande parisiska tidskrifterna: " Illustration " ( fr.  L'Illustration ), " Paris Life " ( fr.  La Vie parisienne ), tack vare vilka den ryska stilen blev känd i Paris som stilen a la Bakst. Balettkompaniet blev kvar i Paris, först som ett resultat av första världskrigets utbrott och sedan den ryska revolutionen 1917, och uppträdde ironiskt nog aldrig i Ryssland [60] .

Av de ryska arkitekterna var den mest framstående arkitekten Fedor Shekhtel. Det mest kända exemplet på hans arbete är Ryabushinsky-herrgården i Moskva. Det byggdes med pengar från en rysk affärsman och tidningsägare och blev sedan, efter den ryska revolutionen, bostad för författaren Maxim Gorkij, där hans museum för närvarande ligger.

Andra ryska arkitekter på den tiden skapade mönster som byggde på historisk rysk arkitektur. Dessa byggnader skapades huvudsakligen av trä och var en referens till arkitekturen i Kievan Rus. Några exempel är Teremokhuset i Talashkino (1901-1902) av Sergei Malyutin och Pertsovhuset i Moskva (1905-1907).

Petersburgs arkitekt Nikolai Vasiliev , innan han emigrerade 1923, byggde flera byggnader i olika stilar. Dessa byggnader är mest anmärkningsvärda för stenristningarna gjorda av Sergei Vashkov , som inspirerades av ristningarna i St. Demetrius-katedralen i Vladimir och St. Georges katedral i Uryevo-Polsky från 1100- och 1200  - talet .

Flera konstkolonier i Ryssland under denna period byggdes i rysk väckelsestil. De två mest kända av dem var belägna i Abramtsevo (finansierad av Savva Mamontov ) och Talashkino (finansierad av prinsessan Maria Tenisheva ). Ett exempel på rysk renässansarkitektur är Marfo-Mariinsky-klostret (1908-1912), av Alexei Shchusev , som var en uppdaterad version av den klassiska rysk-ortodoxa kyrkan. Senare, ironiskt nog, ritade denna arkitekt Lenins mausoleum i Moskva.

Art Nouveau manifesterade sig livfullt i St. Petersburg, där Singerhuset och Eliseevsky-butiken byggdes på Nevsky Prospekt . Art Nouveau-arkitektur i Ryssland kännetecknades av närvaron av enorma panoramafönster och nyckfulla metalldekorationer av funktionella detaljer (lampor och räcken).

Utveckling av jugend i Lettland

Riga , den nuvarande huvudstaden i Lettland , var en av de största städerna i det ryska imperiet under jugendperioden, där jugendarkitekturen utvecklades enligt sin egen dynamik. Stilen blev extremt populär och dominerade staden efter den lettiska etnografiska utställningen 1896 och utställningen för industri och hantverk 1901. Art Nouveau-byggnader utgör en tredjedel av alla byggnader i centrala Riga, vilket gör den till staden med den högsta koncentrationen av jugendarkitektur i världen. [61] . Kvantiteten och kvaliteten på jugendarkitekturen var ett av kriterierna för införandet av Rigas historiska centrum i UNESCO :s världsarvslista [62] .

Det fanns olika varianter av jugendarkitektur i Riga:

  • i eklektisk (dekorativ) jugend var de mest populära blomdekorationerna och dekorativa element inspirerade av naturen. Exempel på denna variation är verk av Mikhail Eisenstein .
  • i den vinkelräta varianten av jugend, integrerades geometriska ornament i fasadernas vertikala sammansättningar. Flera varuhus i Riga byggdes i denna stil.
  • National Romantic Art Nouveau inspirerades av lokal folkkonst som använde naturliga byggmaterial.

Några senare nyklassicistiska byggnader innehöll också jugenddetaljer.

Utvecklingen av Art Nouveau i de skandinaviska länderna

Modernt var populärt i de skandinaviska länderna, där det kallades " Northern Modern ", och inkluderade i varje enskilt land dess karaktäristiska romantiska nationalism .

Finland

Finland var ett land med ett stort antal arkitektoniska byggnader gjorda i jugend, vars utvecklingstid sammanföll med den finländska konstens guldålder och landets nationella uppvaknande. Efter Parisutställningen 1900 blev Akseli Gallen-Kallela den ledande finska konstnären [63]

På Parisutställningen var författarna till den finska paviljongen Hermann Gesellius , Armas Lindgren och Eliel Saarinen. De arbetade tillsammans från 1896 till 1905 och skapade många kända byggnader i Helsingfors , inklusive försäkringshuset Pohjola ( Finn. Pohjola ) (1899–1901), Finlands Nationalmuseum (1905–1910) [64] och deras gemensamma residens Wittresque vid Kyrkslätt (1902). Arkitekterna inspirerades av skandinaviska legender och natur. Den grova granitfasaden har blivit en symbol för stilen som tillhör den finska nationen [65] .

En annan uppmärksammad finsk arkitekt som skapade flera uppmärksammade verk i Finland var Lars Sonk . Till hans huvudverk hör katedralen i Tammerfors (1902-1907), Jean Sibelius hus (1903), Helsingfors telefonförbunds högkvarter (1903-1907) m.fl.

Norge

Norge , såväl som Finland från det ryska imperiet , sökte självständighet från Sverige , och den lokala versionen av jugend förknippades med en väckelse inspirerad av vikingatida folkkonst och hantverk.

Den berömda norske konstnären Lars Kinsarvik designade stolar i traditionella keltiska och vikingakonstmotiv.

En annan norsk konstnär , Gerhard Munte , designade en stol med ett stiliserat drakhuvud, emblemet för de gamla vikingaskeppen, och gjorde även ett brett utbud av affischer, målningar och grafiska verk. [66]

Den norska staden Ålesund anses vara det främsta centrumet för jugendstil i Skandinavien, eftersom den totalrenoverades efter en brand den 23 januari 1904 [67] . Byggnaderna byggdes om mellan 1904 och 1907 enligt ett stadsplaneringsprojekt av ingenjören Frederic Nesser . Kombinationen av enhet och mångfald har gett upphov till en stil som kallas "Ol Steel". Byggnaderna har en linjär utsmyckning som ekar jugend och innehåller element gjorda i folktraditioner, som kyrktorn i trä eller tofstak [67] .

Sverige och Danmark

I Sverige och Danmark var anmärkningsvärda jugendbyggnader Den Kungliga Dramatiska Teatern (1901–1908) i Stockholm [68] och det tidigare stadsbiblioteket (nuvarande Danska National Business Archive) i Århus , Danmark (1898–1901) [69] . Hack Kampmann , på den tiden en anhängare av den nationalromantiska stilen, skapade Århus tullbyggnad, Århus teater och Villa Kampen i Århus. Den mest kända danska art nouveau-designern var Georg Jensen . Baltiska utställningen i Malmö 1914 var den sista större utställningen av Jugentstil i Sverige [70] .

Utveckling av jugend i Rumänien

Ett karakteristiskt drag för den rumänska jugendstilen var förekomsten i arkitekturen av reliefornament med naturalistiska blommotiv, karakteristiska för Nancyskolan, samt marina faunamotiv, såsom snäckor och delfiner, som prydde fasaderna på byggnader. Den rumänska väckelsestilen, som fanns i arkitektur, möbler och grafisk design, innehöll inslag av art nouveau-varianten.

Ett exempel är ett av husen i Bukarest - House of Dinu Lipatti av Petre Antonescu , vars centrala motiv är ingångsbågen, över vilken det finns en kvinnlig mascaron, gjord i hög relief. Andra exempel på jugendarkitektur i Bukarest är radhusen, som har hästsko- eller andra formade fönster eller jugenddekorationer, och Romulus Porescus hus , som har egyptiska nypremiärmålade glasfönster i hörnfönstren. Några av de nybarocka byggnaderna i Bukarest är gjorda med art nouveau- eller neo-roccoco-element, inklusive Bucharest Observatory , hus nr . [71] Casinot i Constanta är förmodligen det mest kända exemplet på jugend i Rumänien.

En av de mest kända rumänska konstnärerna var Stefan Lucian , som anammade de innovativa och dekorativa art nouveau-trenderna. Detta ögonblick sammanföll med grundandet av Ilean Society 1897, varav han var en av grundarna. År 1898 organiserade sällskapet en utställning på Union Hotel kallad " Utställning av oberoende konstnärer " och publicerade tidningen Ileana . [72]

I Transsylvanien finns också exempel på jugendarkitektur och rumänsk väckelsearkitektur, vars första exempel går tillbaka till den österrikisk-ungerska eran. De flesta ligger i staden Oradea , med smeknamnet "Rumäniens jugendhuvudstad", såväl som i Timisoara , Târgu Mureș och Sibiu . [73] [74] [75]

Utveckling av jugend i Schweiz

En variant av jugend som kallas "granstil" dök upp på La Chaux-de-Fonds i kantonen Neuchâtel i Schweiz . Grundaren av stilen var konstnären Charles L'Eplatenier , som inspirerades av naturliga motiv som tallar, andra växter, samt vilda djur som finns i Jurabergen. Ett av hans huvudverk var krematoriet, som använde triangulära trädformer, kottar och andra naturliga motiv från regionen. Stilen kombinerades också med de mer geometriska stilistiska inslagen i jugend och Wiener Secession [77] . En annan anmärkningsvärd byggnad i denna stil är Villa Falle La Chaux-de-Fonds  , en stuga designad och byggd 1905 av L'Eplateniers student, den artonårige Le Corbusier . Husets form påminde om en traditionell schweizisk stuga, men triangulära träd och andra naturliga element användes i utformningen av fasaden. Le Corbusier byggde ytterligare två stugor i området, i en mer traditionell stil [77] [78] [79] .

Utveckling av jugend i Portugal

Art Nouveau-varianten i Aveiro kallades Arte Nova, och dess främsta utmärkande drag var prålig uppvisning: denna stil användes av borgarklassen, som ville uttrycka sin rikedom på fasaderna, samtidigt som interiören höll sig konservativ. [80] Ett annat utmärkande drag för Arte Nova var användningen av lokalt producerade kakelplattor med jugendmotiv. [80] Den mest inflytelserika Arte Nova-konstnären var Francisco Augusto da Silva Rocha [80] . Även om han inte var en arkitekt, ritade han många byggnader i Aveiro och andra städer i Portugal [81] . En av dem är Major Pessoas residens , där Arte Nova-museet för närvarande ligger. [80] Det finns andra exempel på Arte Nova i andra städer i Portugal [82] [83] . Några av dem: Anastasio Goncalves residensmuseum Manuel Joaquim Norte Junior , Dr. Anastasio Goncalves husmuseum (1904-1905) i Lissabon , caféet Majestic Juan Queiroz (1921) och andra.

Utveckling av jugend i USA

I USA spelade Louis Comfort Tiffanys företag en central roll i utvecklingen av den amerikanska stiltrenden. 1885 skapade Tiffany sitt eget företag, som ägnade sig åt produktion av tunna glasprodukter och utveckling av metoder för att färga det. 1893 började Tiffany göra vaser och skålar, utveckla nya tekniker som möjliggjorde ursprungliga former och färger och experimenterade med dekorativa fönsterglas. 1895 visades hans nya verk på Siegfried Bing Gallery , vilket gjorde det möjligt för honom att skaffa nya europeiska kunder.

Efter faderns död 1902 tog han över den fullständiga ledningen av företaget, men ägnade fortfarande större delen av sin tid åt design och tillverkning av glaskonstföremål.

På Thomas Edisons insisterande började han tillverka elektriska lampor med flerfärgade glasskärmar gjorda av brons och järn, dekorerade med mosaik, producerade i många serier. Ett team av designers och hantverkare arbetade med varje produkt. Tiffany-lampan har blivit en av modernitetens "ikoner", men företagets hantverkare designade inte bara lampor, utan gjorde också ovanliga fönster, vaser och andra konstverk av glas.

The Columbian Exposition var en viktig plats för Tiffany; kapellet han designade visades i Paviljongen för konst och industri. Tiffany Chapel, tillsammans med ett av fönstren i Tiffany House i New York, visas för närvarande på Charles Hosmer Morse Museum of American Art i Winter Park, Florida.

Tiffanys glasvaror var också en stor framgång på världsutställningen 1900 i Paris. Hans målade glasfönster med titeln "Flight of Souls" vann utställningens guldmedalj [84] .

En annan viktig figur i amerikansk jugend var arkitekten Louis Sullivan . Sullivan var en pionjär inom modern amerikansk arkitektur och var grundaren av Chicago School , arkitekten bakom de första skyskraporna och läraren till Frank Lloyd Wright . Hans mest kända ordspråk var:

"Form följer funktion."

Medan formen på hans byggnader formades av deras funktion, var utsmyckningen av hans byggnader ett exempel på den amerikanska jugendrörelsen.

1893, vid World's Columbian Exposition i Chicago, mest känd för den nyklassiska arkitekturen i den berömda White City, designade han jugendentrén för en av byggnaderna som visas.

Utvecklingen av Art Nouveau i Argentina

Översvämmat av europeiska invandrare absorberade Argentina alla konstnärliga och arkitektoniska stilar i Europa, inklusive jugend. Städerna med det mest anmärkningsvärda art nouveau-arvet i Argentina är Buenos Aires , Rosario och Mar del Plata [85] [86] .

Paris var den arkitektoniska prototypen för Buenos Aires med byggandet av stora boulevarder och avenyer [85] . Den lokala stilen, tillsammans med franskt inflytande, påverkades också av den italienska trenden av modernitet, eftersom många arkitekter - Virginio Colombo , Francisco Gianotti , Mario Palanti  - var italienare.

I verk av Julián García Núñez kan man notera det katalanska inflytandet [85] .

Inflytandet från Wien-secessionen kan hittas i Paso y Viamonte-byggnaden .

Utvecklingen av jugend i Rosario förknippas med namnet Francisco Roca Simo , som studerade i Barcelona [87] . Hans byggnad "Spanish Club" ( spanska:  Club Español ) ( 1912 ) har ett av de största målade glasfönstren i Latinamerika . Skulpturerna på byggnaden gjordes av skulptören Diego Masana från Barcelona [88] .

Den belgiska stilriktningen i argentinsk jugend representeras av Villa Ortiz Basualdo , som för närvarande inrymmer Juan Carlos Castagninos kommunala konstmuseum i Mar del Plata , där möbler, interiörer och belysning är av Gustave Serrurier-Bovi .

Utveckling av jugend i andra länder

Liksom i Argentina var jugendstil i resten av världen som inte presenterades ovan främst influerad av utländska konstnärer:

  • Spanjorerna stod bakom projekten i Havanna , Kuba .
  • I Ponce och Puerto Rico influerades lokala arkitekters arbete av spanska arkitekter [89] .
  • Fransmännen genomförde jugendprojekt i Tunisien (på den tiden var det ett franskt protektorat).
  • Tyskarna i Lüderitz , Namibia [90] och i Qingdao , Kina .
  • Italienarna gjorde arbetet i Valparaiso , Chile [91] ; Montevideo , Uruguay ; Rio de Janeiro , Brasilien [92] .
  • Ryssarna låg bakom jugendarvet i Harbin , Kina [93] .
  • Art Nouveau-arvet i Lima består av verk av italienare - bröderna Masperi, den franske arkitekten Claude Sahut och brittiska mästare [94] .
  • Palace of Fine Arts i Mexico City var resultatet av ett samarbete mellan italienare (arkitekten Adamo Boari och skulptören Leonardo Bistolfi ), den lokala arkitekten Federico Mariscal , de ungerska konstnärerna Aladar Körösföy-Krish , Geza Maroti och Mixa Roth , den katalanske skulptören Agusti Kerol Subirats och Franske mästaren Edgar Brandt [95] .
  • Art Nouveau-motiv kan också hittas i fransk kolonialarkitektur i hela Franska Indokina .
  • En anmärkningsvärd konstnärlig rörelse kallad Bezalel-skolan dök upp i den palestinska regionen i slutet av de ottomanska och brittiska protektoraten. Det var "en fusion av orientalisk konst och jugend" [96] . Flera konstnärer associerade med Bezalel-skolan var ganska kända: Ze'ev Raban , Ephraim Moshe Lilien och Abel Pann [97] .

Art Nouveau inom arkitektur, konsthantverk och konst

Art Nouveau i arkitektur

Art Nouveau-arkitektur kännetecknas av förkastandet av raka linjer och vinklar till förmån för mer naturliga, "naturliga" linjer och användningen av nya material ( metall , betong , glas ).

Liksom en rad andra stilar kännetecknas jugendarkitekturen också av viljan att skapa både estetiska och funktionella byggnader. Mycket uppmärksamhet ägnades inte bara till utseendet på byggnaderna, utan också till interiören , som var noggrant utarbetad. Alla strukturella element - trappor, dörrar, pelare, balkonger - bearbetades konstnärligt.

En av de första arkitekterna som arbetade i jugendstil var belgaren Victor Horta . I sina projekt använde han aktivt nya material, främst metall och glas . Han gav ovanliga former till bärande strukturer gjorda av järn , som påminner om fantastiska växter. Trappräcken, lampor som hänger i taket och till och med dörrhandtag var alla designade i samma stil. I Frankrike utvecklades art nouveau-idéerna av Hector Guimard , som bland annat skapade Paris Metros entrépaviljonger .

Den spanske arkitekten Antonio Gaudi gick ännu längre från de klassiska idéerna om arkitektur . Byggnaderna som byggts av honom passar så organiskt in i det omgivande landskapet att de verkar vara naturens verk, inte människan.

Art Nouveau i målning

Art Nouveau var starkt influerad av symbolismen , som försökte flytta från 1800-talets traditionella former till de senaste europeiska trenderna, som ibland bar en villkorlig anknytning till ett visst land.

Art Nouveau kännetecknas av viljan att skapa ett självständigt konstnärligt system. En av grundarna till dessa idéer var Pont-Aven-skolan med Paul Gauguin . Till skillnad från andra stilar betraktades jugendmålningar och paneler som inslag i interiören, vilket gav den en ny känslomässig färg. Därför har dekorativitet blivit en av de viktigaste egenskaperna hos jugendmålning.

Måleri kännetecknas av en paradoxal kombination av dekorativ konventionalitet, dekorativa "mattbakgrunder" och "skulpterade" figurer och ansikten i förgrunden med skulpturell klarhet ( Gustav Klimt , Fernand Khnopf , Mikhail Vrubel ), såväl som stora färgplan ( Leon Bakst , Edvard Munch ) och tunna betonade nyanser (Mikhail Vrubel, Alexander Benois ). Allt detta gav bilderna stor uttrycksfullhet. Symbolismen förde också in symboliken av linje och färg i modern måleri; teman världens sorg, död, erotik var vida representerade; konstnärernas dragningskraft till en värld av mysterier, drömmar, legender, sagor etc. blev utbredd.Klimts dukar är ett slående exempel på jugendmålning. Art Nouveau-konstnärer verkade i alla länder i Europa och Amerika: Österrike, Storbritannien, Tyskland, Italien, Holland, Ryssland, USA, etc. (Se även listan över konstnärer från jugendtiden .)

Art Nouveau grafik

Som en del av stilen blev bok- och tidningsgrafik , affischer och affischer utbredda . Det fanns ett aldrig tidigare skådat antal tidskrifter och recensioner inom konstområdet som främjade jugendstilen: i München "Jugend" (1896), i Berlin "Pan" (1895), i Darmstadt "Tysk konst och dekoration" ( tyska:  Deutsche Kunst und Dekoration ) (1897), i London "Studio" (1893), i Flandern "Från nu och senare" ( holländska.  Van Nu an Straks ) (1893), i Paris "Konst och dekoration" ( fr.  Konst et d 'coration ) (1897) och "White Journal" ( fr.  La Revue Blanche ) (1889), i Wien "The Rite of Spring" (1898), i Prag "Free Directions" ( fr.  Volne Smery ) (1897) ), i S:t Petersburg "Konstens värld" (1898), etc.

Grafiken blev det område från vilket stilmotiven växte och utvecklades, och dess utveckling påverkades i hög grad av omslaget som skapades till boken "City Churches of Wren" av den engelska konstnären och arkitekten McMurdo. Denna design, som dök upp 1883, har färger och starkt böjda stjälkar och blad i svartvitt. Eftersom detta omslag tillhörde en arkitekturbok och förmodligen köptes av många brittiska arkitekter, hade det ett starkt inflytande på skapandet av kurvorna och formerna för jugendarkitekturen [98] .

I slutet av 1800-talet bildades den typen av grafik, som brukar kallas affisch. Affischens födelse drevs av innovationer inom tryckeribranschen. Tekniken med litografi öppnade vägen till affischens sanna konst. Upplagan av publikationen kan vara flera tusen tryck [99] .

Litografi, bokens konst (bokdesign), grafik nådde en hög uppgång under jugendperioden tack vare arbeten av engelsmannen Aubrey Beardsley , tyskarna Thomas Heine , G. Foleger och de ryska mästarna Alexander Benois och Konstantin Somov . Art Nouveau uppnådde stora konstnärliga landvinningar i skapandet av affischer och affischer (verk av Emile Grasset i Frankrike, Alphonse Mucha i Tjeckien).

De första modernisterna i Frankrike var Gauguins lärjungar och i England - anhängarna till "prerafaeliterna".

De mest betydelsefulla personerna i engelsk jugend var William Blake och Aubrey Beardsley, författare till illustrationer för Salome av Oscar Wilde och teckningar för tidningen Yellow Book . Beardsleys grafik är moderna klassiker. Den ryske grafikern Nikolai Kuzmin sa att Beardsley skilde ljus från mörker. För ljus - vitt papper, för mörker - svart bläck. Och inga halvtoner. Linjen har fått fantastisk kraft. En ny era av grafik har börjat. Extrem enkelhet av medel: bara svart och vitt, ett pappersark, en penna, en flaska bläck. Men där han ville visa sin fantastiska "förmåga att prova", blir hans teknik som den finaste spets: frontispicerna till "Salome", till "Venus och Tannhäuser", " Volpone ", sviten "Låsets våldtäkt" [ 100] .

Art Nouveau-grafik hade sina egna uttrycksfulla medel: en energisk generaliserad teckning, skarpa kontrasterande färgförhållanden och användningen av stora tekniska kapaciteter för litografi bidrog till utvecklingen av en sådan variation av grafik som en affisch. De kännetecknas av noggrant designade kompositioner, dekorativa och typ [99] .

I Ryssland spelade mästarna i föreningen " World of Art " en stor roll i utvecklingen av affischen . Affischen försåg dem med en massiv plattform från vilken de kunde engagera sig i estetisk upplysning.

1896 började tidningen Jugend att dyka upp i München . Vid den här tiden hade en utvecklad tryckeriindustri utvecklats i Tyskland. Bok- och tidskriftsbranschen, som hade en lång tradition, blomstrade. Flerfärgstryck, litograferade affischer i storformat och samtidigt reklamklistermärken i miniatyr har blivit utbredd. Andra små genrer utvecklade: bokskylt , broschyr. Museer i München och Berlin beställde originalinbjudningskort från tryckerier. Kataloger över förlag, bokhandlar var ofta riktiga grafiska mästerverk, som representerade målningar av konstnärer [101] .

Mästare i tysk grafik letade efter nya tekniker. Sådana innovationer inkluderade att rita på grovt kornigt papper med en preliminär beläggning av det med vitt. För att uppnå ett mjukt suddigt drag, till exempel, började München-grafiken att använda den japanska borsten i stor utsträckning. En annan innovativ teknik är att på vitt papper få ett avtryck av texturen av grov materia, lätt impregnerad med mörk färg. Bakgrunden var som den korniga ytan på en duk; stroken som applicerades på den fick specifika egenskaper. Grafiker lärde sig att behandla papper med olika syror för att göra det till ett slags pergament. Linjer på sådant papper såg ut på ett nytt sätt [101] .

Art Nouveau skulptur

Art Nouveau skulptur, såväl som måleri, var starkt influerad av symbolism . Huvuddragen i jugendskulpturen är en återgång till "naturliga" linjer. Flytande och dynamik i former, "inre energi" är karakteristiska. Art Nouveau skulptur är dekorativ, dess syfte är att dekorera utrymmet, att underordna det till en enda rytm. Bland moderna skulptörer sticker två franska mästare ut: Auguste Rodin och Aristide Maillol .

Bland ett dussin verk av Rodin är den mest kända Tänkaren . I sina verk glorifierar han kärlekens stora kraft, dess skönhet och odödlighet. Hans andra berömda verk: "The First Kiss", "Eternal Spring", "The Poet and the Muse".

Katalanen Aristide Maillol började med skulptur medan han redan var en välkänd målarmästare. Genom att experimentera med naken kvinnlig natur försökte han skapa bilder av naturlig skönhet, betonade den naturliga harmonin i den kvinnliga kroppen, sensualitet och känslomässighet. Hans verk - "Pomona", "Natt, flod", "Three Nymphs" - finns på de bästa museerna i världen, och allt hans arbete tillhör med rätta europeisk plastkonsts mästerverk.

En ovanlig syn på världen och tolkningen av människan är utmärkande för den tjeckiske modernisten Frantisik Bileks verk . Hans verk kännetecknas av fullständig realism och autenticitet hos bilden. Karaktärerna i hans verk - Moses, Gus - kännetecknas av nyhet och icke-standard tolkning.

Andra lysande exempel på jugend i skulptur är Naum Aronsons verk  - porträtt av Komissarzhevskaya , Tolstoy, Pasteur . Han var den ende av konstnärerna som skapade ett skulpturporträtt, som nu förvaras på ett av museerna i Israel. Hans verk pryder många museer och gallerier runt om i världen [102] .

En av de mest framträdande företrädarna för denna stil i Italien var Adolfo Wildt , vars arbete gick i dess utveckling från symbolism genom Wien och Berlins secession till expressionismens början .

Art Nouveau glasvaror

Glaskonst i jugend var ett medium där stilen hittade nya och varierande uttryckssätt. Intensiva experiment med glastillverkningstekniker ägde rum, särskilt i Frankrike, i jakten på nya effekter av transparens och opacitet: i cameogravyr, dubbla lager och syragravering, en metod som tillåter produktion av produkter i serie.

Staden Nancy blev ett viktigt centrum för den franska glasindustrin, med Émile Gallés verkstäder och Daum-verkstaden ledda av Auguste och Antonin Daum . De arbetade med många kända designers inklusive Ernest Bussière , Henri Bergé (illustratör) och Amalric Walter . Tillsammans utvecklade de en ny metod för att lägga in glas genom att pressa fragment av olika färger till en ofärdig produkt. De samarbetade också ofta med möbeldesignern Louis Majorelle, vars hem och verkstäder också låg i Nancy. Ett annat inslag i jugendstilen var användningen av målade glasfönster med blommotiv i bostadssalonger, särskilt i hus i Nancy. Många av dessa gjordes av Jacques Gruber , som gjorde fönster till Majorelles villa såväl som andra hus. [103]

I Belgien var det ledande företaget "Val Saint-Lambert" ( fr.  du Val-Saint-Lambert ) glasbruk , som skapade vaser i formar innehållande organiska och blommiga motiv, av vilka många designades av Philippe Wolfers . Wolfers var särskilt känd för att skapa bitar i glas med metalldekorationer.

I Böhmen , då en region i det österrikisk-ungerska riket, var J. & L. Lobmeyr- företaget en välkänd tillverkare av kristaller .  Han experimenterade med nya färgmetoder, skapade ljusare och mer mättade färger Loetz Witwe .

I Tyskland utfördes glasexperiment av Karl Koepping , som använde blåst glas för att skapa extremt tunna blomformade glas, så känsliga att få har överlevt till denna dag. [104]

I Wien var secessionrörelsens glasstrukturer mycket mer geometriska än i Frankrike eller Belgien; Otto Prutscher var den mest "stränga" glasdesignern i denna riktning. [104]

I Storbritannien skapade Margaret Macdonald Mackintosh en rad blommiga målade glasfönster för en arkitektonisk utställning som heter "The Art Lover's Home".

I USA blev Louis Comfort Tiffany och hans designers kända för sina lampor, som använde vanliga blomteman i glasskärmar, intrikat sammankopplade. Tiffany-lampor blev populära efter World's Columbian Exposition i Chicago 1893, där Tiffany visade upp sina lampor i ett bysantinskt kapell. Tiffany experimenterade mycket med glasfärgningsprocesser och patenterade Favrile Glass-processen 1894, som  använde metalloxider för att färga insidan av smält glas, vilket gav det en iriserande effekt. Flera olika serier av Tiffany-lampor tillverkades, i olika blommönster, samt med glasmålningar, skärmar, vaser och en rad andra prydnadsföremål. Hans verk importerades först till Tyskland, sedan till Frankrike av Siegfried Bing och blev sedan en av de dekorativa sensationerna på utställningen 1900. Tiffanys amerikanska konkurrent, Steuben Glassworks ( tyska:  Steuben Glass ), grundades 1903 i Corning, New York av Frederick Carter , som liksom Tiffany använde "Favril"-processen för att skapa ytor med iriserande färger. . En annan anmärkningsvärd amerikansk glaskonstnär var John La Farge , som skapade intrikat och färgstarkt målat glas med både religiösa och rent dekorativa teman. [104]

Art Nouveau metal

1800-talets arkitekturteoretiker Viollet-le-Duc förespråkade att snarare visa än att dölja järnramen i moderna byggnader, men andra jugendarkitekter som Victor Horta och Hector Guimard gick ännu längre: de lade till former av krökt järnornamentik till formen av blom- och växtmotiv, både interiört och exteriört på de byggnader som gjorts av dem.

Metall användes vid utformningen av trappräcken, lampor och andra inredningsdetaljer, samt balkonger och andra utomhusdekorationer. De har blivit ett av de mest utmärkande dragen i jugendarkitekturen. Användningen av metalldekorationer med vegetabiliska former dök snart också upp i silverföremål, lampor och andra dekorativa föremål. [105]

I USA designade designern George Grant Elmsley extremt intrikata gjutjärnskonstruktioner för balustrader och andra byggnadsinteriörer av Chicago-arkitekten Louis Sullivan .

Medan franska och amerikanska designers använde blom- och vegetabiliska former, skapade Joseph Maria Olbrich och andra Secession-konstnärer tekannor och andra metallföremål i en mer geometrisk och återhållsam stil. [106]

Art Nouveau smycken

Art Nouveau-smycken kännetecknas mest av sådana vanliga stildrag som: användningen av släta, naturliga linjer som efterliknar formen på ett löv eller en våg, undvikande av raka geometriska former, användning av dämpade pastellfärger och matta färger och material. Utan att överge guld, särskiljde jugendstilen smycken halvädelstenar, som opal , månsten , turkos , samt pärlor, emalj, elfenben, bland favoritmaterialen. Diamanter och andra ädelstenar används i jugendprodukter främst som extra dekorativa element. Vegetativa, zoomorfa (trollsländor, ödlor, fladdermöss, fjärilar) och fantastiska (nymfer, älvor) motiv råder.

Bland de mest framstående juvelerarna under juveleran är René Lalique , Alexis Falise , Louis Tiffany och Georges Fouquet .

Art Nouveau interiör

Interiören i den moderna eran började spela en viktigare roll - detta dikterades av arkitekturen, vilket skapade nya sätt att ordna det inre utrymmet och banade vägen för det yttre utrymmets fullständiga överensstämmelse med det inre. Den allra första jugendinteriören kan betraktas som det berömda " Påfågelrummet ", designat av James Whistler i London [107] . Interiören byggdes på ett fullständigt förkastande av de tidigare arkitektoniska principerna för inredning. Väggarna i lokalerna var täckta med bisarra, asymmetriska former som inte verkade bilda någon regelbundenhet, nyckfullt slingrande linjer. Taket dekorerades som regel med platt-relief gipsplast, väggarna dekorerades mer färgstarkt, gardinerna gjordes ljusa [108] .

Art Nouveau möbler

Forskare noterar traditionellt att skaparna av moderna möbler höll sig till en av två linjer: representanter för de franska, tjeckiska och ungerska varianterna av modern stil - dekorativa (nyckliga former och konturer), tyska och engelska mästare - konstruktiva (rakhet, tydlig konstruktion). Dessutom är det senare mer typiskt för tyska och engelska produkter. Föremål som dras mot konstruktiv klarhet i linjer och former är enklare, dekorelementet reduceras till ett minimum i dem. Denna trend är mest representerad i möbelmakarna Richard Riemerschmidt och Otto Pankoks arbete . I Österrike, och sedan i Tyskland, behärskades tillverkningen av sådana möbelformer (särskilt skåp), som redan i alla avseenden skilde sig från de tidigare typerna [108] . Föremål från tyska, wienska och engelska möbeltillverkare, skapade i en geometrisk "puritansk" stil, är tydligare i design och form, enklare, dekor i dem minimeras. Denna moderna linje leder till autentiska samtida möbler.

Släta, odelade möbelytor i jugendstil erhålls genom att byta till mekaniserad fanering och montering. Man tror att de böjda formerna av jugendmöbler är tagna från födseln så tidigt som i mitten av 1800-talet, när den berömda wienska fabriken av Michael Thonet satte i produktion en stol konstruerad av ångböjt trä, " wienerstolen " . .

En av prestationerna med jugend är att konstnärerna som designade möbler observerade genomförandet av sina idéer direkt i verkstäderna. Designers tjänster användes även vid inredning av lägenheter i hyreshus. Detta öppnade möjligheten för implementeringen av idén om ett headset, en uppsättning möbler. Konstnärernas och formgivarnas närhet till produktionen hade en gynnsam effekt på verkstädernas arbete.

Inom möbler, parallellt med jugend, har också ett antal relaterade stiltrender utvecklats. Till exempel tog en av dem japanska möbler som källa. Den "gotiska" grenen av jugendstil utvecklades också.

Franska, belgiska och spanska möbler representeras av utsökta vitrinskåp och bokhyllor av Louis Majorelle , Emile Gallé och Hector Guimard, Carlo Bugattis "kobrastol" och "snigelstol" , Antonio Gaudis fantastiskt organiska möbelformer, mjukt flödande skåplinjer möbler och sittplatser av Henri Van de Velde . "Konstruktiva" möbler skapas av Charles Mackintosh och Margaret Mackintosh, mästare i de berömda "wienska" verkstäderna Colomon Moser , Adolf Loos och andra, och fortsätter sedan i möbelprojekten av F. L. Wright [109] .

Idén om rymdens stilistiska integritet bidrog till den utbredda användningen av möbelset tillverkade i samma stil och inskrivna i rummets övergripande utrymme. En exceptionellt viktig plats ockuperades av matställen, inklusive dess huvuddel - en skänk eller skänk, som, trots sitt ganska utilitaristiska syfte, vanligtvis placerades i vardagsrummet, vilket bekräftade ägarens status (en skänk i klassisk mening av ordet förstås vara högt, vanligtvis mer än två meter högt, två-, tre- eller fyrbladigt konstruktion, vars övre del är försedd med glasade dörrar och den nedre delen är ett skåp med blinddörrar eller lådor) . Den klassiska skänken skiljer sig vanligtvis från buffén i den nedre höjden på de övre och nedre delarna. Det är viktigt att identifiera dessa detaljer, eftersom skänken, som en möbel, kännetecknas av den mest traditionella formen vid alla tillfällen - även en sådan "egensinnig stil" som jugend kunde inte ändra den. Men just på grund av designens konservatism blev skänken en utmärkt grund för att förkroppsliga de kreativa idéerna från tidens konstnärer [110] .

Art Nouveau keramik

Keramisk konst, inklusive fajans, var ett annat blomstrande område av jugend i engelsktalande länder, som faller under den mer allmänna konstkeramikrörelsen. Under den sista hälften av 1800-talet fanns det många tekniska innovationer i produktionen av keramik, i synnerhet utvecklingen av högtemperaturkeramik, den så kallade. "Great Fire" ( franska  grand feu ) med kristalliserad och matt glasyr. Samtidigt återupptäcktes flera förlorade tekniker, som "tjurens blod"-glasyr ( franska:  sang de boeuf ). Art Nouveau keramik var också influerad av traditionell och samtida japansk och kinesisk keramik, vars växt- och blommotiv smälte väl in i jugend. [111]

I Frankrike "återupptäckte" konstnärer traditionell keramik - "sandsten" ( fr.  grés ) och började applicera dem med hjälp av nya motiv. Émile Gallé från Nancy skapade lergods i naturliga jordfärger med naturalistiska teman om växter och insekter. Keramik hittade också nya användningsområden inom arkitekturen: Art Nouveau-arkitekter, bland dem Jules Lavirotte och Hector Guimard , började dekorera fasaderna på byggnader med arkitektonisk keramik, varav de flesta gjordes av firman Alexandre Bigot , vilket gav dem ett skulpturellt utseende. [111] En av pionjärerna inom fransk jugendkeramik var Ernest Chaplet, vars karriär inom keramik sträckte sig över trettio år. Han började tillverka keramik influerad av japanska och kinesiska prototyper. Från och med 1886 arbetade han med målaren Paul Gauguin på design för keramiska föremål med applicerade figurer, flera handtag, målade och delvis glaserade, och samarbetade med skulptörerna Félix Bracquemont , Jules Dalou och Auguste Rodin . Hans verk visades på utställningen 1900.

Stora nationella keramikföretag hade en viktig plats vid Parisutställningen 1900: National Manufactory of Sèvres utanför Paris; Nymphenburg , Meissen , Villeroy och Boch i Tyskland och Doulton i Storbritannien. Andra ledande franska keramister inkluderade Taxil Doat , Pierre-Adrien Dalpayrat , Edmond Lachenal , Albert Dammouse och Auguste Delaherche . [112]

I Frankrike gick jugendkeramik ibland över i skulptur. Ett exempel är porslinsfiguren " Dancer with a Scarf " av Agathon Léonard , gjord för National Manufactory i Sevres, som vann erkännande i båda kategorierna vid Parisutställningen 1900.

I Ungern grundades Zsolnay Factory av Miklós Zsolnay 1853, ledd av hans son Vilmos Zsolnay , tillsammans med chefsdesignern Tade Sikorski , för att producera keramiska produkter. 1893 introducerade Zsolnay eosin porslin . Han ledde fabriken till världsomspännande erkännande genom att demonstrera sina innovativa produkter på världsmässor och internationella utställningar, inklusive 1873 års världsutställning i Wien, samt 1878 världsutställning i Paris, där Zsolnay fick Grand Prix. Frostbeständiga byggnadsdekorationer Zsolnay användes i många byggnader, särskilt under utvecklingen av jugendstil. [113]

Keramiska plattor var också ett kännetecken för portugisisk jugend, och fortsätter den långa traditionen av portugisiska traditionella plattor - azulejos .

Mosaic Art Nouveau

Mosaik har använts av många konstnärer från olika strömningar av jugend, särskilt katalansk modernism ( Sant Pau Hospital , Palau de la Música Catalana , Casa Lleo Morera och många andra). Antonio Gaudí uppfann en ny materialbearbetningsteknik som kallas trencadís , som använde keramiskt avfall. Färgglada majolikaplattor med blommönster är ett kännetecken för Otto Wagners Majolicahus i Wien (1898) och byggnader av verk av den ryska Abramtsevo-kolonin , såväl som Mikhail Vrubel.

Art Nouveau textilier och tapeter

Textilier och tapeter har varit ett viktigt sätt att uttrycka jugendornament från början av stilen och en integrerad del av inredningen. I Storbritannien startade William Morris textildesign rörelsen Arts and Crafts och senare själva stilen. Många av hans verk gjordes för varuhuset Liberty i London, vilket bidrog till att stilen blev populär i hela Europa. Ett av exemplen kan också fungera som "Silver Studio" ( Engelska  Silver Studio ), som utförde färgglada stiliserade blommönster. Annat distinkt designarbete skapades på Glasgow School av Margaret Mackintosh. Glasgow School introducerade flera distinkta motiv, inklusive stiliserade ägg, geometriska former och " Rosen från Glasgow ".

I Frankrike gjordes ett stort bidrag till utvecklingen av designen av textilier och jugend av designern Eugene Grasset , som 1896 publicerade verket "The free aesthetics of the plant and its decorative application" ( fr.  La Plante et ses Applikationer Ornatales ), föreslår en design baserad på en kombination av olika färger och växter. Många mönster designades och tillverkades för de stora franska textiltillverkarna i Mulhouse , Lille och Lyon i tyska och belgiska verkstäder.

Den tyska designern Hermann Obrist specialiserade sig på blommönster, särskilt cyklamen och "piska"-stilen baserad på blomstjälkar, som blev huvudmotivet i denna stil. Belgaren Henri van de Velde presenterade textilverket "Vigil of the Angels" ( fr.  La Veillée d'Anges ) på salongen Free Aesthetics ( fr.  La Libre Esthéthique ) i Bryssel, inspirerat av Paul Gauguins och Nabis -symboliken. grupp .

I Nederländerna var textilier ofta influerade av batik från de holländska kolonierna i Ostindien.

Folkkonsten har också inspirerat gobelänger, mattor, broderier och textilier i Centraleuropa och Skandinavien, av författarna Gerhard Münte och Frida Hansen i Norge . Designen av de fem svanarna av Otto Eckmann fanns i mer än hundra olika versioner. Den ungerska formgivaren Janos Vasari kombinerade jugendelement med folkloremotiv.

  • Sida med näckros från Eugène Grassets bok om dekorativ användning av blommor, 1899

  • Textildesign, Koloman Moser , 1899

  • Tryckt bomull för Liberty-varuhuset, Silver Studio, Storbritannien , 1904

  • Gobeläng "Herde", Janos Vasari, 1906

  • Matta från samlingen av King Baudouin Foundation, Victor Horta .

Se även

Anteckningar

Kommentarer

  1. ↑ Termen "Modern style" användes först av franska journalister på 1900-talet för att beskriva arkitekturen och den dekorativa konsten under Fin de siècle- perioden , som betraktades på ett negativt sätt och uppfattades som utländska (engelska) influenser. Benämna användes inte utanför Frankrike, som i det engelska språket benämna "art nouveau" omedelbart tilldelades art nouveau . På franska ersattes "modern stil" slutligen av termen "art nouveau" på 1980-talet, med ett återuppvaknande av intresse för 1900-talets dekorativa konst [4] .
  2. ↑ Termen "nordlig modern" finns uteslutande i ryskspråkig litteratur.

Källor

  1. ↑ Howard, 1996 , sid. 1-2.
  2. ↑ Howard, 1996 , sid. 2.
  3. ↑ 1 2 Selz, Constantine, 1972 , sid. 10-11.
  4. ↑ Modern stil . universalis.fr . Encyclopedia Universalis . Hämtad 16 juni 2022. Arkiverad från originalet 27 december 2021.
  5. ↑ 1 2 Selz, Constantine, 1972 , sid. tio.
  6. ↑ Kiselev, 2002 , sid. 220.
  7. ↑ Nechaeva, 2006 , sid. 7.
  8. ↑ Antoshchuk, 2017 , sid. fyra.
  9. ↑ Komarova, 2008 , sid. 3.
  10. ↑ Gerasimov, 2017 , sid. 1-2.
  11. ↑ Warren, 2018 , sid. 5.
  12. ↑ Warren, 2018 , sid. 4-6.
  13. ↑ Vlasov V. G. Modern, "modern stil" // New Encyclopedic Dictionary of Fine Arts. I 10 volymer - St Petersburg: Azbuka-Klassika. - T.V, 2006. - S. 557
  14. ↑ Sternin G. Yu. Om Modernt // Museum, 1989. Nr 10. P. 7
  15. ↑ Goryunov V.S., Tubli M.P. Moderna erans arkitektur: koncept. Vägbeskrivning. Mästare. St Petersburg: Stroyizdat, 1992, s. 9
  16. ↑ Vlasov V. G. Modern, "modern stil". — S. 557
  17. ↑ Rusakova A. A. Vid sekelskiftet // Art of Leningrad. 1991. Nr 3. S. 49
  18. ↑ V. G. Vlasov . Triaden "historicism, stilisering, eklekticism" och postmillennism i konstens historia och teori] // Elektronisk vetenskaplig tidskrift " Architecton: university news ". - Ural State Art Academy of Arts , 2018. - Nr 3 (63) [1] Arkivexemplar daterad 8 november 2019 på Wayback Machine
  19. ↑ Fornoff R. Die Sehnsucht nach dem Gesamtkunstwerk. Studien zu einer ästhetischen Konzeption der Moderne. — Zürich: Hildesheim, New York: Olms 2004
  20. ↑ Frampton K. Modern arkitektur: en kritisk titt på utvecklingens historia. — M.: Stroyizdat, 1990
  21. ↑ Linnik Yu. V. Arketyper av finsk modernitet // Northern Modern. Dialog mellan kulturer. - St. Petersburg: Europeiska huset, 2005. - S. 36
  22. ↑ Kirikov B. M. Arkitektur i St. Petersburg modern. Herrgårdar och hyreshus. - St Petersburg: Kolo, 2008. - 576 sid. — ISBN 5-901841-41-1
  23. ↑ Lisovsky V. G. Northern Modern: National-Romantic Trend in the Architecture of the Baltic Sea Countries vid 1800- och 1900-talsskiftet. - St. Petersburg: Kolo Publishing House, 2016. - 520 sid.
  24. ↑ Rosenthal R., Ratzka H. Nya tidens brukskonsthistoria. - M .: Konst, 1971. - S. 42-53
  25. ↑ Fotnotsfel ? : Ogiltig tagg <ref>; автоссылка2ingen text för fotnoter
  26. ↑ Rosenthal R., Ratzka H. Nya tidens brukskonsthistoria. — S. 99
  27. ↑ Modernt. karakteristiska egenskaper . StudFiles. Datum för åtkomst: 9 december 2016. Arkiverad från originalet 15 december 2016.
  28. ↑ V&A Arts and Crafts: En introduktion . Hämtad 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 15 februari 2020.
  29. ↑ Art Nouveau av Rosalind Ormiston och Michael Robinson, 58
  30. ↑ Art Nouveau – Art Nouveau Art (22 februari 2013). Arkiverad från originalet den 22 februari 2013.
  31. ↑ Art Nouveau av Ormiston och Robinson, 61
  32. ↑ Han beställdes av Wardle-familjen av färgare och tryckare, som handlade som "Thomas Wardle & Co" och "Bernard Wardle and Co". Arkiverad från originalet The Wardel Pattern Books Revealed den 3 december 2013.
  33. ↑ Oudin, Bernard, Dictionnaiare des Architectes (1994), sid. 237
  34. ↑ Sembach, L'Art Nouveau sid. 47
  35. ↑ Fahr-Becker, 2015 , sid. 140.
  36. ↑ Lahor, 2007 , sid. 91.
  37. ↑ Sterner (1982), sid. 38-42
  38. ↑ A. Philip McMahon, "recension av F. Schmalenbach, Jugendstil ", Parnassus , vol. 7 (okt. 1935), 27.
  39. ↑ Reinhold Heller, "Recent Scholarship on Wiens "Golden Age", Gustav Klimt och Egon Schiele, The Art Bulletin , vol. 59 (mars 1977), sid. 111-118.
  40. ↑ Association of Visual Artists Vienna Secession - Officiell webbplats . Hämtad 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 25 april 2019.
  41. ↑ Lahor, 2007 , sid. 63.
  42. ↑ Tidningen "Coup de Fouet", vol. 27 (2016), sid. 14–25 . Hämtad 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 28 juli 2019.
  43. ↑ Lahor, 2007 , sid. 120.
  44. ↑ Oudin, Bernard, Dictionnaire des Architectes (1994), s. 33-34
  45. ↑ Sembach, L'Art Nouveau (2013), s. 203-213
  46. ↑ Tidningen "Coup de Fouet", vol. 23 (2014), sid. 2–35 . Hämtad 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 14 juli 2020.
  47. ↑ Ödön Lechner Arkiverad 11 april 2021 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  48. ↑ 1 2 Tidningen "Coup de Fouet", vol. 14 (2009), sid. 16 . Hämtad 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 16 juli 2020.
  49. ↑ [2] Arkiverad 10 juli 2019 på Wayback Machine The Gödöllő Artists' Colony – artikel av David A. Hill
  50. ↑ 1 2 3 Tidningen "Coup de Fouet", vol. 13 (2009), sid. 36–41 . Hämtad 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 16 juli 2020.
  51. ↑ Prag Arkiverad 11 april 2021 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  52. ↑ 1 2 Fahr-Becker, 2015 , sid. 171.
  53. ↑ 1 2 Fahr-Becker, 2015 , s. 170–171.
  54. ↑ Fahr-Becker, 2015 , s. 166–167.
  55. ↑ Citering av Parc Guell i UNESCO-klassificering
  56. ↑ James Grady, specialbibliografiskt tillägg: En bibliografi över jugenden , i "The Journal of the Society of Architectural Historians", vol. 14 (maj 1955), sid. 18-27.
  57. ↑ Cronologia Arkiverad 19 september 2020 på Wayback Machine  - Palau Güells officiella webbplats
  58. ↑ Sicilian Liberty - Italianate Art Nouveau - Best of Sicily Magazine . Hämtad 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 29 januari 2020.
  59. ↑ Henry R. Hope, recension av H. Lenning, The Art Nouveau , The Art Bulletin , vol. 34 (juni 1952), 168-171 (särskilt 168-169): 1952, när han diskuterade jugendläget, noterade författaren att jugend ännu inte var en acceptabel studie för seriös konsthistoria eller ett ämne som lämpar sig för stora museer utställningar och deras respektive kataloger. Han förutspådde en förestående förändring
  60. ↑ Duncan, Alistair, Art déco , Thames och Hudson (1988), s. 147-48
  61. ↑ Rigas historiska centrum . UNESCO . Hämtad 11 mars 2016. Arkiverad från originalet 11 juli 2017.
  62. ↑ Rigas historiska centrum . UNESCO . Hämtad 11 mars 2016. Arkiverad från originalet 22 juni 2020.
  63. ↑ Martin, T. & Pusa, E. 1985, sid. 12.
  64. ↑ Finlands Nationalmuseum Arkiverad 26 juli 2019 på Wayback Machine  - Museums of EU
  65. ↑ Europarutt i jugendstil: Helsingfors . www.artnouveau.eu _ Hämtad 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 26 april 2016.
  66. ↑ Riley, 2004 , sid. 312.
  67. ↑ 1 2 Europarutt i jugendstil: Ålesund . www.artnouveau.eu _ Datum för åtkomst: 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 4 juni 2016.
  68. ↑ Stockholm Arkiverad 11 april 2021 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  69. ↑ Aarhus Arkiverad 11 april 2021 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  70. ↑ Baltiska utställningen 1914 - Malmö stad . Hämtad 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 24 oktober 2020.
  71. ↑ Constantine, Paul. Arta 1900 i România: [ rum. ] . - Editura Meridiane, 1972. - S. 83, 84, 86, 87 & 90.
  72. ↑ Elena Olariu...s. 16
  73. ↑ Arv från Timisoara–Cladiri . heritageoftimisoara.ro . Hämtad 23 maj 2021. Arkiverad från originalet 16 maj 2021.
  74. ↑ Ungvári, Zrínyi Imre Tîrgu Mureșs offentliga byggnader i jugendstil . wondersoftransylvania.com . Hämtad 23 maj 2021. Arkiverad från originalet 23 maj 2021.
  75. ↑ Str. Metropoliei nr. 20 . Hämtad 23 maj 2020. Arkiverad från originalet 23 maj 2021.
  76. ↑ Mariana Celac, Octavian Carabela och Marius Marcu-Lapadat. Bukarest arkitektur - en kommenterad guide ] . - Ordinul Arhitecților din România, 2017. - P. 85. - ISBN 978-973-0-23884-6 .
  77. ↑ 1 2 Tidningen "Coup de Fouet", vol. 16 (2010), sid. 2–10 . Hämtad 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 25 juli 2019.
  78. ↑ Ecole d'art et Style sapin Arkiverad 26 juli 2019 på Wayback Machine  - La Chaux-de-Fonds
  79. ↑ Fondation Le Corbusier . Hämtad 28 juli 2019. Arkiverad från originalet 14 mars 2014.
  80. ↑ 1 2 3 4 Tidningen "Coup de Fouet", vol. 11 (2008), sid. 2–7 . Hämtad 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 18 juli 2020.
  81. ↑ Francisco Augusto da Silva Rocha Arkiverad 31 oktober 2020 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  82. ↑ Lissabon arkiverad 17 mars 2021 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  83. ↑ Porto Arkiverad 5 mars 2021 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  84. ↑ Lahor, 2007 , sid. 167.
  85. ↑ 1 2 3 Europarutt i jugendstil: Buenos Aires . www.artnouveau.eu _ Hämtad 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 23 juli 2020.
  86. ↑ Europarutt i jugendstil: Karta . www.artnouveau.eu _ Hämtad 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 17 april 2019.
  87. ↑ Europarutt i jugendstil: Rosario . www.artnouveau.eu _ Hämtad 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 23 juli 2020.
  88. ↑ Tidningen "Coup de Fouet", vol. 10 (2012), sid. 44–47 . Hämtad 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 16 juli 2020.
  89. ↑ Tidningen "Coup de Fouet", vol. 12 (2008), sid. 28–29 . Hämtad 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 15 juli 2019.
  90. ↑ Europarutt i jugendstil: Lüderitz . www.artnouveau.eu _ Hämtad 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 23 juli 2020.
  91. ↑ Europarutt i jugendstil: Valparaiso . www.artnouveau.eu _ Hämtad 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 23 juli 2020.
  92. ↑ Villino Silveira Arkiverad 11 april 2021 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  93. ↑ Harbin Arkiverad 11 april 2021 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  94. ↑ Tidningen "Coup de Fouet", vol. 30 (2018), sid. 77–83 . Datum för åtkomst: 4 januari 2022. Arkiverad från originalet den 15 februari 2022.
  95. ↑ Palacio de Bellas Artes Arkiverad 11 april 2021 på Wayback Machine  - Art Nouveau World
  96. ↑ AATC-konstnärer - Ze'ev Raban . Hämtad 4 januari 2022. Arkiverad från originalet 10 maj 2004.
  97. ↑ Mishofy, Alec. Sekularisering av det heliga. Brill, 2019.
  98. ↑ Art Nouveau (otillgänglig länk) . TARTLE.NET. Hämtad 18 november 2016. Arkiverad från originalet 19 november 2016. 
  99. ↑ 1 2 Modern. karakteristiska egenskaper . StudFiles. Hämtad 18 november 2016. Arkiverad från originalet 19 november 2016.
  100. ↑ Administratör. Användningskonst, Dekorativ konst, Grafik och bokdesign, Måleri och skulptur - 1900-talets konstnärliga kultur - Läromedel för elever . studme.org. Hämtad 18 november 2016. Arkiverad från originalet 18 november 2016.
  101. ↑ 1 2 Art Nouveau. Tysk grafik från XIX - XX århundradena. Konstnärernas målningar - Design & Kultur Magazine . www.5arts.info Hämtad 18 november 2016. Arkiverad från originalet 19 november 2016.
  102. ↑ Art Nouveau-skulptur , världens museer och målningar av kända konstnärer . Arkiverad från originalet den 19 november 2016. Hämtad 18 november 2016.
  103. ↑ Riley, 2004 , sid. 318.
  104. ↑ 1 2 3 Riley, 2004 , sid. 320.
  105. ↑ Riley, 2004 , sid. 322.
  106. ↑ Riley, 2004 , sid. 324.
  107. ↑ Modernt. Karakteristiska egenskaper - Sida 3 . StudFiles. Hämtad 9 december 2016. Arkiverad från originalet 14 december 2016.
  108. ↑ 1 2 D. Kes. Möbelstilar. — Budapest, 1981.
  109. ↑ Art Nouveau-möbler - Inredningshistoria . dominterior.org. Hämtad 9 december 2016. Arkiverad från originalet 20 december 2016.
  110. ↑ La_belle_epoque. Bufféer i modern stil. Diskussion om LiveInternet - Russian Online Diary Service . www.liveinternet.ru Hämtad 18 november 2016. Arkiverad från originalet 19 november 2016.
  111. ↑ 12 Riley , 2004 , s. 314–15.
  112. ↑ Edmond Lachenal och hans arv , av Martin Eidelberg, Claire Cass, Hudson Hills Press; illustrerad utgåva (25 februari 2007)
  113. ↑ Tidslinje Arkiverad 19 augusti 2013. , tillgänglig 1/23/08

Litteratur

  • Antoshchuk T.I. Traditioner för nationalromantik i den heliga arkitekturen under 1800-1900-talen  // Colloqium-Journal. - 2017. - Nr 8 (8) . - S. 4-6 .
  • Berseneva A. Modern arkitektur. - Jekaterinburg, 1992.
  • Berseneva A. European Art Nouveau: Wiens arkitekturskola. - Jekaterinburg, 1991.
  • Borisova E. A., Sternin G. Yu. Russian Modern. - M . : Sovjetisk konstnär, 1990. - 360 s. — ISBN 5-269-00028-8 .
  • Volodina T. Modern: Synthesisproblem // Konsthistoriska frågor. - 1994. - S. 2-3 .
  • Gerasimov A.P. "Northern Modern" i tolkningen av trähus i staden Tomsk  // Architecton: nyheter om universitet. - 2017. - Nr 3 (59) . - S. 1-10 .
  • Goryunov V.S., Tubli M.P. Modernistisk arkitektur. Begrepp. Vägbeskrivning. Mästare. - St Petersburg. : Stroyizdat, 1992.
  • Dyachenko A. Tysk grafik från slutet av XIX - början av XX-talet. - M. , 1989.
  • Kirichenko E.I. Arkitektoniska teorier från 1800-talet i Ryssland. - M. , 1993. - T. 1.
  • Kirichenko E. I. Problem med utvecklingen av rysk arkitektur i mitten av 1800-talet - början av 1900-talet. - M. , 1989.
  • Kirichenko E. I. rysk arkitektur från 1830-1910-talen. - M . : Konst, 1978.
  • Kiselyov M.F. Symbolism och Art Nouveau i den konstnärliga kulturen under det sena 1800-1900-talet. Problemet med stil // Kostinsky-läsningar. Ensam med samvetet. Artiklar om konst: Samling av artiklar av samtida konstkritiker: Tillägnad minnet av den framstående konstkritikern V. I. Kostin. - M. : Musaget, 2002. - S. 219-238. — 395 sid.
  • Kolotilo M.N. Kvinnodräkt från den moderna eran i Ryssland. - St Petersburg. , 1999.
  • Komarova M. M. Svenskt bostadshus från nationalromantikens era i slutet av XIX - tidiga XX-talet: traditioner och innovation: abstrakt av dis. ... Konstvetenskaplig kandidat: 17.00.04 . - M. : MGU, 2008. - 17 sid.
  • Krastinsh Ya. A. Art Nouveau-stil i arkitekturen i Riga. - M. , 1988.
  • Lisovsky V. G. Modern stil i arkitektur. — M. : Bely Gorod, 2016.
  • Lisovsky V.G. Northern Modern: National-Romantic Trend in the Architecture of the Baltic Sea Countries vid skiftet av 1800-1900-talet. - St Petersburg. : Kolo, 2016.
  • Miller Judith. Samlarguide. Modern. - AST, 2005. - ISBN 5-17-028689-9 .
  • Nashchokina M.V. Architects of the Moscow Art Nouveau. — 1998.
  • Nashchokina M. V. Moscow Modern. - M . : Zhiraf, 2005. - ISBN 5-89832-042-3 .
  • Nashchokina M. V. Moscow Modern. Problemet med västeuropeiska influenser. - M. , 1999.
  • Nashchokina M. V. Hundra arkitekter av Moskvas jugendstil. - M. , 2000.
  • Nechaeva N. A. Estetisk teori om modernitet i Ryssland: Sammanfattning av avhandlingen. ... kandidat för filosofiska vetenskaper: 09.00.04. - S:t Petersburg: Ryska staten. Pedagogiska högskolan. A. I. Herzen, 2006. - 28 sid.
  • Nikolaeva S. I. Symbolens estetik i den ryska modernitetens arkitektur. — M. : Directmedia Publishing, KnoRus, 2003.
  • Rosenthal R., Ratzka H. Moderna tidens brukskonsthistoria. - M . : Konst, 1971.
  • Sarabyanov D.V. Modern stil. Ursprung. Berättelse. Problem. I 2 delar. - M . : Konst, 1989.
  • Sarabyanov D. V. Modern. Stilhistoria. — Galart, 2001.
  • Sarabyanov D.V. Rysk målning från 1800-talet bland europeiska skolor. - M. , 1980.
  • Sternin G. Yu. Rysk konstnärlig kultur under andra hälften av 1800-talet - början av 1900-talet. - M. , 1984.
  • Sternin G. Yu. Om Modern // Museum. - 1989. - Nr 10 .
  • Toubli M. P. Modernitetens era är ett exempel på ett synergistiskt kulturellt utrymme // Theoretical journal of the Russian aesthetic society: journal. - St Petersburg. : Terra Aestheticae, 2018. - Nr 1(1) . - S. 145-169 .
  • Tubli M.P. Så allt detsamma - "Style" eller "Epoch"? // Arkitektonisk almanacka: tidskrift. - St Petersburg. : SPbGASU, 2018. - Nr 3 . - S. 19-27 .
  • Far-Becker G. Art Nouveau. - Konemann, 2004. - ISBN 3-8331-1250-6 .
  • Hardy W. Art Nouveau Guide. - Rainbow, 2008. - ISBN 978-5-05-006996-2 , 1-85627-832-8.
  • Okänd Faberge. - 2003. - ISBN 5-901772-08-3 .
  • ed. Shestakov V.P. Morris Estetik och modernitet. - M. , 1987.
  • Art Nouveau = Art Nouveau  (engelska) / Peter Selz, Mildred Constantine. — New York: Museum of Modern Art, Arno Press, 1972. — 238 sid. — ISBN 0-405-01573-9 .
  • Fahr-Becker, Gabriele. L'Art Nouveau: [ fr. ] . - HF Ullmann, 2015. - ISBN 978-3-8480-0857-5 .
  • Howard, Jeremy. Art Nouveau: Internationella och nationella stilar i Europa = Art Nouveau: Internationella och nationella stilar i Europa  (engelska) . - Manchester, New York: Manchester University Press, 1996. - 240 sid.
  • Lahor, Jean. L'Art nouveau: [ fr. ] . — Baseline Co. Ltd, 2007. - ISBN 978-1-85995-667-0 .
  • Riley, Noel. Grammaire des Arts Décoratifs: [ fr. ] . — Flammarion, 2004.
  • Warren, Richard. Art Nouveau and the Classical Tradition = Art Nouveau and the Classical Tradition  (engelska) . — London, New York: Bloomsbury, 2018. — 232 sid.

Länkar

  Gå till Wikidata-objektet  Ordböcker och uppslagsverk
I bibliografiska kataloger